Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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TEATRO MARÍA GUERRERO

Del 17 de diciembre de 2014 al 8 de febrero de 2015 el Centro Dramático Nacional presenta RINOCERONTE de Eugène Ionesco con versión y dirección de Ernesto Caballero.

Eugène Ionesco, autor teatral francés de origen rumano, creador y más distinguido representante, junto con Samuel Beckett, del teatro del absurdo. El pesimismo se sitúa en la base del teatro del absurdo, que pretende poner de manifiesto la futilidad de la existencia humana en un mundo impredecible, junto con la imposibilidad de verdadera comunicación entre las personas; sin embargo, su obra está cargada de humor y sentido de la humanidad. Rinoceronte es seguramente su obra más conocida; en ella, ante la resistencia y el asombro del protagonista, los habitantes de una villa se convierten en rinocerontes.

NOTA DEL DIRECTOR

Rinoceronte, escrita por Eugène Ionesco en 1959 es una fábula dramática acerca de la propagación y aceptación social del totalitarismo. La acción transcurre en una pequeña ciudad de provincias donde un buen día aparece un rinoceronte perturbando la tranquila y burguesa vida de la comunidad y generando, como si de una epidemia se tratara, un efecto de contagio consistente en la transformación de las personas en hermosos y robustos paquidermos. Berenger, el protagonista de la pieza, en un principio le resta importancia a este acontecimiento, pero pronto, en cuanto su amigo Juan sufre esta inopinada metamorfosis, comienza a reaccionar contra la epidemia de la que no sabemos si por determinación o por temperamento él ha quedado inmune. Al final, consciente de que su incapacidad de adaptación le aboca a la soledad y a la marginación, proclama a los cuatro vientos su resignada condición de resistente no sin antes lamentar con amargura no poder ser uno de ellos. El tema de la voluntad es el eje central de este mordaz relato que se emplea a fondo en la suscitación de múltiples preguntas sobre nuestra responsabilidad tanto individual como colectiva. Así por ejemplo, qué postura debemos o podemos adoptar con respecto a la degradación generalizada de la sociedad o ante determinadas propuestas para su radical transformación.

Ernesto Caballero

→ Cuaderno pedagógico

FICHA

Autor: Eugène Ionesco Versión y dirección: Ernesto Caballero Escenografía: Paco Azorín Iluminación: Valentín Álvarez Música y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo Vestuario: Ana López Cobos Ayudante de dirección: Víctor Velasco Cartel: Isidro Ferrer Fotos: Valentín Álvarez Producción Centro Dramático Nacional Reparto: José Luis Alcobendas, Ester Bellver, Fernando Cayo, Bruno Ciordia, Paco Déniz, Chupi Llorente, Mona Martínez, Paco Ochoa, Fernanda Orazi, Juan Antonio Quintana, Juan Carlos Talavera, Janfri Topera, Pepe Viyuela, Pepa Zaragoza Fechas y horarios: del 17 de diciembre de 2014 al 8 de febrero de 2015 martes a sábado a las 20:30 horas y el domingo a las 19:30 horas TEATRO MARÍA GUERRERO

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EN UN LUGAR DEL QUIJOTE

La compañía de humor, teatro y música Ron Lalá presenta su visión contemporánea de uno de los grandes mitos de la literatura universal: Don Quijote de la Mancha. Un canto a la imaginación, al libre albedrío y a la rebeldía necesaria en el marco de una época que guarda sorprendentes parecidos con nuestra actual crisis de principios de siglo. Un viaje del XVII al XXI a lomos de Rocinante. Con espíritu dialéctico entre tradición y modernidad, los ronlaleros recrean las correrías del caballero andante y su escudero y, simultáneamente, el proceso de escritura de la novela por parte de un Cervantes desencantado, sarcástico y lúcido espejo de la terrible situación social, económica y política de la España del Siglo de Oro. Para ello, Ron Lalá apela a la magia del teatro (la transformación y movimiento del tiempo y el espacio) para plantear un formato cervantino donde las carcajadas se funden con la reflexión, las canciones con las escenas y la participación del público con los textos adaptados de la obra.

