Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

TRES HERMANAS

 

TEATRO GUINDALERA presenta

TRES HERMANAS

de Chéjov con versión y dirección de Juan Pastor

 

“La esperanza de una mejor vida y una profunda fe en el futuro”

VÁMONOS A MOSCÚ

  El Teatro Guindalera, actual Premio Max Mejor Producción Privada, presenta Tres Hermanas de A. Chéjov con versión y dirección de Juan Pastor. El reparto lo forman: Victoria Dal Vera (Olga), María Pastor (Masha), Ariana Martínez (Irina), Raúl Fernández (Andrei), Susana Hernáiz (Natacha), Juan Pastor (Chebutikin) , José Bustos (Tusenbach), José Troncoso (Soliony), José Maya (Kuliguin), Carles Moreu (Vershinin) y Aurora Herrero (Anfisa).   En Enero un grupo de doce actores y actrices vinculados a GUINDALERA iniciaban un taller de investigación impartido por Juan Pastor en torno a 'Tres hermanas' de Antón Chéjov. En los tiempos que corren pensar en montar 'Tres hermanas', con doce actores suena a suicidio colectivo. Pero si fuera fácil, no sería un proyecto de Guindalera. Acostumbrada a vivir ajena al ruido y a las modas. Montando solo obras en las que creen, olvidándose del beneficio.  

SINOPSIS

Tres hermanas de Chéjov tiene como núcleo la vida desdichada de las hermanas huérfanas en una pequeña ciudad rusa de provincia, en la que está de guarnición una brigada de artillería, que es el único estímulo vital de esa ciudad amodorrada. Sin ellos todo sería languidez, desgana y tedio sin más diversión que el chismorreo, la embriaguez o la intriga amorosa. En ese ambiente inerte y apático, que elimina el anhelo de cualquier vida más plena y humana se ven atrapadas las tres hermanas. Su única esperanza, que acabará también por perderse, es huir de allí e instalarse en Moscú, su antigua ciudad y que se ha convertido en un imperante objetivo que a su vez recuerdan con una diaria nostalgia. La retraída y pusilánime cuñada, Natacha, se irá adueñando poco a poco de la casa y sus ocupantes y acabará por imponerse despóticamente a ellos. Las hermanas no se percatan, o no quieren enterarse de que el causante real de la ruina de sus esperanzas es su hermano Andrei, marido de esa mujer.    

LA OBRA

Juan Pastor presenta una nueva lectura de la obra partiendo de nuestra realidad más presente. Chéjov nos alerta sobre la estupidez humana y la necesidad de un cambio, una renovación espiritual que nos lleve a un futuro mejor. Una compañía de teatro decide cumplir el sueño de montar Tres hermanas. La obra nos dice que es necesario el cambio y que sus personajes son incapaces de leer lo que sucede. La falta de habilidad para abrazar esos cambios que los tiempos traen es lo que les impide alcanzar sus metas. En el espectáculo hay una reflexión sobre el presente. Vemos cómo el mundo está cambiando; el que una vez conocimos desaparece. Un mundo se acaba y otro empieza. Pero la crisis provocada por esa necesidad no solo es económica y política, sino que también afecta al sistema de valores y con ello existe el riesgo de perder lo válido… Una fuerza vital y un desmesurado deseo por vivir hace que el comportamiento de los personajes en Tres Hermanas nos parezca distorsionado o cómicamente trágico.     [caption id="attachment_37019" align="aligncenter" width="800"]TRES HERMANAS TRES HERMANAS[/caption]  

NOTA DE JUAN PASTOR

¿Por qué Tres hermanas de Chéjov? La desesperación ante el presente y la esperanza de un cambio positivo en el futuro que permita la realización de sus más altas aspiraciones como artistas en un país que no ofrece alternativas, lleva a una compañía de actores españoles a montar TRES HERMANAS de Chéjov, porque en ella creen descubrir como ante un espejo ciertas claves que les ayuden a comprender la realidad de su entorno más cercano. De esta forma, y a pesar de su falta de medios, el colectivo inicia un viaje a su Moscú más deseado, permitiendo que su realidad circundante y la de la ficción de la obra se retroalimenten en un espectáculo final (ciñéndose solo al texto de Chéjov). Según una reflexión de Lee Trepanier, el estado de decadencia espiritual y material que caracteriza a las hermanas de la obra de Chéjov y más concretamente a la sociedad aristocrática rusa de finales del siglo XIX, se puede comprender por una lectura de Musil “sobre la estupidez”. El novelista austríaco afirma que “la causa de la decadencia de las sociedades cultas y su eventual colapso es la estupidez, que más que una deficiencia es una falta de comprensión.” Naturalmente, esto podría aplicarse también perfectamente a nuestra sociedad europea actual en la que, como consecuencia de la falta de comprensión o incapacidad de sus líderes de lo que está sucediendo, ante la tan mencionada crisis, estúpidamente se están perdiendo una serie de valores, en nuestra “sociedad del bienestar”, mientras estúpidamente aparecen otros aspectos negativos con la insistencia de asumir una responsabilidad necesaria para mantener precisamente ese sistema. Así, nuestra compañía de actores interpreta que el desposeimiento espiritual y material de la casa de los Prozorov en TRES HERMANAS se puede comprender como resultado del estúpido comportamiento de sus protagonistas porque son incapaces de defender y preservar los valores aristocráticos de su condición, como el de belleza, sacrificio compartido y ocio, valores que los actores creen que defienden los nuevos colectivos que están apareciendo en nuestro país y que intentan preservar la llamada sociedad del bienestar europeo frente a la tan demandada y necesaria responsabilidad que reclaman estúpidamente muchos de nuestros líderes, insistiendo en el pragmatismo y la utilización de las personas como medio, para conseguir la riqueza que permita igualmente preservar esa misma sociedad del bienestar. Solidaridad frente a responsabilidad. De esta forma, en TRES HERMANAS, el colectivo de actores que va a montar la obra encuentra en el estudio de sus personajes dos tipos diferentes de estupidez, una franca y honorable encarnada por las hermanas, entre otras cosas por la falta de comprensión y por lo tanto incapaces para enfrentarse ante las fuerza que les destruirán y otra encarnada por Natacha, paradójicamente con un signo de inteligencia, porque consigue su propósito, pero que trae consigo la vulgaridad y el egoísmo burgués incapaz de empatizar con el sufrimiento ajeno. Así, acudimos a una confrontación entre dos grupos de gente ante los problemas que plantea la vida en esa casa común. Natacha y Protopópov son representantes de una clase que sabe exactamente lo que quiere y que logra alcanzar, cosa que los Prozorov son incapaces, porque tienden a minar toda iniciativa personal. Son encantadores pero ineficaces. La vulgaridad de Natacha, sin embargo, representante de valores burgueses con un comportamiento responsable, rechaza la sensibilidad de los Prozorov sobre sus altos propósitos de solidaridad en la búsqueda inmediata de soluciones a sus asuntos prácticos, a su estatus y a sus inclinaciones sexuales. Las discusiones sobre ideas impracticables se sustituyen por el pragmatismo y el cálculo. Las cosas funcionarán en la casa según los deseos de la gente como Natacha y los valores defendidos por las hermanas se perderán. Teniendo como fondo este panorama, nuestra compañía de actores va a vivenciar la experiencia de este drama lleno de ironías amargas, pero con muchos momentos dramáticamente cómicos, porque se ven a sí mismos como sus personajes, perdidos y sobrellevando sus fallos con fantasías de futuros felices. Pero también como ellos, en los momentos más bajos, encuentran la fuerza para levantarse al nivel de sus sueños sobre el futuro feliz de la humanidad. En nuestro montaje tanto los actores como los personajes de la ficción, ¡quieren vivir! Y aunque a veces lo hacen agónicamente, desperdiciando su energía en juegos o actitudes triviales, ¡quieren vivir! Con una fuerza vital y fe en el futuro. “La esperanza de una mejor vida y una profunda fe en el futuro” Pero a pesar de actuar con esa energía hacen sus vidas inútiles porque rechazan actuar para conseguir sus verdaderos objetivos, no hacen nada verdaderamente adecuado para construir sus vidas deseadas y eso además de trágico genera situaciones cómicas. Como decía una crítica americana después de ver la obra: “No encuentro sentido a que tres adultas gasten cuatro actos para no ir a Moscú cuando todo el tiempo tienen la posibilidad de comprar un billete de tren fácilmente.” De esta forma los personajes, como los actores que participan en la obra no se sumergen en sus tristezas, sino todo lo contrario, buscan la vida, la alegría y el coraje. Quieren vivir y ser activos emocionalmente, se levantan para vencer el duro e insoportable punto muerto en el que la vida les ha sumergido, aunque sus comportamientos triviales les impidan las acciones pertinentes que precisarían para sus diseños como personas. La obra contiene una crítica al comportamiento de los personajes a los que se llega a amar porque se les comprende, como nosotros los actores amamos esa realidad a la que pertenecemos. Esperamos que todo eso induzca al público a criticar pero comprender esas vidas enfermizamente triviales. Chéjov no solamente tenía cierta simpatía por sus personajes a los que amaba porque los comprendía y aunque pareciera juzgarlos con dureza, sus juicios no eran explícitos, no perdía su objetividad. Esperamos que el público reflexione sobre el comportamiento de sus personajes, los comprenda y por lo tanto llegue a amarlos a ellos como a nosotros los actores del intento. TRES HERMANAS contiene una exploración constante entre la esperanza y la desolación, habla sobre la desesperación ante el presente y la esperanza de un futuro mejor. La carga de la pena y el fracaso está equilibrada e incluso trascendida por el anhelo de la felicidad y realización. Los actores de la compañía ante un cambio inminente y necesario en nuestra sociedad buscamos desesperadamente el equilibrio entre responsabilidad y solidaridad. Aquellos tiempos de la obra de Chéjov son un eco de lo que posiblemente hoy, a principios del siglo XXI se percibe, la visión de un futuro en el que muchas cosas van a cambiar en un sentido u otro, todo depende de nosotros, pero queramos o no el cambio será de gran dimensión.
Juan Pastor
   

