Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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NAVES DEL ESPAÑOL 

 

Del 6 de NOVIEMBRE al 7 de DICIEMBRE en LAS NAVES DEL ESPAÑOL

"No me gustaba la escuela No me gustaban los grupos No me gustaba la autoridad... Estaba hecho para el Rock&Roll" (Lou Reed)
  Un espectáculo que va más allá de la biografía de Lou Reed, basado en la obra poética, musical y visual del ya desparecido Lou Reed. Llegará el 6 de noviembre a Las Naves del Español en el Matadero de Madrid tras ser estrenado en el Teatro Romea de Barcelona el 9 de septiembre. Andrés Lima firma la dramaturgia y dirección de esta obra escrita por Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró. Pablo Derqui y Nathalie Poza nos invitarán a hacer un paseo por este universo mágico, contradictorio y extremadamente brillante que ha marcado el paso a tantos y tantos artistas de todas las disciplinas del arte de los últimos 60 años.   Desde Berlín trata sobre la dificultad de vivir la convención de la sociedad, de la búsqueda de un espacio diferente para las pasiones, sobre cómo vivir el lado salvaje de una manera normal y cotidiana. Un canto a una generación que enseñó actitudes desde el recuerdo de Lou Reed, un artista excepcional que, con su obra y actitud vital, mostró diferentes caminos para estar vivos. Nueva York, The Factory, Warhol, creación explosiva, mucha poesía, realidad e irrealidad, mucha ambigüedad y sobretodo, mucho Rock and Roll. Por encima de todo este panorama, un músico, poeta, agitador, ciudadano de su ciudad y no de otra, heredero de la más pura tradición poética urbana de Delmore Schwartz, Saul Below o Allen Ginsberg y alguien que se convierte en una influencia fundamental para diversas generaciones de músicos, poetas y personas de la cultura, Lou Reed.   Desde Berlín es una historia de amor. De amor constructivo y destructivo, peligroso y seguro, verdadero y falso, conseguido y perdido. Es una obra de contrarios, la música y el silencio, el ruido y la melodía, lo concreto y lo ambiguo. Son unas maneras que han marcado a una generación detrás de otra y que han supuesto un posicionamiento ante el arte y ante la vida. Caroline y Jim, los personajes de BERLÍN, la obra maestra de Lou Reed, son una pareja que encarna esa manera de afrontar la vida y la muerte, la pasión y el abandono, lo cotidiano y lo excepcional, la necesidad del otro y el ansia de soledad. BERLÍN es lo dividido, es un símbolo de lo inalcanzable, de lo que está siempre del otro lado y separado de uno mismo. Se trata de recuperar la memoria, de mostrar lo que el legado, no sólo de Lou Reed, sino también de Warhol, de Dalmore Schwartz, de Gensberg, de Pati Smith, de Bowie o de Kerouac y de otros, ha significado para tantos, casi sin darte cuenta. Borja Sitjà  

FICHA

Autores: Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró Música Jaume Manresa y Lou Reed Espacio Visual Miguel Angel Raió Escenografía Beatriz San Juan Dirección y dramaturgia: Andrés Lima Reparto: Pablo Derqui y Nathalie Poza Producción: Teatre Romea Fechas: Del 6 de noviembre al 7 de diciembre De martes a viernes, 20.30h. Sábados doble función: 18.30h y 21h. Domingos 19.30h.LAS NAVES DEL ESPAÑOL Encuentro con el público el día 19 de Noviembre a las 21:45 h.  
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SALA TÚ

 
En OCTUBRE regresa a la SALA TÚ 'EL LEGADO DE DON JUAN'

SÁBADOS A LAS 19h.

3ª TEMPORADA EN CARTEL

    Guillermo Amaya (actualmente dirige ópera en el Theater Osnabrück) debuta como dramaturgo en una obra escrita y dirigida por él mismo: EL LEGADO DE DON JUAN. La obra se estrenó en Mayo de 2014 en el Festival Surge Madrid con excelentes críticas, y regresó en Septiembre a la Sala Tú gracias al éxito obtenido, prorrogando hasta enero. En abril se pudo ver en el Teatro Lara, y a partir de octubre de 2015 regresa de nuevo a la Sala Tú.  

