Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
NAVE 73
Todos los Jueves a las 21h
'Pero soñando volveré a ver las casitas de mi aldea; la ermita, para empezar una mañana a vivir, la fuente, para sufrir, y el río, para llorar.' Deseada
DESEADA
Adaptación de La ermita, la fuente y el río de Eduardo Marquina Compañía Tío Venancio y Artes Verbénicas
La compañía alcalaína Tío Venancio estrena Deseada, adaptación del texto de Eduardo Marquina La erminta, la fuente y el río. Para recuperar esta obra que no se representa desde hace décadas, se une a Artes Verbénicas, compañía que está dando mucho que hablar gracias a su reinterpretación del folclore nacional en un estilo que han definido como ‘neofolclore’ o ‘costumbrismo 2.0’. Jueves a las 21h. en NAVE 73
SINOPSIS
Deseada es una mujer en el ocaso de su juventud. Se espera de ella que a su edad finalmente se case. Sin embargo, un acercamiento al novio de su joven hermana, Lucia, creará un triángulo amoroso que unido a las murmuraciones propias del pueblo, harán que un día de romería y fiesta pueda acabar en tragedia. [caption id="attachment_18735" align="aligncenter" width="670"]
DESEADA[/caption]
FICHA
Alba Blanco Taín - Deseada Antía Lousada - Basilia Nanina Rosebud - Lucía / Quiteria Mario Marcol - Lorenzo / Rosario Martín Puñal - Manuel Pelayo Rocal - Bernabé / Flor de Harina Rubén - Álvaro Molero Autor: Eduardo Marquina Dirección: Luis Tausía y Mario Marcol Vestuario y escenografía: Pelayo Rocal y Antiel Jiménez Iluminación: Antiel Jiménez Diseño gráfico: Pelayo Rocal Composición musical "La solana de Santa Quintana RMX": Manuel Morales Composición musical "No me quieras tanto": Paula Ruíz y Alba Blanco Taín Producción: Martín Puñal y Alba Blanco Taín Agradecimientos: Ana Montes y Jose Luis Martín Fechas y horarios: Jueves a las 21h. en NAVE 73[button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/deseada_e297248/"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
SALA TÚ
Una comedia sobre los tiempos de esperpento político que nos ha tocado vivir
Tras haber producido la película Seis y medio (estrenada en el Festival de cine de Málaga) tenemos gato y Cristina Rojas, vuelven al teatro, con A bombo y platillo. Miércoles a las 20:30h en la Sala Tú.SINOPSIS
¿Qué pasa cuando decimos una cosa y hacemos la contraria? Normalmente rectificamos y ya está pero…¡Y si eres un político? A bombo y platillo es una comedia coherente sobre la clase política, una comedia naturalista sobre estos tiempos de esperpento, una comedia sugerente sobre la ambigüedad de las personas, una comedia tierna sobre la ambición y una comedia ambiciosa sobre la ternura... ¿Cuántas veces nos hemos descubierto defendiendo unas ideas y haciendo luego lo contrario? Normalmente se puede rectificar sin problema pero..., ¿pasaría lo mismo si fuéramos un líder político? Ése es el caso de la protagonista de A bombo y platillo, una lideresa cuya vida íntima puede reventar de forma definitiva su trayectoria política y profesional. A bombo y platillo es el primero de los monólogos que integran el proyecto ¿Cuchara o tenedor?, donde profundizamos en prejuicios que imperan en nuestra sociedad dándoles una vuelta de tuerca: la xenofobia, que la más de las veces se ceba en los pobres y disculpa a los pudientes; la homofobia, que en su versión más sutil “integra” al homosexual adjudicándole un rol y unas características llenos de prejuicios; y la igualdad de género, cuyo afán de equidad y compensación puede generar desequilibrios terribles.FICHA
Dramaturgia y dirección: Luis Felipe Blasco Vilches Ayudantía de dirección: Homero Rodríguez Soriano Asesoría de dirección: Julio Fraga Actriz: Cristina Rojas Escenografía y vestuario: Cristina Rojas Iluminación: Luis Felipe Blasco Vilches Realización de escenografía: El Baúl de las Niñas Coreografías: Mamen Camacho Música: Richard Bona, Billie Holliday, Paco Peña y Cheikh Lô Producción: Cristina Rojas Producido por: tenemos gato Prensa: Gran Vía Comunicación Fechas y horarios: Miércoles de septiembre, 20.30h (A partir del día 9) en la SALA TÚ DESCARGAR DOSSIER[button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/a-bombo-y-platillo_e297921/"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
LA ESCALERA DE JACOB
Tres amigas atrapadas en el asfixiante verano madrileño te esperan en La Escalera de Jacob La Latina
Después del éxito obtenido en julio, SIN VACACIONES prorroga su estancia en La Escalera de Jacob. Domingos a las 20h. Mireia Murguiondo, Rocío Monteagudo y Elena Sans protagonizan SIN VACACIONES, una obra de teatro desternillante escrita y dirigida por Juanmi Díez.SINOPSIS
Lara, Sonia y Marisol se han quedado sin vacaciones. La razón: no tienen ni un duro. No obstante, no se dan por vencidas. Están dispuestas a disfrutar de su merecido descanso aunque no haya playa, aunque se hayan quedado las tres solas en Madrid, y aunque una de ellas todavía no sepa que su amiga no está siendo del todo sincera. [caption id="attachment_18686" align="aligncenter" width="661"]
SIN VACACIONES[/caption]
FICHA
