Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

Hamlet de Kamikaze

HAMLET

La Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamikaze Producciones presenta

HAMLET

de William Shakespeare Dirección y Versión: Miguel del Arco

  • Con una puesta en escena tenebrosa, delicada y de profundo calado psicológico, Del Arco revisa la historia del traicionado príncipe danés, interpretado por Israel Elejalde.
Pirandello, Gorki, Molière... y llegó la hora de Shakespeare. Las palabras de Hamlet y Kamikaze juntas en un mismo proyecto tienen tantos alicientes que se convirtió en uno de los acontecimientos teatrales más esperados. Tras su exitoso paso por el Teatro de La Comedia, HAMLET, en versión y dirección de Miguel del Arco, llegó al Teatro Kamikaze, llenado otra vez todas sus funciones.Un texto fundamental de la historia de la dramaturgia en versión de uno de los directores contemporáneos más aplaudidos de nuestra escena. Hamlet, la gran tragedia de William Shakespeare revisada y dirigida por Miguel del Arco para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que la pasada temporada agotó todas las localidades antes de su estreno.HAMLET de Shakespeare, con versión y dirección de Miguel del Arco. Israel Elejalde (Hamlet), Ángela Cremonte (Ofelia), Cristóbal Suárez (Laertes), José Luís Martínez (Polonio), Daniel Freire (Claudio), Jorge Kent (Horacio) y Ana Wagener (Gertrudis) forman el reparto. Una coproducción de La Compañía Nacional de Teatro Clásico y Kamikaze Producciones.Miguel del Arco desafía el canon interpretativo tradicional para plantear una versión poliédrica y desestructurada de la tragedia de William Shakespeare, donde el respeto por el verso original no está reñido con valientes y expresivas actualizaciones.Siete intérpretes, una cama, proyecciones en vídeo y una cortina que se abre y se cierra indistintamente le sirven a Del Arco para reescribir la historia del traicionado y atormentado príncipe danés. Y lo hace al servicio de una puesta en escena heterodoxa, tenebrosa y de profundo calado psicológico, capaz de transmitir todo el dolor, el terror, los impulsos homicidas y el ansia de venganza de nuestro desconsolado y atormentado protagonista, un Israel Elejalde a pecho descubierto que deambula con sus contradicciones y fantasmas interiores por un escenario que, a ratos, podría funcionar como una prolongación de su propia mente. Porque Hamlet abraza la locura y la ironía como las formas más nobles de dar sentido a su existencia, aun cuando eso suponga renunciar al amor verdadero, rebelarse contra un nuevo monarca, repudiar a una madre que ya no reconoce como tal o batirse en un duelo de esgrima florete en mano. “Me muero, me muero. Estoy muerto”.[caption id="attachment_41058" align="aligncenter" width="700"]HAMLET de Miguel del Arco en el Teatro Kamikaze HAMLET. KAMIKAZE PRODUCCIONES[/caption]

NOTA DEL DIRECTOR

Enfrentarse a Hamlet tiene algo suicida, lo que no es una mala premisa de partida ni para mí, que soy un Kamikaze, ni para el Príncipe, cuya conciencia anhela en no pocas ocasiones darse muerte para dejar de sufrir.Pero como dice Harold Bloom, Hamlet «tiene una mente tan poderosa que las actitudes, los valores y los juicios más contrarios pueden coexistir dentro de ella coherentemente». El ser y el no ser a un mismo tiempo y de forma tan ilimitada como él mismo es capaz de pensarse, el sueño de una conciencia infinita. Un poema ilimitado habitado por un personaje ilimitado sobre un escenario que es puro espacio mental. ¡Alto! Si lo sigo pensando, tal vez sea incapaz de seguir adelante… O tal vez siga adelante y no sea capaz de pensar. La contradicción no ha hecho más que empezar. Me agarro a la frase de Nietzsche: «¡Contradícete a ti mismo! Para vivir es necesario permanecer dividido».Miguel del Arco