VER OBRA COMPLETA

https://vimeo.com/137354544

El personaje de Cervantes está presente en escena con una doble función: una de ellas es su faceta de autor que acota, explica, realiza “notas al pie”, detiene o acelera la acción, realiza saltos de tiempos y espacios entre escenas... es el autor como demiurgo, pues presenciamos en directo la creación de su inmortal novela. Pero, por otro lado, asistimos también a su periplo vital, nos asomamos al ser humano: sus cuitas, sus recuerdos, sus dificultades, su “crisis de identidad” (tan reflejada en su ficticio caballero) y su desencanto de veterano de guerra frustrado como humanista, como soldado, como autor teatral, como viajero... Compendio y símbolo de los males que aquejaban a la España culta y humanista, Cervantes supone en sí un personaje no poco quijotesco, trasunto de toda una época. Esta duplicidad de planos (plano del Quijote, plano de Cervantes) está exprimida al máximo en escena con yuxtaposiciones, juegos, interacción con el público, música en directo de diversos estilos y el sello de la compañía: un humor sutil, irónico, crítico, que en esta ocasión se pone al servicio del genio cervantino para acercar al gran público el absoluto clásico universal de nuestra cultura. Una mirada moderna, sin complejos, con música en directo, de un mito siempre vivo. Un tipo de espectáculo “abierto”, directo, burlesco y dinámico, a la vez culto y popular. Una función en que se suceden a ritmo vertiginoso los momentos más divertidos de la novela, los diálogos más ingeniosos, las reflexiones cervantinas y un puñado de canciones hilarantes. Un juego formal, escénico, textual y musical entre tradición y modernidad, puesto al servicio de la carcajada inteligente. Un espectáculo para aprender, reír, participar y, sobre todo, revivir el mito del Quijote repensando el presente. SINOPSIS En una gran biblioteca imaginaria, el hidalgo Alonso Quijano recrea sus maravillosas hazañas como caballero andante mientras Miguel de Cervantes escribe su obra maestra... ¿Quién es más real, Cervantes o don Quijote? ¿Quién sueña y quién vive? Ron Lalá presenta su versión de Don Quijote de la Mancha : una gran aventura del teatro, la palabra y la música en directo para experimentar en vivo y en directo toda la gracia, la magia, la rebeldía, la tristeza y la hondura de una obra inmortal. Con las claves de su lenguaje escénico (teatro, música en directo y humor), Ron Lalá ofrece una visión profunda, iconoclasta y viva del Quijote más cervantino y el Cervantes más quijotesco: En un lugar del Quijote. [caption id="attachment_4743" align="aligncenter" width="900"]

EN UN LUGAR DEL QUIJOTE[/caption] INTRODUCCIÓN A un año del estreno de En un lugar del Quijote, volvemos a sentir el costillar de Rocinante vibrar en una nueva aventura. Volvemos a adentrarnos como cada noche en el Universo de Cervantes escribiendo El Quijote y en el del Quijote inspirando a Cervantes con el cura y el barbero acompañándoles. Hemos recorrido España entera y llegado en nuestro galope hasta Londres en esta primera salida. En todos lados hemos visto lo mismo: ojos alucinados acompañándonos en nuestra maravillosa aventura de versionar El Quijote en teatro. Siempre los molinos nos estaban esperando y hacia ellos hemos ido sin dudar porque la magia del teatro los transforma en gigantes y a nosotros en niños que volvemos a creer en la fantasía, pero... son molinos al fin y al cabo y lo sabemos. Entonces el teatro vuelve a decirnos que es imprescindible en la vida de los hombres. «La comedia ha de ser espejo de la vida humana, ejemplo de las costumbres e imagen de la verdad y los comediantes hacen un gran bien a la república, poniéndonos un espejo donde se ven al vivo las acciones de la vida humana...». Hemos recorrido muchos caminos y ventas, el mago Frestón nos ha ilusionado con una nominación al premio Max como mejor espectáculo musical, y nos han tentado desde las Américas a que también vayamos a compartir con ellos, porque en todo el mundo el Quijote sigue teniendo aventuras todos los días. Ahora hemos vuelto de la primera salida, habiendo velado las armas, llenos de esperanza y sabiendo que hay muchos caminos que nos esperan. Hoy nos reencontramos aquí, donde hemos comenzado, y tenemos la certeza de que ha valido y valdrá la pena esta aventura en la que nos han acompañado miles de espectadores. Gracias por estar aquí... la función va a comenzar. Yayo Cáceres Además Ron Lalá presenta un 'Cómo se hizo' en un DVD de 1h de duración. Un documental de David Ruiz y Ron Lalá sobre el proceso creativo de En un lugar del Quijote. Y un CD con la Banda Sonora que recoge todas las canciones y toda la música de la obra. Y una guia didáctica.

TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA

A partir del 28 de NOVIEMBRE en el TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA

UNA FIESTA SORPRESA... UN CUMPLEAÑOS... UN BAÑO

“En el baño” es una comedia francesa escrita por Astrid Veillon en 2003 en su debut como dramaturga. La obra se estrenó en 2004 en la Comédie de Paris con gran éxito: 50.000 espectadores en 250 representaciones. Para que te hagas una idea, todo transcurre en un baño y es una conversación entre mujeres. Si eres mujer, quizá hasta te imagines de que hablan. Quizá hasta te sorprendan. Si eres hombre, seguro que estás deseando averiguarlo.¿Y si te damos la opción de mirar por esa cerradura? Un texto escrito por una mujer, a la que Gabriel Olivares dirigió en Francia en "Mi primera vez". Se llama Astrid Veillon. Un montaje adaptado por dos mujeres, Beatriz Santana y Pilar Gutiérrez. Un espectáculo protagonizado por mujeres. ¡Vaya por dios!!! Y todo esto, dirigido por un hombre: Gabriel Olivares. A lo mejor estás más cerca de este "universo" de lo que te crees. "En el baño" es un juego de seducción en si mismo, una metáfora de la vida, un escondite, un trabajo de introspección y todo un tratado sobre el ser humano. Todo ello bañado, y nunca mejor dicho, de un humor inteligente y cañero. Y de muchas, muchas, muchas burbujas. Un baño es lo que tiene. SINOPSIS Es el 40 cumpleaños de Lu y sus tres mejores amigas, Coco, Marisol y Ángela han decidido hacerle el mejor regalo posible; una fiesta sorpresa de cumpleaños en la casa de su novio. También para sorpresa aparece Carmen, La madre de Lu. A lo largo de una noche de fiesta donde se mezclan borrachera, descontrol, desencuentros y descubrimientos. Sin salir del cuarto de baño. Las cuatro amigas se enfrentan a una noche de locura pero también a la verdad de su AMISTAD. Así comienza la obra: "Un cuarto de baño amplio y lujoso. Al fondo, un balcón. A la derecha, la puerta del dormitorio. El grifo de la bañera está abierto. En el lavabo hay un ramo de flores envuelto en celofán, con una tarjeta. Del dormitorio sale Lu, en bragas y camiseta, mirando el reloj, con un Predictor en la mano. Camina mirando el Predictor. Mira el reloj, mira el Predictor y se detiene. Se queda quieta, inexpresiva, sin reaccionar. Suena su móvil. Lo ignora. Se sienta en un lado de la bañera, pensativa. Cierra el grifo de la bañera. Deja el predictor cerca, a mano. Se desnuda y se mete en la bañera. Cubierta de espuma. Suspira, mira el predictor, cerca, sin lejos. Se abre la puerta de par en par. Entra MARISOL, a toda prisa, buscando el váter." FICHA Autor: Astrid Veillon Adaptada por Beatriz Santana y Pilar Ruiz Gutiérrez Dirigida por Gabriel Olivares Reparto: Mar del Hoyo, Marian Aguilera, Silvia de Pé, Ana Villa, Eva Higueras, Roser Pujol, María Kaltembacher, Mónica Vic y Chupi Llorente. Fechas y horarios: A partir del 28 de NOVIEMBRE VIERNES y SÁBADOS a las 21h en el TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA

[highlight_red] •TEATRO ESPAÑOL [/highlight_red]

El 26 de noviembre Denis Rafter presenta BELOVED SINNER, un homenaje a una de las grandes figuras de la literatura universal a través de sus textos, y que coincide en cartel con el aniversario de la muerte de Oscar Wilde, el 30 de noviembre de 1900 en el Hôtel d' Alsace de París. Denis Rafter es un maestro de actores que ha trabajado con intérpretes de todo el país durante muchos años. Ha sido docente en la Compañía Nacional de Teatro Clásico investigando textos de Shakespeare y autores del Siglo de Oro español. También ha dirigido y colaborado en distintas ocasiones con el Centro Nacional de Teatro Clásico. Autor de varios monólogos, entre los que destacan The Remarkable Oscar Wilde (Premio al Mejor Monólogo en el Festival de Teatro de Edimburgo) y O'Shakespeare. Sus trabajos sobre Shakespeare son admirados por su profunda comprensión de los personajes y la honestidad y singularidad de sus puestas en escena. Recientemente, ha recibido el Premio Adolfo Marsillach por la relevante labor desarrollada a lo largo de toda su vida en la dirección de escena, la interpretación y la docencia teatral, así como por servir de puente cultural entre Irlanda y España. SINOPSIS París, año 1900. Oscar Wilde se enfrenta a sus últimos días de vida. Está solo, arruinado y “muriendo por encima de sus posibilidades”. Lo ha perdido todo excepto su extraordinario ingenio. El siglo que entra se le antoja un reflejo cruel de su fracaso. Beloved Sinner, último trabajo del autor, director e intérprete Denis Rafter, es un monólogo que recrea los últimos días de Oscar Wilde en París. Una pieza que indaga en los fantasmas del genio, pero también –y sobre todo- se acerca a su luminosa humanidad, a su íntima comprensión del prójimo y a su talento inabarcable. Rafter construye con precisión, potencia, humor y ternura el autorretrato de un hombre que se asoma peligrosamente al abismo de la autodestrucción, de un héroe cotidiano enfrentado a las grandezas y miserias de la condición humana. Y lo hace a partir de algunos de sus escritos más recordados como El ruiseñor y la rosa, La casa de la ramera, Salomé, La balada de la cárcel de Reading, El retrato de Dorian Grey o su celebrada carta De Profundis. CARTA ABIERTA A OSCAR WILDE . Por Denis Rafter Querido Oscar: Pensaba escribirte antes, pero nunca me sentía con la suficiente inspiración para dedicar una carta abierta a alguien que, en su día, y hace más de un siglo, fue el lord del lenguaje del mundo de la literatura inglesa. Sí había hecho, cuando era más joven, un monólogo sobre tu vida y tus obras, y lo representé por medio mundo como actor, haciendo reír con tus comedias a los ingleses, holandeses, irlandeses, españoles y hasta a los chinos, Había incluido también algo sobre la gran tragedia de tu vida y tu triste muerte en París. En aquel entonces, cuando estuve interpretando en esos escenarios, tenía la sensación de que tú estabas conmigo. (...) Y ahora, con la sabiduría de la vejez, o tal vez con la inocencia de la vejez, y con la experiencia de la vida, me doy cuenta de que lo más importante, Oscar, es tu gran humanidad, tu entendimiento de la vida y del ser humano, de las grandes cosas que somos capaces de hacer y de las terribles maldades. (...) En fin, aquí estoy, escribiéndote. Diciéndote algunas cosas sobre tus obras que no podrías haber imaginado antes de morir, cuando ya estabas instalado en tu pequeña habitación en el Hôtel d’Alsace de París. Cuando reflexionaste sobre tu vida, sin dinero, alcohólico, deprimido, gravemente enfermo y estuviste seguro de que nadie te recordaría. No ha sido así. No puedes imaginar la fama, la popularidad, el cariño y el respeto que todo el mundo tiene hoy día por ti, Oscar, y por tus obras. (...) Eres, aparte del mismo Bardo de Stratford, William Shakespeare, el más representado autor de la dramaturgia inglesa. ¿Y por qué? Porque tu sentido del humor, tu gran maestría con el lenguaje, de musicalidad fina y variable, tus juegos de palabras e ideas, tus observaciones sobre los valores hipócritas de la alta sociedad inglesa nos hechizan, nos divierten, nos hacen reír y, más allá de esto, reflexionar sobre tu gran lucha interior, sobre la lucha eterna entre la bondad y la maldad. Una lucha a la que cada ser humano tiene que enfrentarse en algun momento de su vida. (...) Para demostrar tu grandeza como ser humano, necesito decir la verdad. Y, como tú mismo te has dado cuenta, fuiste tu propio verdugo. En ti vemos las características de los héroes clásicos griegos e, incluso, de los héroes trágicos de Shakespeare: un gran hombre destruido por sus debilidades. (...) Para terminar esta carta, querido Oscar, quiero darte las gracias de nuevo por haber llenado mi vida de actor con tantas lágrimas y sonrisas. Sigo llevando tus palabras y tus ideas por donde puedo, porque creo que el mundo en el que vivimos hoy en día necesita escucharte más que nunca. Tu deseo final era mantener el amor en tu corazón, y dijiste que esto era más importante que cualquier otra cosa, más que la riqueza, la fama, la ambición o el éxito. Hasta siempre Extracto de Carta a Oscar Wilde, publicada en La Ratonera, Revista Asturiana de Teatro.Nº39, junio de 2014 FICHA Autoría, dirección e interpretación: Denis Rafter Fotografía Javier Naval Comunicación Cultproject Fechas y horarios: Del 26 de noviembre de 2014 al 7 de diciembre de 2014 De martes a sábado, 20.30h. Domingos 19.30h TEATRO ESPAÑOL → Encuentro con el público. Jueves 4 de diciembre. ESTE ESPECTÁCULO SE PRESENTA AL PÚBLICO EN INGLÉS CON SOBRETÍTULOS EN CASTELLANO