Autoría y dirección: Juanmi Díez Reparto: Mireia Murguiondo, Rocío Monteagudo y Elena Sans Fechas y horarios: Domingos a las 20h. en LA ESCALERA DE JACOB[button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/sin-vacaciones_e300725/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
Laboratorio Rivas Cherif (CDN) y Laboratorio de Creación (LAZONAKUBIK)
presentan
NORA, 1959
de Lucía Miranda
El Laboratorio Rivas Cherif del CDN y el Laboratorio de Creación LAZONAKUBIK se han unido para trabajar en torno a un laboratorio escénico de creación. Cuatro proyectos para investigar, trabajar, dialogar, compartir y equivocarse. Cuatro proyectos en construccción que han ido tomando forma y que se mantienen vivos. Fortune Cookie de Carlota Ferrer, Hard Candy de Julián Fuentes, Nora, 1959 de Lucía Miranda y Beatiful Beach de Antonio Ruz. NORA 1959 es una adaptación muy libre de Lucía Miranda (Perdidos en Nunca Jamás) de "Casa de muñecas" de Ibsen, con un reparto formado por Ángel Perabá, Rennier Piñero, Efraín Rodríguez, Belén de Santiago y Laura Santos. Un proyecto gestado en los Los laboratorios de creación durante varios meses de investigación. La Nora en la que centra el trabajo, nació en 1931 en España, justo el año en que la Segunda República concedía el voto a las mujeres. Se casó con 22 años, ya en el régimen franquista. ¿Quién era antes de conocer a Helmer, su marido? ¿Y quién es después? Uno de los ejes de investigación que vertebran la obra son el espacio sonoro y la radio en los años 50. Han trasladado la radio a la obra original, de manera que Nora tiene prohibido escuchar un serial de la radio muy famoso en la época que se llamaba En busca del culpable. Torvald, el esposo, cree que es más apropiado que escuche Ama Rosa, un serial romántico. "El tema es el mismo: qué es la libertad, dónde empieza y dónde acaba el derecho a hacer de nuestra vida lo que nos dé la gana" afirma Lucía MirandaSINOPSIS
Nora, 1959 nos introduce en la vida de la protagonista de La casa de muñecas de Henrik Ibsen, Nora Helmer. De esta manera, dibuja a Nora como una mujer soñadora de la postguerra que imagina con vivir grandes aventuras. Una recreación de la vida que Nora pudo tener una vez que abandonó a su marido y sus hijos. Con ello se muestran las posibles consecuencias del camino que eligió mientras se indaga aún más profundamente en la psique de una de las protagonistas femeninas más importantes de la historia teatral. Nora, 1959 nace en los laboratorios de creación LaZonaKubik en colaboración con el laboratorio Rivas Cherif del CDN. Hay que destacar fundamentalmente de este laboratorio dos ejes de investigación: la relación entre la radio y el espacio sonoro en la escena y la relación entre el teatro documental y Casa de muñecas de Henrik Ibsen. Para ello, durante cinco meses el equipo de Nora, 1959 conducido por Lucía Miranda ha participado de una serie de actividades como proyecciones de películas, charlas de profesionales, un laboratorio en la Cadena SER en directo con los oyentes, y dos talleres de Creación Sonora y Teatro Documental en colaboración con el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional abierto a los profesionales. Se han realizado dos muestras abiertas del proceso que se han podido seguir por streaming y ha habido ensayos abiertos a los que han acudido adolescentes del barrio de Usera. Sin duda, este largo y enriquecedor viaje en el proceso creativo es fundamental para abordar una propuesta diferente y llena de matices que podremos disfrutar en Nora, 1959.VER OBRA COMPLETA
NOTA DE LA DIRECTORA
Hace tiempo que al pensar en Nora, la protagonista de Casa de muñecas de Ibsen pienso en mi abuela. ¿Y si mi abuela fuera Nora? ¿Y si a través de Nora contáramos las historias de nuestras abuelas? Las vidas que Nora pudo vivir después de abandonar a su familia, quién era antes de conocer a su marido, quiénes fueron sus hijos cuando ella se fue, como hay una vida que no vives, porque elegiste otra. Nuestra Nora es una mujer ventanera de postguerra, pero en realidad, es una mujer de un cuadro de Hopper. Una mujer cualquiera, mirando a través de una ventana. Porque detrás de una ventana, hay siempre una aventura esperándote. Nora, desde el interior de su casa se conecta con la vida a través de la radio: escuchar a escondidas radionovelas policiacas, sorprenderse bailando en el salón, hacer de ella las canciones de la Piquer. Y que el público, sea el público de entonces, en un concurso en directo. Nora, 1959 habla del derecho de las personas a decidir qué hacer con su vida. En el siglo XIX y el XXI. El prodigio de nuestra versión, es que después del portazo, sale el sol.Lucía Miranda
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NORA, 1959 ©Pedro Gato[/caption]
DESCARGAR DOSSIER
- Lucia Miranda presenta "Nora 1959" , un laboratorio que expora el teatro documental - Cadena Ser
- Lucía Miranda presenta Nora, 1959 - ExPERPENTO
- El machismo que mató a nuestras abuelas - El Diario.es
- Una ‘Casa de muñecas’ durante el franquismo - El País
NORA, 1959 from LAZONAKUBIK on Vimeo.