Tres hermanas en los Teatros del Canal

 

FICHA

Dramaturgia, espacio escénico y dirección: Juan Pastor Iluminación: Sergio Balsera Ayudante de dirección: Aurora Herrero Adjuntos a la dirección: Maria Pastor,  José Bustos  y José Troncoso Ayudante de producción: José Troncoso Espacio sonoro: José Bustos,  Escuela de Nuevas Músicas Sastra: Noemi Loiti Asesora de coro: Sonia Herrero Coordiación técnica: Sergio Balsera y David Benito Comunicación prensa y redes: Manuel Benito, Raquel Berini y Alba Quintas Producción y ambientación: Teresa Valentín-Gamazo Fotografía: David Benito Distribución: Fran Avila Reparto: Victoria Dal Vera, María Pastor, Ariana Martínez, Raúl Fernández, Susana Hernáiz, Juan Pastor, José Bustos, José Troncoso, José Maya, Carles Moreu y Aurora Herrero.        
 
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TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

 

EL NOMBRE Teatro Cofidis Alcázar A partir del 10 de septiembre

  EL NOMBRE', de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliêre. Versión española de Jordi Galcerán , con dirección de Gabriel Olivares y con un reparto de lujo: Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, Cesar Camino y Kira Miró. A partir del 10 de septiembre, de miércoles a domingo en el Teatro Cofidis Alcázar.     LE PRENOM de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliêre: Estrenada en el Teatro Edouard VII de París en septiembre de 2010, se convierte en uno de los mayores éxitos de la cartelera parisina. Después de  permanecer durante  toda  la  temporada  y  tras  finalizar  sus representaciones en junio del año siguiente, se encargan de la adaptación y dirección de la película 'Le Prénom', que también supone un enorme éxito en toda Europa, siendo nominada a cinco premios Cesar y obteniendo dos de ellos. La pieza es muy fiel al estilo francés, recordando en muchos momentos a obras de autores de la talla de Jaoui, Bacrí, Thiery,  Sibleyras  y  especialmente  Yasmina Reza.  UN DIOS SALVAJE,  producida  en  sus  versiones castellana y catalana por el mismo equipo,  llevó  un  recorrido teatral y cinematográfico muy similar en nuestro continente.  Con el mismo éxito se han realizado versiones en diferentes países del mundo.   Parte de un primer conflicto con una importancia relativa, cuyas consecuencias pronto  irán agrandándose y aflorando los verdaderos problemas entre sus protagonistas. Todo ello con un lenguaje especialmente mordaz y con esa habilidad de hacernos sentir que, las situaciones que plantea, en algún momento de nuestra vida nos han podido ocurrir a todos. La identificación con los personajes es inmediata. Es cercana. Cualquier familiar, amigo, marido o esposa nos ha podido poner en esa situación. La de un viejo rencor guardado,  la de tomar partido por algo o por alguien.  Y ojalá siempre todos los conflictos pudieran tratarse en la vida real con el mismo sentido del humor que lo hace esta obra. Creemos que se trata de un texto enriquecedor para el público que lo escuche.  

SINOPSIS

Vicente, que va a ser padre por primera vez, acude invitado a cenar a casa de su hermana Isabel y su marido Pedro, donde también está su amigo de la infancia Carlos. Más tarde aparece Ana, su embarazada mujer, que como siempre viene con retraso. Se trata de celebrar la próxima llegada del bebé. Le plantean todo tipo de cuestiones sobre su futura paternidad y los cambios que suponen en la vida de una pareja, sin perder nunca el sentido del humor. Cuando le preguntan si ya ha escogido un nombre para el futuro niño, su respuesta deja a todos boquiabiertos… desde luego, no es para menos. A partir de ahí se genera un debate que va a crear un conflicto detrás de otro, cada cual más sorprendente e hilarante, y que cuestionará el carácter de cada uno y la relación entre todos los personajes.     [caption id="attachment_14276" align="aligncenter" width="724"]EL NOMBRE © Sergio Parra EL NOMBRE © Sergio Parra[/caption]    

FICHA

Autores: MATHIEU DELAPORTE Y ALEXANDRE DE LA PATELLIÈRE Versión: JORDI GALCERÁN Escenografía: JOAN SABATÉ Iluminación: TXEMA ORRIOLS Caracterización: TONI SANTOS Sonido: DAMIEN BAZIN Estilismo: ROSA SOLANO Fotografía: SERGIO PARRA Diseño gráfico: JAVIER FRANCO Y DIEGO MARTÍN Dirección Técnica: DAVID GONZÁLEZ Aydte. Dirección: VENCI KOSTOV Producción: CARLOS LARRAÑAGA FRANCO, NICOLÁS BELMONTE, ALICIA ÁLVAREZ Dirección: GABRIEL OLIVARES Distribución: DISTRIBUCIÓN Y GIRAS Reparto: AMPARO LARRAÑAGA, ANTONIO MOLERO, JORGE BOSCH, CESAR CAMINO Y KIRA MIRÓ. Fechas y horarios: A partir del 10 de septiembre. Miércoles a viernes 20:30 horas, sábados 19 y 21:15 horas, domingos 19:00 horas TEATRO COFIDIS ALCÁZAR 

Descargar DOSSIER EL NOMBRE  
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TEATRO ESPAÑOL

Del 18 de diciembre de 2015 al 10 de enero de 2016

El 1 de JULIO abria el Festival de Mérida MEDEA. Con dirección de José Carlos Plaza y dramaturgia de Vicente Molina Foix a partir de textos de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas. 

