Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 TEATROS DEL CANAL 

    En el año 2002, la compañía ANANDA DANSA creó este espectáculo. Hoy unos años después lo vuelve a poner en la escena, aprendiendo de sus aciertos y corrigiendo los errores, revisitando la memoria, os invitamos a ir a conocerlo al lugar que se halla en “la segunda a la derecha y todo recto hasta la mañana” y donde el tic tac del tiempo no es el de los relojes porque va y viene en la panza de un cocodrilo caprichoso. Donde Peter Pan y Wendy vivirán mágicas aventuras y, con ayuda de hadas, sirenas e indios pieles rojas derrotarán al capitán Garfio, un personaje que se parece sospechosamente al padre de la muchacha. Y donde, finalmente, ésta deberá optar entre permanecer en el mundo de fantasía de Peter Pan o regresar al mundo de los adultos. En el montaje de Ananda Dansa, con música original de Pep Llopis, cobra especial importancia el rol de la sombra de Peter Pan, el alter ego del personaje, apenas sugerida en el texto original. Ananda dansa fue creada en 1982 por Rosángeles y Édison Valls. Tras dos décadas de trabajo se ha convertido en la compañía española de danza que más actuaciones realiza en la Red Nacional de Teatros Públicos. EL VUELO DE PETER PAN “Nuestro desafío ha sido extraer de la historia su núcleo dramático y recrearlo dotándolo de una nueva voz: la danza. Conscientes del lastre que supone la edulcorada versión que de Peter Pan nos ofreció la factoría Walt Disney, nuestra puesta en escena se centra en librarse de ese lastre apelando a la imaginación de los espectadores, tratando de seducirlos con la magia del escenario y sus viejos y siempre renovados recursos. Crear un territorio de ensoñación, por el que discurren hadas diminutas como un botón de luz, personajes que vuelan, sirenas y piratas, niños perdidos, indios y cocodrilos feroces, islas imposibles y barcos con las velas henchidas por un viento que solo es capaz de agitarlas cuando la realidad cotidiana se ve forzada a hacer mutis por el foro y nuestra memoria, retornada a la infancia, añora el territorio perdido de Nunca Jamás. Un territorio, el de la infancia, cuyas contradicciones Barrie no oculta. Peter Pan, con su negativa a crecer y asumir ninguna de las responsabilidades que el mundo adulto comporta, manifiesta la inconsciente capacidad para lo cruel de esa, mal llamada a veces, edad de la inocencia. Pero, al margen de estas consideraciones, Peter Pan es además –o sobre todo– una maravillosa historia de aventuras, un canto a la fantasía y al juego como elementos generadores de libertad. Quizá hoy, más que nunca, el escenario pueda representar para los jóvenes espectadores esa magia que la masificación de los medios de comunicación y entretenimiento han ido poco a poco desterrando de sus vidas. Quizá, queremos creerlo así, en esa caja oscura, cuyo telón se alza ahora ante nosotros, se contengan los pocos restos de misterio y emoción que todavía subsistan en este mundo cada vez más inhóspito en el que vivimos. Las artes escénicas, y con ellas la danza, requieren fantasía, la invocan y la exigen. Y solo aquel que sea capaz de escuchar su llamada, solo aquel –sea cual sea su edad– que esté dispuesto a despojarse de sus prejuicios recibirá una noche, estoy segura, la visita de su propio Peter Pan, invitándolo, desde la ventana de su habitación, a alzar el vuelo junto a él para poder alcanzar el territorio donde duermen los sueños. Los suyos, los de todos nosotros”. Rosángeles Valls – Directora de Ananda Dansa  