SINOPSIS

Una casa, cuatro desconocidos y una herencia. Este es el punto de partida de EL LEGADO DE DON JUAN. Una hilarante comedia con los mejores ingredientes del género. Enredo, situaciones imposibles y personajes alocados que convierten a esta obra en un espectáculo divertido, absurdo y al mismo tiempo extrañamente lógico. Pero se podría decir también que EL LEGADO DE DON JUAN se diferencia de otras obras de su mismo género, yendo un poco más allá del simple divertimento. Nos ofrece, un sutilísimo homenaje a la figura mítica del Don Juan y una ácida crítica de la situación española actual a través de un pequeño, amargo y divertido esbozo de una generación "perdida" en el más amplio sentido de la palabra. El autor deja preguntas en el aire que quizá sean los propios espectadores los que tengan que resolverlas.   Don Juan ha muerto. No. No hay que darle más vueltas al asunto. La única cuestión es que don Juan ha muerto. Y eso que parece que es una única cosa, son muchas cosas a la vez. Y el notario tiene que repartir la herencia. Su legado. Sí. Legado. ¡Por supuesto que la idea es simple! Hay que reunir a los herederos. A los posibles herederos. A todos. A los que Juan quiso dejar su legado. ¿Legado? Sí. Legado. Eso he dicho. Legado. ¿Y qué mejor sitio que su propia casa? -La de don Juan, no la del notario-. ¡Quizá la casa sea parte de la herencia! ¡Del legado! ¿Legado? Sí. Legado. Entonces será sencillo. Habrá que reunir a los herederos. Muy fácil, ¿no? Girar el pomo y empujar un poco. Simplemente eso. Girar el pomo y empujar. Muy fácil. El problema es que en esta ocasión las cosas son exactamente lo que parecen. Aunque nadie sepa muy bien cómo ha entrado aquí. Estuviera o no la puerta abierta. ¡Hay que llamar a la puerta! Vamos, quiero decir, que supongo que todo es muy normal. Aunque sea muy extraño. Pero muy normal. Extrañamente lógico. Quizá la vieja Gertrudis tenga algo que decir de todo esto. Quizá todavía quede alguna esperanza para los herederos. Quizá se puedan ir a jugar al golf. ¿Por qué no? ¿Golf? Sí. Golf. Cada uno puede pensar lo que quiera. Desear cosas. Aunque no se puedan realizar. O Aunque se puedan realizar. Al fin y al cabo cada uno puede hacer lo que quiera con sus ilusiones. Cada uno podrá usar como quiera el legado de don Juan. Sí, el legado. El único legado que don Juan (quien quiera que sea don Juan) nos ha dejado. Sí. A ellos y a nosotros. Porque todos nosotros de alguna manera, todos sin excepción, recibimos también su legado.  

FICHA

Escrita y dirigida por Guillermo Amaya Asistente a la dirección artística: Felipe Santiago Diseño de vestuario y atrezo: Tina Walls Reparto: Susana Domínguez, Juan Olivares, Carlos Pulido y Eva Trancón/Inma Isla Con la colaboración especial de Miki Molina Fechas y horarios: Sábados a las 19h. en la SALA TÚ    
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TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA 

 

LOS DOMINGOS EN EL TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA

El 6 de SEPTIEMBRE de 2013 se estrenaba en NAVE 73 AMOR, ¿Y SI LO HACEMOS ANTES DE MORIR? de la Compañía Mudanzas y Portes Teatro. Una compañía de Teatro formado por un grupo de jóvenes sobradamente preparados con mucho que contar, mover y reubicar.  Afirman "Ofrecemos una mudanza en la que el público abandona por un tiempo su día a día para sumergirse en el mundo que nosotros le ofrecemos." Y se lo tomaron al pie de la letra. Desde su estreno se han dedicado a prorrogar y prorrogar, se mudaron a La Escalera De Jacob y en SEPTIEMBRE al TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA, donde continúan prorrogando. Primero los SÁBADOS de NOVIEMBRE y DICIEMBRE. Y ahora los DOMINGOS de ENERO.

"Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir?" ya ha sido vista por más de 3.000 personas que han abarratodao las salas. Una obra que empezó en las salas alternativas y que actualmente triunfa en la Gran Vía madrileña. Escrita por Álvaro Doñate y Marta Sánchez (guionista de la estupenda 'La vida resuelta' y de las exitosas series 'Aída' y 'Siete Vidas' ), dirigida por Samuel Señas e interpretada por Beatriz Manrique, Miguel Rascón, Carlos Guardiola y Álvaro Doñate.   Una obra de teatro sobre la amistad, la verdad, la muerte, las relaciones y las mudanzas.   “Amor, ¿y si lo hacemos antes de morir” son cuatro amigos una tarde. Un descubrimiento. Un aprender quien es el del al lado. Jugamos en el montaje, como en el texto, con lo que parece ser y no es, con lo que debería ser y no es y con las corazas con las que vivimos para no enseñar lo que contenemos. Hemos trabajado con los personajes en su conflicto. Cada uno lucha por sus objetivos, en cada momento, y esto te hace estar enganchado a ellos. Con un ritmo frenético que no te deja momento para respirar. Siempre suceden cosas. Siempre hay alguien luchando por su deseo. Y lo más bonito es que el público siempre sabe más que los personajes. Samuel Señas   SINOPSIS Tras el funeral de su primo, Álex reúne en su casa a Pilar, Hugo y Raúl. Su novia y mejores amigos. Necesita algo de ellos, pero uno en la vida no siempre recibe lo que espera. Este es el punto de partida de Amor, ¿y si lo hacemos antes de morir?. El texto, firmado por Marta Sánchez Guillén y Álvaro Doñate, nos muestra un trozo de vida donde la realidad siempre supera a la ficción, donde una idea disparatada puede ser la llave de la caja de Pandora. Una historia que el público irá descubriendo frase a frase. La compañía Mudanzas y Portes invita al público a ser testigo por una hora de la vida de estos cuatro amigos. Amor, ¿y si lo hacemos antes de morir? es una comedia agridulce donde nada es lo que parece y nada termina cómo empieza. Una historia sobre la vida y la muerte, la verdad y el amor. Un cóctel que no dejará indiferente a nadie.   FICHA Autores: Álvaro Doñate y Marta Sánchez Dirección: Samuel Señas Reparto: Beatriz Manrique, Miguel Rascón, Carlos Guardiola y Álvaro Doñate Producción: Mudanzas y Portes Teatro Fechas y horarios: Lunes 5 a las 20h Domingos a las 19h en el   TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA Facebook: amorysilohacemosantesdemorir Twitter: mudanzasyportes  
 