SINOPSIS

Hamlet es el príncipe de Dinamarca, un reino en crisis tras la muerte prematura e inesperada de su padre, el buen rey Hamlet. Cuando al príncipe se le aparece el fantasma de su padre diciéndole que ha sido asesinado por su hermano Claudio, tío de Hamlet, el príncipe se debate entre la obligación de vengarse y su conciencia, y se viene abajo su vida. Desesperado por el conflicto en el que se ve y muy triste por la actitud de su madre, busca señales de culpa en su tío. Hamlet acuerda con una compañía de cómicos la representación de la obra La muerte de Gonzago con unos versos intercalados añadidos por él para en realidad poner en escena la muerte de su padre y espiar la reacción de su tío.Sin embargo, es al final de la tragedia cuando por fin Hamlet tiene evidentes y palpables pruebas contra Claudio y por fin lo ejecuta.[caption id="attachment_30023" align="aligncenter" width="750"]HAMLET - KAMIKAZE PRODUCCIONES HAMLET - KAMIKAZE PRODUCCIONES[/caption]

16 Festival de Teatro Clásicos en Alcalá

 

La decimosexta edición del Festival de teatro Clásicos en Alcalá (Madrid) tendrá lugar del 9 de junio al 3 de julio y se desarrollará en 12 espacios distintos de la ciudad.

PROGRAMACIÓN

 

TEATRO SALÓN CERVANTES

 

RICARDO III De William Shakespeare - Estreno Absoluto

[caption id="attachment_30017" align="aligncenter" width="321"]RICARDO III - NOVIEMBRE TEATRO RICARDO III - NOVIEMBRE TEATRO[/caption] 

Tras una larga guerra civil, Inglaterra disfruta de un inusitado periodo de paz bajo el reinado de Eduardo IV. Ricardo, duque de Gloucester, tras relatar la manera en que se ha producido la ascensión al poder de su hermano, revela su envidia y sus ambiciosos deseos. Él, jorobado y deforme, no se conforma con su estado y planea conseguir el trono a cualquier precio, eliminando todos los impedimentos que pueda encontrar en el camino.

Detiene el cortejo que acompaña el cadáver del difunto Enrique VI, y consigue sosegar a su viuda, Lady Ana Neville, manipulándola y consiguiendo que acceda a comprometerse con él en matrimonio; será el principio de un camino lleno de crueldades. El siguiente paso será asesinar a su propio hermano Jorge, y deslegitimar al rey, consiguiendo alcanzar el trono con el beneplácito de su madre.

A partir de ese momento, Ricardo inicia una cadena de asesinatos para afianzar su posición. La aparición de los fantasmas de sus víctimas será el prólogo del desastre que se avecina, augurándole desesperación y muerte.

La batalla de Bosworth, en la que pronuncia la famosa frase «mi reino por un caballo», será el escenario de la derrota y muerte del rey  Ricardo III.

 

CIA. NOVIEMBRE COMPAÑÍA DE TEATRO

Dirección: Eduardo Vasco Versión: Yolanda Pallín Vestuario: Lorenzo Caprile Escenografía: Carolina González Iluminación: Miguel Ángel Camacho

Ricardo: Arturo Querejeta Margarita / Duquesa: Charo Amador Buckingham: Fernando Sendino Reina Isabel: Isabel Rodes Clarence / Stanley / Ciudadano1: Rafael Ortíz Lady Ana / Duque de York: Cristina Adua Hastings / Ciudadano 3 / Richmond: Toni Agustí Ratcliff / Principe de Gales: José Luis Massó Asesino1 / Rey Eduardo / Catesby: José Vicente Ramos Pianista / Grey / Arzobispo (Cardenal) / Tyrrel: Jorge Bedoya Brakenbury / Rivers / Alcalde: Guillermo Serrano

Jueves 9 y viernes 10 de junio 21:00 h.
 
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TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS De William Shakespeare

[caption id="attachment_30018" align="aligncenter" width="358"]TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS - FUNDACIÓN SIGLO DE ORO TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS - FUNDACIÓN SIGLO DE ORO[/caption] 

"Trabajos de Amor Perdidos" ("Love´s Labour´s Lost") es una de las comedias en las que William Shakespeare escribió en sus primeros años, hacia el 1595. Narra la historia del Rey de Navarra y tres de sus caballeros, quienes deciden recluirse en el castillo del Rey durante tres años para dedicarse a la erudición y el estudio, evitando el contacto femenino durante ese tiempo. La llegada al castillo de la Princesa de Francia y tres de sus damas quebrará la firme determinación de los caballeros, dando lugar a la confrontación entre los votos de mantenerse en abstinencia, y la seducción que supone la ruptura del juramento para dejarse llevar por las atracciones del amor.