FICHA ARTÍSTICA

VERSIÓN LIBRE DE PETER PAN: James Barrie CREACIÓN Y DIRECCIÓN: Rosángeles Valls y Édison Valls BAILARINES-INTÉRPRETES: Ana Luján, Toni Aparisi, Paloma Calderón, Abel Martí, Jessica Martín, Isabel Abril, Esther Garijo. MÚSICA ORIGINAL: Pep Llopis DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: Rosángeles Valls ESCENOGRAFÍA: Édison Valls COREOGRAFÍA: Toni Aparisi ILUMINACIÓN: Emilio Lavarías VESTUARIO: Pascual Peris ASESORAMIENTO LITERARIO: Ana Luisa Ramírez REALIZACIÓN BANDA SONORA: Pep Llopis ESTUDIO DE GRABACIÓN: L’Hort d’Ibor Estudis FOTOGRAFÍA: Jordi Plá UTILLERÍA: Majo Urieta DISEÑO GRÁFICO: Gara Koan MAESTRO DE ESGRIMA: Javier García TÉCNICOS: Edmundo Gomez, Carlos Hinojosas PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mercedes Vives PRODUCCIÓN Y DISTRIBUCIÓN: ANANDA DANSA en cooproducción con Concha Busto producción y Distribución S.L.- Gran Teatre Antonio Ferrandis/Ayto. de Paterna Distribuidor: Toñi Arranz Producciones   Fechas y Horarios: Del 21 de diciembre de 2013 al 5 de enero de 2014. De jueves a domingo. 11.15 h  TEATROS DEL CANAL  
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TEATRO DE LA ABADÍA 

      "Un mosaico de sentimientos, pasiones, arrebatos y delitos" Tras el triunfo de La función por hacer, el director Miguel del Arco se embarcó en la aventura de dirigir a Nuria Espert en un espectáculo que mostrara lo más arriesgado de su ya señalada capacidad interpretativa. El texto elegido fue La violación de Lucrecia, una de las composiciones más difíciles de Shakespeare, que narra el origen de la república en la antigua Roma. Ahora, Miguel Del Arco y Nuria Espert vuelven, después de las excelentes críticas, bajo la cúpula de La Abadía para revivir en escena este encuentro poético. Única actriz sobre el escenario, "la Espert" va mutando para dar vida a cada uno de los protagonistas -Tarquinio, el violador, Lucrecia, la violada, y el marido de ésta- que configuran este desgarrador poema de William Shakespeare, en la magnífica traducción de José Luis Rivas Vélez, que contiene todo el germen y esplendor de las obras posteriores del autor inglés. Un espectáculo de poderosa belleza, a pesar de su escalofriante violencia.   NOTA DEL DIRECTOR “He dirigido a Nuria Espert”. Una frase que nunca, jamás me imaginé que yo fuera a pronunciar en mi vida. Pasada la primera impresión, las taquicardias y el temblor de piernas llegué un día a su casa donde Nuria me hizo una puesta en escena de absoluta normalidad. Digo “puesta en escena” porque pensé que tanta cercanía y predisposición eran para tranquilizarme y empezar a trabajar pero que en algún momento haría su aparición la diva, la estrella, la gran dama de teatro que me pondría contra las cuerdas. Ésa señora nunca vino. Un día tras otro sólo apareció la actriz generosa, disciplinada, trabajadora hasta la extenuación, compañera de todos y tan divertida que es capaz de hacerme caer al suelo de la risa. Nuria se tira a la piscina con la misma energía y la misma capacidad de riesgo que han caracterizado su impresionante carrera. No hace falta decir que podría haber elegido a cualquier director de la galaxia y, sin embargo, ella me eligió a mí ¡A mí! Ustedes excusarán que me sirva de este breve espacio para hacer mi particular declaración de amor (seguro que Nuria me da un capón. No he conocido a nadie más discreto en mi vida), pero qué otra cosa puede hacer un devoto enamorado. Ahora verán “La violación de Lucrecia” una pieza de una extrema dificultad que ella hace fácil como sólo las grandes actrices pueden hacer. Ustedes sacarán sus propias conclusiones. La mía es, y seguirá siendo que hay un antes y un después. Por el viaje que me ha regalado y por haberme enseñado a amar aún más esta profesión que ambos compartimos a través de su entusiasmo y su dedicación. Y pasarán los días, y llegarán otros montajes y yo seguiré diciendo bajito y regocijado, con esa felicidad que produce la interiorización de las cosas realmente importantes: “He dirigido a Nuria Espert” . Gracias Nuria. Miguel del Arco   FICHA Autor: William Shakespeare Traducción: José Luis Rivas Vélez Dirección: Miguel del Arco Escenografía: Ikerne Giménez Iluminación: Juanjo Llorens Creación sonora: Sandra Vicente Reparto: Nuria Espert Producción: Juanjo Seoane Fechas y horarios: Del 8 mayo al 12 junio en el  TEATRO DE LA ABADÍA  
   

TEATRO MARÍA GUERRERO

 
  • Vuelve Kafka enamorado, de Luis Araújo y bajo la dirección de José Pascual al Teatro María Guerrero.
 
