Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

SALA MIRADOR

 

PRODUCCIONES CRISTINA ROTA presenta:

ENTRE TU DESEO Y EL MÍO Del 22 octubre al 29 de noviembre 2015

  ENTRE TU DESEO Y EL MIO es el nombre de la nueva obra de Juan Diego Botto después del éxito de Un trozo invisible de este mundo, cuatro Premios Max 2014. A partir del 22 de octubre en la Sala Mirador. La obra está interpetada por su hermana María Botto,  Mateu Bosch y Carmen Balagué y dirige y produce su madre, Cristina Rota. Su hermana Nur participa en la banda sonora.  

SINOPSIS

Mientras traga pastillas frente al espejo del baño decidida a acabar con su vida, María recuerda los momentos decisivos de su existencia. En una pieza cargada de humor, ironía, música y drama vamos internándonos en la relación de María con su madre, una mujer decidida a que su hija sea una estrella de la canción. La obra arranca con una importante carga de humor negro e ironía para ir entrando, de la mano de las canciones y la música, en temas más complejos que indagan en la relación simbiótica de una madre con su hija, una relación donde la necesidad de triunfar, de ‘ser alguien’, de huir de la invisibilidad a la que parecen estar condenados los ‘nadie’ de este mundo, esconde un inmenso vacío existencial.  

NOTA DEL AUTOR

“María trata de escapar de un mundo donde el amor, el afecto, el tiempo para decidir y escoger el propio destino parecen lujos reservados a unos pocos. Desde la ironía y el drama la pieza conecta con esa niña o niño que llevamos dentro y que a veces nos mira para preguntarnos: ¿Eres lo que me prometiste que íbamos a ser? La obra surge inicialmente inspirada por Maria Botto y, de hecho, ella fue desde el principio la única actriz que imaginaba en ese personaje. La voluntad de reflexionar sobre el deseo en su sentido más amplio, el deseo como motor de vida y sobre la dependencia fueron apareciendo poco a poco. Más tarde llegó, casi de la mano del deseo, una mirada sobre cómo se configura nuestra propia identidad y de qué manera ésta está condicionada hoy en día por el reconocimiento público. ‘Llegar a SER alguien’ es una frase habitual que esconde que la existencia misma está condicionada a su valor de mercado. Para que esta pieza pudiera arrancar era imprescindible encontrar una actriz que conjugara el sentido del humor y la verdad en el drama que precisa el personaje de la madre…, y apareció Carmen Balaguer. Y por supuesto el texto permaneció vivo y mutante para ser completado por la mirada siempre certera de Cristina Rota”.
Juan Diego Botto
 

Entre tu deseo y el mio de Juan Diego Botto en la Sala Mirador

 

FICHA

Dirección: Cristina Rota Guión / autor: Juan Diego Botto Escenografía: Mónica Boromello y Alesio Meloni Iluminación: Rota y Díaz Cortés Intérpretes: Maria Botto, Mateu Bosch y Carmen Balagué Producción Cristina Rota Fechas y horarios: Del 22 octubre al 29 de noviembre 2015 Viernes y sábados a las 20h. Domingos a las 19:30h en la   SALA MIRADOR  
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 TEATRO REINA VICTORIA

 

Estreno viernes 23 de septiembre a las 23h.

  Los pijos también lloran, una comedia salvaje donde Fernando Candela, con la ayuda de Luján Argüelles, nos hará conocer las situaciones más surrealistas del mundo del glamour y las celebrities, donde no todo es lo que parece. A partir del 23 de septiembre en el Teatro Reina Victoria.  

SINOPSIS

A mediados de los años noventa el mundo se dividía entre los que eran pijos y los que no y fue entonces, cuando siendo todavía muy joven, Fernando Candela comenzó a darse cuenta de su poder de seducción para conseguir todo lo que se proponía trabajando de relaciones públicas y organizando eventos. Su éxito creció como la espuma y cuando tenía poco más de veinte años ya estaba en la lista V.I.P. de todas las fiestas, premios, conciertos y comenzó a organizar los mejores eventos de la ciudad. A la vez que subían sus comisiones lo hacía el tamaño de su agenda, que estaba llena de teléfonos de famosos, futbolistas, artistas y cantantes, algunos de los cuales le confiaron la gestión de sus carreras. Consiguió lo más importante, el “quan”: todos a su alrededor pensaban que él podía conseguir lo que necesitasen. Ahora se enfrenta al evento más importante de su carrera con la presentadora del momento Lujan y no pueden fallar ya que es la oportunidad para demostrar que somos internacionales, que España está a la altura y puede salir de la crisis, demostrando su talento a nivel mundial. El resultado es una comedia salvaje que nos hará conocer las situaciones más surrealistas que ha vivido moviéndose en este mundo tan fantástico, deslumbrante y codiciado… pero puede que no todo sea como parece y que haya algo más, que no nos han dejado ver y que ahora estamos a punto de descubrir, y es que Los pijos también lloran. Pero Fernando no se quedará en lo superficial ya que esta no es una época de cambios, sino un cambio de época, y nos hará sintonizar con lo esencial para triunfar, cuando todo está por descubrir, cuando el trabajo es emocionante, cuando cada día es diferente y divertido y cuando nos creemos capaces de todo. Nos daremos cuenta de que todos los días podemos tener nuestra fiesta V.I.P. en casa, que podemos entregar premios a nuestra gente más querida y que podemos conseguir nuestros deseos y sueños y sobre todo que podemos llorar de risa de nuestras propias pijadas.  