Ana Belén da vida a una hechicera y vengativa Medea. La actriz vuelve a meterse en la piel de un personaje mítico del mundo clásico y lo vuelve a hacer a las órdenes de José Carlos Plaza. Ambos culminan así una trilogía de mujeres trágicas: Fedra (2007), Electra (2012) y esta Medea. Acompañada en escena por un elenco de grandes actores: Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rallo, Poika Matute, Alberto Berzal, Olga Rodríguez, Leticia Etala y Horacio Colomé.

La versión libre de Vicente Molina Foix, dirigida por José Carlos Plaza, enfatiza las razones por las que Medea se comporta de la manera en que se comporta, alejándose de juicios paralelos que puedan irrumpir en la trama.

Más de 8.000 espectadores y dos llenos absolutos dejan constancia de que Medea es una de esas historias que agarran el corazón y confirman que la sangre puede ser a la vez el detonante de una nueva vida.  

Medea es doblemente legendaria desde la antigüedad, porque a la suya le precede otra leyenda no menos poderosa: la del viaje en busca del Vellocino de oro emprendido por los Argonautas al mando de Jasón. Nuestra ‘Medea’ refleja el mundo propio de Medea y los antecedentes de la conquista del sagrado trofeo, fundiendo, como así debió de suceder en algún remoto día, la persona y las artes de la princesa hechicera con la figura del marino desposeído de su reino y su orgullo guerrero. La obra que he escrito también se mueve en dos frentes: el sueño heroico y la crudeza intemporal de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado. Eurípides y Séneca fueron los precursores, pero también, entre otros, nos inspiró la gran novela en verso de Apolonio de Rodas y los maravillosos relatos poemáticos de Ovidio. El molde argumental y ciertos pensamientos y palabras son de ellos, pero, siguiendo la estela de los escritores de todos los tiempos que fueron a los clásicos para abastecerse y revalidar su lección, hemos querido ser fervientes infieles, introduciendo elementos nuevos y dando a tres personajes aquí muy libremente recreados (la Nodriza, el Preceptor y Creonte) los perfiles cómicos y grotescos que no faltaron en la tragedia grecolatina.

‘Medea’ es, no sólo en ese sentido, una vuelta a la feliz experiencia que supuso en este mismo escenario la ‘Electra’ del 2012, en la que coincidíamos buena parte del equipo artístico y de la producción actual. A José Carlos Plaza, Pedro Moreno y Mariano Díaz me unen muchas experiencias teatrales, y es la quinta vez que como escritor trabajo con mi admirada Ana Belén, desde su inolvidable Ofelia del ‘Hamlet’ de 1989 interpretado por José Luis Gómez y dirigido en el CDN por Plaza. Son ahora, con los nuevos y magníficos nombres que se incorporan, los compañeros ideales en una aventura que nos lleva a la tierra en la que aún nos movemos: la de las pasiones imperecederas.
Vicente Molina Foix
 

Sobre Medea

Medea llega a nosotros como un mito. El mito del desequilibrio. En Medea se rompe el equilibrio que los valores occidentales plantean entre el mundo femenino y el masculino. Medea existe en un mundo primitivo donde las grandes respuestas cuyas preguntas aun ni siquieran han sido formuladas; donde el humano vive entre sus instintos y sus pasiones: nacer, engendrar y morir. Un mundo que cree y se sustenta en rituales, la mayoría sangrientos -que suplen la ausencia del pensamiento, amparan al miedo que produce el desconocimiento y la ignorancia sobre tantos y tantos porqués. ¿Por qué la noche?, ¿Y el firmamento? o la muerte... El mundo de Medea es un mundo oscuro, esotérico, mágico donde la sangre es el elemento generador de vida. De ahí los rituales cruentos de jóvenes cuyo sacrifico, cuya sangre sirva de alimento a la tierra que creará los frutos que alimentaran a otros jóvenes: Un ciclo vital y en ese ciclo Medea es la hechicera, el sacerdote oficiador en este mundo oscuro de la Colquida. Otro mundo aparece, el mundo viril de Jasón. El contacto se produce y Medea –dejando salir esa dimensión de mujer, encubierta y reprimida por occidente y apropiándose de los derechos sexuales y la acción agresiva y violenta que siempre ha ocupado el hombre– renuncia a su raíces, a su familia y hasta a ella misma. Sucumbe ante el Hombre. Y todo su instinto le empuja a no mirar atrás, a cortar, incluso con impiedad los vínculos sacros de tierra y familia. Expatriada a un lugar extraño, a un mundo más avanzado, menos puro, más racional, Medea es traicionada. A partir de ese momento Medea trasgrede la norma de ese orden masculino. Actúa realizándose como ser. Corta la estirpe del hombre y amputa su esencia como madre, como cortó la de hija y hermana, y así equilibrar su propio entidad de ser. La sangre del hijo regará la tierra y creará nuevos seres no contaminados por la mentira y la traición. Dos mundos encontrados incapaces de entenderse. Y se produce el desorden , el quebrantamiento de un status por quien no tolera ni siquiera comprende la traición y mucho menos las mezquinas razones a ella conducen.
José Carlos Plaza
    [caption id="attachment_14630" align="aligncenter" width="705"]MEDEA - Foto : Jero Morales MEDEA - Foto : Jero Morales[/caption]  

FICHA

Reparto Ana Belén: Medea Adolfo Fernández: Jasón Consuelo Trujillo: Nodriza Luis Rallo: Preceptor Poika: Creonte Alberto Berzal: Corifeo Olga Rodríguez: Corifea Leticia Etala: Creusa Horacio Colomé: Jasón joven   Equipo Artístico Y Técnico Escenografía: Francisco Leal Vestuario: Pedro Moreno Ayudante de vestuario: Beatriz Robledo Musica original: Mariano Díaz Iluminación: Toño Camacho Audiovisual: Álvaro Luna Jefe de producción: Raúl Fraile Ayudante de dirección: Jorge Torres Dramaturgia: Vicente Molina Foix, a partir de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas Dirección: José Carlos Plaza Producción: Jesús Cimarro Una producción del Festival de Mérida y Pentación Fechas y horarios: Del 18 de diciembre de 2015 al 10 de enero de 2016 De martes a sábado 20h. Domingos 19h en el TEATRO ESPAÑOL DESCARGAR DOSSIER  
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MICROTEATRO POR DINERO

      Una caravana en medio del bosque. Un hombre que recoge a una chica que parece perdida. Esta es la premisa de ‘SHE MOVES’, un thriller psicológico escrito por Carlos Crespo que indaga en los límites éticos de las relaciones humanas. Martín (Edu Díaz) y Lara (Lidia Amanda Montiel) escenifican un extraño y bizarro ritual en el que nada es lo que parece. ‘SHE MOVES’ pondrá a prueba al público de ‘Microteatro por Dinero’ que vivirá muy de cerca esta obra que cuenta con efectos lumínicos y visuales no habituales en este tipo de formato teatral.   Se representa semanalmente a partir del próximo martes 30 de junio a partir de las 20.30 horas. Con una duración en torno a los 15 minutos, se mostrará en siete pases cada martes.  