A pesar de que la obra de Kafka es ampliamente leída y conocida y de que se han hecho numerosas adaptaciones al teatro, especialmente de sus textos narrativos, su vida, la persona de Franz Kafka, es muy poco conocida por el público en general. Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo. Hoy, cuando todo producto artístico es un bien de consumo, una mercancía de compraventa, el trabajo de este autor es un aldabonazo que, tal como él pretendía, «abre extensas heridas en nuestra conciencia». Kafka enamorado intenta traer a escena la imbricación de su experiencia personal y su obra, el correlato constante de una en otra, ese espacio intermedio entre realidad y ficción, absurdo y lógica, que es la verdad del mundo percibida y expresada por Franz Kafka. Luis Araújo   FICHA Autor: Luis Araújo Dirección: José Pascual Escenografía: Alicia Blas Brunel Iluminación: Pilar Vel asco Vestuario: Rosa García Andújar Música: Luis Delgado Ayudante de dirección: Juana Casado Reparto: Beatriz Argüello, Jesús Noguero, Chema Ruiz Producción : Centro Dramático Nacional Fechas y Horarios: 17 de enero a 2 de marzo de 2014 De martes a sábados, a las 19.00 h Domingos, a las 18.00 h  TEATRO MARÍA GUERRERO  
 
   
 

CONFERENCIA

 
Los Musicales y su tratamiento en los diferentes ámbitos teatrales
(Comedia musical, cabaré, revista, music hall…)
 
Coincidiendo con la programación en la Sala Verde del cabaré
Reina Reech, la autora y directora artística de la compañía, nos ofrece una charla dirigida hacia cómo encarar
la interpretación de un género que integra el canto, la actuación y la danza.
 
Sala de prensa. Teatros del Canal
Lunes, 16 de diciembre de 2013
19.00 horas
1 hora aprox.
 
Entrada libre hasta completar aforo (40 localidades)
Reserva tu entrada en teatroscanal@teatroscanal.com

 TEATRO PAVÓN 

 
  • La cartelera teatral de esta temporada ha tenido en la figura de Lope de Vega uno de sus protagonistas. El Caballero de Olmedo, El perro del Hortelano, El castigo sin venganza, Entre Marta y Lope, Fuenteovejuna, La cortesía de España y desde el 8 de mayo Las dos bandoleras.
  • Las dos bandoleras, versión de Marc Rosich y Carme Portaceli. Con dirección de Carme Portaceli y escenografía de Paco Azorín ( finalísta a los Premios Max de las Artes Escénicas 2014 por partida doble: Mejor adaptación o versión teatral por Julio César y Mejor escenografía por El lindo don Diego). La obra, después de pasar por el Teatro Pavón acudirá al Festival de Teatro Clásico de Almagro los días 19 y 20 de Julio.
  Se ha hecho a menudo un retrato de las serranas como mujeres matahombres y salteadoras para desfigurarlas, pero en realidad elbandolerismo ha sido siempre un fenómeno sociológico universal, producto de factores relacionados con la miseria y la injusticia en algunos momentos determinados, que propiciaron una rebeldía como única respuesta a una sociedad que sólo defendía los intereses de unos cuantos y, en este caso, de los hombres. Nuestras dos bandoleras, aunque hay muchas más, no son ni terribles, ni deformadas, ni agresivas; sólo tienen rabia de haber sido insultadas y engañadas, sin ninguna oportunidad de restablecer su «honor» que no sea la venganza, la única vía que su entorno les permite. Son listas, graciosas y vitales, pero sobre todo llenas de ilusiones frustradas, de las que se desquitan centrando toda su decepción en el escarnio contra el género masculino. Nuestra idea es, teniendo a las dos bandoleras protagonistas como estandarte, hacer un homenaje a todas las mujeres fuertes, heroínas ejemplares en sagacidad, fuerza y determinación, que transitan por toda la obra de Lope y que son una de las irrefutables aportaciones del dramaturgo al teatro del Siglo de Oro. Y nuestra propuesta reposa ante todo sobre el verso, verdadero motor de las piezas de Lope, un verso maravilloso, vivo y arrollador, y que en esta pieza vuelve a mostrarse orgánico, pragmático y rítmico. Carme Portaceli y Marc Rosich  