La Sala - Wilde-Rafter
La ruina de Oscar Wilde - El País

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SALA MIRADOR

Dentro de la excelente programación de la Sala Mirador, donde esta temporada han pasado obras excelentes como 'Plaza Avellaneda' o 'Las Plantas', entre otras, el 11 de DICIEMBRE estrena GRANOS DE UVA EN EL PALADAR. GRANOS DE UVA EN EL PALADAR es una obra escrita y dirigida por las dramaturgas españolas Susana Hornos y Zaida Rico. Tras cuatro temporadas consecutivas en Argentina convirtiéndose en un clásico de la escena porteña, llega a la Sala Mirador para ser representada por primera vez en España. Será la primera parada de la gira. Para más información consultar su página web. La obra se estrenó en 2012 en el Centro Cultural de la Cooperación y en 2014 finalizaba su 4ª temporada en El Extranjero Teatro cosechando excelentes críticas. MEMORIA, TEATRO Y JUSTICIA Pertenecemos a una generación que nació en democracia, pero eso no nos impidió querer saber más: muy a menudo la contestación era "¿pa' qué remover?", no sólo por nuestros mayores sino, tristemente, por algunos de nuestros coetáneos. Ante la negación: búsqueda de respuestas. En toda tierra fértil se rastrilla para remover las malezas, para evitar que la mala hierba crezca de nuevo. Si queremos que el suelo siga dando frutos, debemos evitar el miedo a reivindicar la Memoria. Con nuestra llegada a Argentina, nos percatamos de que la obstinación por ocultar no pertenece a una frontera, sino al género humano; por fortuna, el mismo anhelo (incluso mayor) reside en aquellos que necesitan rastrillar su propia historia. ¿Por qué Granos de uva en el paladar? "Cuando yo me muera tengo ya dispuesto en el testamento que me han de enterrar en una bodega, dentro de una cuba con un grano de uva en el paladar" Cancionero popular. El ser humano es consciente de su finitud y hasta el Cancionero Popular tararea el deseo de morir como uno quisiera. Nuestros protagonistas no tuvieron la oportunidad de elegir su muerte... ni su vida. Susana Hornos y Zaida Rico. SINOPSIS Granos de uva en el paladar enlaza tres historias desarrolladas a partir de los cuentos de Susana Hornos: Chusa, Adelina y La uva en el paladar. La pieza teatral es interpretada por cinco actrices que dan vida a una multiplicidad de personajes que nunca aparecerán en los libros de historia. La historia comienza poco antes de la Segunda República española y termina en la actualidad representando el sin sentido de la guerra, la dictadura y la injusticia del olvido a través de los personajes que nunca aparecerán en los libros de historia ni en documentales. FICHA Versión libre de los cuentos de Susana Hornos: "Chusa", "Adelina" y "La uva en el paladar" Dramaturgia y dirección: Susana Hornos y Zaida Rico Diseño de caracterización y vestuario: Néstor Burgos Diseño de iluminación: Mariano Arrigoni Diseño escenográfico: Alejandro Mateo Realización escenográfica: Chinthia Chomsky Banda Sonora original: Gonzalo Morales Coreografía "Paco y Rosa": Antonio Luppi Fotografía: Akira Patiño Diseño gráfico: Sergio Calvo Prensa: Marisol Cambre Producción ejecutiva: Hornos & Rico Asistencia: Daniela Romero Pasin Prensa: Marisol Cambré Intérpretes: Lorena Carrizo, Susana Hornos, Maday Mendez, Ana Noguera y Zaida Rico.