TEATRO MARÍA GUERRERO
30 octubre al 29 de noviembre
Bangkok, del dramaturgo Antonio Morcillo, es la nueva producción del Centro Dramático Nacional, La Villarroel, y GREC 2015 Festival de Barcelona, estrenada el 27 de junio en La Villaroel y que llega el 30 de octubre al Teatro María Guerrero.
Dirigida por el mismo autor, Bangkok es una comedia negra protagonizada por Dafnis Balduz y Fernando Sansegundo. Antonio Morcillo narra en clave de tragicomedia la relación entre un vigilante de seguridad y un viajante que se presenta con un billete y maletas con la intención de volar a Bangkok, a un aeropuerto construido y abandonado en algún lugar de España. Bangkok es Premio SGAE 2013 y es la tercera vez que Morcillo recibe este galardón que concede anualmente la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), después de haber ganado las ediciones de 2001 con Despedida II y 2007 con En experimentos con ratas.SINOPSIS
En un aeropuerto vacío de la geografía española, aparece un misterioso anciano con un billete para volar a Bangkok. Allí se encuentra con la única persona que aún trabaja en esas instalaciones; un joven guardia de seguridad. Éste le informa de la imposibilidad de realizar el viaje que tenía planeado: En ese aeropuerto no hay aviones. Nunca los ha habído. Se trata de un aeródromo que a pesar de haber sido inaugurado, nunca ha estado operativo. Ante la incredulidad y la insistencia del viajero, el guardia le permite quedarse A partir de ese momento se inicia entre los dos un diálogo en que no sólo se cuestionarán sus vidas, sus trabajos y la situación política, sino que también, poco a poco, se revelará la auténtica naturaleza de su encuentro.NOTA DEL AUTOR
Bangkok es una obra sobre el destino. El exótico destino del sureste asiático al que se dirige uno de los personajes, El Viajero, pero también el ineluctable destino al que se dirige todo un país. Un país capaz de construir y mantener, sin aparente contradicción, toda una serie de aeropuertos donde no hay aviones a lo largo y ancho del territorio nacional. Además de urbanizaciones donde nunca vivirá nadie, hoteles sin huéspedes, museos sin obras de arte, ciudades deportivas donde no se practica ningún deporte, auditorios donde no se actúa y adónde el público no acude… Todos ellos aberrantes y estúpidos, sí, pero también perturbadores, pues no dejan de ser un espejo en el que contemplar parte de nuestra propia idiosincrasia: la imagen que expresa nuestra particular manera de diluir la razón para construir con sus despojos, grandes monumentos al esperpento. Si el carácter es el destino, como decía Heráclito, ¿qué nos dicen de nosotros mismos estos monumentos, de nuestro futuro y de nuestro pasado? ¿Qué revelan? En este sentido, Bangkok no es sólo un inquietante horizonte al que podríamos dirigirnos al final de la historia, sino también la expresión de esa oscura fuerza que parece perseguirnos desde tiempos inmemoriales. Fuerza hecha de resignación y pesimismo, de estulticia, de pérdidas y de lamentaciones. Contra ese destino escribí Bangkok. Con la esperanza de que, al nombrarlo, de alguna manera, lo estuviera conjurando, ya que justo en estos tiempos de aparente cambio y transformación, en el que la política puede convertirse otra vez en el apasionante instrumento con el que reflexionar y construir nuestras vidas en común, es necesario que tanto las viejas generaciones como las nuevas sepan de nuevo lo que siempre han sabido: que no estamos condenados a ningún destino y todos ellos son posibles. Depende de nosotros.Antonio Morcillo
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Bangkok ©David Ruano[/caption]
FICHA
Texto y dirección: Antonio Morcillo Escenografía: Paco Azorín Vestuario: Gimena González Buch Iluminación: Kiko Planas Espacio sonoro: Ramón Ciércoles Caracterización: Toni Santos Imagen: Pedro Chamizo Ayudante de dirección: Óscar García Recuenco Producción ejecutiva: Raquel Doñoro Diseño cartel: Isidro Ferrer Fotos: David Ruano Reparto: Dafnis Balduz y Fernando Sansegundo Coproducción Centro Dramático Nacional, La Villaroel y Grec 2015 Festival de Barcelona Fechas y horarios: Viernes 30 octubre a domingo 29 noviembre de 2015 martes a sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas en el TEATRO MARÍA GUERRERO DESCARGAR DOSSIER[button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=4&idEspectaculo=30"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
SALA AZARTE
“15 minutos de fama…” (EL CASTING)
o cómo ser actor y no morir en el intento
Domingos a las 17h. en la Sala Azarte
El lado más desconocido de los actores se descubre en 15 minutos de fama… El Casting
El artista Andy Warhol aseguraba que en el futuro todos tendríamos derecho a nuestros quince minutos de fama… A partir de cinco textos del autor Juan Carlos Rubio recogidos bajo el título de Obra Breve, esta obra nos introduce en el mundo más desconocido y más temido por los actores: el casting. Dirigida por el director de casting televisivo, Carlos Manzanares, está interpretada por Salva Buitrago, Susana Garrote, David Carrillo e Isabel Dimas. 15 minutos de fama… El casting se representa los domingos a las 17h. en la Sala Azarte.SINOPSIS
Una emotiva comedia donde descubriremos que los actores no solo buscan quince minutos de fama, como dijo Andy Warhol, sino que necesitan el reconocimiento continuo para vivir de su trabajo. Para poder reafirmarse en su vocación, tienen que ser juzgados, probados… deben demostrar todos los días que tienen talento, que poseen carisma. Y solo hay una forma de hacerlo: En un CASTING, otro CASTING, otro CASTING, otro CASTING, otro CASTING, otro CASTING…..!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Una emotiva sorpresa final, que evidentemente no podemos desvelar, pone el broche de oro a esta obra en la que el público pasará por un amplio espectro de emociones.FICHA
Textos: Juan Carlos Rubio Dirección: Carlos Manzanares Prensa: Fila Séptima Reparto: Salva Buitrago, Susana Garrote, David Carrillo e Isabel Dimas Fechas y horarios: Domingos a las 17h. en la SALA AZARTE[button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/15-minutos-de-fama-el-casting_e296903/"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
CUARTA PARED
Del 22 de septiembre al 10 de octubre 2015 en la Cuarta Pared
Cinco coreógrafas en un programa único
La décima segunda edición de Territorio Danza, con tres semanas de programación y seis programas distintos, se convierte de nuevo en la primera gran cita de la danza de esta temporada.