FICHA

Autor: Lope de Vega Dramaturgia: Marc Rosich y Carme Portaceli Dirección: Carme Portaceli Intérpretes: Helio Pedregal, Carmen Ruiz, Macarena Gómez, Gabriela Flores, Llorenç González, Albert Pérez, David Luque, David Fernández "Fabu" y Alex Larumbe. Espacio escénico: Paco Azorín Vestuario: Antonio Belart Espacio sonoro: "Sila" (Jordi Collet) Iluminación: Maria Domènech Diseño gráfico: Pedro Chamizo Fotografía: David Ruano Jefa de producción: B. Torres Ayudante de diercción: Paula Mariscal Producción ejecutiva: FEI - Factoría Escénica Internacional Distribución: Pentación Coproducción CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico) y FEI-Factoria Escénica Internacional 8 de mayo - 8 de junio 2014  TEATRO PAVÓN  
https://www.youtube.com/watch?v=-g2tLJQ16p8
 

 MATADERO

 
Tras su exitoso paso por Fringe 13, la compañía mejicana Vaca 35 Teatro en Grupo vuelve a ocupar el almacén en Naves del Español Matadero Madrid con Lo único que necesita una actriz es una gran obra y ganas de triunfar, creada a partir de Las buenas de Genet, que durante el pasado festival se prorrogó tras la buena acogida de público y crítica.   “La humildad sólo puede nacer de la humillación, si no, es falsa vanidad” dice Jean Genet en Querelle de Brest. El espectador no encontrará trajes ni decorados que indiquen un tiempo o un estilo determinado. El espacio se vuelve una propuesta en sí misma, el diálogo se da entre espacio y actriz tras eliminar todo a la mínima expresión con una estructura que pone al descubierto los límites reales y ficcionales del actor, del personaje, del espectador, del espacio y de la propia pieza dramática.  
Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar se articula a partir de dos temas centrales: el de la vida como vivencia mecánica y el del teatro como espacio de autenticidad en un mundo que ha transformado el arte en mercancía.  Busca, a través de temas universales, indagar sobre el mundo de Genet en base a la actuación, al teatro como única aparente salida, a la comida, la bebida, el baile y algún cuento de hadas, que nos aleje un poco, o nos acerque un mucho a la devastación de los estereotipos sociales, la marginación y nula posibilidad de algún tipo de expiación.   El almacén de Naves del Español es un lugar muy especial e ideal para esta función y que el espectador pueda vivir la obra de una forma muy directa ya que el aforo es de 25 personas.  

FICHA

Actrices:  Diana Magallón - Mari Carmen Ruiz Dirección y diseño espacial:  Damián Cervantes Producción ejecutiva: José Rafael Flores Asistencia de Producción: Laurelle Serrano Co-Producción: Ambienta Yoga - Enrique Cervantes Producción: Vaca 35 Teatro en Grupo Fecha Del 17 de diciembre 2013 al 12 de enero 2014 Sala Naves del Español - Almacén Horario 17, 18, 19, 20, 21, 26 de diciembre, 2 y 9 de enero 20:00h. 22 y 29 de diciembre, 5 y 12 de enero 19:00h. 27, 28 de diciembre, 3, 4, 10 y 11 de enero doble función 19:30 y 21:30h.    