Fechas y horarios: Del 11 al 21 de diciembre Jueves, viernes y sábado: 20:00h /Domingos a las 19:30 SALA MIRADOR Web: granosdeuvaenelpaladar Twitter: en_el_paladar

Gira por España [Granos de uva en el paladar] from Granos de Uva en el Paladar on Vimeo.

TEATRO SANPOL

Las Hadas viven si se cree en ellas. Regresa CAMPANILLA EL MUSICAL, EL ORIGEN. El 21 de mayo a las 18h en el Teatro Sanpol las Hadas estarán Volando por los cielos de MADRID.

La importancia de tener un sueño y desear cumplirlo

Un espectáculo de teatro musical que combina cuatro cantantes de primera fila en directo, música original, acrobacias y vuelos con telas, con una escenografía compuesta de proyecciones. De los mismos creadores y productores de Blancanieves el Musical, llega Campanilla el Musical El origen. Una revisión del clásico de J. M. Barrie en clave de musical que cuenta aquello que el autor nunca contó, los secretos que nunca se atrevió a desvelar. El origen de Peter, de Campanilla y el porqué del nombre de Peter Pan. Una historia apasionante que reivindica la lectura, llena de romanticismo y sensibilidad que nos habla de lo importante de tener un sueño y desear cumplirlo, de la amistad, de la necesidad de respetar a los demás y de compartir.Se dice que Campanilla fue el hada que adoptó y crió a Peter Pan, pero ¿qué hay de cierto en todo ello?.Con Campanilla el musical se descubrirán los secretos que su autor nunca se atrevió a desvelar, empezando por el origen de Peter, el de campanilla, como se conocieron, y que aventura vivieron que hicieron que campanilla tuviese un doble comportamiento de amor-odio hacia Peter y por qué éste, recibió el nombre de Peter Pan. En definitiva, un cuento contado de otra manera, pensado para disfrutar en familia con constantes guiños hacia los adultos que por 90 minutos volverán a ser niños, y que junto con sus hijos,volverán a ponerse el parche en el ojo y reblandecerán los callos que forjan los años, y que les impiden volver a visitar el País de Nunca Jamás. Un cuento que cuenta muchas verdades que los niños tienen que saber……El Valor de Respetar Compartir y Disfrutar: “las tres verdades”. En cualquier rincón de España, en el lugar más escondido y accesible y previamente anunciado podemos hacer felices a los más pequeños con un musical vivo, lleno de canciones, también de bailes, esceneografias digitales, atmosferas y ambientes inimaginables, que nos trasladan a un mundo, a un paisaje mágico, a un lugar habitado por Hadas y duendes, conocido por grandes y pequeños como el País de Nunca Jamás. FICHA Idea y guión: Miguel Ángel García Dirección Escénica: Fran Barranco Música y dirección musical: Borja Barriguete Reparto: Fran Barranco, Roberto Saiz, Ana Conca, Eva María Cortes y Raquel Aegashie Un espectáculo co-producido por Guti Producciones y Sketch Eventos. Fechas y horarios: 21 de mayo a las 18h en el TEATRO SANPOL DESCARGAR DOSSIER Facebook: Campanillaelmusical [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/campanilla-el-musical-el-origen_e294214/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]

TEATRO DE LA ABADÍA

HACIA LA ALEGRÍA

Del 12 de noviembre al 7 de diciembre en el Teatro De La Abadía

Hacia la alegría es la adaptación teatral del primer capítulo de la novela Excelsor, de Olivier Py, que será publicada en 2014 por la editorial francesa Actes Sud. El texto, de argumento sencillo, parece un relato filosófico que invierte el mito de la caverna de Platón. Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Al principio, su recorrido es político, deja atrás la zona residencial donde vive y se acerca al centro comercial, que le induce a una meditación sobre las diferencias sociales y el vacio del mundo mercantilista. Así comienza Hacia la alegría, un texto de Olivier Py, escrito en tercera persona y adaptado en forma de monólogo, que él mismo dirige en La Abadía. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras que recrean los estados anímicos que genera la ciudad en sus habitantes y viceversa (Álex Pachón) y la música en directo de Fernando Velázquez, compositor de bandas sonoras de películas como 'El orfanato' o 'Lo imposible'. Hacia la alegría forma parte del proyecto europeo Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad: como fenómeno y síntoma de la modernidad, como un viaje iniciático, hasta convertir la obra en un objeto de meditación pura.