FICHA

Idea Original: Fernando Candela Guión y Dirección: Marta González de Vega Iluminación: Nuria E.Ramírez Producción Audiovisual: FIKCIO Diseño Gráfico: Irene Milkini Fotografía: Santiago Bargueño Producción: Toma Trabuco Prod LTD Intérpretes: Fernando Candela, Luján Argüelles Fechas y Horarios: Estreno viernes 23 de septiembre a las 23h. Los martes a las 20h. Viernes a las 22h.   TEATRO REINA VICTORIA   [button link="http://bit.ly/2b5mfPj" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]  
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TEATRO VALLE-INCLÁN 

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS 2019 CON Carmen Machi

 

El Teatro de Cámara Chéjov presenta EL JARDÍN DE LOS CEREZOS de Chéjov. Del 8 al 24 de mayo en el Teatro Valle-Inclán. 2015

  Regresa la versión de El jardin de los cerezos del Teatro de Cámara Chejov que pudo verse unos días la pasada temporada en el Nuevo Teatro Alcalá. Gracias al Centro Dramático Nacional podremos ver del 8 al 24 de mayo la versión de Ángel Gutiérrez. El histórico introductor en España del método Stanislavski a través del Teatro de Cámara Chejov, compañía que crea en 1979 y con la que ha dirigido más de 50 espectáculos. Desde su fundación la Escuela de Arte Teatral mantiene un contacto directo con las Escuelas de Teatro más prestigiosas de Moscú: la Escuela de Teatro del Teatro de Arte de Moscú, la Escuela de Vajtangov, GITIS (Academia de Arte Teatral de Rusia), etc.   Chéjov escribió El jardín de los cerezos poco antes de su muerte, con 44 años. El punto de partida de la obra son los problemas financieros de una familia aristocrática rusa, que se ve obligada a convertir su hacienda en un centro vacacional para evitar perderla. En un momento de la obra aparece un elemento misterioso: un lamento estremecedor y lejano, un gemido que hiela la sangre a todos los personajes presentes en escena y que se repite a lo largo de la obra. Nadie ha podido determinar, en más de 100 años, qué significa ese sonido exactamente. ¿Dolor? ¿Desesperación? ¿Vacío existencial? “Cuando los actores preguntaban a Chéjov durante los ensayos qué significaba aquel sonido, él callaba tercamente”, explica Gutiérrez.     MI CHÉJOV  Por Ángel Gutiérrez Descubrí a “mi Chéjov” leyendo sus relatos: fue lo primero que leí. Me sorprendió ante todo la brevedad y la sencillez de la forma, algo tan natural como el fluir de un manantial: no hay nada forzado, ni artificial en la descripción de los personajes. Por otro lado, he descubierto a un tipo de personas idénticas a las de nuestro tiempo, con los mismos problemas que nos preocupan hoy, los mismos problemas éticos, morales, políticos, artísticos... pero que, al tiempo, son incapaces de organizar su vida cotidiana. Me conmueve la búsqueda constante de la verdad en toda la obra de Chéjov. Nunca vi sus personajes como literarios, sino como personas muy conocidas de la vida y muy cercanas a mí. Me vi a mí mismo en casi todos sus personajes: entrañables, siempre dudando de todo, soñadores, buenos, desdichados, atolondrados, ociosos, absurdos... Siempre quise saber: ¿quién está detrás de todo este mundo mágico, detrás de esos personajes entrañables, tristes y absurdos? ¿Cómo era el mismo A. Chéjov? Cuando leí sus cartas, se me empezó a abrir su figura como persona y muy pronto comprendí que, junto con Goethe, fue el único autor que se convirtió para mí en el ideal y modelo digno de imitar. Me fascina su modestia, su afán de perfeccionamiento constante, la capacidad de autocrítica severa y de auto exigencia digna de un santo, su infinita generosidad y la disponibilidad para ayudar a la gente en cualquier situación. Basta recordar su labor como médico en los pueblos y aldeas, la construcción de escuelas, hospitales y bibliotecas para los campesinos y para su ciudad natal. Era implacable con la injusticia y no perdonaba la ociosidad, la pereza y, sobre todo, la vulgaridad. Desde que muy joven empecé a leer sus relatos, su obra dramática y sus diarios, comprendí que era un ejemplo a seguir, y que para dedicarme a poner en escena sus obras debo, ante todo, preguntarme quién soy yo y si soy digno de acercarme a sus obras. Quería imitarlo en su ideario moral. Amo mucho a Pushkin, a Dostoyevski, a Tolstoi, pero eso me ocurrió sólo con Chéjov. Chéjov sabía desde joven que estaba mortalmente enfermo. Eso no le impedía vivir y trabajar, como si tuviera cien años de vida, aunque vivía cada día con intensidad, exigencia y entrega, como si fuera el último. Realizó un análisisrigurosísimo, casi anatómico, de la vida y llegó a la conclusión de que la vida no tiene sentido. Y, sin embargo, afirma que sin la búsqueda del sentido de la vida es imposible vivir una vida digna. Ésta es una de las paradojas chejovianas. El mayor regalo que Chéjov nos ha dejado es el descubrimiento de la dramaturgia del siglo veinte y del futuro. ¿Qué significa esto? Lo primero, la supresión del héroe del drama. En su lugar pone a un grupo de personas con una relación complicada entre ellos. Descubre así la esencia de la vida de nuestro tiempo: la incomunicación, la degradación del hombre burgués sin ideales, ni rumbo, ni sentido de la vida, el hombre desquiciado y roto para el que no existe ningún valor, sin fe en Dios, ni en sí mismo, ni en el futuro. Un hombre egoísta, cobarde que se desprecia a sí mismo y no hace nada por salir del laberinto oscuro en el que está perdido. Los personajes de las obras de Chéjov hoy son las personas que lo han perdido todo. Ya no hacen falta a la historia. Están fuera de la vida real pero no es este el único problema que plantea Chéjov. Cuando pasas por una ciudad europea o americana, las de un país como Suiza, por ejemplo, puedes ver a la gente sentada sola en las cafeterías mirando fijamente a un punto. No sé lo que verán o si verán algo. No hacen nada, no hablan con nadie, ni tienen a nadie con quien hablar. Apenas se mueven. Millones de personas hoy se sienten totalmente fuera de la vida, desplazadas de la realidad del mundo, de su tiempo, aunque vivan en el mismo centro de Europa. Las personas, sencillamente, están fuera de la realidad y esperan algo. ¿Qué esperarán? No lo saben ni ellos mismos. Esa situación de nuestra vida es la que me interesa trasladar a la escena en las obras de Chéjov. Y cuando me preguntan si lo que deseo con mis espectáculos chejovianos es despertar en el público comprensión hacia sus personajes, afirmo que no. Ni compasión, ni pena. Comprensión, puede ser, y que el público haga suya esa enfermedad, esas reflexiones, que intente hacer algo para cambiar: nunca es tarde para ser y vivir activamente como un hombre. Es un decir. Y el miedo como tema fundamental en la obra de Chéjov: miedo a la vida, miedo a sí mismo. El hombre acobardado, enfundado (“no vaya a pasar algo”). Miedo hasta para hacer algo para ser feliz. Y así vivimos, con el miedo a cuestas, pensando en el futuro, dejando pasar el tiempo que nos parece infinito, escondidos en el pozo gris de la cotidianidad, en el laberinto de las nimiedades, comiendo, hablando, mintiendo, moviéndonos de un sitio a otro perezosamente con máquinas de fotografiar o vídeos que nunca vamos a ver, con los móviles al oído, hablando de nadie y de nada, acumulando cosas inútiles y, sobre todo, la pereza y el ocio. Pero -eso sí- soñando con una vida feliz. Terminamos solos, absolutamente solos, odiándonos a nosotros mismos en los otros. Desconfiados de todos. Y, un buen día, nos despertamos a media noche de un sobresalto, asustados: “¡Dios mío, pero si mi vida ya se acaba, ya soy un viejo y todavía no he empezado a vivir! Yo que quería… yo que soñaba…. Se acabó mi tiempo… En “La Gaviota” hay un personaje que dice de sí mismo “el hombre que quería”… De Chéjov a Beckett hay un paso. Ángel Gutiérrez   [caption id="attachment_12535" align="aligncenter" width="635"]El jardin de los cerezos ©marcosGpunto El jardin de los cerezos ©marcosGpunto[/caption]   SINOPSIS El jardín de los cerezos tiene más de 100 años. Pero nadie sabe de qué trata. Algunos recuerdan que la hacienda de la noble dueña Ranievskaya se vende por deudas, y que un tal Lopajin (un nuevo rico) intenta convencerla para poder recuperarla: hace falta dividir la tierra en parcelas y venderlas para arrendar casas de veraneo. Ella rechaza su consejo y finalmente, en la subasta, celebrada el 22 de agosto, el mismo Lopajin compra el jardín de los cerezos. Durante toda la obra los personajes de Chéjov se divierten, hacen picnics, toman copas, cantan, bailan, se olvidaban incluso de la belleza de la naturaleza que les rodea. Y en este ambiente, un sonido enigmático y misterioso aparece durante toda la obra. Nadie sabe qué significa ese sonido ni de donde procede. Es un sonido suave, triste, pero todos se asustan, permanecen inmóviles, pensativos. LubovAndreie vna, Ranievskaya tiembla estremecida, está a punto de desmayarse. Luego, sólo un infinito silencio se extiende desde su alma al cielo, a las estrellas. Nada, ni un sólo sonido; y de nuevo el mismo insoportable gemido. Es la voz que grita eternamente en nuestra alma, nos acusa por todo lo que hemos hecho. Es una voz de confusos y vanos arrepentimientos, de infinitos días perdidos, de esperanzas muertas, la voz de todo lo engañoso y perdido, de todo lo que hemos conseguido y de lo inaccesible... Y parece que en un solo instante sabremos para qué vivimos, cuál es el sentido de nuestra vida, de dónde venimos y a dónde vamos...
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Teatro Lara

