Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATRO NUEVO APOLO

   

Después de dos años de éxito en París llega a Madrid. ¡Más de 800 funciones y 200.000 espectadores!

  Misión Florimón es una delirante historia de espionaje, a partir de un episodio real y desconocido de la historia de España: Carlos II “El Hechizao” necesita un heredero para salvar la dinastía de los Austrias. Una historia  de la historia de España propuesta por Sebastian Azzopardi y Sacha Danino, bajo la dirección de Yllana. Carlos II “El Hechizao” encarga una misión secreta al agente Florimón. Quien se dirige a Constantinopla con su fiel corcel Francisco Manué. Por el camino se encuentra con la bella Mariflor, a quién seduce cantando hip hop y con la que se enfrentará a todo tipo de malhechores. Una historia desfasada en el tiempo, un espectáculo de capa y espada inesperado, estrambótico, cargado de anacronismos. Es una combinación de humor,anacronismos, juegos de palabras, combates, espías, un caballo y el amor.    

SINOPSIS

1682. El Rey Carlos 2 “El Hechizado” el más “Bobo” de nuestros Reyes (hasta el momento), necesita un heredero para  asegurar su dinastía y evitar que las posesiones de la Corona caigan en manos de Luis XIV “El Rey Sol”. Remedios, pócimas, reliquias, exorcismos todo han intentado… y mucho más que aquí no podemos contar. Su última esperanza: Florimón, el mejor de sus agentes… bueno de los que le quedan… en fin: el único que queda. Objetivo: Constantinopla. Sus adversarios: mercenarios más terribles que los inspectores de hacienda, pérfidos franceses que le persiguen para impedir que alcance su misión… e incluso la distracción de la seductora y bella Mariflor. ¿Evitará Florimón todos los peligros? ¿Conseguirá cumplir su misión? ¿Estamos siempre obligados a plantearnos este tipo de cuestiones en la sinopsis? Si quiere saber más, llámenos, una amble operadora le informara. Una misión a riesgo de la vida de los otros. Y sobre todo, el primer espectáculo que les teletransportara  332 años atrás.    

FICHA

Autores: Sebastien Azzeperdi y Sacha Danino Adaptación: Laura Helena Olivié Dirección: Joe O´Curreen. Yllana Diseño De Iluminación: Jose Manuel Guerra Diseño De Vestuario: Rafael Garrigos Realización Escenografía y Atrezzo: Anna Tussel Jefe de Producción: Rosa Alfageme Gerente Regidor: Laura Santana Productor Ejecutivo: Carlos J. López Comunicación Y Prensa: Ángel Galan Comunicación Distribución: SEDA Reparto: Vanesa Romero,Canco Rodríguez,Marcelo Casas,Jesús Cabrero,Santiago Molero. Una producción de Summum Music en colaboración con Marcelo Casas    
https://www.youtube.com/watch?v=CwTt-WhGTz8  

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

El Teatro Fernán Gómez presenta El Baile de Edgar Neville. Dirección de Luis Olmos. Del 12 de marzo al 4 de mayo. Este baile es un desafío. Es un montaje moderno y valiente, que recupera un clásico de nuestro teatro y lo lleva a escena de una forma nueva y sorprendente, con la firme intención de superar viejos prejuicios. Es una apuesta decidida por el teatro riguroso, en la que hemos cuidado a fondo cada uno de sus detalles. Nada en este baile es gratuito: cada frase, los pormenores de la puesta en escena, de la dirección y la interpretación, han sido cuidadosamente elegidos para hacer llegar al espectador teatro de calidad. El presente Baile no pretende una recuperación de El Baile de 1952, sino muy al contrario, pretende contar el tiempo, el país y el teatro que han transcurrido desde el momento de su estreno -1952- hasta nuestros días, transportando las tres pautas temporales de los tres actos originales -1900/ 1925 /1950- a la primera mitad de los cincuenta, finales de los setenta e inicios del siglo XXI (nuestro tiempo), y diversificando la única pauta espacial original –el salón de la casa- en tres lugares distintos. Interesa no solamente el continuum (el relato) entre los tres tiempos, entre los tres actos, sino preguntarnos qué pasa entre cada uno de ellos.  Al hilo de los tres tiempos que proponemos –inéditos en la tradición de la representación de El Baile, los tres actos se convierten en tres expresiones de tres modos teatrales y comediográficos diversos:  el primer acto es una screwball comedy; el segundo lo queríamos acercar por momentos a un melodrama "buero-vallejiano" y en el tercero queríamos estar cerca de Becket o de Pirandello.
En cualquier caso –premisa fundamental del Baile de 1952, de 2012 y de dentro de otros veinticinco años- es imprescindible preservar el humor, un humor distinto en cada acto.  Este Baile lo que pretende es agudizar, potenciar la armonía entre poesía y humor.
REPARTO Pepe Viyuela es Julián Susana Hernández es Adela Carles Moreu es Carlos CUADRO TÉCNICO Y ARTÍSTICO Autor: Edgar Neville Versión: Bernardo Sánchez Diseño de escenografía: Gabriel Carrascal Diseño de vestuario: Mª Luisa Engel Diseño de Iluminación: Fernando Ayuste Música Original: Yann Diez Jefe técnico: David Pérez Arnedo Técnico de iluminación y sonido: Óscar Cerdeiriña Maquinista: Kiko Sánchez Ramírez Director: Luis Olmos Distribución: PENTACIÓN El Baile es una coproducción de El Vodevil e Iria Producciones. Fechas y horarios: Del 12 de marzo al 4 de mayo. De martes a viernes 20.00 h. Sábados 18.30 y 21.00 h.Domingos 18:30 h. TEATRO FERNÁN GÓMEZ  

 TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA 

   
  • Vuelve la comedia romántica 'A Medianoche' a Madrid. Tras su paso por el Teatro Maravillas el pasado verano, Iñaki Font y Lisi Linder ( que coge el testigo  de Itziar Atienza), bajo la dirección de Roberto Romei,  EL SOL DE YORK el pasado 30 de enero y el 4 de abril en el Teatro Alfil , llega al Teatro Arlequín Gran Vía donde podrá verse en JULIO todos los viernes a las 21:30h.
  Una comedia con canciones, canalla, divertida y sexual. Exito en toda Europa. Ella es una mujer que él no se puede permitir, él no es su tipo, no deberían acostarse jamás.  Por eso lo hacen y… Bob y Helena se conocen en plena crisis, involuntariamente, en un local de moda.El destino, con las peripecias de un fin de semana, hará que puedan comenzar a vislumbrar un nuevo horizonte entre el espesor de la lluvia escocesa que les permitirá recuperar las ganas de vivir y la posibilidad de mirar el mundo con una sonrisa. Un viernes por la noche, Helena, joven abogada de carrera con una terrible necesidad de encontrar una relación fija, después de haber sido plantada, echa un vistazo a su alrededor y ve a Bob, un artista frustrado que vive de negocios dudosos. Se acerca y le propone una sonada borrachera con final de sexo. La mañana siguiente, cada uno vuelve a su personal lucha con la vida, pero la magia de San Juan hará que se vuelvan a encontrar y, juntos, vivirán el más surrealista, divertido y poético fin de semana de su vida: “The change is posible”.   FICHA Autor: DAVID GREIG y GORDO MCINTYRE Traducción: JORDI PRAT I COLL Dirección: ROBERTO ROMEI Ayudante de Dirección: EKAITZ GONZÁLEZ Diseño escenografía y Vestuario: ROGER ORRA Diseño de Iluminación: XABIER LOZANO Técnicos de Iluminación y Sonido: MAYKEL RODRIGUEZ, TXEMA GONZÁLEZ Fotografía: GERALDINE LELOUTRE Diseño Gráfico: SUTGÉNERIS Administración: MAITE GORROTXATEGI Producción Ejecutiva: FERNANDO BERNUÉS y KORO ETXEBARRIA Ayudante de Producción: ANE ANTOÑANZAS Distribución: JULIO PERUGORRIA Intérpretes: LISI LINDER e IÑAKI FONT Coproducción: TANTTAKA TEATROA, ALBENA TEATRE y TEATRE TANTARANTANA Fechas y horarios: JULIO. Viernes a las 21:30h.   TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA Descargar: DOSSIER    
 
 

