TEATRO KAMIKAZE

dlcAos

presenta

ZÈBRE

4 – 15 Dic 2018

‘Zèbre’ es el término coloquial francés para ‘bicho raro’. Se califica así también a las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Zèbre, que se inspira en algunos de los genios más grandes de la cultura y el pensamiento universal, es la última pieza de danza de la directora, coreógrafa y bailarina Manuela Barrero.

Sentado, un personaje sumido en tristes pensamientos, una mano apoya en la cara… Su cabeza se precipita hacia la tierra, ladeada, sin expresión. ‘Zèbre’ es el término coloquial francés para ‘bicho raro’. Se califica así también a las personas dotadas de una alta capacidad emocional, sensitiva. Lo asocio además a la incomprensión social que esto genera. Incomunicación emocional e intelectual que provoca en la ‘zebra’ un estado de melancolía permanente. El camino que conduce a Zèbre está asfaltado de numerosas referencias, punto de partida para la construcción de escenas, dramaturgia, luz, escenografía, sonido y, sobre todo, movimiento, danza. Un ejemplo: cuenta Aristófanes que al comienzo del mundo los hombres tenían cuatro brazos y cuatro pies y, orgullosos, se comparaban con los dioses. Por ello fueron separados en dos mitades y, desde entonces, tienen la esperanza de verse unidos de nuevo y hacerse uno a través del amor. Esto me recuerda a Alegoría del placer y del dolor, de Da Vinci, y a la unión de las dos figuras que aparecen en su dibujo que, según se cuenta, son el propio artista y su amante. Zèbre está inspirado en genios de la cultura y el pensamiento universal cuyas biografías y obras son para mí síntomas externos de la ‘patología’ que parece que es ‘ser diferente’: Leonardo, Durero, Borromini, Anibale Carraci, Rodin… Antepasados de nuestra zebra contemporánea. La propuesta es comunicarlo por medio del lenguaje de la danza. Zèbre es soledad común, es reivindicar lo diferente como la esencia desencadenante del acercamiento entre seres humanos diversos en una cultura que impone la homogeneidad del no criterio. Es provocar un abrazo a lo desconocido. Pero propone la experiencia de la no indiferencia, de la compasión ante el sufrimiento del otro, del amor por el otro. No por lo que le define, sino por lo que nos define. Es mirar el cielo echando de menos una estrella única, especial porque nunca ha sido vista. Y, en medio de eso, calma y generosidad, conocimiento, que en Zèbre es tinta negra bebida a pequeños sorbos. Esa es la melancolía de la pieza, deseo incurable de cielo y tierra, una necesidad profunda de llamada a la inspiración escurridiza, una búsqueda de consuelo y comunicación. Poner Zèbre en escena es desnudar públicamente un pensamiento privado. Es comunicar al resto de seres humanos lo que se es y cómo esta información llega al otro. El movimiento es el reto. La danza como lenguaje universal. Trabajando desde ella y para ella, reflexiono sobre el concepto de anamorfosis aplicado a la danza. Es decir, la proyección de la forma fuera de sí misma. La pieza plantea este concepto como un hermoso recurso para generar movimiento danzado. Zèbre es la última pieza de la directora, coreógrafa y bailarina Manuela Barrero.   Ficha: Coreografía y dirección Manuela Barrero Intérpretes Davicarome y Manuela Barrero Iluminación Sergio Torres Fotografía Jacobo Medrano Una producción de dlcAos Fechas  y horarios: 4 – 15 Dic 2018. Martes 4 Dic, 19:00 h. (estreno absoluto) Martes a Sábado, 19:00 h., en el TEATRO KAMIKAZE  

 

TEATRO KAMIKAZE

Baraka Teatro

presenta

SUEÑO LORCA O EL SUEÑO DE LAS MANZANAS

9 – 24 Nov 2018

Un viaje poético por la vida y obra de Federico García Lorca a través de sus trabajos menos populares. El surrealismo, las piezas inacabadas, los fragmentos de sus extraordinarias y poéticas entrevistas y toda suerte de anécdotas biográficas componen un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas y canciones con la ficción de los sueños. Nominado a 3 Premios Max 2010: mejor producción privada, mejor diseño de iluminación y mejor actriz de reparto.