TeatroLab El Reló
presenta

OUR TOWN - NUESTRO PUEBLO

De Thornton Wilder
Dirección de Gabriel Olivares

A partir del 18 de enero martes y últimos miércoles  de mes 19.30h.

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SALA TÚ

 

LOS GATOS PARDOS  | SÁBADOS  de FEBRERO a las 20:30h. LUNES de MARZO 20:30h. | SALA TU

EL MIEDO ES NUESTRO SISTEMA DE ALARMA. ¿PODEMOS VIVIR SIN MIEDO?

  El Dilema Teatro presenta LOS GATOS PARDOS escrita y dirigida por Hugo Álvarez Gómez y con Mercedes Cima, Ángel Paisán y Cristina Pineda en el reparto. Tras su paso por La Gatomaquia, llegan a la Sala Tú.   Los Gatos Pardos es una delirante comedia que se adentra en las profundidades de "las convenciones sociales y lo establecido" y reflexiona sobre cómo el miedo, cualidad de la que muchos querrían deshacerse, es una parte fundamental de nuestra personalidad que nos hace apreciar la vida y ser conscientes de nuestras propias limitaciones. Debilidad que nos hace humanos. Una nueva producción de El Dilema Teatro, escrita y dirigida por Hugo Álvarez Gómez, que pertenece a la trilogía iniciada con la refrescante Maracuyá y cuya fantástica historia promete ser una vez más una fuente inagotable de risas, estupor y mucha diversión. Interpretada con uñas y dientes por Mercedes Cima, Ángel Paisán y Cristina Pineda.   EL DILEMA TEATRO es una joven compañía nacida en 2006 que además produce un programa de radio dedicado a las artes escénicas y que solemos escuchar habitualmente:  LA CIUDAD DEL DRAMA.  
“LOS GATOS PARDOS de Hugo Álvarez Gómez, es un texto rápido y muy trabajado que en su tono de comedia deja entrever el drama de sus personajes, “Pronto se nos irá el color” y en el cual domina la esperanza que causa el simple conocimiento de leyes universales, “Hasta que se demuestre lo contrario, siempre amanece“. Benito Pérez Galdos (1843-1920) definió el miedo como la forma de nuestra subordinación a las leyes físicas. Si bien el miedo es una garantía de supervivencia que, en ocasiones, puede ser hasta fascinantemente retador, el precio a pagar cuando nos domina es demasiado alto, la dificultad de aceptar que esta vida es un proceso con principio y fin, y la muerte una de sus estaciones, nos puede anclar en el pasado y, en consecuencia, dejar de prestar atención a las oportunidades que están por venir. Nos preguntamos ¿cómo afectaría a las ganas de vivir, la falta absoluta de la existencia del miedo?”
 

SINOPSIS

Carmen y Kiko se conocen en una extraña fiesta de swingers organizada por un discreto club de Cuatro Caminos. Ambos son fruto de sus extrañas circunstancias y ambos, han trazado un plan definitivo para hacer de esta velada un auténtico exorcismo de sus problemas sociales. Lo que no se imagina ninguno de los dos es que el destino, azaroso y visceral, les ha querido unir esta noche para resolver una deuda que tienen pendiente. Así tal vez puedan llegar a recuperar el control de sus vidas llegando a temer por el futuro. Llegando a sentirse frágiles y vulnerables. Llegando a ser personas, normales. Los Gatos Pardos es un arriesgado engranaje de pulsiones y coreografías que hace de este espectáculo un excéntrico cuadro de borrosos tintes oscuros y paisaje generacional al fondo.  