 NAVES DEL ESPAÑOL - MATADERO 

   
“Al principio no se trata de entender sino de amar” (André Breton.) "Sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida, ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí." (Salvador Dalí.)
  En un salón destartalado del París de 1937 presenciamos el encuentro de dos grandes genios acompañados por las voces de sus musas: GALA vs DORA MAAR; y Barrabal, el macho cabrío de Picasso: un enfrentamiento surrealista pero muy real y un desenlace arrabalesco. En la tensa atmósfera de este drama se recrea el encuentro de los dos genios discutiendo sus dos obras emblemáticas sobre la Guerra Civil (Premonición y Guernica) en vísperas de la inauguración de la Exposición Internacional de París de 1937, cuando España ardía ya por el odio y la metralla. En este espejismo alucinante los protagonistas se atacan y defienden, y el análisis crítico a que someten a sus respectivas obras no puede terminar sino en una apoteosis sacrificial, liberadora, catártica, arrabalesca, en la que uno de ellos oficia de sacerdote del otro. La visión que cada uno de los protagonistas tiene de la obra del otro ofrece todo un prisma de interpretaciones que Arrabal va diseccionando en un juego de máscaras fascinante. Desmitificación, alienación, ceremonia, locura, ritmo que no puede acabar sino en la inmolación de uno de ellos.  DALÍ versus PICASSO muestra la facilidad de Arrabal para desencadenar una situación, con frescura de diálogos,  vértigo en la acción y, sobre todo, con el intenso patetismo de esos personajes atados a su triste destino, creadores de mundos y de personajes que no son y que se ven abocados a la última ceremonia de la confusión. ¿Qué es ser? ¿Qué no ser? ¿Quién sabe quién es? ¿No es un loco, un quijote, quien lo pretenda?  

FICHA ARTÍSTICA

Autor: Fernando Arrabal Dirección y escenografia: Juan Carlos Pérez de la Fuente Iluminación: José Manuel Guerra Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas Espacio sonoro: Tuti Fernández Diseño video: Emilio Valenzuela Asesor de magia: Alejandro García May Ayudante de dirección: Pilar Valenciano Ayudante escenografía: Emilio Valenzuela Coordinación artística: Rosario Calleja Asistente coordinación: María José Castells Reparto: Antonio Valero, Roger Coma Voces en off: Kouberskaya, Julieta Cardinali Una producción del TEATRO ESPAÑOL Fechas y horarios: Del 12 de febrero al 16 de marzo de 2014 De martes a sábados 20:30 y los domingos a las 19:30.    NAVES DEL ESPAÑOL - MATADERO    

 TEATRO MUÑOZ SECA 

 
  • Hay que deshacer la casa, de Sebastián Junyent. Con Andoni Ferreño y Ramón Langa llegará al Teatro Muñoz Seca el 21 de AGOSTO.
Sebastián Junyent ganó el ganador del Premio Lope de Vega al mejor texto teatral en el año 1985 por Hay que deshacer la casa. La obra, protagonizada por Amparo Rivelles y Lola Cardona fue estrenada en el 85. En Argentina la interpretó Charo López. En 1986 fue llevada al cine por José Luis García Sánchez y protagonizada por Amparo Rivelles y Amparo Soler Leal.   SINOPSIS Dos hermanos –Álvaro y Cosme- separados por la distancia los enfrentamientos tienen que verse, inevitablemente, cara a cara. Uno abandonó la casa familiar para instalarse en París. Los padres quedaron al cuidado del otro, en una pequeña ciudad de provincias. El inevitable reencuentro se produce tras el fallecimiento de los padres. Deben repartirse la herencia en el domicilio familiar. Con cada objeto surge un recuerdo, con cada lote un reproche o una justificación. El deseo de terminar rápidamente con el tenso reencuentro les lleva a iniciar una disparatada partida de cartas, jugándose con ella los lotes. La casa queda levantada, pero la relación fraternal no vuelve a ser la misma tras la catarsis, a ratos divertida, a ratos dramática y siempre emocionante.   FICHA ARTÍSTICA Autor: Sebastián Junyent Versión, adaptación y dirección: Andoni Ferreño Escenografía: Plenum Concept Fotografía y Diseño: Pedro Gato Prensa: Ángel Galán Comunicación Intérpretes: Andoni Ferreño Y Ramón Langa Distribución: Iraya Producciones Fechas y horarios: del 21/08/2014 al 14/09/2014  TEATRO MUÑOZ SECA  
 

 TEATRO MARAVILLAS

    Vuelve uno de los éxitos del musical de nuestro país, PEGADOS, una producción de Kaktus Music se estrenó el 2 de febrero de 2010 en el Almería Teatre de Barcelona. Posteriormente llegó al Teatro Arenal y regresó a Madrid en el 2011 al Teatro Alfil. Ha superado las 400 funciones y después de visitar numerosos teatros de toda España, llega al Teatro Maravillas. Pegados, un musical diferente se ha convertido en el segundo musical español, tras Hoy no me puedo levantar, que se representa en México. En enero de 2012 se estrenó la versión mexicana del musical, producida por Alejandro Gou. Argentina es otro de los países que ha adquirido los derechos y la adaptación argentina se ha estrenado recientemente: el 2 de agosto de 2013 en el Teatro Chacarerean de Buenos Aires. Además, la productora ha vendido los derechos de adaptación y exhibición a Alemania. En estos momentos se negocia la venta a Estados Unidos y Francia.  