  En el 120º aniversario del nacimiento de Lorca y en el 10º aniversario de Baraka Teatro, retomamos la función con la que se estrenó y se dio a conocer esta compañía madrileña: Sueño Lorca o el sueño de las manzanas. Los poetas hablan al público y sueñan. Farolillos: comienza un baile en la plaza del pueblo. Los amantes se conocen, discuten y se despiden por mucho tiempo a pesar del amor. Un barco a Nueva York, apasionante y detestable. Parece que no hubiese pasado el tiempo. Un hombre que despierta de una pesadilla, resucita y baila tangos en Buenos Aires. Chopos que susurran el nombre de Federico y niños crueles que no entienden la diferencia entre un magnolio, un geranio, una violeta y una siempreviva. Pero la gata muerta sí es su amiga, a pesar del miedo… Los actores entran y salen de una realidad que pudo existir, como si fuesen sinapsis entre neuronas del poeta andaluz. Sueño Lorca o el sueño de las manzanas es un viaje poético por la vida y obra de Federico García Lorca a través de sus trabajos menos populares. El surrealismo, las piezas inacabadas, los fragmentos de sus extraordinarias y poéticas entrevistas y toda suerte de anécdotas biográficas componen un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas, canciones de creación propia y la ficción de los sueños. La infancia, la adolescencia, los viajes, la corta madurez y la muerte se mezclan sin nociones aristotélicas de acción, tiempo o espacio, como en un sueño. Así vemos un niño Lorca que juega al desierto con Dalí en una residencia de estudiantes o una mujer que pasea por la 5ª avenida neoyorquina mientras las manzanas se lamentan de su suerte. Un hombre cuyo paraguas no le aleja de su cruel destino y un pie izquierdo con una nube. Pámpanos y cascabeles. Un mundo de contrastes, de vida y muerte, donde el miedo a lo diferente toma distintas caras. A veces es un maestro, otras es un soldado y, otras, una melodía popular, una niña gitana mal pintada con zapatos de tacón que pasea entre Corrientes y el Albaicín. Un mundo de mujeres afectuosas, de teatro, de manteles bordados a mano, de sonidos de guitarra y teclas de piano, coplas, romances, cuentos y dramáticas liturgias en los altos de una casa granadina, bajo un cielo raso lleno de posibilidades. Un mundo de leyendas, de calor humano, de olor a tierra, de cantos de quejío andaluz, de pastores, de soledad y de bichos, muchos bichos. Un mundo de amor por la vida y por la libertad. La misma libertad que le ayudaría a ignorar el profundo cerco que silenciosamente se estrechaba. Nominado a 3 Premios Max 2010: mejor producción privada, mejor diseño de iluminación y mejor actriz de reparto.

Dramaturgia y dirección	María Caudevilla
Intérpretes	Sara Campbell, María Caudevilla, José Manjón (resto de elenco por confirmar)
Producción	Baraka Teatro
Escenografía	María Caudevilla
Vestuario	Ludy Ruiz
Iluminación y sonido	Flavia Mayans
Diseño sonoro	José Mora
	Una producción de Baraka Teatro

 

 

TEATRO KAMIKAZE

La Quintana Teatro

presenta

DESDE LO INVISIBLE

Premio Max al mejor espectáculo revelación 2008

24 Oct – 4 Nov 2018

Relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, Desde lo invisible cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Quisimos abrir una ventana para atrevernos a mirar lo “diferente”. Pero no había ventanas que abrir, ni diferencias que observar. Ganador del Premio Max al mejor espectáculo revelación 2008.