TEATROS DEL CANAL 

  Del 20 al 23 de noviembre llega a Los Teatros del Canal LAC Les Ballets de Monte-Carlo. Una personal versión de El lago de los cisnes firmada por Jean-Christophe Maillot.   Jean-Christophe Maillot, con su personalísima versión de El lago de los cisnes, realiza un gesto de valentía al revisar un ballet legendario y tan conocido por todo el mundo. Para este proyecto ha trabajado con el escritor Jean Rouaud, Premio Goncourt 1990. Juntos han adaptado la historia eterna de Siegfried y Odette.   LAC de Jean-Christophe Maillot sitúa de nuevo la narración en el corazón de la obra. En colaboración con el escritor Jean Rouaud, Maillor se reconcilia con los tormentos de un relato en conexión con los miedos de la infancia y los terrores nocturnos. Estas experiencias ocultas emergen aquí y se asocian a un contexto familiar maquiavélico que sirve de base a un ballet en claroscuro. La obra muestra el tránsito del estado animal al humano, interrogando nuestra propia naturaleza. Creemos ser diferentes a los animales por nuestra capacidad de elección y decisión pero, ¿tenemos realmente esa capacidad? ¿Acaso no estamos todos tan extraviados como este Príncipe? Jean-Christophe Maillot muestra lo indeciso entre el blanco y el negro, entre el bien y el mal, el candor y el erotismo. Puede que nuestra humanidad no se apoye más que en esta insaciabilidad frustrada que define al ser humano desde el primer grito - ¡Lo queremos todo!   FICHA Coreografía: Jean-Christophe Maillot Música: Piotr Ilitch Tchaikovsk Escenografía: Ernest Pignon Ernest Vestuario: Philippe Gillotel Dramaturgia: Jean Rouaud Composición: Bertrand Maillot Bajo la presidencia de S.A.R. La Princesa de Hanover Fechas y horarios: Del 20 al 23 de noviembre en la Sala Roja de los TEATROS DEL CANAL 20, 21 y 22 de noviembre a las 20.00h 23 de noviembre a las 18.00h    

La compañía La Fila de Al Lado presenta

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

de Juan Mayorga

Juan Mayorga habla sobre la excelencia del montaje: "Víctor Velasco, el director, es extraordinariamente imaginativo. Si el teatro es el arte de la imaginación, esto cobra especial sentido en una obra que habla de la imaginación. Hay por lo tanto unión de contenido y forma. Sobre este espacio - una mesa escolar inmensa -, el espectador imagina otros espacios."

VER OBRA COMPLETA

https://www.youtube.com/watch?v=JoqFEXbLZBk&feature=emb_logo

SINOPSIS

Germán , es profesor de literatura en un instituto poblado de jóvenes con poco interés por los clásicos y nula capacidad de expresión escrita. Germán se desespera corrigiendo redacciones hasta que el texto de Claudio lo rescata de su tedio y lo engancha con la promesa de un continuará… A partir de aquí, surge entre el adulto y el chaval un vínculo tan intenso como peligroso. Peligroso para ellos y para quienes les rodean.  

NOTA DEL AUTOR

Estoy convencido de que el autor no debe situarse ante las puestas en escena de sus textos en la posición del juez que emite sentencias. Debe, en la medida de lo posible, acudir al espectáculo como un espectador más. Como un espectador más, asistí a la representación que de “El chico de la última fila” ha hecho la compañía La Fila de al Lado. Y como tal disfruté mucho de su trabajo y lo aplaudí con ganas. Víctor Velasco ha conseguido levantar un montaje intensamente teatral, tan sencillo como complejo, tan inteligente como lleno de humor. Para ello ha contado con el buen hacer de Samuel Viyuela, Miguel Lago Casal, Olaia Pazos, Natalia Braceli, Rodrigo Sáenz de Heredia y Sergi Marzá. Siento gratitud hacia todos ellos por la hermosa velada que me hicieron pasar. También por haberme ayudado a comprobar, una vez más, que un texto puede saber cosas que su autor desconoce: que un buen actor puede hallar en un personaje luces o sombras ignoradas por el dramaturgo; que un buen montaje puede descubrir en una obra sentidos ocultos para quien la escribió. Quien la escribió, por cierto, fue profesor de secundaria, como lo es Germán, ese hombre al que vemos al principio de la función corrigiendo las redacciones escritas por sus alumnos bajo el título “Mi pasado fin de semana”. Cada una le parece peor que la anterior. Hasta que llega a sus manos la de ese chico silencioso que se sienta en la última fila. El profesor tendrá que leerla varias veces para convencerse de que sus ojos no le engañan. A partir de esa sorprendente redacción, entre el adulto y el muchacho se establecerá un vínculo tan intenso como peligroso. Peligroso para ellos y para quienes les rodean. “El chico de la última fila” es una obra sobre maestros y discípulos; sobre padres e hijos; sobre personas que ya han visto demasiado y personas que están aprendiendo a mirar. Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas y sobre los riesgos de confundir vida y literatura. Una obra sobre los que eligen la última fila: aquella desde la que se ve todas las demás. Juan Mayorga
"Sin cuentos la vida no vale nada"

NOTA DEL DIRECTOR

La obra nos habla también de la curiosidad que genera la observación de los demás. Y sobre cómo los diferentes puntos de vista condicionan dicha observación. A este respecto, nuestra intención ha sido la de ofrecer al espectador la libertad para que su atención se centre en aquello que considere más oportuno, ofreciéndole el mayor número de puntos de vista posibles, y extendiendo el tema de la curiosidad del texto al patio de butacas. De esta manera, el público puede observar las reacciones de cada personaje, no sólo en los momentos en los que está “en escena” sino en todo momento, sin estar dirigido más que por el transcurso de los acontecimientos y por su propia curiosidad. A mi juicio, el mayor placer que se puede sentir como espectador es el de ser cómplice de un código escénico determinado. Ojalá podamos compartir, aunque sólo sea un poco de esa complicidad con aquellos que ven la obra y que la conforman también, por qué no, a partir de su mirada. Victor Velasco.