SINOPSIS

Chico y chica se conocen en una discoteca y acaban practicando sexo en el baño. Hasta aquí, lo habitual. Pero la trama se enreda cuando chico y chica descubren que no pueden separarse: Se han quedado literalmente enganchados y se ven obligados a acudir a urgencias, donde pasarán un largo rato esperando al doctor -que es a la vez el pianista del espectáculo- con la única compañía de una enfermera poco dispuesta a atenderles. Ambos estarán pegados y obligados a conocerse durante una espera alocadamente cómica y musical. Pegados es la historia de dos jóvenes que se conocen en una discoteca y por esas cosas del azar y la testosterona, terminan consumando el acto sexual en un vulgar lavabo. La historia podría terminarse así, como así terminan muchas historias nocturnas de jóvenes, música y alcohol. Pero nuestros protagonistas se encontrarán con un problema con el que no contaban: debido a una extraña pero médicamente explicable situación, justo al final de su musical y sexual encuentro, el chico no consigue sacar su "aparato sexual" del interior de la chica. Se quedan literalmente PEGADOS. Después de una serie de artimañas sin éxito buscando el modo de despegarse, deciden ir a un hospital. Y aquí es donde empieza nuestra historia. Los dos se encuentran en una misma cama del hospital, unidos, esperando al doctor y con la única compañía de una enfermera que no parece darle mucha importancia al asunto. La espera será eterna, el doctor no llegará hasta el final de la función. ¿Por qué? Pues porque casualmente el doctor es, al mismo tiempo, el pianista del musical, y si deja su sitio en el piano, el espectáculo no podría realizarse. Los dos protagonistas estarán pegados y condenados a entenderse y a conocerse durante esa larga espera en el hospital. Una espera tensa, alocadamente cómica y por encima de todo, musical.  

ELENCO

Chico: Xavi Melero Chica: Patricia Paisal Enfermera: Gemma Martínez Pianista Doctor: Joan Miquel Pérez / JJ Caro

FICHA

Dirección: VÍCTOR CONDE Texto, letras y música: FERRAN GONZÁLEZ Letras y música: ALÍCIA SERRAT Arreglos y Dirección Musical: JOAN MIQUEL PÉREZ Coreografía: ÓSCAR REYES Diseño de sonido: CARLES AULÍ Producción: The Kaktus Music Corporation Escenografía y vestuario: Naudi & Vitarelli Scenography Fecha y horarios: viernes y sábados a las 23:00h. Desde el 7 de febrero al 1 de marzo de 2014 en el TEATRO MARAVILLAS Canal de youtube: pegadosdespega Faceboook: PEGADOSmusical  
 
Tras su exitoso paso por el Teatro Victoria Eugenia de Donostia y en los Centros Culturales Fundación Novacaixa Galicia de Vigo y Pontevedra, "Última edición", el último proyecto de Secuencia 3 junto con Txalo Producciones y Olympia Metropolitana, comenzó su gira el 9 de enero en el Teatre Talia de Valencia. Dirigido por Gabriel Olivares con texto de Eduardo Galán y Gabriel Olivares. Protagonizado por Natalia Dicenta, Ana Ruiz, Javier Martín y Patxi Freytez. El 5 de Noviembre Natalia Dicenta presentó su primer disco en el Teatro Bellas Artes: COLOURS. Y hace dos años brilló con luz propia en la obra Al Final Del Arcoiris, dando  vida a Judy Garland. 'For once in my life', 'Somewhere over the rainbow' o el apoteósico 'Get happy' final serán dificiles de olvidar.