"Es muy difícil vivir sin miedo, pero más difícil es vivir gracias a él"

 

FICHA

Versión escénica y dirección: Hugo Álvarez Gómez Advenedizo invitado: Oscar Saladín Composición de baile: Álex Magallón Artillería gráfica: Hugo Álvarez Gómez Fotografía: Ana Belén Mejía Reparto: Mercedes Cima, Ángel Paisán, Cristina Pineda Una producción de Dilema Teatro Fechas y horarios: A partir del día 6 todos los sábados de febrero a las 20:30h. En Marzo los lunes a las 20:30h. en la SALA TÚ  
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MUJERES Y CRIADOS

La obra inédita de LOPE DE VEGA llegó al TEATRO ESPAÑOL en abril de la mano de La Fundación Siglo de Oro

  MUJERES Y CRIADOS la obra inédita de Lope de Vega encontrada por Alejandro García Reidy en enero en la Biblioteca Nacional llegará al Teatro Español el 29 de abril de 2015. Y quien mejor que la compañía cuyo compromiso es el de difundir la riqueza artística del teatro y de los autores del Siglo de Oro, y que alcanzó un hito participando como representantes de nuestro país en las Olimpiadas Culturales del pasado 2012 en el Shakespeare Globe Theatre con Enrique VIII: La Fundación Siglo de Oro .   Hasta hace muy poco, Mujeres y criados era una de las obras de la ingente producción dramática de Lope de Vega de la que solo se conocía el título. Sin embargo, el reciente y feliz hallazgo de un manuscrito del siglo XVII en la Biblioteca Nacional nos ha permitido por fin conocer esta elegante comedia de enredo concebida por su autor en pleno período de madurez creativa. Escrita y representada hacia 1613-1614, la obra explica la historia de dos hermanas que intentan deshacerse de sendos pretendientes para poder estar con sus amados, y posee todos los elementos que convirtieron a Lope un maestro del género: triángulos amorosos, engaños, celos, dilemas de honor, conflictos entre jerarquías sociales… La Fundación Siglo de Oro, fundada por Rodrigo Arribas, es la encargada de poner en escena la comedia de Lope en una coproducción con el Teatro Español y Pentación Espectáculos. En mayo la Fundación Siglo de Oro fue la encargada de la presentación del manuscrito en la BNE y en octubre realizaron una lectura dramatizada en el Teatro Español. La obra ha sido publicada por la Editorial Gredos y una edición en línea gracias a un convenio de PROLOPE con la BNE. El 29 de abril se estrena en el Teatro Español bajo las órdenes de Laurence Boswell, premiado director asociado a la Royal Shakespeare Company.   [caption id="attachment_11979" align="aligncenter" width="528"] MUJERES Y CRIADOS[/caption]   Mujeres y criados se inserta sin dificultad en la etapa del esplendor del dramaturgo madrileño, y lo hace con la frescura, gracia y soltura del mejor Lope. Esta comedia tiene un poco de todo: su enredo, sus triángulos amorosos, sus diálogos agudos, sus criados graciosos, su ritmo ágil… todo ello sazonado con unos protagonistas que se mueven con desparpajo entre las calles y campos de Madrid y los espacios domésticos donde se desarrollan los acontecimientos más relevantes de la trama. Como apunta el título de la comedia, Mujeres y criados tiene como protagonista a dos grupos de personas que, en la sociedad del siglo XVII, ocupaban una posición secundaria en las relaciones interpersonales: bien por cuestiones de sexo, bien por cuestiones de estamento.  

SINOPSIS

La comedia se localiza en Madrid y tiene como protagonistas a dos hermanas y a sus galanes, camarero y secretario de un conde respectivamente. Estas dos parejas, cuyos amores han sido secretos hasta el momento, se ven comprometidas con la aparición de otros dos pretendientes: el mismo conde, quien ansía a una de ellas, y un rico señor, quien galantea a la otra con el beneplácito del padre de la dama. Este planteamiento inicial desemboca en un juego de escondite y de identidades confundidas en el momento en que la primera de las hermanas debe intervenir para permanecer cerca de su amado. Cuando el conde descubre que su secretario ama a la misma dama a la que corteja, intenta alejarlo de la corte, pero la dama idea una estratagema con la que consigue engañar a su padre y convencerlo de que acoja al joven camarero a quien cree un pariente del conde. La otra hermana, por su parte, hábilmente rechaza las continuas acechanzas amorosas del rico señor, quien insiste una y otra vez pensando que es favorecido por el conde. El enredo urdido por la primera de las hermanas da pie a diversas escenas de gran comicidad, con la casa de las hermanas convertida en un lugar todos los personajes están a la merced de los engaños de las dos mujeres y sus enamorados. El enredo concluye cuando la situación llega a su límite y la inmediatez de una boda lleva a los personajes implicados a desvelar la realidad de todo lo sucedido y buscar una solución al conflicto que desemboque en un final feliz para las dos parejas protagonistas.  

FICHA

Dirección: Laurence Boswell y Rodrigo Arribas Adaptación: Alejandro García Reidy, Rodrigo Arribas, Jesús Fuente Producción: Fundación Siglo de Oro, Teatro Español y Pentación Espectáculos Producción Ejecutiva: Fundación Siglo de Oro Dirección técnica: Karmen Abarca Vestuario: Susana Moreno Escenografía: Karmen Abarca Iluminación: Alberto Yagüe Diseño Gráfico: Panicoescénico Producciones Composición musical: Xavier Diaz Latorre Prensa: Así Comunica Soporte educacional: Marta Cobos Distribución: Pentación Espectáculos Reparto: Lucía Quintana, Ana Villa, Javier Collado, Julio Hidalgo, Pablo Vázquez, Alejandra Mayo, José Ramón Iglesias, Jesús Fuente, Mario Vedoya, Jorge Gurpegui, Emilio Buale, Jesús Teyssiere DESCARGAR DOSSIER  

La Cantera Exploraciones Teatrales presenta

RAICES TRENZAS

Tras su estreno dentro en el marco del Festival Surge Madrid, la particular estética de JORGE SÁNCHEZ y su habitual apuesta por un refinado trabajo actoral, continua temporada en el TEATRO DE LA PUERTA ESTRECHA.  Para este proyecto además de contar con el talento y la singularidad de las actrices MARTA CUENCA y SAUCE ENA realiza una fuerte apuesta por un teatro ficcional y una narración cinematográfica.

