Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATRO NUEVO APOLO

 

Regresan los VIVANCOS: AETERNUM, del 13 al 17 de Mayo, al  Teatro Nuevo Apolo

Flamenco, ballet, danza contemporánea, folklore, artes marciales, acrobacias, magia, circo, tap dance, una elaborada puesta en escena, un vestuario de diseño, grandes estructuras escenográficas y una espectacular banda sonora son algunos de los ingredientes que forman AETERNUM, una obra de vanguardia que según la crítica internacional, ha roto moldes. Revolucionaria, Innovadora, Incomparable, Impactante, Extraordinaria, son algunos de los adjetivos con los que críticos por todo el mundo han intentado describir esta obra coral, que muchos dicen indescriptible.

SINOPSIS La inmortalidad que el arte le brinda al hombre. Lo paranormal. Lo imposible hecho posible. Esa es la idea presentada en la metáfora de  lo Eterno. Cualquier hombre vulgar puede rozar lo divino a través del arte… Ya que el arte hace realidad la fábula sin desvirtuar los límites de la lógica. El arte cumple la paradoja de que se haga lo que no puede hacerse. Y el arte hace lo mortal, inmortal. Música, Danza, Lucha, Magia… Ángeles, Demonios, Vampiros… Una historia narrada en nueve cuadros escénicos, cuatro vertientes del arte y un hilo conductor; lo fantástico, forma un espectáculo que explorando los límites de lo Sobrenatural hace de lo Imposible, Arte.

De la misma manera que en su anterior espectáculo, Aeternum está coreografiado y dirigido por Los Vivancos. Además han contado para esta vez con un equipo creativo internacional de primer nivel: Fernando Velázquez, compositor de importantes bandas musicales como “El Orfanato” o “Lo imposible” se ha encargado de la música, con la asesoría artística de Daniele Fienzi, director y creador de ‘Corteo’ del Circo del sol.

Un espectáculo con todas la letras: innovador, atrevido, fresco, energético… Los Vivancos: Aeternum.

"Este espectáculo irradia tanta energía que hay peligro de que se incendie el escenario" New York Daily News (EE.UU.)

FICHA DEL ESPECTÁCULO Titulo: AETERNUM Género: Espectáculo de danza/musical Calificación: Para todos los públicos Duración de la obra: 90 minutos, sin descanso

EQUIPO ARTÍSTICO Asesoría Artística: Daniel Finzi Pasca y Julie Hamelin Producción Musical: Fernando Velázquez Diseño de Iluminación: Los Vivancos Diseño y confección de Vestuario: Rafael Solis Diseño Grafico: Pako Lopez, La Soberbia Diseño y Comunicación

Los Vivancos son: Elias VIVANCOS (violonchelo) Judah VIVANCOS (violonchelo 5 cuerdas) Josua VIVANCOS (percusión) Cristo VIVANCOS (saxofón) Israel VIVANCOS (flauta travesera) Aarón VIVANCOS (violín) Josué VIVANCOS (teclado)

Grabación Orquestal: Orquesta Sinfónica de Budapest. Dirigida por Fernando Velazquez Voz: Sonia Perez Cortes Guitarra flamenca: Daniel Yagüe Flauta: Omar Acosta Cajón: Franco Bianco Percusión: Johannes Vogel Trompetas: Roqui Albero y Jaime Gutierrez Bateria: Borja Barrueta Guitarra Eléctrica: Kike Fuentes Creación, Coreografía, Composición y Dirección: Los Vivancos

ENRIQUE VIII Y LA CISMA DE INGLATERRA

 

Del 27 de FEBRERO al 26 de ABRIL - TEATRO PAVÓN

¿Qué responsabilidad tiene un monarca frente al pueblo que gobierna? ¿Qué sucede cuando la máxima institución del Estado antepone sus deseos o intereses a los de su nación?
 

La Compañía Nacional de Teatro Clásico continúa con su excelente programación donde pasado y presente se dan la mano, y el verso eleva la palabra hasta lugares inalcanzables. Después de un Don Juan Tenorio inolvidable, le toca el turno a Calderón de la Barca con Enrique VIII y la cisma de Inglaterra.