VER OBRA COMPLETA

https://youtu.be/AwMoyNRVqXw

SINOPSIS

Ante la crisis de lectores y el enorme descenso de venta de periódicos, se acaba de practicar un ERE en la redacción de “El Universal”. Sin embargo, es contratada Minerva, una joven y brillante redactora, por la que apuesta el consejo de administración del periódico para que colabore a modernizar la edición digital y a contribuir con su formación al relanzamiento del periódico. Minerva es recibida con recelo por parte de Tatiana Paluzzo, la directora del periódico desde hace 25 años, y por Fuentes, viejo amigo de Tatiana y redactor jefe del diario. En estas circunstancias surge una noticia que puede dar lugar a una investigación periodística que pondría al diario en el foco de la noticia. Escrita en forma de “thriller”, con muchos toques de humor y en tono de comedia, supone un homenaje a películas de la categoría de “Eva al desnudo”, “Armas de mujer” o “Todos los hombres del presidente” y, por supuesto, a series de investigación como la reciente “Homeland”. El final, casi en forma de juego de pícaros, acaba sorprendiendo a todos.

NOTA DE LOS AUTORES

“PALABRAS, PALABRAS, PALABRAS” (Lo dijo Shakespeare, ¿no?) El denominado “cuarto poder” ha servido durante décadas de contrapeso al  poder de los diferentes gobiernos ejecutivos en todos los países democráticos. Gracias al cine hemos contemplado el periodismo como una profesión de ciudadanos entregados a la defensa de la verdad y a la búsqueda de la noticia. Aunque en ocasiones, también hemos contemplado la otra cara de la moneda: el poder de los propios medios de comunicación. Una profesión apasionante. Y hoy en día una profesión sobre la que se ha cebado la crisis económica… De todo ello se habla en “Última edición”, en forma de thriller de investigación periodística con muchos toques de humor. Han sido los periodistas quienes nos han informado de las cloacas del Estado, de una realidad “democrática” de la que no podemos sentirnos orgullosos en un Estado de Derecho. Sin embargo, la crisis económica y el desarrollo de las nuevas tecnologías están conduciendo a la desaparición de los medios de comunicación tal y como han venido funcionado durante el siglo XX y el inicio del siglo XXI. ¿Es el ocaso de la prensa libre o el inicio de una nueva era de la información en donde los blogs y las redes sociales van a sustituir al “viejo periodismo”? En “Última edición” queremos rendir homenaje a una profesión que ha contribuido a hacernos ciudadanos libres. Una profesión que asiste, desconcertada, hacia un futuro incierto. Una profesión que ha recibido homenajes en el mundo del cine en películas inolvidables como “Primera plana”, “Ciudadano Kane” o “Todos los hombres del presidente”. En series españolas de TV como “Periodistas”… “Última edición” es para nosotros, sobre todo, un grito de libertad y de protesta. Un grito contra el conformismo y los buenos modales que nos conducen al hundimiento económico y moral de la sociedad. No es cierto que “todo vale”. En cualquier caso, un poquito de intriga y de sentido del humor nos ayudará a sobrellevar mejor estos tiempos en los que la incertidumbre nos impide mirar la vida con optimismo. Seamos positivos: el teatro es una forma de mirar la vida con una sonrisa en la cara. Y si el final te sorprende, guarda el secreto. No lo divulgues. O como dijo Shakespeare: “palabras, palabras, palabras”. ¿O no? Eduardo Galán y Gabriel Olivares
 

TEATRO DE LA ABADÍA 

 

Teatro de La Abadía presenta

LA PUNTA DEL ICEBERG

de Antonio Tabares

  UN INQUIETANTE THRILLER, un ambiente laboral marcado por la incomunicación y la dependencia enfermiza de la productividad, los resultados concretos, las cifras estadísticas...   El autor Antonio Tabares estrena La punta del iceberg en el Teatro de La Abadía, en Madrid. Sergio Belbel, uno de los autores y directores de teatro catalán, se fijó en este texto en el año 2011 y se puso en contacto con el autor porque quería ponerlo en pie. Dos años después, Belbel ya tiene el plantel seleccionado y el teatro en el que subirá el telón el próximo 26 de febrero de 2014 con una historia de relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil.   "Una obra sobre las relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil"  