Luz Arcas, Isabel Vázquez, Susanne Linke, Poliana Lima y Carmen Werner protagonizan este Festival donde coreógrafas de tres generaciones distintas celebrarán la variedad y la vitalidad del panorama dancístico nacional e internacional.
FIESTA DE APERTURA
Territorio Danza cumple 12 años celebrando la variedad y la vitalidad del panorama dancístico nacional e internacional. El 22 de septiembre a las 21h. se inaugura el festival con piezas de danza urbana y un cóctel variado de artistas, sin descartar la improvisada espontaneidad de todos los asistentes.
Entrada gratuita previa reserva hasta completar aforo
LA VOZ DE NUNCA - De 24 a 26 de septiembre – 20h
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LA VOZ DE NUNCA[/caption]
Cía La Phármaco presenta LA VOZ DE NUNCA Inspirada en Esperando a Godot, de Samuel Beckett.
¿Cómo se baila el universo de Beckett? La voz de nunca trata de llevar a escena la “danza del absurdo“, en una obra donde confluyen movimiento, palabra y música interpretada en directo. Luz Arcas y su compañía La Phármaco recuperan el concepto clásico de ceremonia escénica: el espectáculo total, donde los elementos expresivos se reúnen y se afinan en una misma tonalidad, comprometida con el mensaje.
La música original toma como punto de partida el Claro de Luna de Beethoven y la Sonata para viola de Shostakovich.
La obra es una co-producción con la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, cuenta con el apoyo del Centro de Danza Canal, el patrocinio de la firma Tenkey.
Coreografía: Luz Arcas Intérpretes: Luz Arcas, Begoña Quiñones, Ignacio Jiménez, Juan Manuel Ramírez, Composición e interpretación musical: Carlos González Dirección y Dramaturgia: Luz Arcas y Abraham Gragera
Trailer ensayos La Voz de Nunca from la phármaco on Vimeo.
SUSANNE LINKE: LA BAÑERA (Documental y encuentro) - 28 de septiembre – 20h.
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SUSANNE LINKE: LA BAÑERA. Foto de Bettina Stöss[/caption]
Territorio Danza se suma a la iniciativa Territorios Teatrales Transitables (encuentro internacional sobre teoría y práctica de las artes escénicas) organizado por Resuidi Teatro ofreciéndonos extraordinariamente la presencia de Susanne Linke y el documental inédito en España “Susanne Linke - La Bañera” sobre su trayectoria y sobre la transformación en el cuerpo del bailarín a través de la repetición de la misma pieza de danza-teatro con la distancia de 10, 20 y 30 años desde su creación. Tras la presentación tendrá lugar una charla con la coreógrafa.
HORA DE CIERRE - 29 y 30 de septiembre – 21h.
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HORA DE CIERRE[/caption]
¿Cómo se atrapa un instante?¿Ese momento?¿Cómo puedo retrasar el fin?
Este solo es una hermosa apuesta de celebración de la madurez artística y vital, del placer de bailar más allá del virtuosismo, más allá de un cuerpo entrenado para la danza. Agitadora de la creación contemporánea en Andalucía, Isabel Vázquez ha colaborado con 10 & 10 Danza, Lanónima Imperial, Emio Greco, Ramón Oller o Nigel Charnock.
Idea, coreografía e interpretación: Isabel Vázquez Codirección: Paloma Díaz, Isabel Vázquez
Distribución: Elena Carrascal
ATÁVICO - 3 y 4 de octubre – 21h.
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ATÁVICO[/caption]
¿Cuál es la huella de una dictadura? ¿Cómo grita el silencio dentro de nosotros?
Concepción, dirección y coreografía: Poliana Lima Intérpretes: Aitor Galán, Lucía Marote, María Pallares y Poliana Lima Música: Vidal. Iluminación: Pablo R. Seoane Producción: Carmen Fernández Training: Nina Savidi y Stefano Fabris
Compañía Poliana Lima
NOCHE DE SOLOS - 6 y 7 de octubre – 21h.
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NOCHE DE SOLOS[/caption]
El primer solo, Así sucedía con todo, será interpretado por Martin Inthamousso mientras la segunda pieza del programa, titulada En blanco, por la misma Carmen Werner.
Programa doble
Así sucedía con todo Intérprete: Martin Inthamoussu Música: colage musical Carmen Werner Coreografía, espacio escénico y banda sonora: Carmen Werner
En blanco Coreografía e interpretación: Carmen Werner lluminación: Pedro Fresneda Banda sonora:Carmen Werner
Compañía Provisional Danza
DEBERÍAS QUEDARTE - De 8 a 10 de octubre – 21h.