Un magnífico reparto en la nueva producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que protagoniza Sergio Peris-Mencheta. Ambición, relaciones de poder, contradicciones del ser humano, la responsabilidad de los gobernantes y sus consecuencias... donde reina la afilada palabra de Calderón de la Barca.
  NOTA DEL DIRECTOR ¿Qué responsabilidad tiene un monarca frente al pueblo que gobierna? ¿Qué sucede cuando la máxima institución del Estado antepone sus deseos o intereses a los de su nación? ¿O cuando está mal asesorado por sus consejeros? ¿Qué espiral de caos, de violencia y de desorientación puede proyectar la corona sobre la Corte y el Estado entero? ¿Cuántas víctimas pueden quedar como rastro de un infame reinado? Estas, a pesar de su elocuente actualidad, son algunas de las preguntas que Calderón plantea en este drama. La cisma de Inglaterra es una obra de juventud de Calderón pero en la que ya residen muchos de sus temas capitales. La determinación del destino propia del neoestoicismo frente al libre albedrío que defiende Calderón, la responsabilidad de un monarca ante su pueblo, y la importancia de obrar bien más allá de los intereses individuales son algunos de esos motivos constantes en su obra. Bajo el aspecto de un conflicto teológico sobre la ruptura de la iglesia anglicana y con la aparente forma de un drama histórico, adecuadamente adulterado por Calderón para sus propósitos propagandísticos, lo que aflora es un drama humano de dimensiones titánicas. Un hombre en constante huida hacia adelante de sus propias contradicciones y dudas, una víctima de su pasión y su lujuria, provoca un cataclismo político, religioso y humano en una corte que se desnorta con su pérdida. Enrique es víctima y verdugo de su reino. La cisma de Inglaterra es un texto prolijamente estudiado en su aspecto literario pero olvidado, como tantos, fuera del canon y del repertorio habitual, condenado al destierro de los escenarios. Gracias al CNTC y a su coraje vuelve ahora al territorio que le pertenece.
Ignacio García
  FICHA Versión: Jose Gabriel López Antuñano Dirección: Ignacio García Asesor de verso: Vicente Fuentes Coreografía: Manuel Segovia Vestuario: Pedro Moreno Iluminación: Paco Ariza Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso Reparto: (Rey Enrique VIII) Sergio Peris-Mencheta,  (Cardenal Volseo) Joaquín Notario, (Carlos, embajador de Francia) Sergio Otegui, (Tomás Boleno) Chema de Miguel, (Dionis, capitán)  Pedro Almagro, (Pasquín) Emilio Gavira, (Reina Doña Catalina) Pepa Pedroche, (Infanta María) Natalia Huarte, (Ana Bolena)  Mamen Camacho, (Margarita Polo) María José Alfonso, (Juana Semeira) Anabel Maurin, (Soldado) Alejandro Navamuel Músicos:  Anna Margules (Flauta de pico), Calia Álvarez (Viola de Gamba)    

TEATRO FERNÁN GÓMEZ 

 

Regresa el 18 de febrero al Teatro Fernán Gómez A VUELTAS CON LA VIDA de Jose Luis Iborra y Antonio Albert protagonizada por Beatriz Carvajal.

Del 18 de Febrero al 7 de marzo
La emblemática actriz Beatriz Carvajal celebró su 50 aniversario sobre las tablas el pasado 10 de enero y quiere seguir celebrándolo con el público con el mismo montaje y en el mismo escenario. Beatriz Carvajal interpretará a Mari Carmen en la obra de teatro A vueltas con la vida, de Juan Luis Iborra y Antonio Albert y dirigida por Iborra, que podrá verse en la Sala Dos del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa desde el próximo 18 de febrero y hasta el 7 de marzo.
 

En 2006 Juan Luis Iborra colabora con Antonio Albert como guionista de la película "Enloquecidas", una comedia con Verónica Forqué, Silvia Abascal y Concha Velasco. Dos años más tarde realizaban su primer trabajo juntos en teatro escribiendo la obra 'Mentiras, Incienso y Mirra' dirigida por Juan Luis Iborra. En 2009 'Confidencias muy íntimas', en 2010 'Historias de un Karaoke', 2011 'Querida Matilde', 2013 'Sofocos' y 2014 'A vueltas con la vida'.

Una obra que no te dejará indiferente. El paso de la oscuridad a la luz es un viaje lleno de matices, de sonrisas y humor. Una apuesta firme por la calidad de los textos y una Beatriz Carvajal en uno de los mejores papeles de su exitosa carrera.   SINOPSIS La vida de Mari Carmen no ha sido un camino de rosas. Una familia humilde, un marido cruel y una soledad tremenda han sido su única compañía hasta que, gracias a los libros, descubre a cuatro heroínas que le enseñan el valor de la libertad: Marilyn Monroe, Chavela Vargas, Santa Teresa de Jesús y Cleopatra. A través de estas amigas que le revelan sus secretos más íntimos, Mari Carmen aprende a quererse. Atrapada en un quinto piso sin ascensor al que llega la música de un vecino pianista, una música que se convierte en su banda sonora, MariCarmen se pasa el día a vueltas con la vida: sus recuerdos, sus miedos, sus complejos, todo aflora con humor y nostalgia en las alocadas conversaciones que mantiene con esas mujeres sabias, generosas, valientes. Con ellas y el recuerdo amable de su madre, Mari Carmen llena su vida de luz y color, dejando atrás los días oscuros.   FICHA Autor: Juan Luis Iborra y Antonio Albert Dirección: Juan Luis Iborra Ayudante de dirección: Ana Pascual Iluminación: Juanjo Llorens Escenografía: Asier Sancho Senosian Vestuario: Antonio Belart Foto y Cartel: Sergio Parra Compañía: De Juan Luis Iborra y Antonio Albert Producción: PyX producción y distribución, S. L. Al piano: Jerónimo Maesso Reparto: Beatriz Carvajal Fechas y horarios: De martes a sábados - 20:30 horas. Domingos 19:30 horas. Los días 20 y 27 de febrero y 6 de marzo NO HAY FUNCIÓN.  TEATRO FERNÁN GÓMEZ Web: avueltasconlavida  
A Vueltas con la Vida from Es otro mundo on Vimeo.  
 