SINOPSIS

Una empresa multinacional se ve sacudida por el suicidio de tres de sus empleados en apenas cinco meses. Desde la sede central, la compañía envía a una directiva para llevar a cabo una investigación que trate de aclarar lo sucedido. En sus encuentros con los trabajadores se percibe un ambiente cargado de presión, sin la menor consideración por los intereses personales de cada uno, porque se concede prioridad absoluta a los resultados. Con La punta del iceberg -texto galardonado con el Premio Tirso de Molina 2011 y el Premio Réplica 2012-, La Abadía apuesta por el asombroso talento del dramaturgo canario Antonio Tabares, como en temporadas anteriores ha programado a otros autores pocos conocidos como Paco Bezerra y Manuel Calzada, que a su vez se sumaron a autores-directores como Sanzol y Del Arco y la figura inolvidable de Agustín García Calvo. Sergi Belbel, que como director del Teatre Nacional de Catalunya se esforzó por apoyar la nueva escritura y que descubrió a Jordi Galcerán, vuelve a abordar el tema, tan reconocible para cualquiera y agudizado a raíz de la crisis, de las tensiones en el ámbito laboral que asimismo afectan la vida privada, como hizo en El método Grönholm y en Después de la lluvia.    

FICHA

Autor: Antonio Tabares Dirección: Sergi Belbel Escenografía: Max Glaenzel Diseño de iluminación: Kiko Planas Espacio sonoro: Javier Almela Ayudantes de dirección: Andrea Delicado y Sara Filipa Reis Reparto: Pau Durá, Nieve de Medina, Chema de Miguel, Luis Moreno, Eleazar Ortiz. Producción: Teatro de La Abadía Fechas y horarios: De martes a sábado, 20 h. Domingo, 19 h. Desde 26 de febrero de 2014 hasta 30 de marzo en el    TEATRO DE LA ABADÍA  
https://www.youtube.com/watch?v=snvkNeXbP-g  

TEATRO DEL BARRIO

presenta

LA LENGUA EN PEDAZOS

del 11 al 25 de febrero.

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ÓPERA DE MADRID

 
  • El 7 de Marzo dará comienzo con “Rigoletto” de Giuseppe Verdi, el ciclo Lírico programado para esta primavera en el Teatro Reina Victoria de Madrid de la mano del empresario teatral Enrique Cornejo y a cargo de “Ópera de Madrid”.
  • ÓPERA DE MADRID nace de la iniciativa de un grupo de artistas decididos a crear la primera compañía privada de España con una temporada lírica estable.
  • Dos empresarios privados, Enrique Cornejo y “Ópera Madrid”, aúnan sus esfuerzos en un compromiso común con la cultura musical. Se encuentran ilusionados y desean que este proyecto sea un referente en la ciudad de Madrid para toda España y para el turismo tanto nacional como internacional.
  Un proyecto que busca cambiar la imagen que el gran público tiene de la ópera y la zarzuela. La ópera es mucho más que un espectáculo para élites. Y proponen una vía alternativa entre las propuestas extremadamente vanguardistas, incomprensibles para el gran público y las visiones tópicas, simplistas y anticuadas que ofrecen algunas compañías de bajo presupuesto. Ópera en Madrid de calidad a precios competitivos.  
La primera temporada de Ópera de Madrid comienza del 7 al 30 de Marzo con RIGOLETTO, de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basada en la obra teatral Le Roi s'amuse, de Víctor Hugo. Del 4 al 27 de Abril llegará EL BARBERO DE SEVILLA, de Gioachino Rossini y libreto de Cesare Sterbini, basado en la comedia de Pierre-Augustin de Beaumarchais. Del 1 al 25 de Mayo LA BOHÈME, de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la novela por entregas de Henry Murger. El programa doble compuesto por “Agua, Azucarillos y Aguardiente” y “La Gran Vía”, ambas del maestro Chueca,  se podrán disfrutar del 30 de Mayo al 22 de Junio entre semana. Y la mañana de los domingos del mes de Mayo se representará ”Carmina Burana” (La Cantata). Completan este ciclo, los Jueves Líricos con Conciertos a piano los días 20 y 27 de marzo, 10 y 24 de abril, 15 y 22 de mayo y 12 y 19 de Junio. Dirección escénica: Carlos Wagner. Dirección Musical: Alexis Soriano,José Fabra. Una producción de Zommeropera para el Festival de Alden Biesen Bélgica. TEATRO REINA VICTORIA Facebook: operademadrid  

ZARZUELA , PROGRAMA DOBLE: "LA GRAN VIA" Y "AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE"

  Programa doble en el Teatro Reina Victoria, Ópera de madrid presenta las zarzuelas “Agua, azucarillos y aguardiente” y “La Gran Vía”. Agua, azucarillos y aguardiente es una zarzuela en un acto con música de Federico Chueca y libreto de Miguel Ramos Carrión. Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897. “Agua, azucarillos y aguardiente” era un grito habitual de los vendedores callejeros en el Madrid de finales del siglo XIX. La Gran Vía es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886 y representada después largamente en el Teatro Apolo. Del 30/05/2014 al 22/06/2014    
 