EL DIRECTOR

Manuel M. Velasco es guionista y director de cine y televisión. Cuenta en su filmografía como director con algunos cortometrajes multi premiados en festivales nacionales e internacionales, como "Cambio de Agujas" y "Los Niños del Jardín". Realizador también de varios videoclips y spots publicitarios, es autor de guiones de series de televisión para productoras como Europroducciones o BocaaBoca. También participó en el guion y en la dirección de los Premios Goya en su XX Aniversario. En teatro ha escrito y dirigido varias micro obras en Madrid y Málaga. ‘SHE MOVES’ es su última incursión teatral como director. Como experto en cine, colabora en varios medios de comunicación y es autor de uno de los blogs de cine más leídos de Antena3.com.  

LOS ACTORES

Lidia Amanda Montiel se ha formado en escuelas como Nancy Tuñón y Eòlia, es diplomada en interpretación por El Plató de Cinema (Barcelona) y ha hecho cursos de Técnica Meisner. Tiene experiencia en teatro, como locutora de radio y de publicidad. También ha participado en videoclips como  ‘Culpable’ de David Bisbal y en cortometrajes como ‘Algo Temporal’, finalista en la última edición del Notodofilmfest. ‘SHE MOVES’ es para Lidia su primera incursión en la escena teatral madrileña.  Edu Díaz es actor y productor teatral. Es experto en marketing y comunicación, actividad que ejerció en el Grupo PRISA (Diario El País). En el terreno artístico se ha formado en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid (EMAD) y ha realizado talleres en la Escuela de Cristina Rota y en la Central de Cine con Raquel Pérez y Natalia Mateo. Como productor, es responsable junto al colectivo ‘Los Zurdos’ de la obra ‘Amores Minúsculos’, actualmente en cartel en el Teatro Lara. ‘SHE MOVES’ supone su vuelta a la interpretación tras años dedicado a la producción.  

EL AUTOR

Carlos Crespo es director y guionista. Se ha formado en ‘La Factoría del Guion’ de la mano de Pedro Loeb, Javier Fonseca, Daniel Tubau, Sonia Gómez y Carlos Bianchi, entre otros y ha cursado el ‘Máster de Guion para Cine y Televisión’ de la Universidad Pontificia de Salamanca. Ha escrito y dirigido varias piezas para teatro, como ‘Mario y Kara’ y ‘Somos’. Es autor de dos cortometrajes: ‘Cosas que no recordarás mañana’ y ‘Por no morir nada más vernos’, éste último actualmente en distribución y seleccionado en el Festival de Cine de L'Alfàs del Pí. Escribe ‘SHE MOVES’ en ‘3 Disciplinas’, curso dirigido por Natalia Mateo en la Central de Cine destinado a guionistas, directores y actores en el que los alumnos experimentan con el proceso de creación teatral.   She Moves   Texto: Carlitos Crespo Dirección: Manuel M. Velasco Intérpretes: Lidia Amanda Montiel, Edu Díaz Fechas y horarios: Todos los martes del 30 de junio al 21 de julio a partir de las 20:30h. MICROTEATRO POR DINERO  

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

WINDERMERE CLUB

Adaptación de Juan Carlos Rubio de 'El Abanico de Lady Windermere' de Oscar Wilde Dirección de Gabriel Olivares

Del 8 de SEPTIEMBRE al 4 de OCTUBRE | TEATRO FERNÁN GÓMEZ
  Windermere Club se trata de una adaptación de Juan Carlos Rubio del clásico de Oscar Wilde 'El Abanico de Lady Windermere'. Bajo la dirección de Gabriel Olivares, y con un reparto formado por Natalia Millán, Teresa Hurtado de Ory, Javier Martín, Susana Abaitua, Harlys Becerra y Emilio Buale. La obra cambia Londres por el Miami actual, y sitúa la acción en una escuela de danza. Estrenada el 5 de agosto en el Festival de Teatro San Javier , llega a Madrid el 8 de septiembre al Teatro Fernán Gómez.  

¿LOGRARÁS RESISTIR LA TENTACIÓN?

El abanico de Lady Windermere, una de las obras más conocidas del gran Oscar Wilde, nos habla del miedo a la difamación, de la importancia de la imagen que el resto de la sociedad puede tener de nosotros. Y todos sabemos que ese es un tema que a día de hoy, 122 años después de su estreno, nos sigue preocupando. Y mucho. Cada día saltan a la prensa escándalos que hacen tambalear los cimientos de vidas, a priori, honorables y alabadas. ¿Cuáles de estos escándalos son verdaderos? ¿Cuáles no? ¿Cuántos serán fruto de un chantaje? ¿De una venganza? La puritana sociedad victoriana en la que Wilde situó su obra ha dado paso a un mundo donde el sexo y las relaciones personales son mucho más flexibles, no hay duda. Internet ha cambiado las reglas del juego y ahora todos podemos ser testigos de una falta moral cometida a miles de kilómetros. Y en tiempo real. Pero eso no nos ha alejado de la humana sensación de la vergüenza y de la necesidad de seguir recibiendo aprobación de nuestros semejantes. Por mucho que nos apetezca caer en alguna tentación…  
“La experiencia es simplemente el nombre que damos a nuestros errores”
 

SINOPSIS

Una bella y misteriosa española ha aterrizado en Miami hace apenas unos meses. ¿Qué anda buscando por estas tierras? ¿Dinero? ¿Fama? ¿Venganza? El Windermere Club, un popular local nocturno, será el escenario dónde las verdades y mentiras saltaran por los aires al ritmo de salsa. Sus dueños, una joven pareja de enamorados, verá como su relación se tambalea por culpa de las intrigas de esa desconocida que oculta en su corazón un secreto inconfesable. El otro gran protagonista de Windermere Club es el baile.  La trama de esta versión se sitúa en un club de salsa en la que imparten clase la pareja protagonista, Sara y Santiago, lugar de encuentro para amantes de este género. Y epicentro de una calurosa noche en la que las verdades y las mentiras se irán desgranando al son de los temas más conocidos del ritmo latino.  
"No hay nada mejor que el amor de una mujer casada. Es una cosa de la que ningún marido tiene la menor idea"
  [caption id="attachment_15030" align="aligncenter" width="632"] WINDERMERE CLUB[/caption]       "La trama de esta versión de Windermere Club se sitúa en un club de salsa en  la que imparten clase la pareja protagonista, Margarita y Arturo, lugar de encuentro para amantes de este género. Y epicentro de una calurosa noche en la que las verdades y las mentiras se irán desgranando al son de los temas más conocidos del ritmo latino. “En este mundo hay dos tragedias. Una, no conseguir lo que deseas. La otra, conseguirlo. Esta última es la peor” Windermere Club (versión libre de Juan Carlos Rubio de El abanico de Lady Windermere), habla del miedo a la difamación, de la importancia de la imagen. Cada día saltan a la prensa escándalos que hacen tambalear los cimientos de vidas, a priori, honorables. ¿Cuáles de estos escándalos son verdaderos, fruto de la tentación? ¿Cuáles son un sucio chantaje? La puritana sociedad victoriana en la que Wilde situó su obra ha dado paso a un mundo donde las relaciones personales son mucho más flexibles. Pero eso no nos ha alejado de la humana necesidad de seguir recibiendo aprobación de nuestros semejantes. Windermere Club, dirigida por Gabriel Olivares, protagonizada por Natalia Millán, Susana Abaitua, Teresa Hurtado de Orly, Javier Martín, Emilio Buale y Harlys Becerra y producida por Ein Producciones, es una trepidante comedia que radiografía este loco mundo de apariencias que nos ha tocado vivir. Y todo ello en Miami y a ritmo de salsa ¿quién podrá resistirse a esta divertida tentación?"
Juan Carlos Rubio
    [caption id="attachment_18729" align="aligncenter" width="681"]WINDERMERE CLUB en el Fernán Gómez WINDERMERE CLUB[/caption]  