Venidos a menos

NUEVO TEATRO ALCALÁ

presenta

VENIDOS A MENOS

de Pablo Puyol y David Ordinas

Del 1 de Febrero al 8 de Marzo de 2019 en el Nuevo Teatro Alcalá

Del 1 de Febrero al 8 de Marzo de 2019, regresa el show VENIDOS A MENOS, un espectáculo de música y risas en el que el público escuchará las canciones más bestias que se hayan escuchado hasta el momento encima de un escenario, pero con una gran dosis de ritmo. Todo ello sin ser un concierto ni un monólogo.

VENIDOS A MENOS está protagonizado por Pablo Puyol y David Ordinas, dos artistas consagrados que han creado un show con canciones y letras originales compuestas e interpretadas por ellos mismos. Ambos artistas muestran su cara más cómica en un espectáculo de humor con las canciones más pegadizas y descaradas. Ambos pretenden liarla con algo gamberro y provocador e involucrar al espectador para que la risa sea la auténtica protagonista; todo ello en un show NO recomendado para todos los públicos.

SINOPSIS

¿Qué es VENIDOS A MENOS? No puede decirse que sea un musical ni una obra de teatro pero tampoco un monólogo. Es un espectáculo completo que aúna música original (compuesta por Ordinas y letra escrita entre Puyol y Ordinas), parte de monólogos y, sobre todo, mucho humor. Eso sí, no es apto para todos los públicos. Temas ácidos, políticamente incorrectos, atrevidos, punzantes... Un espectáculo en el que ambos artistas se ríen de todo, incluso de ellos mismos. Una sátira constante a la política, la religión y al amor…..o se refieren al sexo? Protagonizado por el televisivo Pablo Puyol y David Ordinas. Ambos se toman la vida con mucho, mucho humor. Hartos de oír hablar de crisis, que si las cosas están mal y que irán peor, Pablo Puyol y David Ordinas, se pusieron manos a la obra y crearon el espectáculo Venidos a Menos con el que suman más de tres año de éxitos por España.
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TEATROS LUCHANA

 

TEATRO DEL LABERINTO presenta EL VALLE DE LOS CAUTIVOS

Jueves de noviembre a las 20h.

  EL VALLE DE LOS CAUTIVOS de Pedro Martín Cedillo es una versión moderna del mito de Prometeo, dirigida por Francisco Vidal . Se estrenó en octubre de 2014 en la Sala TÚ manteniéndose en cartel 7 meses . En septiembre pasaron por el Teatro del Barrio, y en noviembre llegan a los Teatros Luchana. Los jueves a las 20h. El texto de Pedro Martín Cedillo será editado dentro de la colección "Teatro Autor Exprés" de la SGAE.  

SINOPSIS

Javier es el hombre del siglo XXI que debe volver la vista atrás para encontrarse a sí mismo. Necesita entender la historia de sus antepasados para construir la suya propia. Necesita enterrar a sus muertos (cual “Antígono”) para seguir adelante. El destino le lleva de la mano hasta el anciano Saturio Soriano, preso que compartió trabajos forzados en Cuelgamuros con su abuelo, Lázaro Cedillo. El suicidio de Saturio lleva a Javier a comprender que nuestros muertos no siempre descansan en paz. La necesidad de conocer cómo murió su abuelo, la amistad que entabló con Saturio en la construcción del Valle de los caídos… pondrá rostro a tantas historias de sobremesa contadas durante su infancia. Por encima de la represión, El valle de los caídos cuenta la historia de una amistad, la historia de sueños rotos, la historia de nuevas oportunidades y, sobre todo, la historia de la búsqueda de la verdad.    

NOTA DEL AUTOR

Para mí, la labor del dramaturgo no es otra que poner voz a tantos que son silenciados. Nuestros días están repletos de “Medeos” capaces de asesinar a sus hijos por venganza, “Bernardas” inquisidoras de toda una nación, “Ricardos terceros” corruptos de poder, “Noras” asfixiadas por maridos impotentes, “Antígonos” que necesitan enterrar a sus muertos… Hoy, más que nunca, estamos necesitados de “Fuenteovejunos” que salgan a la calle a gritar. Hoy, más que nunca, nuestra escena debe llevar la voz de tantos y tantos que no pueden hablar. El valle de los cautivos pretende ser la voz de esos hombres y mujeres que no pudieron expresarse libremente en su momento por una fuerte y terrorífica dictadura. Hombres y mujeres que han transmitido su voz silenciada en la sangre, sangre de la que somos herederos. Porque fueron nuestros padres, nuestros abuelos, nosotros mismos… los que crecimos con sus silencios. Fuera de cualquier ideal político, El valle de los cautivos quiere hablar del hombre. Porque por encima de cualquier política, está la humanidad. ¿Qué importa una guerra cuando un hombre está enamorado? ¿Acaso tiene más fuerza un país que la mirada de una mujer para su amante? Pedro Martín Cedillo     [caption id="attachment_11501" align="aligncenter" width="600"]EL VALLE DE LOS CAUTIVOS - Foto: Antonio Castro EL VALLE DE LOS CAUTIVOS - Foto: Antonio Castro[/caption]    