VER OBRA COMPLETA

https://youtu.be/N02z1RkLKy8
Inspirada en el realismo mágico del universo literario de JORGE LUIS BORGES, esta pieza dirigida por Jorge Sánchez ('Comunidad', 'Líbrate de las cosas hermosas que te deseo', 'Famélica') plantea el concepto de temporalidad del escritor, su idea de la multiplicidad de vidas y tiempos paralelos. Un devenir cuántico.

SINOPSIS

Un tal “Kilpatrick” le propone a una mujer resolver un laberinto para liberarla de una serie de muertes que la incriminan. En “The Carobs”, sitio donde otra mujer añeja desde hace casi 25 años un whisky llamado “Roots-Plaits”, parecería estar la solución del enigma. Entre música y alcohol, el encuentro entre ambas mujeres va descubriendo una secreta amistad acunada desde la infancia que pondrá en apuros el inevitable paso del tiempo y ese revólver que una de ellas cargó impulsivamente esa misma tarde. Pero ¿por qué pensar que esos posibles disparos marcarían un desenlace? ¿Por qué no imaginar un tiempo donde todos los finales ocurren, en donde cada uno es el punto de partida de otros que a su vez se bifurcan en más? Eso supondría darse cuenta que la vida es una trenza de varias vidas y que hay hechos que se enraízan más allá de la ficción y la muerte. Entonces ¿será necesario aclarar el misterio o sería mejor dejar que el laberinto de “Kilpatrik” sea unas infinitas, incesantes, permanentes RAICES TRENZAS?

FICHA

Fechas y horarios: Del 9 al 21 de junio Sábados y domingos a las 20:30h en el  LA PUERTA ESTRECHA DESCARGAR DOSSIER Raices Trenzas

NUEVO TEATRO ALCALÁ 

 

EL 14 DE MAYO REGRESA  A MADRID EXCÍTAME: EL CRIMEN DE LEOPOLD Y LOEB NUEVO TEATRO ALCALÁ

  EXCÍTAME: EL CRIMEN DE LEOPOLD Y LOEB de Stephen Dolginoff se estrenó el 11 de septiembre de 2014 en el Teatro Fernán Gómez. Ahora, a partir del 14 de mayo se podrá ver en el Nuevo Teatro Alcalá.   THRILL ME: THE LEOPOLD & LOEB STORY, es un musical escrito por Stephen Dolginoff y producido en España por Alejandro de los Santos.  La producción original del espectáculo tuvo lugar en el Midtown International Theatre Festival de Nueva York en el 2003. En el 2005 se estrenó en el Off-Broadway por The York Theatre Company en el Charing Cross Theatre de Londres y obtuvo el premio ASCAP Music Award. ÉXCITAME (THRILL ME) El crimen de Leopold y Loeb. El musical escrito por Stephen Dolginoff está basado en el caso real de dos estudiantes de Chicago (Leopold y Loeb) que en 1924 cometieron un asesinato con el fin de hacer el 'crimen perfecto'. Un crimen que conmocionó al mundo y que ha sido llevado a la gran pantalla y la literatura en diversas ocasiones y que, después de llenar las páginas de todos los periódicos sigue despertando interés. El crimen de Leopold y Loeb ha sido la inspiración de varias obras en el cine y teatro. En 1929 la obra 'Rope' de Patrick Hamilton fue llevada al cine en 1948 por Alfred Hitchcock en 'La soga' (Rope).  
“El asesinato es un arte y, como tal, el privilegio de cometerlo debería reservarse a unos pocos individuos realmente superiores. Las víctimas, obviamente, son seres inferiores cuyas vidas carecen de importancia”.  La Soga Alfred Hitchcock, 1948.
  La obra está representada por Alejandro de los Santos en el papel de Nathan Leopold y David Tortosa en el de Richard Loeb, alternándose con los actores Alberto Frías y Marc Parejo respectivamente. Además, cuenta con la colaboración especial de Pedro Casablanc, Adolfo Fernández y Miguel del Arco. La dirección de escena es de José Luis Sixto y la musical de Aday Rodríguez y Aitor Arozamena.   La adaptación, primera al castellano, ha sido realizada por Pedro Víllora y por el propio productor y actor Alejandro de los Santos.   El éxito de Broadway, representado en más de nueve países y traducido a más de 5 idiomas, regresa a Madrid tras su temporada en el Teatro Fernán Gómez y su posterior gira por España. Aplaudida por crítica y público vuelve tras ser candidato a los Premios Max como Mejor Musical y Mejor Adaptación, y tras recoger el Premio del Público en la décima edición del Festival de las Artes Escénicas Indifest.  
“Excítame es uno de esos espectáculos que todo amante de la escena debería ver” Culturamas
  Excítame es un thriller musical de pequeño formato cuya trama nos sumerge en una relación secreta y un asesinato. El asesinato forma parte de la trama pero no es el conflicto dramático principal, sino el devenir de esta relación. La manipulación, el intercambio de roles de poder y el giro final inesperado, conforman en su conjunto el suspense y sustentan el drama del espectáculo.   [caption id="attachment_12452" align="aligncenter" width="644"]EXCITAME EL CRIMEN DE LEOPOLD Y LOEB ©Javier Naval EXCITAME EL CRIMEN DE LEOPOLD Y LOEB ©Javier Naval[/caption]  

SINOPSIS

Chicago, 1924. Nathan Leopold y Richard Loeb, dos estudiantes universitarios, tienen una relación de amistad un tanto especial. Después de participar en varios delitos menores, Richard, obsesionado con las teorías de Nietzsche y el concepto del superhombre, convence a Nathan para cometer un asesinato. La víctima, un niño escogido al azar, es persuadido para dar una vuelta en un flamante coche en el que termina asesinado de forma brutal.  El plan, aparentemente perfecto, se desvanece cuando la policía encuentra unas gafas en el lugar del crimen. La investigación conduce a los dos amigos, que intentarán esquivar la pena capital con una débil coartada. La evidencia les condenará a prisión de por vida. La relación entre ambos se irá complicando según avancen los acontecimientos y pondrá en entredicho los intereses reales de una amistad contaminada por el sometimiento, la pasión, el amor y el sexo.  