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DEBERÍAS QUEDARTE[/caption]
Estreno absoluto de la nueva producción de la Compañía Provisional Danza.
Coreografía: Carmen Werner Ayudantía de dirección: Daniel Abreu y Taiana Chorot Intérpretes: Tatiana Chorot, Laura Cuxart, Cristian Lopez, Alejandro Morata, Carmen Werner Música: Luis Martinez Diseño de iluminación: Pedro Fresneda Fotografía: Fredo Bleda, Patricia Villanueva Diseño gráfico: Rocio Rivera
Compañía Provisional Danza
Reserva y compra de entradas: Tlf. 91 517 23 17
NAVES DEL ESPAÑOL
Club Canibal
presenta
DESDE AQUÍ VEO SUCIA LA PLAZA
Del 30 de septiembre al 10 de octubre
(más…)TEATRO KAMIKAZE
Buxman Producciones y Kamikaze Producciones presenta
LA CLAUSURA DEL AMOR
escrita y dirigida por Pascal Rambert con Bárbara Lennie e Israel Elejalde
Del 13 de enero al 3 de febrero de 2017
La clausura del amor es un empeño personal de los actores Israel Elejalde y Bárbara Lennie y del productor Jordi Buxó de llevarlo a escena. Una obra que no ha dejado indiferente a los espectadores que han abarrotado las salas desde su estreno y que ahora llega al Teatro Kamikaze.
LA CLAUSURA DEL AMOR de Pascal Rambert se estrenó del 23 al 26 de julio de 2015 en el Festival de Barcelona Grec 2015, en el Teatre Lliura Gràcia. En Madrid se pudo ver del 11 al 15 de noviembre en el Festival de Otoño de Madrid en los Teatros del Canal. El 13 de enero de 2017 llegan al Teatro Kamikaze. ¿Qué es lo que amamos cuando amamos? ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? El dramaturgo galo Pascal Rambert compone una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón entre Bárbara Lennie e Israel Elejalde. Escrita y dirigida por el dramaturgo y director de escena francés Pascal Rambert, La clausura del amor es una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón, una cuchillada en las entrañas que destroza aquello que una vez prometió ser eterno. En la obra, el público descubre una percepción tan hermosa como violenta del amor, una disertación sobre nuestra condición humana y los recovecos del sexo, la ternura y los recuerdos. El autor y director francés dirige por última vez, la primera en castellano, su pieza más representada. Es la crónica de una ruptura interpretada por una pareja real en su mejor momento profesional. El público del Festival de Aviñón se quedó sin aliento cuando, en 2011, asistió al estreno del entonces nuevo montaje del autor y director de escena Pascal Rambert. En el texto que firmaba y dirigía, sometía a una pareja a una ruptura sentimental, una conversación durísima en la que los protagonistas se intercambiaban monólogos que expresaban la violencia de un amor en proceso de defunción. Miedo y liberación se mezclan en la desgarradora charla de la pareja, un combate devastador y sin piedad entre un hombre y una mujer que mantiene la intensidad hasta las últimas frases. El propio Rambert ha dirigido representaciones del montaje en varios países, siempre pidiendo que sean parejas reales las que interpreten a los personajes. Esta vez se trata de Bárbara Lennie e Israel Elejalde, una pareja en su mejor momento profesional que destroza el amor a dentelladas. [caption id="attachment_40933" align="aligncenter" width="700"]
La clausura del amor © Josep Aznar[/caption]
En primera persona
Una pareja clausura su amor. Él rompe el hielo y expone sus argumentos, sus quejas, su dolor, su rabia, su amor durante casi una hora. Sin interrupciones. Con un lenguaje preciso, quirúrgico, torrencial, apenas hay pausas, las frases son largas, se encadenan entre sí, las palabras se reformulan, habla sin rodeos. “¿Quién habla así hoy en día? ¡Pues yo hablo así!”, dice. Rememora los momentos pasados juntos, no todo ha sido malo pero él se siente prisionero en esa relación, atrapado en una red. La relación se ha convertido en un mausoleo. Como en muchas parejas, el momento de la separación les transforma, las palabras se vuelven violentas y saben dónde hacer daño, pero es que “los seres humanos se hacen estas cosas”. No quiere nada material, solo una silla y un dibujo y por supuesto, a sus hijos, que no van a ser una mercancía porque, si ella es una loba, él es un lobo. Poco a poco, con sus palabras se va construyendo su barrera de protección, su cercado, su clotûre. Mientras, ella encaja los golpes sin decir ni una palabra, mirándole de frente. A veces no puede más y se derrumba y él le exige que se levante, que no muestre su debilidad. Debe escuchar todo lo que tiene que decirle, porque ella es fuerte. Adelante, es la guerra, una guerra cuerpo a cuerpo, como la de los soldados de Napoleón, una guerra de bayonetas.Pero cuando él termina de hablar y hace intención de irse, ella le detiene. Tras lo que acaba de escuchar debe de estar destrozada y no crees que pueda recuperarse pero sí, sí puede. Y no, no va a marcharse así como así, ahora le toca a ella rebatirle, criticarle, reprocharle, dispararle. No da crédito, no reconoce a la persona que tiene delante: “¿De dónde sacas esas expresiones? ¿Qué es ese nuevo lenguaje?”