FICHA

Autor: Pedro Martín Cedillo Dirección: Francisco Vidal Ayudante de dirección: Fran Cantos Espacio escénico: Ion Aníbal Escenografía: Francisco Vidal Técnico de sonido: Diego Conesa Diseño gráfico y vídeo: Corvitec Reparto: Fernando Escudero, Fran Cantos, Marcos Toro, Noelia Tejerina, Francisco Vidal, Sato Díaz. Una producción de Teatro Laberinto Fechas y horarios: Jueves de noviembre a las 20h. en los TEATROS LUCHANA   Twitter: ValleCautivos  
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NAVES DEL ESPAÑOL 

Del 26 de febrero 2015 al 22 de marzo 2015 llega al MATADERO de Madrid la obra 'El lenguaje de tus ojos o el príncipe travestido' una versión de Amelia Ochandiano de un texto de P. de Marivaux, "Le Prince travesti o L´Ilustre aventurier", de 1724. La propia Ochandiano se encarga también de la dirección.

   

SINOPSIS

La Princesa de Barcelona se ha enamorado de Lelio, un hombre misterioso a la cabeza de su ejército, pero temerosa de no cumplir con su deber de casarse con un príncipe, insta a Hortensia (amiga suya y confidente) a que investigue los orígenes de su amado y de paso le insinué los sentimientos que tiene hacia él para que éste se anime a declararle su amor. Pero cuando Hortensia se encuentra con Lelio, reconoce en él al hombre que le había salvado de unos ladrones y del que no ha podido olvidarse. El sentimiento es mutuo, pero Hortensia no querrá traicionar a su amiga. Por otro lado, el príncipe de Castilla ha pedido la mano de la princesa de Barcelona para poder unir ambos reinos y así aliviar las tensiones que durante años mantienen estos dos reinos. Este conflicto querrá ser utilizado por Federico (cortesano al servicio de la Princesa) para trepar en la corte y eliminar a Lelio, al que considera su rival. Las intrigas, sobornos y pasiones de unos y de otros, buscando conseguir sus deseos más ocultos, se irán desarrollando en un brillante juego escénico donde las miradas toman la palabra cuando las palabras son insuficientes.  

PALABRAS DE AMELIA OCHADIANO

Este texto me ha parecido bello, ingenioso, sorprendente y sobre todo oportuno. Bello porque tiene un lenguaje elaborado pero se trata de una prosa sencilla, una prosa directa a los sentidos, a la inteligencia y al corazón. Un auténtico placer escrito para ser dicho, sentido y escuchado. Porque en esta función no se habla de amor sino que los personajes se enamoran, no se habla de corruptelas sino que vemos como los personajes caen rendidos en las tentaciones materiales y pasionales. Y cuando digo sorprendente es porque parecería que los personajes de la función aún sometidos a un texto, a un proceso escrito por el autor tuviesen voluntad de saltárselo, de dar la vuelta al camino trazado y hacer su santa voluntad provocándonos una sensación de modernidad y sorpresa continuas. Mi intención, tarea nada simple, sería poder trasmitir ese escalofrío que te provocan los clásicos cuando, a pesar del tiempo trascurrido desde que fueron concebidos, siguen hablando al hombre contemporáneo, trascienden en el tiempo y nos hablan de nuestro día a día, de nuestra esencia, de lo que perdura y perdurará a través de los tiempos. Una crítica feroz y divertida llena de comprensión hacia nosotros mismos.
AMELIA OCHANDIANO
 

FICHA

Coreografía y dirección Amelia Ochandiano Reparto (por orden alfabético): HORTENSIA Itziar Atienza PRINCESA Cristina Castaño ARLEQUÍN Juanjo Cucalón LUISITA Mariola Fuentes FEDERICO Juan Gea LELIO Iker Lastra

Ficha artística

Dirección y versión: Amelia Ochandiano Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda Vestuario María Luisa Engel y Rosa Engel Iluminación Felipe Ramos Producción: Teatro de la Danza de Madrid  
 
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TEATRO VALLE INCLÁN 

 

LA PECHUGA DE LA SARDINA. Del 25 de febrero al 29 de marzo en el Teatro Valle Inclán El Centro Dramático Nacional recupera la figura de Lauro Olmo, un autor imprescindible de la dramaturgia española perteneciente a la llamada generación realista.

  En esta obra he procurado que la fuerza de las situaciones dramáticas surja de de los contrastes y que el ritmo de éstos, lento en los interiores o rápido en la calle según las exigencias del drama, vaya creando el gran personaje que condiciona todo lo demás. Ese personaje es el ambiente: un ambiente que adquiere un poder asfixiante, desvitalizador. Todo va conduciendo a unas patéticas campanadas finales.
Lauro Olmo
  Y para crear ese ambiente ha sido clave la escenografía de Paloma Canseco y del director. Para crear ese ambiente asfixiante, el escenario se trasformará en un antiguo anfiteatro romano. Se elevaran tres bandas de gradas rodeando las tarimas que forman el escenario. Con el objetivo también de convertir al público en un fisgón, observando lo que pasa en cada habitación en cada momento.   [caption id="attachment_10782" align="aligncenter" width="500"]ESCENOGRAFÍA DE PALOMA CANSECO ESCENOGRAFÍA DE PALOMA CANSECO[/caption]   La música será otro aspecto importante en la obra. "La inclusión que Olmo hace en sus acotaciones sobre las músicas nos inspiró a considerar ese trozo de realidad como un bailable entre dos compases, permitiéndonos afrontar el montaje con ilustraciones musicales que quitarán melodrama a lo que es, desgraciadamente, un pequeño trozo de vida. La música que usará en este baile será el foxtrot, que el autor menciona constantemente en la obra." afirma Manuel Canseco.  