FICHA

Música, letras  libreto: Stephen Dolginoff Dirección de escena: José Luis Sixto Dirección musical: Aday Rodríguez Voces en off: Pedro Casablanc, Adolfo Fernández, Miguel del Arco Escenografía: Asier Sancho Senosiain Iluminación: Juanjo Llorens Vestuario: Silvia de Santiago Espacio Sonoro: Sandra Vicente Diseño del cartel: Javier Naval Fotografía: Javier Naval Dramaturgia: Pedro Víllora, Alejandro de los Santos Intérpretes Nathan Leopold: Alejandro de los Santos/ Alberto Frías Richard Loeb: David Tortosa / Marc Parejo Distribución: Fila Séptima Fechas y horarios:  A partir del 14 de mayo Viernes a las 21h y sábados y domingos a las 20:30h  NUEVO TEATRO ALCALÁ Web: excitamemusical Twitter: ExcitameMusical DESCARGAR: Dossier Excítame  
 
 

NAVE 73

 

La comedia que ha triunfado durante más de dos años en el off madrileño vuelve el mes de mayo para despedirse definitivamente de los escenarios.

Viernes y sábado 5, 6, 12, 13, 19, 20, 26 y 27 de mayo a las 22:30h

  CHANDELIER TEATRO presenta UNA NOCHE COMO AQUELLA, un espectáculo que habla del amor, de las relaciones humanas y de los conflictos emocionales que se derivan de ellas.   UNA NOCHE COMO AQUELLA es una obra de teatro escrita por Nacho Redondo y dirigida por Chos. Interpretada por Esther Acebo (Patricia), Nacho López (Marcos), Nacho Redondo (Juanlu) y con la música en directo de Ana Pi.  

UNA NOCHE COMO AQUELLA es una comedia en un solo acto, con una duración de una hora y veinte minutos; transcurre en la época actual en dos escenarios; un parque y el salón de una casa

UNA NOCHE COMO AQUELLA habla de amor, del amor a tres bandas, con poco prejuicio sobre ello, un “dejarse llevar” sin saber a dónde, disfrutando del momento. Los conflictos vienen dados por el lugar que ocupa cada uno en todo esto, de la mirada ajena, de los prejuicios sociales...  

NOTA DEL AUTOR

UNA NOCHE COMO AQUELLA nace de la necesidad de crear y compartir; de la autogestión. En el verano de 2012 tuve la suerte de coincidir con Nahia Láiz en el rodaje de una Webserie, 20 días intensos rodando en el Pirineo Aragonés y otros tantos en la Sierra de Madrid. Ya en el periodo de ensayos me di cuenta de su talento como actriz, muy poco después vi que  su  talento era  proporcional a  su  calidad como  persona. Desde entonces han sido innumerable las veces que hemos trabajado juntos. Una   de   ellas,   y   muy   especial,   fue   hacer   una   micropieza   para Microteatro por Dinero llamada “UNA NOCHE COMO ESTA”, en este proceso se incorpora David Casas Riesco, mas tarde y habiendo dado forma a la obra larga UNA NOCHE COMO AQUELLA se incorpora el resto de equipo. Chos Corzo asumiendo la dirección, Almudena León como ayudante de dirección y Nacho López que da vida al personaje de Marcos. En Febrero de 2013 estrenamos esta micropieza con una gran acogida y  con  el  paso  del  tiempo  seguimos  sin  conformarnos,  queremos  mas  y aprovechamos la semilla de “UNA NOCHE COMO ESTA” para hacer, de esa relación a tres ya creada, una pieza larga, con continuidad y un mayor desarrollo de personajes. Así  es  como  nace  esta  obra  que  habla  del  amor,  de  las  relaciones humanas y de los conflictos emocionales que se derivan de ello. Con  esfuerzo  y  mucha  ilusión  sacamos  adelante  este  proyecto  que esperamos que nos lleve por un camino largo y gratificante. ¡Qué viva el arte, qué viva el teatro! Nacho Redondo  

SINOPSIS

Patricia, Marcos y Juanlu son tres amigos que se conocen de toda la vida y siguen quedando prácticamente a diario. Para que su día a día no se haga monótono, inventan juegos divertidos que les hagan reír, les pongan en pequeños apuros y los alejen de sus problemas cotidianos. Pero… una noche, inesperadamente, el juego se convierte en realidad: ¿Un trío entre nosotros o con personas que no conocéis? Una propuesta, un reto, unas cuantas dudas y de cabeza a la piscina. UNA NOCHE COMO AQUELLA habla de amor, de amor a tres bandas, de “dejarse llevar” sin prejuicios, sin saber a dónde y disfrutando del momento. Los conflictos surgen de inmediato: ¿Qué lugar ocupa cada uno en esta relación? ¿Qué hacemos ante las miradas ajenas? ¿Lo contamos o no? Situaciones comprometedoras narradas en clave de humor, que llevarán a los personajes a encrucijadas de las que tendrán que salir con el acuerdo de los tres. Una inusual comedia romántica en la que se trenzan amor, amistad, sexo y convivencia. ¿Cuál es el hueco que ocupa cada uno en esta relación? ¿Y en caso de conflicto? ¿Y si salimos del armario? ¿Moriríais por amor?, literal ¿Podremos ser amigos después de esto?     [caption id="attachment_34599" align="aligncenter" width="700"]UNA NOCHE COMO AQUELLA UNA NOCHE COMO AQUELLA. Foto: Laura Tardio[/caption]  

FICHA

DE NACHO REDONDO DIRECCÓN CHOS REPARTO: PATRICIA es ESTHER ACEBO / MARCOS es NACHO LÓPEZ y JORGE PAÉZ /JUANLU es NACHO REDONDO AYUDANTE DE DIRECCIÓN ALMUDENA LEÓN ESCENOGRAFÍA LITA ECHEVERRÍA VESTUARIO MARTA RODRÍGUEZ ILUMINACIÓN DIEGO SANTOS PRODUCCIÓN CHANDELIER TEATRO DIRECTOR DE PRODUCCIÓN JUAN ANTONIO MOLINA FOTOGRAFÍA CARTEL TANIA SALVATELLA MÚSICA ORIGINAL Y DIRECTO ANA PI COMUNICACIÓN LEMON PRESS Una producción de Contrasentido PC Fechas y horarios: Viernes y sábado 5, 6, 12, 13, 19, 20, 26 y 27 de mayo a las 22:30h en  NAVE 73 Facebook: Una-Noche-Como-Aquella    
Teaser UNA NOCHE COMO AQUELLA from UNCA on Vimeo.  
 