FICHA

Dirección • Gabriel Olivares Versión • Juan Carlos Rubio Producción ejecutiva • Gaspar Soria Ayudantía de Dirección • Venci Kostov Espacio Escénico • Asier Sancho Iluminación • Carlos Alzueta Espacio Sonoro • Ricardo Rey Vestuario • Libert Lado Coreografía • Sergio Alvarez y Priscila Santos Fotografía y Gráfica • Javier Tomás Biosca ELENCO Señora Nadir • Natalia Millán Sara • Susana Abaitua Katy • Teresa Hurtado de Ory Augusto • Javier Martín / David Efrain Gonzalez Darling • Emilio Buale Santiago • Harlys Becerra Compañía: EIN Producciones Fechas y horarios: Del 8 de SEPTIEMBRE al 4 de OCTUBRE Martes a Sábado a las 20:00h | Domingos 19:00h   TEATRO FERNÁN GÓMEZ
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TEATRO CONDE DUQUE 

 

El 10 de Julio regresa La Joven Compañía al Teatro Conde Duque con 'PUNK ROCK'!. Dentro de los Veranos de la Villa

  La Joven Compañía vuelve al escenario de Conde Duque con Punk Rock, uno de los tres éxitos de esta temporada que atrajo en noviembre de 2014 a más de 7.500 espectadores en sus 33 funciones. Del 10 al 18 de julio en Los Veranos de La Villa. En otoño iniciarán una gira nacional. Punk Rock es la historia de siete jóvenes de Stockport (Inglaterra) en un momento clave de sus vidas. En pleno tránsito hacia la vida adulta, se enfrentan a los exámenes que les abrirán las puertas de la Universidad y les permitirán huir del suburbio industrial en el que han crecido. La presión es máxima y cada uno deberá lidiar con ella a su manera. Pero no todos están preparados para soportarla. El texto de la obra es de Simon Stephens. Uno de los dramaturgos contemporáneos más brillantes, que increíblemente nunca ha sido representado en España y que dibuja en Punk Rock un preciso retrato de los jóvenes de nuestros días, de sus inquietudes y sus miserias, del ecosistema educativo y el futuro difuso que les espera. Utilizando un lenguaje muy rico en matices y un registro casi bipolar, el texto se adentra en el universo de los estudiantes sobresalientes en un mundo que necesita mejorar.  

SINOPSIS

Punk Rock es la historia de siete jóvenes de Stockport (Inglaterra) en un momento clave de sus vidas. En pleno tránsito hacia la vida adulta, se enfrentan a los exámenes que les abrirán las puertas de la Universidad y les permitirán huir del suburbio industrial en el que han crecido. La presión es máxima y cada uno deberá lidiar con ella a su manera. Pero no todos están preparados para soportarla.  

ACERCA DE LA OBRA

Los siete protagonistas de Punk Rock viven en Stockport, un pueblo en el cinturón de Manchester del que desean escapar para poder acceder a universidades de mayor prestigio en otras zonas Inglaterra. En la obra, William y Lilly, dos de los protagonistas, critican a la población por sus vacías vidas “con sus chándals y sus tarjetas de clientes de todo a cien”, pero ¿cómo es exactamente Stockport? Con cerca de 130.000 habitantes, Stockport (que en español sería algo así como “un mercado en la aldea”) se presenta como un poblado industrial, de los más grandes de Manchester, que cuenta con varios centros comerciales, una sala de proyección, varios restaurantes de comida rápida, un gimnasio (del que el personaje de Nicholas se declara fan), un parque medieval o algunos bares. En años recientes, el Ayuntamiento Municipal Metropolitano de Stockport ha emprendido un proyecto ambicioso, conocido como "el futuro Stockport". El plan es traer más de 3.000 residentes al centro del poblado, y revitalizar sus propiedades residenciales y sus comercios, en forma similar a la ciudad de Mánchester. Los jóvenes de la obra, pertenecientes a esa clase media característica de las zonas industriales de Inglaterra, sólo desean huir del lugar donde les ha tocado vivir. Disfrazan de ironía esa rabia contra el mundo, lo que les hace completamente humanos. Las notas de selectividad son muy importantes, porque serán las que marquen su única vía de escape. Y las vías del tren, por lo tanto, también cobran un gran significado… son la única manera, al fin y al cabo, de dejar atrás Stockport.  

LA JOVEN COMPAÑÍA

La compañía, dirigida por José Luis Arellano García, está formada por más de una treintena de jóvenes entre 18 y 25 años, guiados por profesionales del circuito teatral nacional, que vuelcan su trabajo sobre estos jóvenes en formación. La Joven Compañía quiere ser una primera experiencia profesional para unos jóvenes que reivindican el sitio de su generación en la sociedad a través del teatro en cualquiera de sus profesiones. Actualmente La Joven Compañía es residente en el Teatro Conde Duque de Madrid donde representa más de 100 funciones al año para jóvenes de Secundaria y Bachillerato de toda la Comunidad de Madrid. En la temporada 2013-2014 15.000 personas vieron las representaciones de las tres producciones de La Joven Compañía. El objetivo final de la compañía es ayudar a crear un tejido cultural juvenil potente a nivel nacional. La Joven Compañía cuenta con el patrocinio del diseñador de moda Eduardo Rivera. Además del apoyo del INAEM, Comunidad de Madrid, Ministerio de Cultura y el Ayuntamiento de Madrid.  

FICHA

Dirección_ José Luis Arellano García Versión_ José Luis Collado Dirección artística_ David R. Peralto

Escenografía y vestuario_ Silvia de Marta Iluminación_ Juan Gómez-Cornejo

Videoescena_ Álvaro Luna

Espacio sonoro_ Mariano Marín

Producción_ Olga Reguilón Dirección técnica_ Manu Roca, Gabriel García

Ayudantía de dirección y preparación física_ Andoni Larrabeiti Comunicación_ José Luis Collado

Reparto: Alejandro Chaparro, Víctor de la Fuente, Samy Khalil, Helena Mocejón, María Romero, Álvaro Quintana, Carolina Yuste y Eugenio Villota   Fechas y horarios: 10, 11, 17 y 18 de Julio a las 20:00 h.  TEATRO CONDE DUQUE Twitter: lajovencompania DESCARGAR DOSSIER  
La Joven Compañía - Punk Rock (v1.0) from LaJovenCompañíaTV on Vimeo.   49461. Punk rock from CTRO. DE DOCUMENTACION TEATRAL on Vimeo.

TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

 

Palabra de mago, de Jorge Blass regresa al Teatro Compac Gran Vía de Madrid , del 16 de marzo al 10 de abril de 2016.

  Tras el éxito obtenido el año anterior, vuelve al Teatro Compac Gran Vía Madrid JORGE BLASS - PALABRA DE MAGO. 4 únicas semanas en las que la Gran Vía madrileña se inundará de Magia. "Palabra de mago" es el nuevo show del popular ilusionista Jorge Blass. En esta propuesta escenica Jorge explora la esencia de la magia, actualizando al siglo XXI el arte de la prestidigitación. Ya no se utilizan conejos o varitas mágicas, sino Ipads o teléfonos móviles. Con una puesta en escena actual, empleando proyecciones audiovisuales y un trio de bailarinas completamente reinventadas respecto a las clásicas ayudantes de mago. Lo nuevo de Jorge Blass te dejará sin palabras, vivirás una experiencia memorable y alucinarás con su extraordinaria forma de hacer magia.  
"Jorge Blass eleva el arte de la magia a otro nivel" David Copperfield
 

“Palabra de mago es una reflexión sobre el apasionante mundo de los magos, ¿Somos personas honestas? ¿O unos tramposos? En la edad media nos quemaban en la hoguera y en el siglo XXI el público compra entradas para vernos en teatros, aunque algunos Magos deberían haber sido quemados hace tiempo…

Somos auténticos manipuladores de la percepción, nuestro trabajo consigue hacerte ver y creer lo que nunca has visto, y olvidar aquello que está delante de tus narices. Lo cierto es que aunque juguemos con vuestras mentes, somos gente de fiar, siempre avisamos de que te vamos a engañar, y lo hacemos con cuidado, sigilo. Delicadamente.

Durante 1 hora y media cada noche que presento mi espectáculo, ilusionaré a cientos, incluso miles de personas que ojalá vengan a disfrutar con el mejor engaño que pueden experimentar, la magia.

No te pierdas todas las nueva magias que he preparado, te sorprenderán… Palabra de mago”

Jorge Blass

 

FICHA

Direccion: Jorge Blass Guion: J.J.Vaquero, Jorge Blass Disefio de Iluminación: Victor Cadenas Musica Original: Yadam Coreografia: Maria Rayo Disefio de audiovisuales: Daniel Fajardo Bailarinas: Patricia Rayo, Susana Cantos, Miriam Brit Producción: Maka Márquez Fechas y Horarios: Del 16 de marzo al 10 de abril de 2016. Miércoles a viernes 20:00 horas. Sábados 18:00 y 20:30 horas. Domingos 18:00 horas. en el TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA DESCARGAR DOSSIER  
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TEATRO REAL

    Plácido Domingo no interpretará el papel titular de Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini, debido al reciente fallecimiento de su hermana, a la que se sentía muy unido, y que le impide interpretar, con intensidad y entrega, una ópera de carácter cómico. No obstante, por deferencia con el público de Madrid y con el Teatro Real, ofrecerá un pequeño concierto entre las óperas Goyescas y Gianni Schicchi, en las cinco funciones que tendrán lugar en el Teatro Real los días 30 de junio y 3, 6, 9 y 12 de julio. Al finalizar la ópera de Enrique Granados, en versión de concierto, Plácido Domingo interpretará, acompañado por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Giuliano Carella, arias y escenas de La Traviata y Macbeth, de Giuseppe Verdi, y Andrea Chénier, de Umberto Giordano, en papeles destinados a la cuerda de barítono.   Argumento Goyescas y Gianni Schicchi, dos óperas breves y dispares que aúnan su común estreno absoluto en el Metropolitan Opera House de Nueva York con tan solo dos años de diferencia. La causa es la Primera Guerra Mundial que azota Europa y lleva a los artistas a buscar refugios más seguros. En 1916 se estrena Goyescas, la ópera que Enrique Granados construyó a partir de la suite orquestal homónima y que rinde homenaje al mundo de majas y majos de Goya. Dos años más tarde, en 1918, se estrenó Gianni Schicchi. La tercera obra de Il trittico de Puccini, una ópera cómica inspirada en un episodio de La Divina Comedia de Dante –entretenida y pícara descripción de una astuta codicia– muy pronto se alzó como la predilecta del público, con un lenguaje musical que se revela como el más audaz y moderno de la trilogía. La que se considera última gran obra maestra de la ópera cómica italiana se presenta en el Real de la mano del humor ácido y mordaz de Woody Allen.   GIANNI SCHICCHI La que se considera última gran obra maestra de la ópera cómica italiana se presenta en el Real de la mano del humor ácido y mordaz de Woody Allen.  
Música de Giacomo Puccini (1858-1924) Ópera en un acto Libreto de Giovacchino Forzano, basado en un episodio de la Divina Comedia de Dante Alighieri.
Producción de Los Angeles Opera Vestuario realizado por Los Angeles Opera Escenografía realizada por Spoleto 52 Festival dei Due Mondi
Estrenada en la Metropolitan Opera House de Nueva York el 14 de diciembre de 1918
Orquesta Titular del Teatro Real
 

 FICHA

Dirección musical: Giuliano Carella Dirección de escena: Woody Allen Escenografía y figurines: Santo Loquasto Iluminación: Mark Jonathan Directora de la reposición: Kathleen Smith Belcher Escenografía y figurines: Santo Loquasto Asistente del director musical: Carlos Chamorro Asistente del director de escena: Marco Berrie  

REPARTO

Gianni Schicchi: Nicola Alaimo (Jun. 30 · Jul. 3, 6) Lucio Gallo (Jul. 9, 12) Lauretta: Maite Alberola Zita: Elena Zilio Rinuccio: Albert Casals Gherardo: Vicente Ombuena Betto di Signa: Bruno Praticò Nella : Eliana Bayón Marco: Luis Cansino La Ciesca: María José Suárez Maestro Spinelloccio: Francisco Santiago Ser Amantio di Nicolao: Tomeu Bibiloni Pinellino: Francisco Crespo Simone: Valeriano Lanchas  

SINOPSIS DE GIANNI SCHICCHI

Ha muerto Buoso Donati, un rico terrateniente. Su familia rodea su lecho, en el que todavía yace el fallecido, y llora sentidamente su pérdida, aunque muestran bastante más interés por el contenido de su testamento. Entre los presentes se encuentran, entre otros, los primos de Donati, Zita y Simone, su cuñado Betto di Signa y el sobrino de Zita, Rinuccio, enamorado de la joven Lauretta, hija de Gianni Schicchi. Ante el rumor de que Donati ha legado la mayoría de su herencia a los monjes del monasterio local, la familia empieza a buscar el testamento frenéticamente para cambiarlo. Lo encuentra Rinuccio, quien antes de abrirlo persuade a su tía Zita para que, dado que la familia va a ser tremendamente rica, le permita casarse con Lauretta.   Los temores de la familia son fundados: Donati ha legado su herencia a los monjes. Rinuccio sugiere pedir consejo a Schicchi ante la reticencia general, pues se le considera un advenedizo. Llegan Schicchi y Lauretta, que son recibidos de manera hostil por la familia. Finalmente, se accede a que Schicchi examine el testamento. Tras enviar a Lauretta al balcón y asegurarse de que nadie más sabe que Donati ha muerto, Schicchi se hace pasar por él y asegura al doctor, de visita médica, que se encuentra mucho mejor. El doctor parte y Rinuccio va a buscar al notario mientras la familia se pelea por el reparto de los bienes de Donati. Schicchi dicta un nuevo testamento al notario en el que, ante la furia de los familiares, otorga los mejores bienes a “mi leal amigo Gianni Schicchi”. En la terraza, Rinuccio y Lauretta se declaran su amor ya exento de barreras, dado que Lauretta cuenta ahora con una jugosa dote.   GOYESCAS
Música de Enrique Granados (1867-1916) Ópera en tres cuadros Libreto de Fernando Periquet
Ópera en versión de concierto
Estrenada en la Metropolitan Opera House de Nueva York el 28 de enero de 1916
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
 