FICHA

Director: Olivier Py Autor: Olivier Py Músicos: Stamen Nikolov, Desislava Karamfilova , Petya Kavalova, Albert Skuratov Técnicos en escena: Jesús Arroyo, Giovanni Colangelo, César Esteban, Álvaro Salcedo, José Ramón Salguero Música original: Fernando Velázquez Traducción: Fernando Gómez Grande Escenografía y vestuario: Pierre-André Weitz Iluminación: Bertrand Killy Ayudante de dirección: Luis Blat Asistente de dirección: Andrea Delicado Reparto: Pedro Casablanc Una producción del Teatro de La Abadía en coproducción con Théâtre National de la Communauté Française (Bruselas) y Festival d'Avignon, en colaboración con Teatrul National Radu Stanca (Sibiu) Con el apoyo del Programa Cultura de la Unión Europea, en el marco de Cities on Stage/Ciudades en Escena. Fechas y horarios: Del 12 de noviembre al 7 de diciembre de 2014 De martes a sábados a las 20 h. Domingos a las 19 h. TEATRO DE LA ABADÍA

La vida sin sacerdocio del poeta Py - El País
Hacia la alegría - Miguel Gabaldón

"TEATRO DE LA ABADIA" Mapping Documentary sample from Alex Pachón on Vimeo.

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TEATRO LARA

15 y 31 de enero/6 y 20 de marzo/3 y 17 de abril a las 13h. en el TEATRO LARA

Estrenada el 17 de Noviembre en La Casa de la Portera

RECOMENDADA POR LA RED NACIONAL DE TEATROS 2015

DELICIA es una obra escrita por Triana Lorite, dirigida por Alberto Velasco e interpretada por Juana Andueza, Juana Cordero, Carmen Navarro , Lucía Caraballo Y David Good.

En palabras de su autora, Triana Lorite: "Delicia podría ser la historia de la portera de esta casa tan especial, en la que más que ver teatro se siente y se percibe tan cerca que absorbe. Es el mejor espacio escénico para este personaje que da título a la obra, ella, una señora distinta y nihilista como ella misma asegura a sus apofenias (fantasmas) que cada día, o a cada rato, o constantemente, vienen a visitarla". Delicia es la portera de la casa… Sus extravagantes y matutinas visitas también incluyen a su familia, visitas que no siempre es agradable, sobre todo si se convierte en la mayor ocupación de la historia...

NOTA DEL DIRECTOR

Pocas veces tienes la suerte de enfrentarte a textos tan completos y complejos como Delicia, una cruzada que navega entre lo onírico y la realidad mas actual, entre la comedia y el drama con unos personajes sembrados en matices y fuerza empática, en esa fuerza que arrasa desde la sencillez, como el fuego que todavía no es, como la llama inminente a punto de inflamarse. El poderoso universo estético te abriga y construye unas atmósferas surrealistas con el aire bien cargado de intenciones suspendidas, sueños arrebatados, y mucha mala ostia. El ser humano invade por genética, reclama lo que cree suyo en nombre de la sangre o la religión, ya sea un pedazo de tierra, un cuerpo, o unas migajas de pan duro… cada uno de los personajes defiende lo que cree suyo y juega sus estrategias para conseguirlo, ocupan pedazos del otro hasta quedarse con todo su ser, la ocupación de la tierra no es algo lejano de guerras militares, es algo tan palpable que empieza en tu propia casa con palabras y miradas que son misiles. A día de hoy sigo desgranando y descubriendo tesoros en un texto que seguro me guardará mas sorpresas, el viaje de la literatura dramática al hecho escénico ya es una aventura, pero en este caso, además, es una absoluta Delicia.

Alberto Velasco

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DELICIA[/caption]

FICHA

Autor TRIANA LORITE Dirección ALBERTO VELASCO Ayudante de dirección KARMEN GARAY Vestuario SARA SÁNCHEZ DE LA MORENA Y SAMPEDRO ACCESORIES Arreglo Canción de Twin Peaks IGNACIO YSASI Cartel y Gráfica SERGIO BETHANCOUR Dirección de casting MARIAN GRANDE. LA LUNARES CASTING Producción Ejecutiva LOPE GARCÍA Prensa y comunicación: CARLOS RIVERA Distribución: SEDA Intérpretes: Juana Andueza, Juana Cordero, Carmen Navarro, Lucía Caraballo y David Good. Fechas y horarios: 15 y 31 de enero/6 y 20 de marzo/3 y 17 de abril a las 13h. en el TEATRO LARA DESCARGAR DOSSIER DELICIA

“Delicia”, el disparate os espera en La Casa de la Portera - Ábrete Sésamo
DELICIA - Miguel Gabaldón
DELICIA - A golpe de efecto
La portera no está loca - El País
‘UNA AUTÉNTICA DELICIA’ - Aldo Ruiz

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Vuelve Agonía y éxtasis de Steve Jobs. Protagonizada por Daniel Muriel y dirigida por David Serrano ('La venus de las pieles', 'Lluvia constante'), es una coproducción de Vaca Estudio con Drive.