SALA ARAPILES 16

 

La Fundación UNIR presenta

LA SESIÓN FINAL DE FREUD

de Mark St. Germain dirección Tamzin Townsend

Del 13 de octubre al 19 de febrero

 

La Fundación UNIR presenta La sesión final de Freud, del estadounidense Mark St. Germain, en la Sala Arapiles 16.  Tras estrenarse en Nueva York en 2010, y triunfar en el mundo, se presentó en España de la mano de la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR). Su estreno en Madrid fue en el Teatro Español, el 15 de enero de 2015, bajo la dirección de la británica Tamzin Townsend, e interpretada por dos actores de excepción, Helio Pedregal, como Sigmund Freud, y Eleazar Ortiz, como C. S. Lewis. Regresa de nuevo a la Sala Arapiles 16 el 13 de octubre.

 

Tras la afortunada realización del montaje de Tomás Moro, una utopía, de William Shakespeare y otros autores isabelinos, la Universidad Internacional de La Rioja (UNIR), a través de UNIR Teatro,  trae de nuevo a los escenarios  La sesión final de Freud, de Mark St. Germain y dirigida por Tamzin Townsend. Los actores Helio Pedregal y Eleazar Ortiz dan vida a Sigmund Freud y C. S. Lewis, respectivamente en esta traducción de Ignacio García May.

La obra muestra el encuentro dramático entre dos estrellas de la cultura del siglo XX, Freud y Lewis. El 3 de septiembre de 1939, en la mañana del día en que Inglaterra declarará la guerra a Hitler, los dos intelectuales se enfrentan en un diálogo inteligente y chispeante sobre la vida y la muerte, la guerra y el dolor, los afectos y el sexo, la existencia y Dios.

  Ignacio Amestoy, director de UNIR Teatro, explica que la obra se estrenó en Nueva York en 2010 y en Londres y su periplo ha sido un éxito continuo, desde la Gran Manzana hasta Argentina. "Es un duelo entre gigantes que nos hablan de la vida y de la muerte". Y, por supuesto, del sexo y de Dios."  

SINOPSIS

La obra de teatro La sesión final de Freud discurre en Londres el día en que Inglaterra declara la guerra a Hitler. En esa jornada crucial para Occidente, Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis, con 83 años, recibe a Clive Staples Lewis, de 40 años, prometedor catedrático de la Universidad de Oxford. El encuentro tiene lugar aquel 3 de Septiembre de 1939 en el número 20 de Maresfied Gardens Hampstead, en el despacho que Anna, la hija de Freud, ha decorado a imitación de la consulta de Viena, ciudad que abandonó la familia en 1938 ante la amenaza nazi. C. S. Lewis, que será reconocido como brillante autor de literatura fantástica, junto a su amigo J. R. R. Tolkien, por obras como Las crónicas de Narnia o Cartas del diablo a su sobrino, había satirizado a Freud en uno de sus libros por lo que el neurólogo quiere conocerle personalmente. Los dos genios discreparán, de manera irónica, aguda y mordaz, sobre el amor, el sexo, el arte, la existencia de Dios y el sentido de la vida, veinte días antes de que Sigmund Freud se quite la vida. La sesión final de Freud, fabulada por el dramaturgo estadounidense Mark St. Germain, es una extraordinaria obra de teatro profundamente conmovedora, llena de humor y que explora las mentes, los corazones y las almas de dos hombres brillantes que abordan, en un duelo seductor, preguntas profundas de una manera agradablemente comprensible. Una delicia intelectual, divertida y rigurosa al mismo tiempo, que la Universidad Internacional de La Rioja, a través de UNIR Teatro trae a los escenarios españoles tras su triunfal estreno en Nueva York en 2010 y su presentación en otras capitales del mundo, como la realizada con éxito pleno en Buenos Aires bajo la dirección de Daniel Veronese.     [caption id="attachment_12381" align="aligncenter" width="677"]La sesión final de Freud Eleazar Ortiz y Helio Pedregal[/caption]  

NOTA DE LA DIRECTORA

Dos son las cosas que desde el principio me interesaron de La sesión final de Freud. La primera, la fuerza y rotundidad de sus dos personajes. La obra enfrenta a Freud con C.S. Lewis, dos hombres tremendamente interesantes, opuestos totalmente tanto por su ideología como por el momento vital de cada uno. Me interesa, más que los personajes históricos, los dramáticos. Por un lado tenemos a C.S. Lewis, con su vitalidad y optimismo, un hombre que está en su momento profesional más álgido. Y en el otro lado, como si de un ring se tratase, nos encontramos con un Freud gravemente enfermo y desencantado que encara la recta final de su vida. Este pulso entre estas dos personalidades tan fuertes, se enmarca en un momento histórico tan dramático como el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Un momento en el que el mundo entero tiembla y en el que nada parece tener sentido. En esta situación, en el que las alarmas antiaéreas suenan y el caos empieza a reinar, plantearse como hacen los personajes, la existencia o no de Dios, resulta lógico. Aún así, la obra habla de algo más que de la cuestión de Dios. Habla de las diferencias generacionales, de la eterna dicotomía entre fe y razón y de la necesidad del ser humano por comprender. También me parece interesante el texto en si mismo. El pulso entre los personajes está perfectamente medido, combinando momentos de gran fuerza dramática con otros más ligeros que hacen que la obra tenga mucho ritmo. Un texto rotundo y ágil, lleno de ironía en el que cada palabra cuenta. A mí, como directora, esto me permite hacer un trabajo casi artesanal con los actores.