FICHA

Dirección musical: Guillermo García Calvo Dirección del coro: Andrés Máspero  

REPARTO

Rosario: María Bayo Fernando: Andeka Gorrotxategi Pepa: Ana Ibarra Paquiro: César San Martín El cantante : Albert Casals  

SINOPSIS DE GOYESCAS

Cuadro primero Un grupo de majos y majas se divierten bajo un sol radiante en la pradera de San Antonio de la Florida, a orillas del río Manzanares, en Madrid. Algunos mantean un pelele. El torero Paquiro se pavonea entre la muchedumbre y piropea a las jóvenes. Su prometida, la popular Pepa, llega en calesa y ambos se hacen la corte. Aparece también Rosario, distinguida mujer aristócrata que espera encontrarse con su amante Fernando, capitán de la Guardia Real. Paquiro, insinuante, invita a Rosario a acompañarle al popular Baile del Candil, provocando los celos de Fernando, quien obliga a Rosario que vaya al baile, pero en su compañía.   Cuadro segundo El Baile del Candil está en pleno apogeo. La actitud arrogante de Fernando, avivada por las provocaciones de Pepa, no presagia nada bueno. Rosario se desmaya, y Paquiro y Fernando aprovechan el incidente para retarse en duelo esa misma noche. La fiesta vuelve a animarse una vez se han marchado Rosario y Fernando.   Cuadro tercero En el jardín de su residencia, Rosario escucha el canto del ruiseñor y le acompaña cantando una melodía amorosa. Llega Fernando y juntos entonan un dúo de amor. Una campana anuncia la hora del desafío. Rosario ruega a Fernando que no vaya, pero este desoye sus súplicas y sale en busca de Paquiro. Ella, temerosa de lo que pueda suceder, le sigue y le encuentra herido de muerte. Fernando fallece en los brazos de Rosario.  
Duración aproximada Goyescas: 55 minutos Concierto de Plácido Domingo (programa a anunciar): 40 minutos Pausa de 25 minutos Gianni Schicchi: 55 minutos
Fechas
30 de junio 3, 6 9, 12 de julio de 2015 20.00 horas
TEATRO REAL
Fotos Gianni Schicchi: Cortesía de LA Opera / Robert Millard.
 

PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA

 

Un cuento del espacio. Espectáculo familiar con música en directo.

    Los Superochenteros son 5 músicos/actores profesionales (4 chicos y una chica) que interpretan música en directo. Batería electrónica, bajo, guitarra, teclado y voz. A partir del 19 de septiembre en el Pequeño Teatro Gran Vía   

SINOPSIS

Su Silenciosa Majestad Elvis III, rey del planeta más tranquilo del Universo, ha prohibido que suene música en toda la Hiperespaciosfera. ¿Toda? ¡No! Un pequeño planeta cercano a la Supernova 80, poblado por los irreductibles Superochenteros, resiste todavía a la prohibición. Habrá movida, pero ellos tienen un plan. El plan perfecto para ir al teatro en familia: música en directo, bailes, luchas de espadas, éxitos ochenteros y mucho humor.

Los Superochenteros son 5 músicos/actores profesionales (4 chicos y una chica) que interpretan música en directo. Batería electrónica, bajo, guitarra, teclado y voz. También contamos con la colaboración especial de la actriz y bailarina Belén Guijarro en el papel de Hada del Espacio.

REPERTORIO

1. Los bailes de Marte (Divina) – Radio futura 2. Casimiro – Siniestro Total 3. Me colé en una fiesta – Mecano 4. Quiero ser como tú (El libro de la Selva) – Rey Lui 5. Abracadabra (La bola de Cristal) – Alaska 6. Popurrí de los Payasos de la Tele – Gabi, Fofó, Miliki y Fofito 7. Hago Chas y aparezco a tu lado – Alex y Cristina 8. Aquí no hay playa – The Refrescos 9. Camino de la cama – Siniestro Total 10. A quién le importa – Alaska y Dinarama 11. Salta – Tequila

 

FICHA

Producido por Bernardo Vázquez Dramaturgia: Bernardo Vázquez Dirección actoral: Bernardo Vázquez Dirección coreográfica: Belén Guijarro Dirección musical: Mario Martínez Vestuario: Nikita Nipone Escenografía: Bernardo Vázquez, Belén Guijarro  

REPARTO

Bernardo Vázquez: Maestro Mi, Autoridad Mario Martínez: Indiana Sol, Rey Elvis III Jon Kamiruaga: Doctor Si Saúl Pérez: Super Fa Lucía Rey: Ciudadana Re Belén Guijarro: Hada del Espacio Fechas y Horarios: Desde el 19 de septiembre de 2015 al 2 de enero de 2016. Sábados a las 16:30 horas en el PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA  
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Afrogitano de Curro de Candela

 

AfroGitano es un nuevo concepto artístico es una obra que habla de sentimientos y emociones humanas universales, diálogos a través de la danza, la música, el flamenco, sin perder nunca la esencial garra, la fuerza y la elegancia del flamenco. Desde el 25 de junio al 12 de julio, Teatro Nuevo Alcalá

  Afrogitano es un nuevo concepto artístico que refleja las influencias afrocubanas y afroamericanas de su creador, Curro de Candela. Es una obra que habla de sentimientos y emociones humanas, que crea diálogos a través de la danza y la música sin perder nunca la garra, la fuerza y la elegancia del flamenco. Curro de Candela elabora una obra que atiende tanto a las necesidades del flamenco más puro, desgarrador e intimista como a las del espectáculo de gran formato musical, haciéndolo así vibrante, profundo y universal. Afrogitano sigue un hilo conductor aparentemente arbitrario y que deja entrever rasgos autobiográficos buscando un alto grado de identificación entre el espectador y los personajes en escena, golpeados por la soledad, el desamor, la desolación,  el dolor, así como la alegría, la felicidad o la pasión,  sentimientos universales a los que todos nos enfrentamos en nuestras vidas. La intención de Curro de Candela es acercar el flamenco y la danza en su máxima calidad al gran público a través de una obra cuidada, así como potenciar los rasgos comunes entre la poderosa cultura afroamericana y el flamenco. Diecinueve personas componen el equipo artístico de Afrogitano. Nueve bailarines acompañan a Curro sobre el escenario, entre los que destacan Miguel Cañas, (Compañía de Paco Romero, Teatro de Danza Española de Luisillo, Rafael Aguilar, Antonio Canales, Sara Baras…) y una bailarina formada en la danza contemporánea y el afro,  Suramy Suárez Maldonado , con gran trayectoria profesional y prestigio dentro del panorama internacional de la danza. El guitarrista y reconocido productor musical Juan José Suárez Salazar, “Paquete”, y el cantaor Enrique “El Piculabe”, nombres también imprescindibles de la escena flamenca, junto a siete músicos firman la música. Curro de Candela es un bailarín-bailaor virtuoso, que domina un gran número de disciplinas de danza (clásica, contemporánea, afrocubana, española y el flamenco). Formado por Cristóbal Reyes (maestro y tío de Joaquín Cortés), por el propio Joaquín Cortés, María Magdalena, Merche Esmeralda y Manolete, entre otros. Amplia sus conocimientos artísticos en Cuba, donde descubrió el ballet clásico-afro contemporáneo. Dotado de una enorme fuerza física y expresiva, elegante y armonioso, la crítica lo define como un animal escénico.  