.Y le desmonta todos sus argumentos, le muestra su visión de la relación, más pasional y más tierna. Ella no quiere nada material, se queda solo con instantes vividos y palabras dichas. Y no va a entrar en su guerra porque en el fondo, siente pena por él porque su castigo será la soledad. Para Pascal Rambert, es una obra donde “lo más importante es el lenguaje, esencialmente es texto, la forma en cómo usamos el lenguaje en determinadas circunstancias es más efectiva que la tortura física. Las palabras dichas actúan sobre el cuerpo con dureza, y podemos ver cuál es el efecto del lenguaje, que sale de un cuerpo, atraviesa un espacio y llega al cuerpo del otro”. Es una ruptura pero nunca antes habíamos visto a una pareja romper así, no hay tópicos, el lenguaje es nuevo, él quiere “reparametrizar su relación”, “cambiar los códigos” ante la sorpresa de ella: “Noto tu cuerpo queriéndome arrancar la lengua con todas sus fuerzas, queriendo asesinar mis elementos de lenguaje”, dice él. Una pareja clausura su amor y te hechiza y absorbe.Coto Adánez Traductora y adaptadora de la obra
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Bárbara Lennie e Israel Elejalde en La clausura del amor. © Josep Aznar[/caption]
FICHA
Dramaturgia y dirección: Pascal Rambert Traducción y versión: Coto Adánez (36caracteres) con la colaboración de Miguel del Arco. Escenografía: Eduardo Moreno Iluminación: Pau Fullana Vestuario: Sandra Espinosa Tocados: Clara Gortázar Ayudante de dirección: Fernando Sánchez-Cabezudo Ayudante de producción: Pablo Ramos Dirección de producción: Jordi Buxó y Aitor Tejada Mánager de la gira: Léa Béguin Fotografía: Fede Serra Alta Reparto: Israel Elejalde, Bárbara Lennie Una producción de Buxman Producciones y Kamikaze Producciones En coproducción con el Grec 2015 Festival de Barcelona y el XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Fechas y horarios: Del 13 de enero al 3 de febrero de 2017 en el TEATRO KAMIKAZE Viernes 13 y 27 de enero, 22 horas Sábados 14 y 28 de enero, 21 horas Domingos 15 y 29 de enero, 20 horas Miércoles 18 de enero, 20 horas Jueves 19 de enero, 22 horas Miércoles 1, jueves 2 y viernes 3 de febrero, 20 horas [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0006/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]- Combate a dos asaltos - Marcos Ordóñez
- Israel Elejalde y Bárbara Lennie: cuerpo a cuerpo - El País
- En escena - 'La clausura del amor'
- La sala - Un rato con Israel Elejalde
- Barbara Lennie e Israel Elejalde en Atención obras
- La deconstrucción de un cobarde - El País
- Abrasador amor marchito - Marcos Ordóñez
- La clausura del amor - Elisa Díez (BUTAQUES I SOMNIS)
- La clausura del amor - David García Vázquez (Desde el patio)
- Cuando el escenario eres tú - Liz Perales
- «La clausura del amor»: la destrucción o el amor - ABC
- ‘La Clausura del Amor’, o demolición - Hugo Álvarez. Butaca en anfiteatro
https://www.youtube.com/watch?v=tuLjFWXUfxo&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO MARQUINA
Del 20 de enero al 21 de febrero
El Teatro Marquina acoge la segunda temporada de esta genial comedia durante cinco únicas semanas.
“Los españoles no seremos felices, hasta que no acabemos de una vez para siempre con Los Caciques.”
Vuelven LOS CACIQUES de Carlos Arniches en el 150 aniversario del nacimiento del autor, y vuelve Ángel Fernández Montesinos a dirigir la obra, tras el gran éxito que tuvo su montaje en 2001. Y tras poner el cartel de "No hay localidades" en el Teatro María Guerrero este verano. La versión actualizada por Juanjo Seoane y Ángel Fernández Montesinos de la obra de Arniches se podrá ver en el Teatro Marquina a partir del 20 de enero de 2016. Para el decano de la dirección escénica de nuestro país esta versión: “Conserva su esencia y su actualidad es indudable, desgraciadamente. Nos encontramos en una ciudad de provincias con un ayuntamiento que lleva 20 años gestionando los presupuestos de una forma alegre y quizá corrupta. De pronto reciben la noticia de que va a venir un inspector de la capital. Vemos el terror que se apodera de ese alcalde y asistimos al enredo maravillosamente urdido por Arniches. Este enredo demuestra que el humor es un arma muy eficaz para retratar los problemas de la sociedad”. Al público le va a sorprender la actualidad de algunas escenas: “Va a creer que se han escrito ahora mismo y están escritas en el año 1920”. Todo ello subraya la vigencia de un autor que el tiempo ha puesto en su lugar. Todo un clásico, imperecedero como tal que ha vuelto a conectar con el público que ha llenado el emblemático Teatro María Guerrero de Madrid poniendo el cartel de "No hay localidades". Producida por GRUPO MARQUINA para SIEMPRE TEATRO. Con dirección de Ángel F. Montesinos y un reparto formado por Víctor Anciones, Marisol Ayuso, Juan Calot, Fernando Conde, Óscar Hernández, Alejandro Navamuel, Elena Román, Raúl Sanz, Juan Jesús Valverde. Los caciques de Carlos Arniches, fue estrenada en el Teatro de la Comedia el 13 de febrero de 1920. Ha sido representada en numerosas ocasiones, incluido en el mítico Estudio 1 en 1976.NOTA DEL DIRECTOR