SINOPSIS

La pechuga de la sardina es la historia de varias mujeres que conviven en una pensión. Los personajes principales tienen distintas edades, distinto pasado y distintas formas de ver la vida. A partir de esta disparidad el autor presenta la mentalidad de la época. Por un lado la moralidad estricta, la mujer que debe parecer honrada y no entregarse a ninguna debilidad, y por otro los personajes más jóvenes en los que se entrevé el cambio hacia la apertura de pensamiento y la liberación de la presión social sobre la mujer. La obra consta de tres actos. El tema de la obra es la situación de la mujer en los años 60. Denuncia su opresión en el terreno económico y también en el ambiente social; el encasillamiento en ciertos roles y actitudes vitales que la mujer debía cumplir. La obra, estrenada en 1963 supuso una revolución al ser de las primeras en tratar la problemática de la mujer. Los personajes principales de la obra son las mujeres que viven en la pensión. Alrededor de ellas pululan los personajes masculinos, que son secundarios.   [caption id="attachment_10783" align="aligncenter" width="600"]Nuria Herrero y María Garralón en La pechuga de la sardina Nuria Herrero y María Garralón en La pechuga de la sardina[/caption]  

NOTA DEL DIRECTOR

Hay una apreciable nómina de dramaturgos que merece la pena rescatar de ese período difícil de la vida y la sociedad española que va desde nuestra Guerra Civil hasta la democracia; y, entre ellos, no podía faltar la figura de Lauro Olmo, uno de los grandes olvidados. La pechuga de la sardina es claramente una de las obras más representativas del autor y de ese teatro que dio en etiquetarse como realista. Es una de esas obras que la crítica no acogió nada bien en el momento de su estreno, aunque con los años se ha ido situando en el lugar que yo creo que le corresponde: a la altura de La camisa, obra emblemática de Olmo, cuyo estreno sí supuso un gran acontecimiento. Se han buscado influencias dispares en el teatro de Olmo: Arniches, Valle-Inclán, Lorca e, incluso, Benavente. Todos ellos, si nos fijamos, son fieles recreadores de la realidad que los circunda, pero con diferentes estéticas. Yo, al menos en lo referente a esta obra, añadiría a Chéjov, porque La pechuga de la sardina no es ni más ni menos que un trozo de vida, de una vida que pesa inexorable e inevitablemente sobre los personajes. El ambiente y el conjunto de mujeres que habita los estrechos márgenes de una casa asfixiante es el protagonista del drama. Cada uno de los personajes femeninos sirve para definir a los otros, al tiempo que se define a sí mismo. Si quitáramos a alguno de ellos se perdería su reflejo en los demás, con lo que, sin duda, la situación quedaría incompleta. Los hombres, por el contrario, son más prototípicos. Su misión fundamental es ayudarnos a definir el ambiente que rodea –y yo diría que cerca– a la casa. Esa ha sido la base de esta obligada adecuación de la obra original de Olmo a un determinado espacio de representación y a un reparto acorde con los tiempos. El espectador no sólo ha de convertirse en fisgón de lo que acontece en la casa, sino también del cinturón que la rodea, que la cerca. El ambiente exterior de voces y las músicas acaban de definir esa época, en ocasiones atrasada en el tiempo de la época en la que la situamos, como atrasada era aquella sociedad. Gran acierto del autor al reflejar el mundo de aquella época a través de la mujer, figura históricamente más desvalida que el hombre, lo que se traduce en una facilidad para el director, ya que este país es pródigo en actrices de enorme nivel. Por eso hemos procurado un elenco –en muchos casos en papeles por debajo de su categoría interpretativa– capaz de conformar y trasladar al espectador ese difícil personaje protagonista de la obra: el ambiente, el conjunto. Creo que, gracias a ellos, a todo el equipo, lo conseguiremos. De no ser así, no cabe duda de que la culpa será mía. Si algo hemos pretendido remarcar en este trabajo es la idea que nos lanza el propio Olmo al entregarnos la obra: “No. La vida no puede caminar llevando en los tobillos unos prejuicios, unos pequeños seudodogmas que, como grilletes, le dificultan el devenir”. Estoy seguro de que el espectador de hoy no se quedará en la anécdota, y puede entresacar consecuencias que siguen haciendo actual –a veces, por desgracia– este texto. Gracias a todos por su entusiasmo, y al CDN, especialmente a su director, Ernesto Caballero, por el rescate de tan significativo autor.
Manuel Canseco
 