FICHA

EL EQUIPO DE AFROGITANO Dirección artística, escénica y musical: Curro de Candela Asistente de dirección: Miguel Cañas Coreografías: Curro de Candela Asistente de coreografías: Miguel Cañas Repetidora: Laia Salvador Ramos CUERPO DE BAILE Artista principal: Curro de Candela Artista invitada bailarina afro-contemporánea: Suramy Suarez Maldonado Bailarinas: Alicia Espinar Jiménez Cristina Soler Valero Laia Salvador Ramos Manuela López Moreno Nuria Tena Lopez Silvia Megías López MÚSICOS Música y dirección musical: Juan José Suárez Salazar, “Paquete” Cantaor: Enrique “El Piculabe” 8 músicos: cantaores, guitarra, batería y percusión flamenca, set de percusión y percusión afro, contrabajo, teclado y metal. EQUIPO TÉCNICO Jefe técnico, técnico PA y monitores: José Lavado Diseño iluminación y audiovisuales: Eduardo Moreno Técnico de luces: Carlos Ricardo Bessia Maquinista y regidor: Julián Alcántara Sastra: Paquita Torres  

Les Luthiers
presentan

¡CHIST!

Les Luthiers celebran su 50 aniversario, presentando de nuevo su espectáculo '¡Chist! Antología'

Les Luthiers (Carlos López Puccio, Jorge Maronna, Marcos Mundstock, Carlos Núñez Cortés, Horacio Tato Turano y Martín O'Connor) regresan con su trigésimo cuarto espectáculo, ¡CHIST!; una antología de sketchs de sus obras estrenada en 2011 en el Teatro Astengo, de Rosario, Argentina.

Tras el gran éxito en su última visita a Madrid en marzo de 2016, la mítica compañía Les Luthiers regresa a la capital el próximo mes de septiembre para celebrar su 50 aniversario. El sexteto argentino presentará de nuevo y durante seis únicas funciones su espectáculo ¡Chist! Antología desde el 19 hasta el 24 de septiembre en el Palacio Municipal de Congresos (Campo de las Naciones). Última posibilidad para disfrutar de un espectáculo que consiguió una gran ovación del público llegando a alcanzar en Madrid un total de 30 mil espectadores.

VER OBRA COMPLETA (estreno online, 23 de mayo)

https://www.youtube.com/watch?v=f6ybD3EhiPw

¡Chist! Antología es una selección de las obras más celebradas por el público de Les Luthiers a lo largo de sus 48 años sobre las tablas, pero también una prueba de la vigencia del humor del quinteto argentino, caracterizado por su creatividad, el ingenio y la ironía.

La compañía ha recorrido escenarios de Sudamérica, México, Estados Unidos y España consiguiendo atraer a un total de 9,5 millones de espectadores desde 1967, año de su fundación. El hilo conductor del show es la obra 'La Comisión', que narra las vicisitudes de dos políticos corruptos para cambiar el himno nacional según sus conveniencias.

Durante las dos horas de duración de la antología pondrán en escena piezas como Manuel Darío, La Comisión, El Bolero de los Celos, La Bella y Graciosa Moza Marchose a lavar la ropa, Solo necesitamos, La hija de Escipión y Encuentro en el Restaurante, entre otras; extraídas de los espectáculos Bromato de armonio, Viegésimo aniversario, Unen Canto con Humor y Por Humor al arte.

[caption id="attachment_20631" align="aligncenter" width="683"] ¡CHIST! Antología Les Luthiers[/caption]

PROGRAMA

1. Manuel Darío (canciones descartables) 2. La Comisión (himnovaciones) 3. La bella y graciosa moza marchose a lavar la ropa (madrigal) 4. Sólo necesitamos (canción ecológica) 5. La hija de Escipión (fragmento de ópera) 6. Bolero de los celos (trío pecaminoso) 7. Educación sexual moderna (cántico enclaustrado) 8. La redención del vampiro (hematopeya) 9. Encuentro en el restaurante (rapsodia gastronómica) 10. Los jóvenes de hoy en día (R.I.P. al rap) 11. Rhapsody in balls (handball blues)

SAMA SAMA

 

El Madrid Arena acoge el estreno de esta experiencia interactiva a partir del 19 de  noviembre, de la mano de los creadores de Mayumaná y el Circo del Sol

 

sama sama

Primero piensas que es un show, luego descubres que estás en un parque interactivo, y de repente te das cuenta que has emprendido un viaje a un lugar mágico que no sabías que existía y que está dentro de ti.
Sama-Sama Live Experience presenta una innovadora propuesta, única en su género, que mezcla ingredientes de un espectáculo en directo, un parque temático y un evento interactivo. Sin ser ninguna de estas tres cosas y siendo las tres al mismo tiempo. A través del lenguaje universal del ritmo, la música y el movimiento, Sama-Sama rompe la cuarta pared y convierte al protagonista en espectador y al espectador en protagonista, utilizando la tecnología más puntera y a través de la interacción y la colaboración. Sama-Sama se ha concebido y desarrollado con la visión de unir a las personas a través del placer de crear (Sama-Sama significa “juntos” en Tagalo). Y sólo cuando los participantes –juntos- unen su creatividad, su fuerza y su energía, Sama-Sama cobra vida. Sama-Sama se estrena y cambia cada día, en cada ciclo, gracias a la energía de las 2.000 personas que disfrutan al unísono de esta nueva experiencia durante algo más de tres horas.  
[caption id="attachment_14208" align="aligncenter" width="510"]module_big_big_SAMASAMA1B_001B Sama Sama Live[/caption]   Este evento comenzó a gestarse hace ya cinco años. Roy Ofer, el creador y CEO, fue co-fundador de otro espectáculo: Mayumaná, una experiencia que le llevó a recorrer todo el mundo con esta compañía que mezclaba ritmo, movimiento y música, pero Ofer quiso llevarlo más allá y se preguntó: «¿Qué pasaría si llevamos al público a un lugar donde participen?». Así nace Sama-Sama, que significa «juntos» en Tagalo, una lengua que proviene de Filipinas. La innovadora propuesta requiere por tanto de una audiencia comprometida que quiera formar parte del espectáculo. Hasta 2000 participantes podrán disfrutar de las tres horas de este show, que estará abierto de martes a domingo con funciones a las 20.30 y dobles los fines de semana. Hoy mismo salen a la venta las entradas que tendrán un precio máximo de 38 euros, y además, cuentan con unos socio de primera: el Cirque du Soleil que será también el mentor artístico de este proyecto, así como tres promotoras de gran categoría como Sold Out, Live Nation y Planet Events.   WEB: SAMA SAMA FACEBOOK:  SamaSamaLV TWITTER: SamaSamaLV