¿A QUIÉN TE LLEVARÍAS A UNA ISLA DESIERTA?

 

La dramedia generacional que ha conmovido al Off Madrileño

 Del 6 de septiembre al 31 de enero de 2016 en la Sala Off del Teatro Lara

Con Juan Blanco / Nico Romero, Bea de la Cruz, Beatriz Arjona,  y Abel Zamora.

Hay una época para vivir y un día que lo cambia todo

  ¿A quién te llevarías a una isla desierta?’ comienza su segunda temporada en el Teatro Lara. A partir del 6 de septiembre los domingos a las 18h.  ¿A QUIÉN TE LLEVARÍAS A UNA ISLA DESIERTA?, una obra que en su origen fue el primer corto de Jota Linares  ('Ratas', '3,2 (lo que hacen las novias)' o el reciente 'Rubita') en 2006 y que posteriormente terminó adaptando junto a Paco Anaya ('Desde el cielo te digo') en una obra de teatro que se estrenó el 9 de mayo de 2012 en la mítica Sala Garaje Lumiére.   El reparto original que incluía a David Tortosa (posteriormente sustituido por Pablo Cabrera), Juan Caballero, María Hervás y Maggie Civantos, la obra se mantuvo en cartelera hasta julio de 2013 cuando dio el salto a la Sala Triángulo. Convertida en un inesperado éxito de crítica y público, esta agridulce historia generacional era una radiografía de cualquier grupo de amigos que están en tierra de nadie entre los veinte y los treinta, entre el éxito y el fracaso, entre la alegría y las ganas de matar a todo el mundo.   Tras su paso por nave 73 con las nuevas caras de Juan Blanco, Abel Zamora, Beatriz Arjona y la recien incorporada Bea de la Cruz pero también con la mirada ya familiar en la función de Maggie Civantos y María Hervás , se presentó una nueva versión de ¿A quién te llevarías a una isla desierta?. Con un tono mucho más marcado de dramedy, este relato generacional pretende esta vez lanzar una mirada más cínica y a la vez naif sobre ese momento concreto en que dejamos a quien creíamos ser atrás y nos enfrentamos por primera vez a la persona en la que nos hemos convertido. Todo ello mientras los protagonistas hacen equilibrios en un fino alambre que cruza la risa y las lágrimas, el amor y el odio, el follar y el hacer el amor … el no tener ni idea de que se quiere y el quererlo todo.   ‘¿A  quién  te  llevarías  a  una  isla  desierta?’  es,  sobre  todo,  una  historia  de  amor  y desamor que cambiará la vida de cuatro personas de la manera más ridícula, absurda y profunda que uno podría esperar. La clave de la obra es que coloca frente a un espejo a los jóvenes actuales, hablarles de  sus  triunfos,  de  sus  miserias, de los sueños que conseguirán y de los que nunca alcanzarán. Es una obra divertida con toques ácidos y amargos, como la vida misma. El tema 'Collapse' pone fin a la obra.   [caption id="attachment_13312" align="aligncenter" width="571"]¿A quién te llevarías a una isla desierta? en el Teatro Lara ¿A quién te llevarías a una isla desierta?[/caption]  

SINOPSIS

¿A quién te llevarías a una isla desierta? es una historia de amor y desamor que cambiará la vida de cuatro personas de la manera más ridícula, absurda y profunda que uno podría esperar. Celeste, Eze, Marcos y Marta son amigos desde hace demasiado tiempo. Han creado un universo propio entre las paredes de un ruinoso piso compartido en un barrio universitario de Madrid. Pero ya ni son estudiantes, ni adolescentes ni soñadores, han cambiado casi sin darse cuenta y, durante el día más caluroso de los últimos veinte años, se despiden de una época gloriosa dejando su universo compartido. Durante las veinticuatro horas que dure su mudanza no se hablará del futuro, ni de cosas importantes, sólo se dirán gilipolleces y se beberá mucho alcohol… Pero igual que hay una época para vivir, hay un momento que cambia todo lo que pensábamos conocer de nosotros mismos. Eze, Marta, Celeste y Marcos se enfrentan al amor, la amistad, el sexo, los polvos tristes, la amargura, el deseo y las verdades nunca dichas entre botellines de cerveza, sudor y gafas de sol con forma de corazones de Lolita. ¿A quien te llevarías a una isla desierta? Es la historia de esos cuatro amigos, de sus sueños, de sus éxitos, de sus fracasos, de sus 15 minutos de fama y del día que cambia todo.  

FICHA

Texto: Jota Linares y Paco Anaya Dirección: Jota Linares Ayudante de dirección: Lydia Ruiz Producción: Jose Ponce de León Diseño de iluminación: Chon López Escenografía: Ceci Braconi Fotografías: Elsie Marina Vestuario: Las Cinco En Punto Prensa: Gran Vía Comunicación Reparto:  Juan Blanco, Nico Romero, Bea de la Cruz, Beatriz Arjona y Abel Zamora. Fechas y horarios: Del 6 de septiembre al 21 de enero Domingos a las 18h en el TEATRO LARA    
Estreno "¿ A quién te llevarías a una isla desierta?" from Juan Luis Moreno Somé on Vimeo. 2º trailer obra teatro " ¿ A quién te llevarías a una isla desierta?" from Juan Luis Moreno Somé on Vimeo.  