TEATRO COFIDIS 

 
  • Faemino y Cansado regresan a Madrid con 'Como en casa ni hablar'. A partir del 21 de enero de 2014, todos los Martes en el Teatro Cofidis.
Faemino y Cansado vuelven con ¡Como en casa ni hablar! , su último, absurdo y polipondurrítico espectáculo solamente apto para cerebros destruidos, desechos de la sociedad y amas de casa jubiladas. La única pareja en el mundo de anfibios parlantes capaces de revolucionar a las masas, fomentar las cenas en vaso y curar la chepistrofia cejuda . ¡Como en casa ni hablar! Faemino y Cansado consiguen con ¡Como en casa ni hablar! la extra-madurez. Recordemos que la madurez ya la alcanzaron hace bastantes años. ¿Qué pretenden con este novísimo espectáculo? Pretender, pretender, nada. Lo que les gustaría es que la gente riera al menos 23 veces y que al salir del teatro fueran mejores personas y encontraran el sentido de la vida. ¿Y qué utilizan para ello? 26 frases de contenido hilarante desperdigadas durante la representación. Y dado que sólo buscan 23 carcajadas se trataría de: 1) cubrirse las espaldas o 2) un extra o bonus-track. Concretemos ¿En qué consiste ¡Como en casa ni hablar!?: Parodia del cómico “lasvegiense”, parodia del mimo “circosoliense”, parodia de la atracción “cruceriense”, parodia del “cuentachistiense”… y mucho salero. Este espectáculo ha sido creado entre la soledad de los campos y collados de Soria y la algarabía frenética e insoportable de la Cava Baja de Madrid ¡Y se nota! Como bien dice Marcos Ordóñez Siguen siendo los reyes (El País). En los archivos de RTVE se puede disfrutar de algunos de sus mejores momentos. Fechas y Horarios: Desde el 21 de enero de 2014. Martes a las 20:30 horas   TEATRO COFIDIS Facebook: faeminoycansadooficial

 
https://www.youtube.com/watch?v=y8AHBgidMHE
 

TEATRO ESPAÑOL Y BARCO PIRATA PRODUCCIONES.  Distribución: PENTACIÓN

presentan

CONTINUIDAD DE LOS PARQUES

Sergio Peris-Mencheta es un apasionado del teatro.  Después de 'Incrementum', 'Un trozo invisible de este mundo' y 'Tempestad', se consolidó como uno de los nombres clave de la escena española. Ahora vuelve a la dirección teatral con 'Continuidad de los parques', una coproducción del Teatro Español y Barco Pirata, la compañía teatral que dirige. Continuidad de los parques propone un juego perverso, cómico y engañoso; un retablo de apariencias, de continuos equívocos a medio camino entre el realismo y el absurdo, a través de la mirada de algunos de sus personajes en distintas piezas. Un parque, de por sí, ya es un escenario. Citas concertadas, encuentros casuales, conversaciones fútiles que en ocasiones devienen en reflexiones profundas de dos o más individuos. El banco se convierte en el sitio idóneo para la complicidad o el antagonismo, aunque sólo sea por la proximidad física de dos desconocidos. La palabra hace el resto. Este es el punto de partida de las piezas que componen la obra. En Voces, un vagabundo cree escuchar la voz de Dios, inducido por el alcohol. En Seducción, Carlos se ve forzado a asumir una realidad distinta, viendo en Julián a una mujer. En Yeguas en la noche, un hombre es acosado por seres procedentes de su propia imaginación, de los que trata de defenderse y escapar. En Luz verde, un hombre transforma con su imaginación un banco en un taxi, e inicia un recorrido imaginario junto a otro personaje. En Sin cable, Marcos recibe una llamada en su teléfono móvil que resulta ser para el desconocido que tiene a su lado; y en En la manga, Lorenzo inventa una realidad con individuos inexistentes como estrategia para librarse de un ladrón que le acosa. En casi todas estas piezas existe una clara dualidad entre locura y racionalidad, una confrontación entre el inconfundible mundo exterior observado por un personaje y la visión modificada, desde el interior, por parte de otro personaje. Continuidad de los parques bebe del espíritu de los relatos de Roald Dahl y de Saki. Su afán común es el de sorprender, con ingenio y sentido del humor; componer situaciones donde el desenlace imprevisto dé sentido a la extrañeza inicial. Los personajes adquieren su verdadera dimensión, su comportamiento “coherente”, una vez sobrepasan el umbral de lo incomprendido. El espectador es claramente manipulado, forzado a la apariencia de los hechos, para conseguir llevarle al terreno de la diversión. Estamos ante una obra repleta de sorpresas, ágil, desconcertante y eminentemente divertida.
  • Descargar revista pedagógica que ofrece El Teatro Español: La Diabla.