 

FUNDACIÓN SIGLO DE ORO en asociación con SHAKESPEARE GLOBE THEATRE

Dirección: Tim Hoare/Rodrigo Arribas Adaptación: José Padilla Diseño de Escenografía: Andrew D. Edwards Diseño de Iluminación: Alberto Yagüe Composición Musical: Xavier Díaz - Latorre Dirección de producción: Fundación Siglo de Oro

 

Berowne, caballero de la corte de Navarra: Javier Collado Catalina: Montse Díez Armando, alguacil del Rey de Navarra: Jesús Puente Princesa de Francia,m Reina en el acto V: Alicia Garau Mota: Jorge Gurpegui Enrique, Rey de Navarra: Julio Hidalgo Longaville: José Ramón Iglesias María: Alejandra Mayo Dumaine: Sergio Moral Jaquineta, campesina: Raquel Nogueira Boyet, consejero real francés: José Luis Patiño Rosalina, dama de la corte francesa: Lucía Quintana Costra, campesino: Pablo Vázquez

Sábado 11 y domingo 12 de junio 21:00 h.
 
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EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS De Miguel de Cervantes

[caption id="attachment_30019" align="aligncenter" width="353"]EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS - CÍA. MORFEO TEATRO EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS - CÍA. MORFEO TEATRO[/caption] 

El Retablo de las Maravillas que escribió Cervantes hace cuatro siglos, presenta una divertida sátira sobre las hipocresías de  la  España  de  la  época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son "gentes de bien nacer". La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final.

EL ARGUMENTO: El juego de las apariencias.

Los  mandatarios  de  un  pueblo, ante un Retablo  vacío mostrado por  unos cómicos,  y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son "gentes de bien nacer"; pero al final del engaño surge una aparición real que a todos desconcierta, un Cervantes furibundo, espada en mano, reclama su derecho a ser escuchado  y para  advertirles  de qué manera deben  comportarse para  ser  personas  virtuosas  y  cabales.

CÍA. MORFEO TEATRO

Dramaturgia y dirección: Francisco Negro

Reparto: Comediantes: Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués y Mamen Godoy. Cervantes: Joan Llaneras

Jueves 16 de junio 21:00 h.
 
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ESCRITO EN LAS ESTRELLAS Basada en la novela El amante liberal de Miguel de Cervantes

[caption id="attachment_30022" align="aligncenter" width="510"]ESCRITO EN LAS ESTRELLAS - CÍA. SALVADOR COLLADO ESCRITO EN LAS ESTRELLAS - CÍA. SALVADOR COLLADO[/caption] 

En su cautiverio de Argel el escritor acude al palacio de una bella y misteriosa mujer argelina de alto linaje que le requiere para que le cuente una historia, enterada de su condición de escritor; a cambio de que le agrade la historia le ofrece liberarle.

Cervantes acepta el reto de la argelina y decide relatarle una historia de amores y cautivos, de turcos y cristianos: “El Amante Liberal”.

Tanto él como La Dama y otro esclavo asumen, a ratos, la voz y el gesto de los personajes de la historia y mientras se avanza en su relato. La Dama y Cervantes intercambian ideas, deseos, éxitos y fracasos.

El  Amante  Liberal  trata  sobre  las  peripecias  de  dos  jóvenes  enamorados,  Leonisa y Ricardo. Un enredo amoroso engranado por numerosos acontecimientos. Comienza con un lamento de Ricardo quien nos cuenta cómo él y Leonisa cayeron en cautividad. Una tormenta separa las naves en que iban, haciendo naufragar a la de Leonisa, por lo que la cree muerta.

CÍA. SALVADOR COLLADO

Dramaturgia y dirección: Emilio Gutiérrez Caba Música: Luis Delgado. Espacio escénico: Rafael Canogar. Iluminación: Ricardo Campelo Ayudante de dirección: Marisa Lahoz Fotografía: Nieves Ferrer

Cervantes, Ricardo, Yzuf, Hazan Bajá: Daniel Ortiz Dama, Leonisa, Halima: Sara Moraleda Mahamut, Fetala, Alí Bajá: Manolo Caro Cadí, Cornelio: Antonio Salazar Bailarina: Lubna Shakti

Viernes 17 de junio 21:00 h.
 
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CERVANTINA Versiones y diversiones sobre textos de Cervantes

[caption id="attachment_30020" align="aligncenter" width="531"]CERVANTINA - CNTC Y RON LALÁ CERVANTINA - CNTC Y RON LALÁ[/caption] 

Cervantina es una nueva aproximación de Ron Lalá al universo del mayor autor de nuestras letras.