FICHA

Texto : Lauro Olmo Versión escénica y dirección:Manuel Canseco Escenografía: Paloma Canseco Vestuario: José Miguel Ligero Iluminación: Pedro Yagüe Espacio sonoro: Javier Almela, Roberto Cerdá Movimiento : Eduardo Ruiz Ayudante de dirección: Raquel Berini Fotos: marcosGpunto Cartel: Isidro Ferrer Producción Centro Dramático Nacional Reparto: Manuel Brun, Marta Calvó, Jesús Cisneros, Víctor Elías, María Garralón, Nuria Herrero, Marisol Membrillo, Cristina Palomo, Amparo Pamplona, Natalia Sánchez, Juan Carlos Talavera, Alejandra Torray. Fechas y horarios: Del 25 de febrero al 29 de marzo de 2015 De martes a sábados, a las 19 h. Domingos, a las 18 h en el TEATRO VALLE INCLÁN
→ CUADERNO PEDAGÓGICO  
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TEATRO ALFIL

 

El próximo 7 de MARZO se estrena la comedia musical TRAS EL TELÓN, que se representará todos los SÁBADOS a las 20 horas en el TEATRO ALFIL

Tras la buena acogida de crítica y público en los meses de marzo y abril, la comedia musical Tras el Telón continuará representándose todos los sábados del mes de mayo y junio.
  Dificultades y alegrías, amores y desamores, encuentros y encontronazos del mundo del teatro alternativo se unen en esta comedia musical a ritmo de canciones que nos trasladarán al mismísimo Broadway con sus compases. Escrita y dirigida por Alejandro Melero (ClimaX!, Nuestro hermano, Atrapados) y con música y dirección musical de Jorge Toledo (Por culpa del amor). Los protagonistas de este musical son Mariola Peña (Hoy no me puedo levantar, A, Marta tiene un marcapasos), Julián Salguero (Frankenstein, El Musical, El mágico sueño de la ilusión, Mil y un sueños), Verónica Polo (Mi madre, Serrat y yo, Dr Jekyll and Mr Hyde) y Gorka de la Nuez (Tarzán, El Musical, Sweeney Todd)   SINOPSIS TRAS EL TELÓN cuenta la historia de cuatro actores en la noche en que la obra de teatro que representan, que ha resultado un fracaso, se despide de los escenarios.  Dificultades y alegrías, amores y desamores, encuentros y encontronazos del mundo del teatro alternativo quedan reflejados en esta comedia musical. David, un atractivo actor de televisión, Feli, una chica vanidosa, Mau, además de actor, el obsesivo director de la obra y Minerva, dramaturga frustrada, enfadada con el mundo y totalmente enamorada de Mau. Cuando la voz de la regidora ordena a los actores que preparen la escasa escenografía de su pobre función, surgen las rencillas y preocupaciones que padecen. Fuera está lloviendo y parece que no va a haber demasiado público esa noche. Pero siguiendo la norma de que el espectáculo debe continuar, se esfuerzan por sacar a flote la función. Todo se frustra cuando la regidora les anuncia que la función de esa noche se ha cancelado, eso sí, todavía cuentan con un as en la manga…  
Con un guión fresco, ágil y con mucho ritmo, Alejandro Melero, da un ritmo constante a toda la obra, intercalando momentos románticos y otros desternillantes que van a desembocar en una escena final que deja atados todos los cabos y nos deja con ganas de volver a verla. Álvaro Medina.
  FICHA Dirección artística y libreto: Alejandro Melero Dirección musical: Jorge Toledo Diseño: Santiago Gallego Coreografía: François Di Guardia y Juan Carlos Calleja Escenografía: Álex Arce y Fernando Fernández Audiovisual: Mariángeles Ruiz Sonido: Dani Domingo Comunicación: Fila Séptima Reparto: Mariola Peña, Julián Salguero, Verónica Polo, Gorka de la Nuez Fechas y horarios: Todos los sábados a las 20:00h en el TEATRO ALFIL → DESCARGAR DOSSIER TRAS EL TELÓN  
 