 TEATROS DEL CANAL 

 

Los Teatros del Canal acogen ‘Otro mundo es posible’, las más bellas historias sobre la amistad con música en vivo.

La compañía L´Om Imprebís nos demostrará que Otro mundo es posible mediante el teatro de sombras, objetos, marionetas, música y danza. Los niños podrán disfrutar de esta obra en tres únicas funciones los días 30 de noviembre, 7 y 14 de diciembre. En 2005, la compañía ya cosechó un gran éxito con su espectáculo infantil Moon, en el que el público asistía al encuentro de una serie de amigos de diferentes países, continentes y culturas que recordaban el día en que se conocieron. En este nuevo espectáculo, María, una niña española, llega al mundo de Moon, un lugar donde no existe el espacio ni el tiempo. Allí queda maravillada con las historias de Nimbe, Okindala y Ovidio, y descubre que, a pesar de todo, Otro mundo es posible. Este espectáculo forma parte además de la campaña escolar de los Teatros del Canal y los alumnos de distintos colegios podrán disfrutar de este montaje del 30 de noviembre al 14 de diciembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal. ACTORES Claudia Coelho/LUANDA, ANGOLA Gorsy Edu/EBEBIYIN, GUINEA Yolanda Eyama/MIKOMISENG, GUINEA Sara Nieto/MADRID, ESPAÑA José Juan Rodríguez/LA HABANA, CUBA FICHA UN ESPECTÁCULO DE  Santiago Sánchez ESCENOGRAFÍA    Dino Ibáñez TRABAJO DE OBJETOS    Edu Borja DISEÑO DE ILUMINACIÓN    Rafael Mojas y Félix Garma MÚSICA    Yayo Cáceres COREOGRAFÍA    Carmen Werner VESTUARIO    Xus Tristancho/ Elena Sánchez Canales CONSTRUCCIÓN ESCÉNICA    Pascualín, S.L. Jordi Castells DISEÑO GRÁFICO    MINIM Comunicación AYUDANTE DE DIRECCIÓN    Susana Gómez PRODUCCIÓN    Ana Beltrán Los días 30 de noviembre y 7 y 14 de diciembre en la Sala Verde de los TEATROS DEL CANAL  

EL NOMBRE DE LA ROSA

    La gran novela de misterio de Umberto Eco, escrita en 1980 y adaptada al cine seis años más tarde por Jean-Jacques Annaud, está de gira por nuestro país gracias a la adaptación que Ados Teatroa ha hecho para las tablas. Estarán en el Teatro Nuevo Apolo del 5 de febrero al 30 de marzo.   El Nombre de la Rosa (1980) es la primera novela del ensayista y semiólogo italiano Umberto Eco, y fue escrita –según confiesa el autor- por haber descubierto, en edad madura ”aquello” sobre lo cual no se puede teorizar, aquello que hay que narrar. Y eso que sintió que había que narrar, más allá de las teorías, son las peripecias de fray Guillermo de Baskerville y su alumno, Adso de Melk, mientras tratan de desentrañar una serie de extrañas muertes que se suceden en una abadía benedictina en el siglo XIV. Con la Edad Media como telón de fondo, El nombre de la rosa contiene una original mezcla de relato detectivesco a lo Agatha Christie y novela culta, y se revela como una aventura laberíntica, que participa de las características propias de la novela policíaca, la crónica medieval, o la alegoría narrativa. Su apasionante trama, llena de golpes de efecto, nos deslumbra además con la reconstrucción portentosa de una época, de sus diversas formas de pensar y los conflictos que entre ellas se desatan.   REPARTO Guillermo de Baskerville – Juan Fernández Adso de Melk – Juan José Ballesta Remigio da Varagine y otros – Pedro Antonio Penco Abad Abbone – David Gutiérrez Jorge de Burgos – Cipri Lodosa Malaquías de Hildesheim y otros – Jorge Mazo Salvatore – Koldo Losada Ubertino da Casale y otros – José María Asín Bencio / Bernardo de Gui – Miguel Munárriz Berengario da Arundel y otros – Javier Merino Severino da Sant’ernmerano y otros – César Novalgos Joven mendiga y otros – Inma Pedrosa EQUIPO ARTÍSTICO Autor - Umberto Eco Dirección – Garbi Losada Adaptación – José Antonio Vitoria, Garbi Losada Producción ejecutiva – José Antonio Vitoria Diseño iluminación – XABI LOZANO Música original – JAVIER ASÍN Diseño escenografía – MARKOS TOMAS Diseño vestuario – TYTTI THUSBERG Diseño atrezzo y mobiliario – GORKA ESNAL Diseño sonido – ASIN SOUND Diseño gráfico – ESTUDIO LANZAGORTA Una producción de : ADOS TEATROA TRES TRISTES TIGRES AL REVÉS PRODUCCIONES LA NAVE PRODUCCIONES Districución: PENTACIÓN DEL 5 DE FEBRERO AL 30 DE MARZO  TEATRO NUEVO APOLO    