 

 TEATRO VALLE-INCLÁN

    La novela de Fernando Fernán Gómez 'El viaje a ninguna parte' se publicó en 1985. Relata la historia de una compañía de teatro itinerante que viaja por los pueblos de Castilla-La Mancha desde el comienzo del franquismo hasta que los cines casi acaban por completo con estas pequeñas compañías. La figura central de la historia es Carlos, un hombre de mediana edad al que acompañan su padre, su hijo, una prima jovencita, otra prima, la novia del personaje central y un amigo; todos ellos forman la compañía Iniesta-Galván. La novela cuenta la vida de esta gente y cómo tienen que ir amoldándose a las circunstancias de la época; cómo algunos de ellos deciden tomar otro camino y abandonar el teatro. Mediante el personaje del «jodío peliculero», Fernán Gómez narra cómo las pantallas de cine y los cines de barrio fueron restando protagonismo a estas compañías de teatro. En 1986 el propio Fernando Fernán Gómez dirigió la versión cinematográfica de El viaje a ninguna parte (1986).   Basada en una novela de Fernando Fernán Gomez, uno de los grandes nombres del teatro y el cine del siglo XX en España (actor, director y escritor) El viaje a ninguna parte cuenta la decadencia y muerte de una compañía de teatro ambulante que viaja por los pueblos de la España profunda en los años 50, representando obras del repertorio cómico en cafés, casinos o plazas. El viaje a ninguna parte es una crónica del cambio de los tiempos, de la desaparición de una forma de ejercer la profesión, arrinconada por el auge del cine, la radio y otros entretenimientos, y también un retrato de la vida rural en plena dictadura franquista, en unos tiempos de hambre, miseria y pobreza espiritual y cultural, poblado por unos personajes, medio artistas, medio pícaros, que aman y odian su oficio a partes iguales. Es un texto lleno de humor, melancolía y humanidad; un homenaje al teatro y a los cómicos, que fue llevado al cine, pero que, por la naturaleza de su argumento, encuentra en el teatro su destino natural. Ignacio del Moral  

FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

Nació en Lima (1921) y murió en Madrid (2007). Actor, escritor, guionista y director de teatro y de cine. Fue miembro de la Real Academia Española desde el año 2000 hasta su fallecimiento. Hijo de los actores Carola Fernán Gómez y Luis Fernando Díaz de Mendoza, debutó como actor profesional, en 1938, en la compañía de Laura Pinillos. Allí le descubrió Enrique Jardiel Poncela, quien le dio su primera oportunidad, dos años más tarde, al ofrecerle un papel en Los ladrones somos gente honrada. En el cine, interpretó su primera película, en 1943, y dos años más tarde ya como protagonista participó, junto a Conchita Montes, en Domingo de carnaval. Intervino en casi doscientas películas, más de treinta obras de teatro, treinta espacios de televisión; y dirigió veintiocho películas, cuatro obras de teatro y seis programas de televisión. Así mismo escribió once novelas, once obras de teatro, dos libros de poesía, varios libros de literatura infantil, de memorias y múltiples artículos y ensayos. Entre sus textos de teatro hay que destacar: Morir cuerdo y vivir loco; Defensa de Sancho Panza; Los invasores de palacio; El Pícaro; Ojos de bosque; Las bicicletas son para el verano; La coartada; Los domingos bacanal y Del Rey Ordás y su infamia. En teatro interpretó, entre otras, las siguientes obras: El alcalde de Zalamea; Un enemigo del pueblo; La pereza; La vil seducción; Mayores con reparo; El caso del señor vestido de violeta; Es peligroso asomarse al exterior y Madre, el drama padre. Cabe destacar entre sus películas: Balarrasa; Esa pareja feliz; La venganza de Don Mendo; Ana y los lobos; El espíritu de la colmena; El amor del Capitán Brando; El anacoreta; El viaje a ninguna parte; Mambrú se fue a la guerra; Esquilache; Belle Époque; Tranvía a la Malvarrosa; Plenilunio; El abuelo; La lengua de la mariposa; Todo sobre mi madre; En la ciudad sin límites; Para que no me olvides o La silla de Fernando. Múltiples premios consiguió a lo largo de su exitosa carrera; entre ellos: Premio Nacional de Teatro (1985); Premio Nacional de Cinematografía (1989); Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1995); Premio Mariano de Cavia (1999); Medalla de Oro de la Academia de las Artes (2001), así como varios premios en el Festival de Berlín, Venecia y San Sebastián, seis premios Fotogramas de Plata, dos de la Unión de Actores y la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio a título póstumo, otorgada por el Gobierno de España (2007).    