LAS MUJERES SON DE MARTE Y LOS HOMBRES DE VENUS

Teatro Fígaro

¿Nos entenderemos alguna vez hombres y mujeres? ‘Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus’ 2º TEMPORADA
  Tres grandes del humor unen sus fuerzas para hacer más comprensible la interna incomprensión entre hombres y mujeres, que parecen proceder de distintos planetas. Son biológicamente similares; usan las mismas palabras, comparten el mismo espacio geográfico, pero sus códigos de comportamiento son diferentes.  Tras esta premisa, base del libro, “Los hombres son de Marte y las Mujeres de Venus”,  Paco Mir ha creado un texto en el que los marcianos y las venusianas explican sus diferencias con un texto ágil y dinámico. Sinacio será el encargado de contarnos estas diferencias en las tablas del Teatro Fígaro, bajo la dirección de Nancho Novo. Porque para los que todavía no lo sepan, “Los Hombres son de Marte y las mujeres de Venus” es ese libro que todas las mujeres han leído y que todos los hombres tienen cubriéndose de polvo en su mesita de noche. Escrito por John Gray, esta obra fue un bestseller hace unos años en todo el mundo y es un espectáculo que lleva siete años triunfando en Francia de la mano de Paul Dewandre,  su adaptador, su intérprete francés y, sin duda, el hombre que más parejas ha reconciliado en un teatro. Trata de un tema infinito –las diferencias entre hombres y mujeres– pero no sólo lo  utiliza para que pasemos un buen rato riéndonos de nosotros mismos (y de nuestras parejas) sino que nos da las claves para que aprendamos a entender las particularidades del ser humano, sobretodo cuando son de diferente sexo.    Este espectáculo nos refresca la memoria –a marcianos y venusianas– para que podamos seguir viviendo (y amándonos) millones de años.   Aprendan las lecciones del “profesor” Sinacio Descubriremos formas de comunicarse durante los periodos difíciles Exploraremos como evitar discusiones penosas Descubriremos las diferentes maneras en que hombres y mujeres enfrentan el estrés. Revisaremos los dos errores más importantes al relacionarnos con el sexo opuesto Descubriremos las diferentes necesidades de intimidad de hombres y mujeres. “El profesor” Sinacio Guionista habitual de los programas de televisión de mayor éxito en los últimos años, su peculiar sentido del humor, su imponente presencia escénica y su inconcebible capacidad para la improvisación le han convertido en el maestro de ceremonias ideal para cualquier tipo de evento.  Su experiencia, su dilatada trayectoria compartiendo escenario con compañeros como Florentino Fernández, Leo Harlem, Carolina Cerezuela, Ramón García, Matias Prats, Miki Nadal, Josema Yuste.  En teatro ha participado en obras como ‘5hombres.com’ , ‘Cómicos’ o ‘Que hay de nuevo? o Tendingtroching Con Leo Harlem.   Fechas y Horarios:. Viernes y Sábados 23:00 horas y Domingos 20:00 horas.  TEATRO FIGARO  
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CUARTA PARED

 

Del 3 al 19 de Septiembre

 
  • Regresa CANÍCULA de Lola Blasco, coproducido por La Casa en el Árbol, La Radical Teatro y ETC (Espacio Teatro Contemporáneo) - Cuarta Pared, abre la temporada 2015-2016 tras su estreno el pasado mes de febrero. Con Rulo Pardo, Juan Antonio Lumbreras, Antonio Gómez Celdrán, Joshean Mauleon, Eva Trancón y Nerea Moreno.
 
Seis hermanos, una herencia y una extraña transformación son el punto de partida del detallado y rico retrato familiar que ofrece Canícula. Con humor, desparpajo e irreverencia se ofrece  una ocasión para reflexionar sobre como las estructuras del poder se han infiltrado en nuestra cotidianidad para instaurar y legitimar un modelo relacional inmovilista y sectario. Y de alguna manera, todos formamos parte de la gran familia de la sociedad. Todos, en mayor o menor medida, estamos atravesados por estos mismos discursos, forman parte de nuestra biología: el enemigo ya no está “al otro lado”.
 

NOTA DEL AUTOR

Canícula, (evangelio apócrifo de una familia, de un país) es un relato grotesco en el que se evidencia, a partir de la historia de una familia española, los resortes patriarcales de la familia-Estado. Una familia-Estado que con su disfuncionalidad mantiene sometidos a los individuos. Resulta curioso observar qué tipo de mecanismos hacen que las personas se sientan como parte de un grupo, a veces son cosas de lo más banales o estúpidas, sin embargo, como seres humanos, necesitamos de esos mecanismos para construir nuestra identidad. En Canícula, los seis hermanos refuerzan sus vínculos a través de convicciones autoritarias, sexistas o racistas. No saben hacerlo mejor, o no pueden, en cualquier caso repiten una y otra vez los roles heredados que los llevan a una existencia miserable. Es por eso que en Canícula hay algo de fatum, de destino trágico del que no se puede escapar, es por eso que en Canícula hace todo el tiempo “un sol de justicia”. Sin embargo, la obra no se centra tanto en el juicio de los personajes, como en ver las situaciones “a la luz del día”. Es más, tengo que decir que hay en esta obra, pese a todo, mucho amor y mucha ternura hacia los personajes. Cuando escribí este texto me base en muchas de las situaciones que había vivido con mi propia familia. También en las discusiones de diferentes familias que había presenciado en las salas de espera de los hospitales. Canícula habla de una sociedad enferma, eso es innegable, pero quizás el mayor drama al que asistimos en esta obra y con estos seis personajes, es el de la absoluta soledad que sienten. Y ese es un drama común a todos los seres humanos. Por ello hay en el tratamiento formal de la obra, cierto tono mítico que se mezcla con conversaciones de lo más coloquial. Canícula es, en definitiva, una obra que habla de nuestra identidad, la española, la nuestra. Una identidad construida por muchos años de tiranía. Construida sobre la base del sacrificio, del chivo expiatorio. Una identidad cuyos errores se repiten día tras día, generación en generación, cuyos errores no dejan de repetirse, igual que el sol no deja de salir cada mañana. Canícula es también una comedia, un esperpento en el que son posibles las mutaciones, los Apocalipsis y los milagros. Apela a la imaginación como forma de salvación, de esperanza. Tiene un destinatario directo: el porvenir.
Lola Blasco
 