OFF DE LA LATINA 

 

Después de pasar por EL UMBRAL DE PRIMAVERA. LA ESPUELA DE ROCINANTE se traslada al OFF DE LA LATINA. MIÉRCOLES de FEBRERO y MARZO.

  La Smorfia Teatro presenta LA ESPUELA DE ROCINANTE de Toni Conesa. Un monólogo Traquijotesco. Con Germán Torres bajo la dirección de Rosario Ruiz Rodgers.  

LA IDEA

La espuela de Rocinante es un monólogo traquijotesco que pretende coger la esencia del Quijote. Rocinante es el vehículo que llevará a Don Quijote a los confines de su mundo imaginario, y la espuela que Alonso Quijano le hinca en el costado a su rocín es el primer paso para arriesgarse a vivir otra realidad y para atreverse a realizar la vida que uno desea. Planteamos un contraste entre la época en que acontecieron los hechos y el pensamiento contemporáneo que como artistas nos permite plantear las contradicciones humanas y la situación social por la que estamos atravesando.  

SINOPSIS

Una habitación, un inmenso desierto, la hombre en decadencia, un país en ruina, la soledad grotesca, las ecos de un ama, de un cura y un barbero, el mal de España de fondo y un orinal. Enmarañado en sus reflexiones etílicas y con la sola compañía de un viejo libro, que no es otro que El Quijote, nuestro personaje sufre de delirios, de sífilis, de desamor por la señorita Lunacedi y alguna que otra bajeza moral. Pero es a través de la alucinación con el personaje de Alonso Quijano que empieza a ver sus propios fantasmas y piensa: SOLO EL QUIJOTE NOS PUEDE SALVAR. Porque el Quijote es el ser con mayor pureza a la que medirse. Y a través de esa transmutación etílica al principio y después literaria, nuestro escritor decide salir al mundo a enderezar entuertos y desfacer agravios con el impulso que le propicia en sus nalgas las espuelas de Rocinante. 70 minutos de humor, belleza, poesía, para todos los públicos, universal como el Quijote. Un canto a la justicia y la libertad. Texto barroco en voz de un personaje contemporáneo, lleno de acción y de diversión.  

FICHA

Autor: Toni Conesa Idea original: Germán Torres Puesta en escena:  Rosario R. Rodgers Interpretado por: Germán Torres Diseño iluminación: José Espigares Fotografía y diseño gráfico: Moisés Fernandez Acosta Una producción de: Curtidores de Teatro/La Smorfia Teatro Fechas y horarios:  MIÉRCOLES  a las 20:30h  OFF DE LA LATINA  
 

 VALLE-INCLÁN 

  Del 10 de OCTUBRE al 9 de NOVIEMBRE en el TEATRO VALLE-INCLÁN. Alfredo Sanzol, el autor de Risas y destrucción [2006], Sí, pero no lo soy [2008], Días estupendos [2010], Delicadas [2010], En la luna [2011] (Max como mejor autor por estas tres últimas) y Aventura![2014] es uno de los mejores dramaturgos que tenemos en este país. Junto a Andrés Lima y Miguel del Arco crearon en junio el TEATRO DE LA CIUDAD, que se presenta ante el público en el Teatro de La Abadía. Alfredo Sanzol dirigirá Edipo Rey.   El 10 de octubre se estrena su última obra, una obra que dedica a su padre: La Calma Mágica.   SINOPSIS Olga es la jefa de la empresa en la que comienza a trabajar Oliver. Olga mantiene una relación amorosa con Martín. Martín Belloch tiene algún tipo de relación laboral con la empresa de Olga. Martín graba con el móvil a Oliver dormido delante del ordenador. A pesar de las peticiones de Oliver, Martín se niega a borrarlo. Olivia es veterinaria y a través de Martín conoce a Oliver y se enamora de él. Otros personajes son una abogada a la que Oliver consulta sobre la grabación de su vídeo y la voz del padre de Oliver al teléfono al final de la obra.   NOTA DEL AUTOR Oliver es un hombre que quiere cambiar de vida. Durante una entrevista de trabajo su futura jefa le ofrece probar unos hongos alucinógenos. Oliver comienza a ver que en el futuro se quedará dormido delante del ordenador y que un cliente le grabará con el móvil dando cabezadas. Oliver querrá que el cliente borre ese vídeo del móvil, y el cliente no querrá. De la lucha de dos cabezones nace esta historia de búsqueda de la dignidad y del sentido de la vida. Un viaje iniciático que nos va a llevar a África, a los elefantes rosas, al amor, a la obsesión, a los allanamientos de morada, a las escopetas de caza, al alcohol, a la traición, a los sueños robados y a los manantiales de los que surge el agua de la vida. La Calma Mágica está dedicada a mi padre, al deseo de poder volver a hablar con él, y al rechazo de que las personas se vayan para siempre. También al placer de recordar historias como esta: Cuando mi padre vivió en Tejas se hizo amigo de una pareja de rancheros que habían perdido a un hijo recientemente. El chico tenía más o menos la misma edad de mi padre y se le parecía muchísimo. Se le parecía tanto que los rancheros le hicieron la siguiente oferta: Si se quedaba a vivir con ellos, le dejarían el rancho en herencia. Creo que a mis personajes les pasa lo mismo que al personaje de Mishima y “a medida que transcurre el tiempo, los sueños y la realidad llegan a tener el mismo valor entre los recuerdos. Todo lo que ha sucedido en la realidad se mezcla con lo que pudo suceder. Y, como la realidad deja rápidamente el espacio a los sueños, el pasado se parece cada vez más al futuro.” Alfredo Sanzol   Los días 1 y 2 de noviembre las funciones se harán en euskera con sobretítulos en castellano. Con la colaboración del Instituto Vasco Etxepare.   Tanttaka Teatroa Tras más de treinta años de andadura ininterrumpida, la trayectoria de Tanttaka se define por una «personal» heterogeneidad. De forma voluntaria, hemos saltado de un género a otro, desde la comedia musical hasta el drama naturalista, siguiendo los impulsos que para nosotros son consustanciales al arte teatral: nuestra propia identificación con los proyectos y compartir con el público un teatro de nociones y emociones.   FICHA Autor y Director: Alfredo Sanzol Escenografía: Alejandro Andújar Música: Iñaki Salvador Iluminación: Xabier Lozano Vestuario: Ana Turrillas Producción ejecutiva:  Fernando Bernués/Koro Etxeberria Traductor al euskara: Harkaitz Cano Fotografía: marcosGpunto Cartel: Isidro Ferrer Reparto: Sandra Ferrús, Mireia Gabilondo, Aitziber Garmendia, Aitor Mazo, Iñaki Rikarte Coproducción Centro Dramático Nacional y Tanttaka Teatroa en colaboración con Gobierno Vasco y Diputación de Guipuzcoa Fechas y horarios: Del 10 de octubre al 9 de noviembre de 2014 martes a sábado 19:00 horas y domingo 18:00 horas    TEATRO VALLE-INCÁN  
 