El monólogo, escrito e interpretado por Mike Daisey, se estrenó el 5 de Octubre de 2011 en el Public Theatre del off-Broadway de Nueva York. La versión española ha sido creada por Nacho Artime, adaptador de más de 200 títulos de teatro y musicales, con la colaboración en este proyecto de David Serrano y Daniel Muriel. El diseño de iluminación es de Felipe Ramos. Uno de los textos más polémicos del año de Mike Daisey, que a través de su afilado humor, nos introduce en la historia de orgullo, belleza, tradición, explotación y diseño industrial: El mundo Apple. Una critica a uno de los gigantes del siglo XXI, Apple, desde el punto de vista productivo. Una historia diferente sobre el mundo de la industria que, además, acerca su mirada al drama de la explotación de miles de trabajadores en todo el mundo.

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

Del 20 de NOVIEMBRE al 14 de DICIEMBRE en el Teatro Fernán Gómez

Panicoescenico Producciones presenta INMUNIDAD DIPLOMÁTICA, un homenaje a las películas de espías escrita y dirigida por Alberto Herreros y que contará con la interpretación de Sergio Otegui, Arancha Martí, Rodrigo Poisón, Sonia Almarcha, Alejandro Casaseca, Tábata Cerezo, Ángela Cremonte y Liz Lobato Un thriller, una obra de acción, de espionaje en el Madrid de nuestro tiempo, un rosario de personajes actuales, sofisticados y modernos, la élite de nuestra sociedad cuyas almas perdidas y fragmentadas tratan, sin embargo, de encontrarse. A pesar de la corrupción reinante hay fuerzas que siguen buscando, en ocasiones patéticamente, la justicia.

SINOPSIS

Patrick es un diplomático de la embajada británica en Madrid que se dedica a labores de espionaje financiero y alta política. Diana comienza a entender que la vida con él toca a su fin pero los muros que la rodean ya son demasiado altos para escapar. Gonzalo, un policía nacional que realiza labores de vigilancia para la embajada y que también anhela un cambio de vida imposible, y Diana se enamoran. John, un asesino del Mi6 destinado transitoriamente en Madrid, descubre -el mismo día que coge un vuelo de vuelta a Londres- que Patrick le ha traicionado orquestando a sus espaldas un traslado exprés fuera de España. John decide llevar a cabo una peculiar venganza en la hora y media que tiene antes de tomar el avión y llama a la jefa de seguridad de la embajada; Lisa, con la que mantiene una relación secreta desde hace tiempo para que le ayude a ejecutar el plan.

NOTA DEL AUTOR

Una sociedad en la que el abandono y la traición a la autenticidad y la colectividad parecen haberse convertido en los únicos pasaportes hacia la adaptación y la aceptación de la mayoría es la patria de cinco personajes de ese tiempo tratan de salvar, recuperar o restaurar la poca autenticidad que les queda sin darse cuenta de que les es prácticamente imposible hacerlo sin recurrir al imperio de una inexorable ley no escrita que parece gobernarlo todo sin remisión: el de ser incapaces de combatir la injusticia a través de la injusticia. El anhelo contemporáneo como ya dijera Cervantes, Platón o Kurosawa, no es otro que, el de hacernos invisibles a los ojos de la injusticia que parece seleccionar al azar a los individuos que componen la sociedad para infringirles penas sin cuenta. Esa invisibilidad que también nos hace inmunes para pasar desapercibidos a los ojos de los demás cuando nos apoderamos de la injusticia para cometerla. La seguridad de la inmunidad -el individualismo y egoísmo extremos- frente a los grandes riesgos de la comunidad.

FICHA

Texto y Dirección: Alberto Herreros Ayudante de dirección: Maite Pérza Astorga Música: Ignacio García Escenografía: Alejandro Manzano Vestuario: Lorenzo Caprile Iluminación: José Manuel Guerra Fotografía: Sergio Parra Cartel: Antón Morales Producción ejecutiva: Elena Lasa y Alberto Herreros Producción: Panicoescenico Producciones Reparto: Sergio Otegui, Arancha Martí, Rodrigo Poisón, Sonia Almarcha, Alejandro Casaseca, Tábata Cerezo, Ángela Cremonte y Liz Lobato. Fechas y horarios: DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 14 DE DICIEMBRE. De miércoles a sábados 20:30horas. Domingos 19:30 horas TEATRO FERNÁN GÓMEZ