  Una mujer embarazada que no sabe si su bebé tendrá una discapacidad, una chica que no acepta que el martes no hay piscina, otra en su primer día de trabajo, una hermana que ya no puede más con los cuidados… Estas y otras historias, como las que cuentan los jóvenes y adultos de un centro ocupacional de Madrid, reflejan un contexto social aún desconocido para muchos de nosotros y nosotras. El entorno familiar de monitores, amistades y vecinos es también el protagonista de los relatos más hilarantes, políticamente incorrectos, crudos, emotivos y sinceros que se crean desde lo invisible del corazón. Dos actrices encarnan múltiples personajes y situaciones en un devenir de saltos en el tiempo y acumulación dramática. Un músico-actor acompaña las escenas resignificando sus objetos cotidianos, como el manillar de una bicicleta, en instrumentos musicales. El espacio escénico es la metáfora de un cerebro aún sin nombre, que no entiende de normalidad ni de perfecciones a las que aspirar. Sus conexiones neuronales e impulsos eléctricos atraviesan el mismo universo de estrellas que existe entre la vida y la muerte o el dolor y la felicidad. Desde lo invisible surge hace diez años como un proyecto de investigación sobre la discapacidad intelectual. Durante un año, las actrices compartieron experiencias con chicas y chicos de un centro ocupacional de Madrid. A raíz de esas experiencias, sumadas a las del resto del equipo artístico, fueron creándose los distintos personajes y situaciones que hoy constituyen un todo teatral. Con dramaturgia de Irma Correa y Rubén Tejerina, Desde lo invisible es una sucesión de relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, la obra cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Quisimos abrir una ventana para atrevernos a mirar lo “diferente”. Pero no había ventanas que abrir, ni diferencias que observar. Ficha:

Texto	creación colectiva de Irma Correa, José Manuel Pizarro, Isabel Rodes, Rolando San Martín, Victoria Teijeiro y Rubén Tejerina
Dirigido por	Rolando San Martín
Intérpretes	Isabel Rodes, Nacho Martín, Victoria Teijeiro
Dramaturgia	Irma Correa y Rubén Tejerina
Iluminación	Rosana García
Escenografía	Alicia de Miguel e Ikerne Jiménez
Vestuario	Ikerne Jiménez
Creación musical	José Manuel Pizarro
Realización técnica	Enrique Benito
Vídeo	Raúl Arias, Alberto Zuya, Germán Michelena, Josito Hernández
Fotografía	MarcosGpunto
Distribución	Victoria Teijeiro
	Una producción de La Quintana Teatro

Fechas  y horarios: 24 Oct – 4 Nov 2018. Miércoles 24 Oct, 18:30 h. (reestreno) Martes a Sábado, 18:30 h. Domingo, 20:30 h., en el TEATRO KAMIKAZE

 

TEATRO KAMIKAZE

Buxman Producciones

presenta

HERMANAS

10 Ene – 10 Feb 2019

El estreno absoluto de Hermanas, de Pascal Rambert (La clausura del amor, Ensayo) tendrá lugar en paralelo en Madrid con la producción española en El Pavón Teatro Kamikaze y en París con la producción francesa en el Théâtre des Bouffes du Nord.

Pascal Rambert es Artista Asociado a El Pavón Teatro Kamikaze.

  “Escribo, por primer vez, para cuatro cuerpos. Dos cuerpos de actrices francesas, Audrey Bonnet y Marina Hands, y dos cuerpos de actrices españolas, Bárbara Lennie e Irene Escolar. Cuatro cuerpos para dos personajes femeninos. Una versión en París. Una versión en Madrid. La misma historia. El mismo texto. Pero pensado para cuatro energías. Cuatro actrices deslumbrantes. Cuatro maravillas. Hermanas es una historia dura entre dos hermanas. Un momento de reproche y de amor. Algo para toda la vida entre dos cuerpos salidos del mismo cuerpo pero profundamente dispares. Unidos. Y, sin embargo, opuestos. Para la versión española me alegra mucho reencontrarme con Bárbara tras La clausura del amor y con su trabajo único. Su presencia y lenguaje tan llenos de talento. Y espero con impaciencia trabajar con Irene, a la que vi y me encantó en Blackbird. Pienso en las dos cuando escribo. Están en mi imaginario como lo están Audrey y Marina. Esas hermanas son nuestras hermanas. Son la multitud que vive en cada uno de nosotros. Esa multitud se llama: exigencia, verdad, lucha”.