TEATRO BELLAS ARTES 

   
Del 1 de ABRIL al 31 de MAYO
  'De mutuo desacuerdo',es una comedia escrita por Fernando J. López (autor de 'Cuando fuimos dos') y dirigida por Quino Falero. Se estrenó en el Teatro Salón Cervantes de Alcalá de Henares en Agosto de 2014. Y estará en el TEATRO BELLAS ARTES de Madrid del 1 de Abril al 31 de Mayo. Fernando J. López es novelista, dramaturgo y profesor de Literatura. Fue finalista al Premio Nadal 2010 con 'La edad de la ira'. Autor de varios textos teatrales, 'Cuando fuimos dos' dirigida también por Quino Falero fue una de las revelaciones hace dos temporadas. Pendiente de fecha está el estreno en la Sala Off del Teatro Lara su última obra: 'Tour de force'.   Con un reparto que cuenta con los famosos actores Toni Acosta e Iñaki Miramón, 'De mutuo desacuerdo' es una comedia de plena actualidad que aborda temas como la pareja, la paternidad y la familia a través de un matrimonio que ya no lo es y siempre desde el prisma del humor. De mutuo desacuerdo es un relato de las nuevas familias del siglo XXI en el que no hay buenos ni malos, tan solo dos personajes que se equivocan y que intentan enmendar esos errores del mejor modo posible. La obra aborda desde el humor el problema de la identidad después de una ruptura: ¿quiénes somos: el ex que desea reconstruirse o el padre o la madre que sabe que no puede olvidar que su cónyuge seguirá siendo importante en la vida de su hijo? Tanto Sandra como Ignacio hacen en esta función un viaje desde la rabia que les separa en los primeros meses hacia un intento de aceptación, tanto de si mismos como de la nueva situación en que se hallan y de la relación que tienen y quieren construir con su hijo. Abordando los temas de pareja o la paternidad desde un punto de vista que evita toda clase de discursos morales o simplificadores, y donde ambos personajes poseen sus propias razones y argumentos, de modo que sea el público quien busque con cuál de ellos desea identificarse. A los personajes les invaden los interrogantes y los trasladan al patio de butacas para que sean ellos quienes reflexionen. Hay un personaje invisible, pero protagonista. Sergio -el hijo- es uno de esos niños-mochila de quienes se habla en las estadísticas pero a quienes apenas hemos visto en nuestro teatro y nuestra literatura más reciente. De lunes a viernes en una casa, los fines de semana en la otra. Al final, el que sale perdiendo, siempre es el niño.   Situaciones dramáticas en unos personajes que no paran de contradecirse. De ahí que se produzcan situaciones hilarantes. Pero el veradero humor nace de la facilidad con la el público se reconoce ante las situaciones que se plantean. Con Woody Allen y Neil LaBute como referentes, 'De mutuo desacuerdo' es una comedia ágil, y de rabiosa actualidad sobre las relaciones de pareja y todo lo que ello con lleva. Donde las dudas e inseguridades crecen  mientras la incomunicación se adueña de ellos. El encargado de imponer el ritmo necesario a la obra es Quino Falero, quien demostró en El manual de la buena esposa y en Locos por el Té tener buena mano para ello.   [caption id="attachment_10654" align="aligncenter" width="900"]de_mutuo_desacuerdo DE MUTUO DESACUERDO © Javier Naval[/caption]  

 SINOPSIS

¿EXISTE LA AMISTAD DESPUÉS DEL DIVORCIO? La historia gira en torno a Sandra e Ignacio, una pareja que acaba de divorciarse y que está condenada a ponerse de acuerdo por su hijo. El pequeño no acepta la nueva condición de sus padres y, por si fuera poco, tiene algunos problemas en el colegio. ¿Serán capaces de tomar decisiones como padres sin ser marido y mujer? Sandra e Ignacio acaban de divorciarse. En común tiene doce años de un matrimonio que no funcionó y un hijo a punto de cumplir nueve que no acepta la nueva situación de sus padres. Ni a Sandra le apetece aguantar ni Ignacio esta por la labor de fingir cordialidad ante Sandra, pero ciertos episodios escolares de su hijo les obligan a verse más de lo necesario. Está claro que por muy lejos que quieran a su ex, ambos están condenados a entenderse mientras sigan ejerciendo como padres. Y si ponerse de acuerdo ya les resultó imposible en doce años de feliz matrimonio, ahora esa idea les parece del mismo género que las películas favoritas de su hijo…De ciencia-ficción.  