Entre la colección de sainetes, farsas y comedias creadas por Don Carlos Arniches, (Alicante, 11 de octubre de 1866- Madrid 16 abril de 1943) siempre me interesaron, entre toda su producción, dos títulos que alcanzaron centenares de representaciones en su época y que contienen una profunda crítica social: La señorita de Trevélez y Los Caciques, esta última, estrenada en el Teatro de la comedia de Madrid en 1920. ¿Porqué vuelven ahora a los escenarios Los Caciques? La respuesta es bien sencilla, por su rabiosa actualidad. En la misma raíz de la obra, en su temática reside su actualización. Es una comedia de enredo pero con una soterrada crítica social y política, donde se demuestra, una vez más, que el humor es un poderoso instrumento para combatir los defectos de una sociedad. Cuando escribe Carlos Arniches la comedia, en su reparto figuraban 23 personajes. En aquellos años los dueños de los teatros, que a la vez eran empresarios de compañía, solicitaban a los autores obras destinadas para las compañías numerosas llamadas: Compañía Titular. Eran otros tiempos…. Yo, años más tarde tuve el privilegio de dirigir en el 2001, una versión tradicional de esta comedia, subrayada con los trajes y escenografía de Antonio Mingote. Pero los tiempos cambian. ¿Cómo hacer que Los Caciques puedan volver a la escena, con su humor, sus personajes y su sátira feroz? Escribiendo una nueva versión respetando el espíritu del autor, conservando los mejores diálogos, sus principales personajes y eliminando otros pero no sus parlamentos. Siguiendo, en fin, su trama, siendo totalmente fieles a la obra de Arniches para demostrar, una vez más, que el humor es un instrumento tan válido como otros para elaborar una profunda crítica social desde el escenario. Imaginen una ciudad de España, una cualquiera, en la que un Ayuntamiento administra el dinero de los contribuyentes de una manera digamos “ligera” y evidentemente “corrupta” y sigamos imaginando que un buen día, anuncian la llegada de un Inspector enviado por el Gobierno para revisar las cuentas… Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia… Los caciques divierten dejando una reflexión, como dice el protagonista al final de la obra: “Los españoles no seremos felices, hasta que no acabemos de una vez para siempre con Los Caciques.”Ángel Fernández Montesinos
SINOPSIS
Érase una vez, en una pequeña ciudad de España, un partido político y su alcalde llevan más de treinta años ejerciendo el caciquismo y la corrupción. Se les notifica la llegada de un inspector del gobierno, que debe analizar sus cuentas. El alcalde siguiendo su tendencia natural, se propone comprar la voluntad del inspector con todo tipo de agasajos, homenajes, regalos y dinero. Sin embargo, aparecen en la ciudad un sobrino y su tío, con intención de solicitar la mano de la sobrina del alcalde. Éstos son confundidos por el inspector del gobierno, provocando todo tipo de divertidos malentendidos. [caption id="attachment_21446" align="aligncenter" width="701"]
LOS CACIQUES ©marcosGpunto[/caption]
FICHA
Dirección: Ángel F. Montesinos Versión: Juanjo Seoane / Ángel F. Montesinos Escenografía y vestuario: Alfonso Barajas Diseño de luces: Juan Gómez Cornejo Diseño Gráfico: Pedro Pareja Videoescena: Álvaro Luna Iluminación: Carlos Alzueta Cartel: Isidro Ferrer Fotos: marcosGpunto Distribución: Iraya Producciones Reparto: Víctor Anciones, Marisol Ayuso, Juan Calot, Fernando Conde, Óscar Hernández, Alejandro Navamuel, Elena Román, Raúl Sanz, Juan Jesús Valverde. Producida por GRUPO MARQUINA para SIEMPRE TEATRO Fechas y horarios: Del 20 de enero al 21 de febrero de martes a jueves 20:00 horas, viernes y sábado 19:00 y 21:15 hrs, y domingo 18:30 horas en el TEATRO MARQUINA DESCARGAR DOSSIER DESCARGAR CUADERNO PEDAGÓGICO Twitter: Caciquesteatro[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
GRAN TEATRO PRÍNCIPE PIO
NANO CABARET
27 de enero a las 19h. y 25 de marzo a las 18:30h.
Creado e interpretado por Natalia Calderon y Maxi Mendia. Dirigido por David Ottone (Yllana)
David Ottone de Yllana dirige este Cabaret alocado y musical, que gira entorno al mundo de la mujer y sus tribulaciones. Espectáculo con canciones, humor y mucho sentimiento.
Nano Cabaret está estructurado en forma de sketches . Cuenta con una docena de temas musicales cantados en directo, que van desde el jazz, la copla, el rap, el pop y el musical más clásico, salpicados de ingeniosos monólogos y situaciones delirantes, y con hueco hasta para la parodia de artistas de antaño. En Nano Cabaret se hace un divertido repaso a la situación de la mujer en nuestra sociedad a través del ingenio de la palabra y de la emoción que provoca la música.
Dirigido por David Ottone, miembro de la compañía Yllana, e interpretado por Natalia Calderon, actriz, compositora y cantante de jazz. Creadora de proyectos musicales tan sólidos como Natalia Calderón Quartet y Groove Box y Maxi Mendia, actor y cantante, destacando su trabajo en el coro Gospel Funk Inside Voices (dirigido por la emblemática cantante Sheilah Cuffy).