Pascal Rambert

Francia y España, hermanadas por el teatro

Bárbara Lennie e Irene Escolar: "Lo importante es gozar del camino y no dar el coñazo"

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en gira

TXALO PRODUCCIONES

presenta

JUNTOS

de Fabio Marra, dirección Juan Carlos Rubio

  Juntos aborda  un tema candente: ¿existe la normalidad? ¿Qué significa ser normal? ¿Estamos preparados para aceptar lo diferente? Fabio Marra, su autor, mezcla risas y sentimientos en una fabulosa comedia que fue candidata en Francia a varios Premios Moliere 2017, “mejor comedia”, “mejor texto”, alzándose con el galardón de mejor actriz protagonista. Isabel vive, o mejor dicho, sobrevive, en un modesto piso junto a su hijo Miguel, un joven discapacitado, impulsivo y generoso. La inesperada visita de su hija mayor, Sandra, ausente desde hace más de diez años, hará que las complejas relaciones familiares se tambaleen, arrastrando a todos ellos en una espiral de ternura, ironía e mucho humor

Notas del autor (Fabio Marra)

¿Qué es la normalidad? Juntos aborda este apasionante tema a través de la historia de Isabel y sus hijos: Miguel y Sandra. Isabela nunca ha aceptado que su hijo sea diferente de los demás, y Miguel se ha convertido en su única razón de vivir. ¿Pero qué ocurre con la vida de Miguel? Y Sandra, ¿qué tipo de hermana es? ¿Qué sucede actualmente cuando un miembro de nuestra familia depende de nosotros? ¿Existen vidas que no merecen la pena ser vividas? En tal caso, ¿quién decidiría cuál merece la pena y cuál no? Antes el sacrifico venía recompensado moralmente, actualmente los valores han cambiado, y lo más valorado es el éxito personal. Así que muchas personas no se adaptan a nuestro nuevo modo de funcionar. ¿Por qué cada vez hacemos menos cosas juntos? Nuestra sociedad nos empuja a ser los mejores, a pensar primero en nosotros mismos, y después, quizás, solo quizás, en los demás. Pero la vida se construye a través del intercambio con los otros, a través de los momentos que vivimos juntos…

 

• La familia bien, gracias
• Empeñar la vida en cuidados
• 'Juntos', de Fabio Marra, es una ducha escocesa de golpes humorísticos, giros dramáticos y gestos conmovedores
• 'Juntos', una obra que nos invita a reflexionar en el Teatro Amaya

   

TEATRO KAMIKAZE

Bella Batalla Producciones y Esto Podría Ser presenta

UNA ENLOQUECIDA AVENTURA INTERIOR

 Del 26 de diciembre al 4 de enero

Proyecto que forma parte de la I Residencia Artística El Pavón Teatro Kamikaze. Una enloquecida aventura interior plantea un recorrido por la vida de seis mujeres a través de su particular visión del mundo y de su vía de escape: el arte. Seis mujeres poetas, novelistas, cantautoras. Todas ellas decidieron poner fin a sus vidas, hecho que pasó a convertirlas en “poetas suicidas”. Lo obvio es que se suicidaron, pero el denominador común es cómo escapaban, con sus creaciones, de unas vidas que las oprimían, de la sociedad y de los cánones impuestos.  

 

TEATROS LUCHANA

ANDY CHANGO

presenta

EL HOMBRE NADA

 

Tras la buena acogida de la obra “El hombre nada” en el Teatro del Barrio en Madrid, prorrogada en dos ocasiones, Andy Chango vuelve nuevo a la capital, en esta ocasión a los Teatros Luchana. La obra estará en cartel todos los sábados desde  el 1 de septiembre al 13 de octubre