•TEATRO FERNÁN GÓMEZ

  Una vida robada, antes titulada La Mala Memoria. La trama real de los bebés robados que sucedió en España entre los años 60 y 90. Utilizando al personaje de Luz como elemento edípico, que busca una verdad cuya revelación será difícil de asimilar, “Una vida robada” explora el tema de la propia identidad, habiendo sido esta violentamente sustraída. ¿Hasta qué punto podríamos bucear en nuestro árbol genealógico sin sufrir un shock? ¿De verdad queremos saber de dónde venimos? ¿Cuál es el precio que paga una persona por saber quién es? ¿Es cierto el dicho que la verdad te lleva a todas partes menos donde tú quieres? ¿Es necesario cerrar las heridas del pasado para poder vivir el presente? “Una vida robada” es un espectáculo heredero de obras como “El Pato Salvaje” de Ibsen, “Edipo Rey” de Sófocles o “Incendies” de Wajdi Mouawad. “Una vida robada” plantea cómo la verdad “de los demás” es irreconciliable con la verdad “individual”.

Descripción

El personaje de Luz (Ruth Gabriel) irrumpe en la residencia del Doctor Nieto (Carlos Álvarez-Novoa) buscando una verdad que terminará alterando el destino de los habitantes de la casa. Olvido (Asunción Balaguer) es la guardiana del misterioso archivo del Doctor y la protectora de su hijo Julio (Liberto Rabal). La inquebrantable voluntad de Luz por descubrir el secreto que esconde la familia del Doctor Nieto provoca un inesperado desenlace entre lo trágico y lo esperanzador. FICHA Autor: Antonio Muñoz de Mesa Director: Julián Fuentes y Antonio Muñoz de Mesa Escenografía: Iván Arroyo Iluminación: Jesús Almendro Espacio Sonoro: Inaki Rubio Reparto: Ruth Gabriel, Carlos Álvarez Novoa, Asunción Balaguer y Liberto Rabal Una producción de Juanjo Seoane Fechas y horarios: Del 11 de ENERO al 2 de MARZO 2014 De martes a domingo a las 19.30h. Domingos 18.30h   TEATRO FERNÁN GÓMEZ    