Tamzin Townsend

 

FICHA

Autor:  Mark St. Germain Traducción Ignacio García May Directora: Tamzin Townsend Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda Iluminación Felipe Ramos Vestuario Gabriela Salaverri Ayudante de dirección Ricardo Cristóbal Una producción de LA FUNDACIÓN UNIR Helio Pedregal como Sigmund Freud y Eleazar Ortiz como C. S. Lewis Fechas y horarios: Del 13 de octubre al 19 de febrero Jueves y viernes a las 20h. Sábados: a las 18h. y a las 20:30h. Domingos: a las 19h. en la  SALA ARAPILES 16  
   
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TEATRO LA LATINA 

 

¡¡¡Prorrogaa… ATCHÚUSSS!!! Hasta el 26 de julio

Enric Benavent y Carles Alfaro (Sobre textos humorísticos de Antón Chéjov), en el Teatro La Latina
  Con un reparto de lujo y de la mano del galardonado director Carles Alfaro llega el estreno nacional de Atchúusss!!!, una comedia basada en textos humorísticos de Antón Chéjov, el día 15 de mayo en el Teatro La Latina.   La adaptación de Alfaro y Enric Benavent plantea un juego narrativo y metateatral de distintas historias y espacios en los que Ernesto Alterio, Malena Alterio, el propio Benavent, Adriana Ozores y Fernando Tejero interpretan a una veintena de personajes distintos. Un espectáculo de ritmo endiablado, humilde y directo que bebe del humor más humanista que Chéjov dominó en sus primeros cuentos, ágiles e hilarantes. («La institutriz», «La criatura indefensa», «La seducida», «El oso» y «La petición de mano»)     [caption id="attachment_13691" align="aligncenter" width="694"]Atchúusss!!! Adriana Ozores y Ernesto Alterio Escena de 'El Oso'. Foto Javier Naval[/caption]     Antes de ser el que mejor conocemos, Antón Chéjov había sido otro en su juventud: Antosha Chejonte. Lo había sido hasta el 1884, año crucial en su vida en el que acabó su carrera de medicina, decidió dedicarse al oficio de escribir, abandonar el seudónimo y firmar con su nombre de pila y en el que descubrió que estaba tuberculoso y que el tiempo le acuciaba. En los veinte años que la enfermedad le permitió vivir, escribió rápido y certero centenares de cuentos, cinco grandes obras de teatro y unas cuantas piezas dramáticas menores, o simplemente, más cortas. Producción tan fecunda, y tan intensa, aplastó con su sobrepeso la obra anterior, hasta casi el punto de anularla. Aquella abundante obra juvenil, ágil y cómica, escrita con el objetivo de ganarse la vida y de contribuir al bienestar familiar, fue publicada en revistas y periódicos y buena parte de ella drásticamente eliminada de sus Obras Completas o considerada en el mejor de los casos, por él mismo y por su protector León Tolstoi, como obra “de segunda” Sin embargo algunos de esos vigorosos y delirantes cuentos, esbozos, sátiras y diálogos humorísticos, habían dado por mérito propio el salto desde el papel de periódico al tablado del escenario. El autor confesó que había visto, con gran satisfacción, como muchos de ellos eran adaptados por compañías de vodevil, para ser representados como cuadros independientes en espectáculos que ahora consideraríamos de variedades. Antes de que el Chéjov de madurez llegara con “La gaviota” al Teatro del Arte de Moscú, el Chejonte de juventud se había despachado a gusto en teatros provincianos, casinos y cantinas. Y es que hay mucho de Chéjov, y de Chejonte, que liga muy bien con esa forma de teatro tan de siempre, tan itinerante, tan sufrido, tan humilde, tan directo, tan lejos de la solemnidad, en resumidas cuentas. Sin llegar a ser una tradición entre nosotros, la costumbre de adaptar al escenario cuentos de Chéjov, y de Chejonte, ha llegado hasta nuestros días con con buena salud. Los incontables daños que hace el tabaco y las innumerables pedidas de mano, las tórridas discusiones del oso y la viuda y los atávicos estornudos de las clases populares (y resfriadas) han sido más o menos regularmente representadas. El Chéjov humorista y humanista no nos es del todo extraño, afortunadamente. Carles Alfaro   SINOPSIS En la larga lista de textos humorísticos que escribió Antón Chéjov (con el pseudónimo Antosha Chejonte que usó durante su juventud) el autor, dotado de una ilimitada capacidad de comprensión y una inmensa piedad, convirtió en protagonistas a unos pobres diablos que hasta entonces sólo habían servido de forillo, coro y paisaje de fondo de otros personajes mucho más poderosos; a muchísimos hombres, mujeres, niños y hasta animales, cada uno de ellos con sus mezquindades y sus heroísmos, sus cobardías, sus avaricias, sus ansiedades, sus hastíos, sus enfermedades, sus ilusiones, sus ridiculeces, sus pequeñas osadías y sus grandes arrepentimientos. Y no en bloque, sino (oh genialidad) de uno en uno, como sin duda se merecían; es decir, nos merecemos. De ellos (y de nosotros) trata esta obra.   [caption id="attachment_12583" align="aligncenter" width="797"]Atchúusss!!! © Javier Naval Atchúusss!!! © Javier Naval[/caption]     FICHA Dirección y puesta en escena: Carles Alfaro Adaptación: Enric Benavent y Carles Alfaro (Sobre textos humorísticos de Antón Chéjov) Diseño de vestuario: María Araujo Música original: Mariano Marín Ayudante de escenografía y vestuario: Vanesa Actif Ayudante de dirección: Rafael Lavin Ayudante de producción: Isabel Sáiz Jefe de producción: Raúl Fraile Jefe técnico: David Pérez Arnedo Productor ejecutivo: Jesús Cimarro Reparto: Ernesto Alterio, Malena Alterio, Adriana Ozores, Enric Benavent y Fernando Tejero Producción: Pentación Espectáculos Fechas y horarios: del 15 de mayo al 26 de julio de 2015 Miércoles, Jueves y Viernes a las 20:00 h. Sábado: 19:00 y 22:00 h. Domingo: 19:00 h TEATRO LA LATINA DESCARGAR DOSSIER  Twitter: atchusteatro    
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GRAN TEATRO CAIXABANK PRÍNCIPE PÍO

CANTAJUEGO

presenta 

¡VIVA MI PLANETA!

A partir del 5 de marzo, domingos a las 12h.

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