Juntos han puesto en pie un espectáculo con un ritmo trepidante, lleno de humor y buena música, hecho con la idea en entretener, emocionar y divertir.
Máximo Mendía San Juan
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Máximo Mendía San Juan[/caption]
Asturiano de nacimiento y madrileño de adopción. Este actor, cantante y cómico tiene tras de sí una larga carrera profesional en la que ha cautivado a todo tipo de público en los más diversos proyectos.
Ha formado parte de importantes grupos vocales, destacando su trabajo en el coro Gospel Funk Inside Voices (dirigido por la emblemática cantante Sheilah Cuffy). Durante varias temporadas ha sido cantante solista en varias Orquestas tan relevantes como Avalancha o Alcatraz.
Ha formado parte del elenco de importantes musicales en España como We Will Rock You (en el papel de elenco y cover de Kashogi) y Hoy no me puedo levantar (como papel de Churchi).
En teatro destacar su participación en la obra El ojo en el bosque de Juan Mayorga, proyecto de teatro experimental (narrador - bufón) , Edipo Rey de Sófocles representado en el Festival de Teatro de Mérida y dirigido por Jorge Lavelli (coreuta). Ha grabado colaboraciones para publicidad (Movistar 11822, voz masculina cadena dial, etc) y televisión.
En su formación académica destacar el curso de performance con Marceli Antúnez (Fura dels Baus) y Cuco Suárez.
"Entusiasta y entregado a esta profesión tan ingrata a la que tanto tengo que agradecer".
Natalia Calderón
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Natalia Calderón[/caption]
Cantante, compositora y actriz madrileña. Grado Superior en Jazz - Especialidad Voz, en el Centro Superior de Música del País Vasco. Creadora de proyectos musicales tan sólidos como Natalia Calderón Quartet y Groove Box, con los que ha viajado a diversos escenarios de Europa, Asia y América Latina.
Cursa estudios en técnica Chekhov junto a Graham Dixon en Londres (Michael Chekhov Studio London) y continúa su formación hasta el momento presente asistiendo a los diversos talleres impartidos en españa, también en calidad de traductora.
Realiza entrenamiento ante la cámara junto a Eduardo Chapero-Jackson (Máster El Actor Frente a la Cámara) y Javier Luna.
Desde 2013 realiza el Curso anual de Laboratorio Teatral sobre la obra de Shakespeare bajo la dirección de Borja Cortés. También ha estudiado junto a Pablo Paz (Técnica Actoral para Cantantes), Alberto Quirós (Clown), Borja Cortés (Improvisación), Agustín Arrazola (Comedia dell’arte), Jasone Alba (Consciencia corporal y reconducción postural) y Yolanda Monreal (interpretación), entre otros.
FICHA
Creado e interpretado: Natalia Calderón y Maxi Mendia Dirigido: David Ottone (Yllana) Producción Musical: Willy López (Lateral ideas), José Mora y Bulbul Fotografía: Loren Martín-Trepidarte Diseño Gráfico: RoMa Gonzalesáenz Fechas y horarios: 27 de enero a las 19h. y 25 de marzo a las 18:30h. GRAN TEATRO PRINCIPE PIO [button link="http://bit.ly/2jroFww" newwindow="yes"] COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO LARA
Papá es Peter Pán y lo tengo que matar de Ramón Paso y con Eloy Arenas
LUNES EN EL TEATRO LARA
Risa inteligente en el siglo del materialismo.
Papá es Peter Pán y lo tengo que matar, llega en agosto al Teatro Lara. Eloy Arenas (que continú en su cuarto año en BURUNDANGA) interpreta este monólogo cómico, ácido y feroz de Ramón Paso; descubriendo qué es lo importante, por qué vale la pena luchar y qué cosas da igual que te robe una prostituta o no. Buscando un montaje sencillo, basado en el humor, el texto y un solo actor en el escenario, Papá es Peter Pan y lo tengo que matar busca la efectividad por encima del efectismo y la sinceridad antes que los artificios. Utilizando como base la trayectoria y el estilo de Eloy Arenas - alma y corazón de este monólogo -, y su gusto por la provocación inteligente, presentan un montaje como una conversación íntima entre él mismo, como actor - el personaje, en realidad -, y el público. El público, más en su papel de voyeur que nunca, observa a César, el personaje, desde el agujero de una imaginaria cerradura, mientras él se debate entre las acusaciones de las mujeres de su vida.SINOPSIS
César se despierta una mañana y comprueba que una prostituta, a la que él mismo tuvo la insensatez de meter en su casa, le ha desvalijado, llevándose todos los objetos que le definían como ser humano. El robo actúa como detonante de una serie de conversaciones en las que César ve redefinidas sus relaciones con su mujer, su amante y su hija adolescente. Eloy Arenas interpreta este monólogo cómico, ácido y feroz, descubriendo qué es lo importante, por qué vale la pena luchar y qué cosas da igual que te robe una prostituta o no. Risa inteligente en el siglo del materialismo.
César es un triunfador, adicto a sí mismo, convencido de que su éxito social le aleja del fracaso que padeció su padre – un pobre desgraciado que condujo un taxi toda la vida – y que cifra las expectativas de su vida en lo que ha podido comprar con dinero. César es un infeliz que no se ha enterado de nada de lo que es importante en la vida. Un hombre que presume de filósofo urbano y que, en el fondo, no es nada más que un infeliz que no logra quererse a sí mismo.