TEATRO VALLE INCLÁN 

    Las Comedias bárbaras narran el esplendor y la decadencia de una estirpe galaica de altivos y despóticos señores feudales encarnados en la figura de Don Juan Manuel Montenegro. Nuestra versión arranca con las primeras escenas de Romance de lobos cuando el Caballero, atormentado por la culpa y funestos presagios de muerte, decide embarcar hacia Flavia Longa donde acaba de morir su esposa Doña María. Durante la travesía evocará su desenfrenada historia en un recorrido retrospectivo por las más destacadas escenas de Cara de Plata y Águila de Blasón. Escritas bajo los presupuestos de la estética simbolista plantean retos de puesta en escena imposibles para la realidad teatral de su tiempo que aún siguen suscitándose con el controvertido asunto de cómo llevar a las tablas estos textos rebosantes de complejas e irrepresentables acotaciones. Ahora bien, si por un lado don Ramón escribe estas obras fundamentalmente para la ensoñación del lector en sintonía con las tesis idealistas que consideran como mejor representación aquella que cada cual imagina cuando lee, su condición de hombre de teatro confiere a estos textos una  extraordinaria e inspiradora potencialidad escénica que provoca, ¡y de qué modo!, la imaginación creadora de sus eventuales intérpretes. Y es que Valle no sólo es literatura, deslumbrante literatura, sino también uno de los más grandes renovadores de la escena europea del siglo pasado, un dramaturgo genial que logra trascender el estrecho marco del drama psicológico para proponer un teatro de impacto y conmoción con personajes movidos por arrolladoras fuerzas primarias como es el caso de esta trilogía que aquí presentamos: un colosal  monumento dramático que parte de las sagas heroicas de la tragedia griega, se detiene a beber en fuentes lopescas y shakesperianas y, finalmente, tras recoger algunos postulados de la ópera wagneriana, termina prefigurando ese género creado por el propio don Ramón que conocemos como Esperpento. Nuestra apuesta, en fin, ha optado por zambullirse de lleno en este mundo bárbaro y poético renunciando a toda pretensión de traslación  literal –ahí siempre perderíamos la batalla- para, por el contrario, conformar con los actores un lenguaje autónomo y específicamente teatral a partir de la palabra de don Ramón: una palabra que da cuenta del apogeo y la decadencia de un hombre que emprende un viaje expiatorio de arrepentimiento y redención hasta su inmolación junto a un grupo de mendigos: las voces encendidas de los desposeídos confrontadas a las de los herederos del Mayorazgo, lobos degradados de un linaje que renunció a los valores de la épica feudal por una codicia devastadora cuyos aullidos anuncian una nueva era salvaje y banal… “¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años.”  Con esta frase se cierra la trilogía, una frase que el autor de Luces incorporó mucho después de las primeras ediciones, cuando ya el ominoso siglo veinte empezaba a apuntar maneras. “¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años.”  El Esperpento, esa cosa tan nuestra. Ernesto Caballero  

REPARTO

Gonzalito/Marinero 4     Fran Antón     Caballero     Ramón Barea     Pichona/Andreíña la sorda/ Doña Moncha     Ester Bellver     Cara de Plata/Manco de Gondar    David Boceta     Farruquiño/Marinero 3     Javier Carramiñana  Pedrito/Patrón de la barca     Bruno Ciordia Molinero/Pobre de San Lázaro     Paco Déniz     Jeromita/Juana la Manchada/Viuda   Silvia Espigado   Rosalva/La mujer del Morcego     Marta Gómez   Andreíña      Carmen León   Mauro/Marinero 2    Toni Márquez   La Roja      Mona Martínez   Sabelita      Rebeca Matellán   Rosendo/Marinero 1     Iñaki Rikarte     El Morcego/Bieto Zagal/Alguacil   José Luis Sendarrubias   Fuso Negro/Capitán de los ladrones  Edu Soto Capellán/El viejo de Cures     Juan Carlos Talavera  Don Galán     Janfri Topera     Abad/Escribano/El manco leonés   Alfonso Torregrosa  Doña María/Dominga de Gómez   Yolanda Ulloa   Liberata/Paula la Reina     Pepa Zaragoza   Músicos: Javier Coble, Kepa Osés   

EQUIPO ARTÍSTICO

 Escenografía:  José Luis Raymond Vestuario y caracterización: Rosa García Andújar Iluminación: Valentín Álvarez  Música: Javier Coble  Ayudante de dirección: Víctor Velasco  Producción: Centro Dramático Nacional   Del 29 de noviembre de 2013 a 19 de enero de 2014 Horarios: Martes a sábados: 19:00 horas. Domingos: 18:00 horas  Teatro Valle-Inclán