FICHA

Versión: Ignacio del Moral Dirección: Carol López Escenografía: Max Graenzel Iluminación: Juan Gómez Cornejo Vestuario: Myriam Ibáñez Música: Luis Miguel Cobo Videoescena: Álvaro Luna Ayudante de dirección: Anna Rodríguez Costa Reparto: Amparo Fernández, Antonio Gil, Andrés Herrera, Olivia Molina, José Ángel Navarro, Tamar Novas, Miguel Rellán, Camila Viyuela. Producción: Centro Dramático Nacional Fechas y Horarios: 14 de febrero a 6 de abril de 2014 Martes a sábados: 20:30 horas. Domingo: 19:30 horas    TEATRO VALLE-INCLÁN  
 

TEATROS DEL CANAL 

 
  • Garage D´Or es un relato sobre el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad.
  Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Garage D’Or, un espectáculo dirigido por Michael Vogel e interpretado por la compañía Familie Flöz, en el que se relatan la impotencia de los padres, el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad. Este montaje estará en Madrid 5 únicas funciones del 23 al 26 de enero en la Sala Roja. Apretados en la estrechez de su cocina, el cielo se nubla sobre Bruno, Lothar y Hermann, densificando el deseo de huir de todo lo terrestre: sus esposas exigentes, sus hijos difíciles de educar, sus vidas aparentemente fracasadas. Impulsados por un ansia imposible de satisfacer, empujan una puerta que ya no pueden volver a cerrar. Su misión les lleva por la vastedad inimaginable del espacio y hasta las más oscuras profundidades de sus propios seres. Con esta nueva producción de teatro gestual y de máscaras, conocido internacionalmente por su poesía y humor, Familie Flöz sigue adentrándose en el extenso campo del otro lado de la palabra y en la búsqueda de una lengua teatral internacional. Las máscaras actúan como sismógrafos del alma humana: en un momento hacen llorar de risa y en el próximo parecen lograr detener el tiempo. Familie Flöz hace teatro con medios que “preceden” al lenguaje oral. Todas las piezas se fundamentan en un proceso de creación colectiva, en el que los intérpretes actúan también como autores de las figuras y situaciones. Al no existir un grupo fijo, cada pieza encuentra un nuevo conjunto de actores, quienes junto a la obra deben desarrollar también sus propios métodos de trabajo a lo largo del proceso de prueba. Los fundamentos artísticos y artesanales del grupo están determinados por el estudio en la Folkwang-Hochschule de Essen, siendo uno de sus principios unir entre sí, de modo fructífero, las diferentes disciplinas artísticas. Las características máscaras de Flöz son también una herramienta importante para el desarrollo del material dramático y de las figuras. De modo similar a un texto, una máscara no sólo aporta una forma, sino también un contenido. El proceso de desarrollo de una máscara, desde el juego de las primeras pruebas hasta llegar a la simbiosis entre actor y máscara, es literalmente decisivo para el resultado. El actor tras la máscara escribe la escena con su cuerpo, en el aire. Una FAMILIE FLÖZ co-producción con el Theater Duisburg y La Strada Graz con apollo de Festival Anjou, Stadsschouwburg Utrecht y Centro Servizi Culturali Santa Chiara. FICHA Dirección: Michael Vogel Máscaras: Hajo Schüler Escenografía: Michael Ottopal, Andrey von Schlippe Vestuario: Julia Moritz Música: Dirk Schröder Luces: Reinhard Hubert Art Work, Video: Silke Meyer Video, Animación: Andreas Dihm Asistencia de Dirección: Sandy Schwermer Manager de Producción: Gianni Bettucci Asistencia de Producción: Henrike Beran Asistencia: Marina Rodriguez Llorente Foto: Jan von Holleben Creación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri, Michael Vogel. Interpretación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri. Fechas y horarios: del 23 al 26 de enero. Jueves y viernes 20.00 h. Sábado 17.30 y 21.30 h. Domingo 18.30 h. Sala Roja de los TEATROS DEL CANAL