SINOPSIS

Las gemelas y los tres hermanos sentados en la sala esperan acontecimientos. Otro hermano, el tercero, está ingresado en la habitación. Ha sufrido una ligera indisposición.  Un sol de verano abrasador parece atravesar el tejado e inundar la sala. De repente, tras la puerta, se oye una voz telúrica. El universo de los hermanos, rígido y atravesado por discursos excluyentes y reaccionarios, se tambalea ante la fuerza de esa voz de verdad y trascendencia. El miedo les paraliza pero no tendrán más remedio que entrar en esa habitación y presenciar la “transformación”.
Vicente Colomar y el colectivo La casa en el árbol llevan a escena este detallado y rico retrato familiar.
  [caption id="attachment_15460" align="aligncenter" width="647"]CANÍCULA ©Alfonso Pazos CANÍCULA ©Alfonso Pazos[/caption]  

FICHA

Dramaturgia: Lola Blasco Dirección: Vicente Colomar Intérpretes: Rulo Pardo, Juan Antonio Lumbreras, Antonio Gómez Celdrán Joshean Mauleon, Eva Trancón, Nerea Moreno Diseño de iluminación: Luis Perdiguero Vestuario: Guadalupe Valero Espacio escénico: Luis Perdiguero y Vicente Colomar Espacio sonoro: Jesús Tejido y Vicente Colomar Técnico de sonido: Jesús Tejido Asesor de movimiento: Ricardo Santana Caracterización: Maria Fernández Foto y video: Alfonso Pazos Diseño gráfico: Alfonso Pazos y Vicente Colomar Producción ejecutiva: Luis Alberto Caballero y María Ollero Agradecimientos: Aitana Galán, Sex-peare teatro, Teatro Español Fechas y horarios: Del 3 al 19 de SEPTIEMBRE De jueves a sábado a las 21h. en la SALA CUARTA PARED  
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TEATRO MARAVILLAS

presenta

EL LIBRO DE LA SELVA, EL MUSICAL

A partir del 10 de Febrero Domingos - 12:30 h.

 Mowgli y sus amigos te esperan en el Teatro Maravillas.

3ª Temporada en cartel de este divertido musical lleno de sorpresas. Un espectáculo altamente recomendable para ver y disfrutar en familia.
  Alejandro Olvera y María Pareja adaptan la obra de Rudyard Kipling convirtiéndolo en un musical para toda la familia. El reparto lo forman: Martín Maez, David Albadalejo, Guillermo Dorda, Blanca Rivera, Sara Martín, Jordi Cussi, Eva Olmo y Diego Torrico.   EL LIBRO DE LA SELVA, es un Musical pionero en el mundo, ya que incorpora el lenguaje de signos, sin compartimentar de este modo a discapacitados de no discapacitados. EL LENGUAJE DE SIGNOS SE INCORPORA COMO UNA COREOGRAFÍA QUE ACOMPAÑA A LOS PARLAMENTOS. Los actores interpretan de forma bilingüe, de tal forma que para los oyentes es expresividad y para los no oyentes, es texto. La obra narra, a través de un montaje enormemente dinámico, divertido y lleno de sorpresas, las aventuras de Mowgli, el niño rescatado de las garras del malvado tigre Shere Khan y criado por una manada de lobos. Un espectáculo altamente recomendable para ver y disfrutar en familia, que sumerge a los espectadores en un fantástica mundo que llega más allá del escenario; y en donde los niños aprenderán valores importantes. Al tiempo que disfrutan de una emocionante y divertida historia con casi 30 personajes, magia, números aéreos e inolvidables canciones, convirtiendo el escenario del Teatro Maravillas en una auténtica selva llena de magia.  

SINOPSIS

El pequeño Mowgli, el niño rescatado de las garras del maligno tigre Shere Khan y criado por lobos, crece feliz aprendiendo junto a sus hermanos lobos las Leyes de la Selva, que imparten los afamados educadores de lobeznos, Baloo el oso y Bagueera la pantera. Pero al cabo de unos años el vengativo Shere Khan regresa dispuesto a terminar con el cachorro humano al precio que sea. El Clan de los Lobos reunido con carácter urgente en el Consejo de la Roca, determinan que el único sitio donde puede estar a salvo del tigre, es el Poblado de los Humanos. Mowgli se niega a irse y escapa adentrándose solo en la jungla.     [caption id="attachment_5020" align="aligncenter" width="695"]El libro de la selva, el musical El libro de la selva, el musical[/caption]  

 TEATRO LA LATINA

 

Despedida QUE ME ASPEN Joaquín Reyes

28, 29 y 30 demarzo a las 20:30h.

Joaquín Reyes despide su espectáculo QUE ME ASPEN. Un show delirante y surrealista  dónde nuestro cómico hace un repaso a su carrera como artista.

“La hora chanante”, “Muchachada Nui” son  aquellos programas televisivos tan talentosos a los que el muchacho hará referencia sobre el escenario. Un show que supera el formato “monólogo” y dónde también se atreve a cantar y bailar. El teatro La latina acoge la despedida de un espectáculo que no caerá en olvido. Esta “despedida” se grabará integra (con  público) para su posterior edición en formato DVD , todo ello para el disfrute y deleite de todos nuestros fans. Más de 100 actuaciones en tres años con más de 125.000 espectadores que han disfrutado de este maravilloso espectáculo, y ahora, ustedes (la muchachada), tienen la oportunidad de darle una merecida despedida en estas tres últimas y únicas fechas.  

Fechas y horarios: 28, 29 y 30 demarzo a las 20:30h. en el  TEATRO LA LATINA