  “El hombre nada” es un espectáculo difícil de definir ya que combina diferentes facetas de un solo artista: los textos -quizás surgidos a raíz de la publicación de “Indianápolis”, su primera novela (Ed. Planeta/2016)-, el humor verbal, potenciado por su experiencia televisiva en los últimos años en argentina por la que fue nominado a los premios más importantes de dicha televisión (Martín Fierro) y su ya conocida trayectoria como cantante y compositor. El Hombre Nada se ríe de casi todo: sus orígenes, el Alzheimer, Dios, la impotencia sexual, la paternidad, la inmigración, la monarquía, el alcohol, las enfermedades psiquiátricas, el rock, la vagancia y el patetismo humano en general. Con su pequeño órgano electrónico, Andy Chango nos lleva a pasear por un universo de música y palabras destinadas a borrar con una sonrisa todos los males de este mundo. La mordacidad de los textos, la composición musical y la despreocupada honestidad con la que este artista inclasificable nos cuenta sus verdades convierten a “El hombre nada” en un espectáculo lúcido y disparatado, como su autor. Este primer unipersonal del polifacético artista argentino  ha sido dirigido por el conocido director teatral Pepe Miravete- y en el 2017 la obra fue seleccionada para participar en la Feria de Artes Escénicas de San Sebastián (DFeria). Es un espectáculo muy interactivo y con mucho humor, con el que sin duda hará reír a carcajadas a todos los asistentes. Artista polifacético con una gran trayectoria Andy Chango, necesita poca presentación teniendo en cuenta su trayectoria: como músico y compositor ha publicado cinco discos, con los que ha girado a ambos lados del charco, además de componer bandas sonoras para diferentes largometrajes. Su faceta televisiva se forja en 2001 a raíz de una serie de entrevistas televisivas que provocaron una inesperada popularidad en su país. Empieza a colaborar en programas como “El Intermedio” en España y se consagra en su país natal, participando durante dos temporadas en el popular programa “Duro de Domar” en la televisión en Argentina, con su sección “Chango Feroz”, por la cual fue nominado a los importantes premios “Martín Fierro”. Su faceta mediática, la combina con su trabajo radiofónico, iniciado con Radio 3 RNE (con el programa “Andy y Amigos”), luego en Radio Nacional Argentina (“La espuma de las noches”) y actualmente en el programa “Futuro Rock”. A su vez acaba de publicar su primer libro “Indianápolis” (Ed. Planeta) y se encuentra inmerso en la escritura de su segundo libro, también para Planeta, y su primer espectáculo unipersonal, “El hombre nada”. Música, cine, televisión, son algunos de los campos que han conocido del talento excéntrico y transgresor de Andy Chango. En Argentina es particularmente conocido por sus intervenciones en radio y tv (“La espuma de las noches”, “Andy y Amigos…”), en tanto que en España alcanzó la fama por sus proyectos musicales con Ariel Rot y Andrés Calamaro entre otros. Fechas y horarios: Desde el 1 de septiembre al 13 de octubre, los sábados a las 21:45h. / 20.00h. (último sábado de septiembre y sábados de octubre), en el TEATROS LUCHANA

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TEATRO BELLAS ARTES

Sabre Producciones, Pentación Espectáculos, Talycual y AGM

presentan

SEÑORA DE ROJO SOBRE FONDO GRIS

Desde el 3 de noviembre de 2022

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TEATRO REAL

presenta

FAUST

19 DE SEPTIEMBRE - 7 DE OCTUBRE 2018

El Teatro Real comienza su temporada 18/19 con una nueva producción de Faust de Charles Gounod, reencarnación en forma de grand opéra del mito alemán. Piotr Beczala e Ismael Jordidan voz al personaje titular, símbolo insuperable de ambición desmesurada, junto a Marina Rebeka e Irina Lungu en el papel de Marguerite. Àlex Ollé, en la tercera aproximación de La Fura dels Bausa la leyenda faustiana, dirige esta cautivadora ópera tras su reciente éxito en El holandés errante.  

Ópera en cinco actos.     Música de Charles Gounod (1818-1893)   Libreto de Jules Barbier y Michel Carré, basado en la obra Faust et Marguerite (1850) de Michel Carré y en la obra homónima (1808) de Johann Wolfgang Goethe

Estrenada en el Théâtre Lyrique de París el 19 de marzo de 1859 Estrenada en el Teatro Real el 18 de enero de 1865

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con De Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam

  La leyenda de Faust, el hombre que vende su alma al diablo a cambio de poder y conocimiento, bebe de diversas fuentes populares. Al igual que la de Orfeo o la de Don Juan, ha pervivido a lo largo de los años plasmada en un sinfín de manifestaciones artísticas. Solo en el terreno musical, ha inspirado a compositores tan diversos como Richard Wagner, Franz Schubert, Gustav Mahler o Hector Berlioz. No escapó tampoco Charles François Gounod a esta historia hipnótica, a partir de la cual compondría la que acabaría siendo su ópera más popular. De toda la leyenda, centraría su atención en el fragmento de la trama que narra el amor maldito entre Faust y Marguerite. Esta elección generaría malestar en el ámbito germánico –no se le perdonó fácilmente que manipulase la que se consideraba una de las obras de arte nacionales más inapelables– pero supondría una innegable evolución en el universo de la ópera francesa: Faustrenuncia al virtuosismo vocal gratuito en favor de melodías simples de gran frescura, hábilmente adaptadas al ritmo del texto y arropadas por un acompañamiento orquestal expresivo y a menudo sorprendente. El drama gana con ello en intimidad, creando así la atmósfera perfecta en la que situar una historia que aún hoy sigue cautivándonos. Ficha Dirección musical: Dan Ettinger Dirección de escena:Àlex Ollé (La fura dels Baus) Escenografía:Alfons Flores Figurines:Lluc Castells Iluminación:Urs Schönebaum Dirección del coro:Andrés Máspero Dr. Faust:Piotr Beczala (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) Ismael Jordi (Sep. 20, 23, 27, 30 · Oct. 3, 6) Méphistophélès:Luca Pisaroni (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) Erwin Schrott (Sep. 20, 23, 27 · Oct. 6) Adam Palka (Sep. 30 · Oct. 3) Marguerite:Marina Rebeka (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) Irina Lungu (Sep. 20, 23, 27, 30 · Oct. 3, 6) Valentin:Stéphane Degout (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) John Chest (Sep. 20, 23, 27, 30 · Oct. 3, 6) Wagner:Isaac Galán Siébel:Serena Malfi (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) Annalisa Stroppa (Sep. 20, 23, 27, 30 · Oct. 3, 6) Marthe:Sylvie Brunet-Grupposo (Sep. 19, 22, 24, 28 · Oct. 1, 4, 7) Diana Montague (Sep. 20, 23, 27, 30 · Oct. 3, 6)       Fechas y horas: Del 19 DE SEPTIEMBRE - 7 DE OCTUBRE 2018 a las 20hrs., en el TEATRO REAL  

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TEATRO DE LA ZARZUELA

presenta

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Ópera cómica en tres actos

Música de JOAQUÍN GAZTAMBIDE Libreto de Patricio de la Escosura, en una adaptación de Raúl Asenjo Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

25, 26, 27, 30 y 31 de enero; 1, 2, 3, 6, 7, 8, 9 y 10 de febrero de 2019

Esta comedia en cinco actos en verso y prosa de William Shakespeare fue escrita alrededor de 1595 y representada hacia la misma época; se publicó in-quarto en 1600 y en 1619, e in-folio el año 1623. Shakespeare parece haber bebido en las fuentes más dispares para este drama: en El descubrimiento de la hechicería, de Reginald Scot (1538?-1599) pudo haber hallado las noticias en torno a Robin Goodfellow, mientras que la historia de la transformación en asno se remonta al Asno de oro de Apuleyo, pero pudo tomarla de Chaucer o Plutarco.