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TEATRO VALLE-INCLÁN

Viernes 26 febrero a domingo 20 de marzo de 2016

Regresa EL TESTAMENTO DE MARÍA, para todos aquellos que se quedaron sin verla. Y lo hace en el mismo escenario, en el Teatro Valle-Inclán. Blanca Portillo se subirá de nuevo a los escenarios de la mano del director Agustí Villaronga del 26 de febrero al 20 de marzo de 2016. “El testamento de María”, la novela escrita por el irlandés Colm Tóibín, se ha publicado dentro del catálogo de Simon & Schuster Audio. La lectura está a cargo de Meryl Streep. La novela procede, en realidad, de un monólogo teatral escrito por el propio Tóibín y estrenado en Dublín en 2011. En Abril del 2013 se hizo una versión en Broadway dirigida por Debora Warner y protagonizada Fiona Shaw, en el Teatro Walter Kerr de Nueva York. El libro “El testamento de María”fue nominado a los premios Booker Prize 2013. La obra de teatro en Broadway fue nominada para varios premios Tony 2013 entre ellos a mejor obra dramática. La obra está basada en la novela ‘El testamento de María’ del escritor irlandés Colm Tóibín, se estrenó en julio de 2014 en el Festival Grec de Barcelona, y agotó todas las localidades la pasada temporada en pocos días en Madrid. La actriz Blanca Portillo protagoniza una audaz revisión de la figura de María, la madre de Jesús de Nazaret, en la que se la presenta como una sencilla mujer de campo cuyo único hijo le es arrebatado por una decisión divina que no comprende. Agustí Villaronga dirigirá la función. Un montaje que recupera la cara más humana de la madre de Jesús, una mujer a punto de morir que nos muestra un caleidoscopio de emociones mientras revive los fantasmas de su pasado. La música estará compuesta por la compositora y cantante australiana Lisa Gerrard, la escenografía estará diseñada por Frederic Amat, el vestuario estará confeccionado por Mercè Paloma y la iluminación estará a cargo de Josep M. Civit. [caption id="attachment_5496" align="aligncenter" width="672"]

Blanca Portillo. Foto Josep Aznar[/caption]

NOTA DEL DIRECTOR

Nuestras raíces son católicas. Educados en el seno de una cultura cristiana, hemos convivido cotidianamente con un montón de símbolos religiosos: la Cruz, el Sagrado Corazón, el Vía Crucis... La profusión de estos símbolos, en un contexto meramente espiritual, han acabado por hacernos olvidar el origen humano de donde provienen. Colm Tóibín ha puesto el foco en uno de ellos: la Virgen María. Y nos descubre que detrás de ese icono de la Virgen, con su corazón atravesado por puñales y su aureola de santidad, hay un ser humano. María de Nazaret. Una sencilla mujer de campo, cuyo único hijo le es arrebatado por una decisión divina que no comprende y por un terrible odio humano que le inflige el mayor de los dolores al clavarlo en una cruz. El texto de Tóibín es maravilloso. Escrito para Meryl Streep y representado en Broadway por Fiona Shaw, llega a nosotros con la voz y la figura de Blanca Portillo. En esa espléndida actriz descansa la parte primordial del trabajo. Es un monólogo complejo y con muchos matices que dista mucho de esa imagen celestial que se nos ha ofrecido de la Virgen. La emoción en estado puro, sin artificios intelectuales ni elitistas, es lo que debe prevalecer, eliminando todo lo que nos separa de ese sentimiento enfebrecido. En cierto modo, lo esencial es desnudar a la narración de toda complejidad que no vaya directamente al corazón. Allanar el camino, casi de un modo didáctico, para entender de un modo sencillo la historia contada en los evangelios y asimilar los nuevos y diferentes matices que aporta esa Virgen de Colm Tóibín. Lo que envuelve todo eso es un espectáculo austero y al mismo tiempo muy visual. Y digo visual no porque vaya haber audiovisuales, que no los habrá, sino porque se estructura más con la narrativa de secuencias cinematográficas que con la distribución de actos y escenas teatrales. El texto lo permite, casi lo pide. Nuestro personaje, ya en la vejez y a punto de morir, revive, como si de un cúmulo de flash-backs se tratara, momentos de su vida. Hermosos algunos, terribles otros. Y los recrea desde su exilio en Éfeso, como si en sus solitarias y largas noches de vieja, diera forma a esos fantasmas del pasado y con ellos nos descubriera la mujer que realmente es, no la mujer que toda la humanidad ha querido hacer de ella. Nos da su palabra viva. Su verdad. Bien diferente de los textos evangélicos que elaboran los discípulos y a los que contradice en muchos aspectos. Para ella no hay hijo de Dios. Sólo su niño, al que no entiende ni acepta, pero no puede dejar de querer. Su testamento dista mucho de legado que nos ha dado la Iglesia y difícilmente puede ceñirse a lo que nos han contado.

Agustí Villaronga

FICHA

Autor: Colm Tóibín Traducción: Enrique Juncosa Versión / adaptación y dirección: Agustí Villaronga Interpretación: Blanca Portillo Composición musical: Lisa Gerrard Escenografía: Frederic Amat Vestuario: Mercè Paloma Diseño de iluminación: Josep María Civit Diseño de sonido / concepción sonora: Lucas Ariel Vallejos Ayudante de dirección: Martí Torras Ayudante de escenografía: Roger Orra Director técnico: David Pascual Fotografía: Yanick Macdonals Cartel: Isidro Ferrer Una producción de Javier Pérez Santana, en coproducción con el Grec 2014 Festival de Barcelona, el Centro Dramático Nacional, el Teatre Lliure y Avance-Producciones teatrales. Con la colaboración del MACBA. Fechas y horarios: Viernes 26 febrero a domingo 20 de marzo de 2016 martes a sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas en el TEATRO VALLE INCLÁN DESCARGAR DOSSIER Web: testamentodemaria