FICHA

Autor: Fernando J. López Director: Quino Falero Iluminación: Jose Manuel Guerra Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello Música: Mariano Marín Reparto: Toni Acosta e Iñaki Miramón Productor: Jesús Cimarro Una producción de Pentación Espectáculos y La cabra sra.Pendlenton Fechas y horarios: Del 1 de abril al 31 de mayo De miércoles a viernes a las 20:30h. Sábados 19h y 21:30h. Domingos a las 19h.  TEATRO BELLAS ARTES  

TEATRO LARA 

 

A partir del 8 de NOVIEMBRE los VIERNES  y SÁBADOS  en el TEATRO LARA.

MEJOR HISTORIA QUE LA NUESTRA estrenada en febrero en Kubik Fabrik, llegó al Teatro Lara en mayo de 2014 con excelentes críticas. El espectáculo regresa el 8 de noviembre.   Ejemplo notable de la vitalidad artística de la escena actual y de la calidad de la nueva dramaturgia, Mejor historia que la nuestra vuelve a los escenarios madrileños en la nueva sala del Teatro Lara. El montaje, sobre el texto de Lucía Carballal galardonado con el accésit del Premio Marqués de Bradomín 2012 para jóvenes dramaturgos y financiado por el INJUVE, está dirigido por Francesco Carril, a quien recientemente hemos visto como protagonista de la sensacional 'Los ilusos', última película de Jonás Trueba, en La cortesía de España, con la Joven Compañía de Teatro Clásico y en Un Cielo en la Sala Tú. Se trata del quinto montaje dirigido por Carril, quien ya ha dado muestras de su impresionante madurez escénica en los proyectos de su compañía Teatro Saraband (Fragmentos, Fedra, Las mejores intenciones y La vida en tiempos de guerra). El elenco está compuesto por Chema Muñoz (con una gran trayectoria de más de 35 montajes teatrales con directores como José Carlos Plaza, Miguel Narros o Lluis Pasqual y cuyo último trabajo fue Veraneantes, de Miguel del Arco), Antonio de Cos (Dos en la ciudad, Dios no tiene tiempo libre, La vida en tiempos de guerra), Cristina de Anta (La hermosa fea) y Natalia Huarte (La noche toledana, La cortesía de España). El sólido equipo se completa con Laura Renau en el diseño de vestuario, Pablo Seoane en el diseño de iluminación, Eduardo Castro como responsable del espacio sonoro, Clara Sancho en el diseño, Joaquín Navamuel como asistente de dirección y Verónica Doynel en la dirección de producción.  

SINOPSIS

Dicen que un buen final es capaz de salvar cualquier historia. Quizá es eso lo que piensa Luis cuando, cansado de los efectos del duro tratamiento para su enfermedad, decide abandonarlo y enfrentarse “con salud” a sus últimas semanas de vida. En esa etapa le acompañará Maite, su única hija, quien regresa del extranjero después de muchos años alejada de él. Con ellos estarán Roberto -el novio de Maite- y Paula, una joven cuidadora. Responsables unos de otros, todos buscarán un hogar y una función en este encierro compartido. A través de sus acciones, inútiles y hermosas, tratarán de construir el mejor de los finales posibles.  

FICHA

Texto: Lucía Carballal Dirección: Francesco Carril Vestuario: Laura Renau Diseño de iluminación: Pablo Seoane Espacio sonoro: Eduardo Castro Espacio escénico: Francesco Carril Diseño: Clara Sancho Fotografía: Andrés Lázaro Prensa y Comunicación: Teatrorama Asistencia de Dirección: Joaquín Navamuel Dirección de Producción: Verónica Doynel Distribución: Padam Reparto: Chema Muñoz, Cristina de Anta, Antonio de Cos, Natalia Huarte Fechas y horarios: Sábado 8 de noviembre VIERNES  19:15h Y SÁBADOS 20:15h en el Off del TEATRO LARA   Web: mejorhistoriaquelanuestra.com Twitter: MejorHistoria Facebook: mejor.historia.teatro
Mejor historia que la nuestra from Poliedro on Vimeo.  

TEATRO ESPAÑOL

 

Del 6 de NOVIEMBRE al 28 de DICIEMBRE.

SUEÑOS Y VISIONES DEL REY RICARDO III De William Shakespeare basada en la dramaturgia de José Sanchis Sinisterra