OBRA ÍNTEGRA

https://www.youtube.com/watch?v=FsjBueP1uyE&feature=emb_logo El argumento Hermia, enamorada de Lisandro, se niega a casarse con Demetrio, contraviniendo así el deseo de Egeo, su padre. Demetrio, por su parte, es amado por una amiga de Hermia, Elena, a la que ha abandonado para casarse con Hermia. Según la ley ateniense, el duque Teseo da a Hermia cuatro días de tiempo para que obedezca la voluntad paterna, transcurridos los cuales habrá de morir. Hermia y Lisandro se ponen de acuerdo para abandonar Atenas secretamente y casarse donde la ley no pueda alcanzarles. Planean encontrarse en un bosque a unas millas de la ciudad. Hermia revela el plan a Elena, que informa de ello a Demetrio. Demetrio sigue a Hermia al bosque y Elena sigue a Demetrio; de manera que los cuatro se hallan en el bosque aquella noche. Oberón y Titania, rey y reina de las hadas, que habitan en el bosque, han reñido por causa de un paje. Oberón pide al duendecillo Puck, símbolo de la volubilidad del amor, que le procure cierta flor mágica cuyo jugo, vertido en los ojos de Titania mientras duerme, hará que se enamore del primer ser a quien vea cuando despierte. Oberón oye en el bosque a Demetrio reprochar a Elena que ande siguiéndolo, y deseoso de reconciliarles, ordena a Puck que vierta un poco de aquel filtro amoroso en los ojos de Demetrio cuando Elena esté junto a él. Pero Puck, tomando a Lisandro por Demetrio, le da el filtro, y como Elena es la primera persona que Lisandro ve al despertar, le dirige palabras de amor; pero no consigue sino irritarla porque piensa que Lisandro se burla de ella. Oberón, descubierto el error de Puck, vierte el jugo en los ojos de Demetrio, de modo que ahora son dos los que cortejan a Elena. Las dos mujeres se pelean mientras los hombres se preparan a desafiarse por Elena. Mientras tanto el rey Oberón ha puesto el filtro en los párpados de la reina Titania, quien, al despertar, halla a su lado al tejedor Bottom con una cabeza de asno en lugar de la propia. Bottom, con una compañía de artesanos atenienses, se hallaba en el bosque ensayando un drama que había de representarse para festejar las bodas del duque Teseo, y Puck le había puesto la cabeza de asno. Titania se enamora de Bottom en cuanto lo ve, y lo requiebra por su belleza. Los sorprende Oberón, quien compadece a Titania, y después de recuperar al raptado paje, frota los ojos de su esposa con una hierba que la libera del encanto. Puck, por orden del rey Oberón, rodea a los amantes humanos y los reúne: mientras duermen unos junto a otros, exprime en sus ojos la hierba que deshace el encanto, de manera que al despertar vuelven a los amores de antes. Se presentan el duque Teseo y el padre de Hermia, Egeo; los fugitivos son perdonados y las parejas se casan. El drama termina con una escena de Píramo y Tisbe recitada de manera grotesca por Bottom y sus compañeros para las bodas de Teseo e Hipólita, reina de las Amazonas. Amor y fantasía Los diversos hilos del drama (las bodas de Teseo e Hipólita, la disputa de Oberón y Titania, la fuga de los cuatro amantes, la representación de los artesanos) se enlazan del modo más ágil en un suntuoso tapiz de vivaces colores sobre un fondo de mágica floresta. El mundo clásico y el mundo de las hadas se funden como en un "triunfo" del Renacimiento tardío: en la pareja Oberón -Titania hay un reflejo de la antigua disputa entre Júpiter y Juno, y aquellos dos seres parecen participar de la serena belleza de los dioses de Grecia, mientras el duendecillo Puck pertenece al mundo tenebroso y mítico de la superstición nórdica. La encantadora ligereza del mundo de los elfos concierta con la vicisitud humana; hasta los movimientos y las pasiones de los enamorados parecen desarrollarse según arabescos de ensueño, se desenvuelven en absurdas dificultades y se disipan en encanto como una danza elegante y abstrusa gobernada por el capricho de Amor. Una alegre y absurda metamorfosis se apodera hasta de los humildes artesanos, que no son fantoches marginales en el cuadro, sino que se hallan envueltos en una misma atmósfera mágica; y Bottom, con la cabeza de asno, y la grotesca representación de Píramo y Tisbe, no parecen tan emparentados con el mundo clásico de Luciano de Samósata y de Ovidio como con las singulares invenciones y absurdos fantasmas de El Bosco. El mundo fantástico de las alegorías del Renacimiento y el mundo amoroso de las novelas caballerescas, con sus fuentes que encienden o hielan el amor, hallan aquí su más perfecta y poética expresión.

Sueño en una noche de zarzuela

TEATRO DE LA ZARZUELA

presenta

LA CASA DE BERNARDA ALBA

Música de MIQUEL ORTEGA (en una nueva versión para orquesta de cámara) Libreto de Julio Ramos, basado en la obra original de Federico García Lorca Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

La casa de Bernarda Alba fue escrita en la primavera de 1936, al parecer en pocos días. Fue la última obra de Lorca, ya que poco después vino su muerte. Vino luego la guerra,...

No se estrenaría hasta 1945 en Buenos Aires; el mismo año y en el mismo lugar apareció la primera edición. La obra se subtitula "drama de mujeres en los pueblos de España". ¿Por qué drama y no tragedia? Para Lorca la tragedia comportaba elementos míticos que aquí estarán ausentes. El realismo del lenguaje y ciertas expresiones que cabría llamar "cómicas" (en boca de Poncia, por ejemplo) serían también rasgos propios del drama. Sin embargo, por la esencial impresión de necesidad de la catástrofe, de lo inexorable de la frustración, hablaríamos de tragedia.

VER OBRA COMPLETA

https://www.youtube.com/watch?v=z0MWgv-CNcc&feature=emb_logo

También es cierto que la obra tiene facetas del drama rural pero no es menos cierto que Lorca trasciende ese género preciso por muchos aspectos y se alza a un nivel incalculablemente superior. Los estudios de Lorca han encontrado acentos shakespearianos, calderonianos, ...

La génesis de la obra tuvo su punto de partida en figuras reales: una tal Frasquita Alba y sus hijas, cuya casa era colindante de la que tenían los Lorca en Valderrubio (Granada). Pero sólo el genio del poeta pudo crear, a partir de aquéllas, las figuras de Bernarda y sus hijas.

Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba impone a sus cinco hijas, como luto, una larga y rigurosa reclusión. Se trata de la exageración de una costumbre real, de una tradición llevada a extremos increíbles. Pero esa misma exageración, ese exceso sitúa la obra en el plano de lo legendario, de lo simbólico, del mito.

En esa situación extrema (situación límite) los conflictos, las fuerzas, las pasiones se agrandarán, se desarrollarán hasta la exasperación. Catalizador de las fuerzas encerradas en la casa será la figura de Pepe el Romano, pretendiente o novio de Angustias, hija mayor y heredera, pero atraído por la juventud y belleza de Adela, la menor, y amado, a su vez, por Martirio.

Tal es la situación de la que arranca Lorca para dar cuerpo dramático a su temática más personal y profunda. Se ha dicho que el tema central de la obra es el enfrentamiento entre autoridad y libertad o el conflicto entre la realidad y el deseo. Podría hablarse de rebeldía contra represión, de naturaleza contra tradición,...

Frente al autoritarismo y la represión representada por Bernarda Alba, las hijas encarnarán una gama de actitudes que van de la más pasiva sumisión, frustrante, a la rebeldía más abierta, imposible. En suma, nos hallamos pues, ante una, al parecer frustración irreparable. Es por este motivo, por lo que hablábamos de necesidad de la tragedia. Las raíces de la frustración se pueden situar en un plano social con un fuerte componente moral, lo cual conduciría a señalar una serie de temas conexos con la temática central: la moral tradicional y la presión social sobre los individuos; las diferencias sociales, con lo que llamaremos el orgullo de casta; y, en fin, la condición de la mujer en la sociedad española de la época.

Cabría señalar los distintos temas: el tema del "¿qué dirán?" y las apariencias. El honor, la pasión condenada a la soledad o la muerte, la muerte y el luto, al igual que la consiguiente reclusión frente al ansia amorosa simbolizada por Pepe el Romano, también son temas importantes del drama. Contrasta también el enfrentamiento entre autoridad y libertad y la rebeldía contra la represión. Se oponen el autoritarismo y la represión a la que Bernarda somete a sus hijas frente a su sumisión o rebeldía. Otros temas son la frustración irreparable (social) y la moral tradicional y la presión social sobre los individuos, al igual que las diferencias sociales entre mujeres y hombres.

[caption id="attachment_71555" align="aligncenter" width="854"] LA CASA DE BERNARDA ALBA en el Teatro de la Zarzuela[/caption]