LA NOCHE QUE PRECEDIÓ A LA INFAUSTA BATALLA BOSWORTH

Llega al Teatro Español SUEÑOS Y VISIONES DEL REY RICARDO III De William Shakespeare basada en la dramaturgia de José Sanchis Sinisterra. Con dirección y versión escénica de Carlos Martín.   NOTA DEL DIRECTOR ¿Es posible encontrar la emoción sanadora, allí donde residen las palabras más dolorosas y terribles? ¿Nos sentimos transportados, fascinados, al contemplar la devastación total? ¿Qué  hay allí, en la frontera entre la razón y el desvarío? ¿A qué  desoladas playas del misterio nos arroja? ¿Por  qué  el dolor está tan cargado de hermosas palabras? ¿Es posible que, en lo más profundo de la tragedia, allí donde el ser humano ha sido arrastrado por el caos, el miedo, la angustia, la turbación máxima, sople una brisa depurativa y se escuche una catártica y embriagadora letanía de mujeres bañadas en duelo? ¿Queda algo tras la destrucción brutal, tras el paso del más feroz huracán emocional? ¿Es posible encontrar respuesta allí, donde algo se rompió en nuestras entrañas, allí, donde habita la enfermedad, el más desgarrador trauma, la deformación? ¿Es posible encontrar allí, un momento de conciencia total y definitiva? Allá donde flotan los torturados espíritus, allá donde el ser humano se asoma al abismo más profundo, roto, desesperado de amor, de madre y de patria, ¿es posible? ¿Es posible que allá, justo antes de la  batalla, encuentres algo que por fin te libere? ¿Es posible, Ricardo?  Carlos Martín   La operación dramatúrgica que llamamos actualización de los clásicos es tan necesaria como peligrosa. Hay que admitir que toda obra clásica tiene algo -o mucho- de enigma indescifrable, y es necesario intervenir en ella para volverla accesible al espectador actual. Pero tal intervención está plagada de peligros. Estos Sueños y visiones del rey Ricardo III la noche que precedió a la infausta batalla de Bosworth, ya desde la misma impertinencia del título, pretenden afrontar el problema de la actualización de los clásicos desde una perspectiva a la vez modesta y ambiciosa. Alterando notablemente la estructura de Ricardo III, organizando sus escenas, personajes e interacciones según otros principios compositivos, concentrando espacios, tiempos, diálogos y situaciones en torno a un nuevo centro dramatúrgico -la escena tercera del quinto acto-, recurriendo a procedimientos y convenciones más o menos frecuentes en la escena contemporánea, la presente (per)versión de la tragedia shakespeariana propone, más que una reflexión sobre la ambición humana, una interrogación sobre eso que llamamos conciencia, ese espejo interior, tan a menudo turbio, en cuyo azogue se reflejan y refractan los actos que nos definen ante el mundo y ante nosotros mismos. José Sanchis Sinisterra   REPARTO Ricardo III Juan Diego Norfolk Juan Carlos Sánchez Catesby Jorge Muñoz Clarence / Lord Mayor José Hervás Lady Ana Lara Grube Isabel Ana Torrent Lord Rivers / Richmond Anibal Soto Lord Dorset Oscar Nieto Buckingham Carlos Álvarez-Nóvoa Lord Stanley/ Hastings / Rey Eduardo IV José Luis Santos Margarita Asunción Balaguer Duquesa De York Terele Pávez   FICHA Dirección y versión escénica: Carlos Martín Escenografía Dino Ibáñez / Miquel Angel Llonovoy Audiovisuales David Bernués Iluminación Pedro Yagüe / José Manuel Guerra Vestuario Ana Rodrigo Composición Y Espacio Sonoro Miguel Magdalena Ayudante De Dirección Hugo Nieto Ayudante De Escenografía Nicolás Bueno Ayudante De Vestuario Beatriz Robledo Espectro Grabación: Diego Olivares Fotos y Cartel Sergio Parra Una producción del TEATRO ESPAÑOL Fechas y horarios: Del 6 de noviembre al 28 de diciembre de 2014  TEATRO ESPAÑOL De martes a sábados 20h. Domingos, 19h. El Jueves 27 de noviembre a las 22:15: Encuentro con el Público de RICARDO III → Descargar Revista Pedagógica La Diabla  
 

  Después de deleitarnos las Chirigóticas en el Teatro Maravillas. En SEPTIEMBRE, los martes con su espectáculo CHIRIGOTICAS EL ORIGEN.   Hace varios años nos hicimos esta pregunta: “¿Qué pasaría si, huyendo de la rigidez del género, introdujéramos los conceptos de personaje y acción dramática en la chirigota gaditana?” Y lo que pasó fue “Chirigóticas”. Luego, gracias a la complicidad del público, seguimos experimentando con ese caudal teatral recién abierto. Pero esta  noche volvemos al origen.  

SINOPSIS

El espectáculo lo integran tres historias independientes: La tela te lo vale, situada en un mercado callejero, en donde unas mujeres de etnia gitana venden ilegalmente el género a las amas de casa en busca de oportunidades. Las “emigrantas”, adaptación del género del romancero gaditano para describir un viaje de supervivencia narrado a tres voces por unas “emigrantas”, Cambio de estado, en el que un grupo de amigas sale a celebrar la despedida de Soltera de una de ellas, la Shari. Después de una noche alocada, en la que irán aflorando los conflictos laborales, sentimentales y familiares.  
LA CRÍTICA HA DICHO:
  • “Ejercicio de reírse de los demás pero empezando por ridiculizarse a uno mismo….” El País
  • “Humor ácido, fresco, inteligente y muy original…” Noticias teatrales
  • “Un sabor tan fresco como reconfortante….” El Ideal
  • “Frescura, hondura, inteligencia…” El diario de Sevilla
  • “Un montaje tan redondo como hilarante…” No hay mejor carnaval que la vida misma” El correo de Andalucía.
 

FICHA

Dramaturgia y Dirección: Antonio Álamo Letras: Ana López Música: Luis Navarro y Javier Mora Vestuario: Carmen Sánchez y Eunice García Diseño de Iluminación: Juanan Morales Coreografía: Paloma Díaz Diseño Gráfico, Imagen. Marketing y Ventas: www.Gretahelps.com Producción: Verónica Sosa y Gina Aguiar Reparto: Alejandra López Segovia, Ana López Segovia, Teresa Quintero Distribución: Emilia Yagüe Producciones