Una fiesta de piezas breves que reúne sobre el escenario las adaptaciones “ronlaleras” de diversas Novelas ejemplares, entrelazadas con las escenas más hilarantes de los Entremeses, fragmentos de las novelas ejemplares incluidas en el Quijote, además de piezas menos conocidas como el Persiles, la Galatea, el Viaje del Parnaso…

Una celebración del mejor Cervantes, eterno y cercano, con sabor al inconfundible sello de Ron Lalá.

 

CNTC Y RON LALÁ

Dirección: Yayo Cáceres Dirección literaria: Álvaro Tato Dirección musical: Miguel Magdalena Vestuario: Tatiana de Sarabia Iluminación: Miguel A. Camacho Escenografía y atrezzo: Carolina González Diseño de sonido: Eduardo Gandulfo

Cañizares/Músico/Carrizales/Vieja gitana/Paciente/Secretario/Doctor/Monipodio: Juan Cañas Leonora/Músico/Don Juan/Paciente/Doctor/Rinconete: Miguel Magdalena Carducha/Cervantes/Músico/Padre/Sastre/Obrero/Criada/Doctor/Arriero/Maniferro/Cariharta: Álvaro Tato Preciosa/Músico/Loaysa/Gitano/Paciente/Doctor/Cortadillo: Daniel Rovalher Musa/Músico/Técnico/Criada/Corregidor/Paciente/Doctor/Sacristán/Chiquiznaque/Repolido/Apolo: Íñigo Echevarría

Sábado 18 y domingo 19 de junio 21:00 h.
 
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TERESA (Ora al alma)

[caption id="attachment_30015" align="aligncenter" width="475"]TERESA (Ora al alma) - CIA. LOSDEDAE TERESA (Ora al alma) - CIA. LOSDEDAE[/caption] 

Este proyecto artístico de danza diseñado por el coreógrafo Chevi Muraday es una propuesta única y reveladora que muestra a través del lenguaje de la danza contemporánea los conceptos esenciales que ayudan a acercarse al personaje de Santa Teresa de Jesús: acción, lucha, misticismo y amor desmedido.  Lo real y lo imaginario, la pasión y la determinación por transformar la realidad son puntos comunes de una puesta en escena que pretende tratar la espiritualidad con las inquietudes del espectador de nuestro tiempo.

A través del movimiento y la palabra nos adentraremos en el universo de Santa Teresa de Jesús. Viajar a través de la pasión de la fe de la Santa y entender su manera de ver la relación entre cuerpo y espíritu, dualidad que intentaremos  comprender  a  través de los movimientos que como irán dibujando escenas que conformarán un espectáculo total.

CIA. LOSDEDAE DANZA CONTEMPORÁNEA

Dirección artística y coreografía: Chevi Muraday Dirección escénica: David Picazo Asistente dirección: Manuela Barrero Dirección musical: Pablo Salinas Música original: Pablo Salinas y Mariano Marón Diseño vestuario: Ana López Cobos Diseño y construcción escenografía: David Cubells Ambientación: Alessio Meloni Iluminación: David Picazo Fotografía: Jacobo Medrano

Reparto: Carmen  Angulo, Manuela Barrero, Marta Etura, Chevi Muraday, Verónica Ronda y Paloma Sainz-Ajá

Jueves 23 de junio 21:00 h.
 
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LA CONQUISTA DE JERUSALEN Atribuida a Miguel de Cervantes

[caption id="attachment_29447" align="aligncenter" width="386"]La conquista de Jerusalén LA CONQUISTA DE JERUSALEN - CÍA. ANTIQUA ESCENA[/caption] 

El texto atribuido a Cervantes fue descubierto hacia 1990 en la Biblioteca del Palacio Real de Madrid por el hispanista Stefano Arata. Llevaba por título La conquista de Jerusalén por Godofredo de Bullón y fue escrito a partir de la obra de Torcuato de Tasso La Gerusalemme liberata en torno a 1585, para ser representado en un corral de comedias.

Se  trata  de  una  joya  perdida  entre  la  producción  teatral  de Cervantes y  su primera escenificación  mundial  en  tiempos modernos coincidirá  con motivo  del  IV  centenario del fallecimiento de Cervantes con su estreno el día 22 de Marzo de 2016 en el marco de la 55 Semana de Música de Cuenca.

La acción de La conquista de Jerusalén se sitúa en la Primera Cruzada, en época medieval, con el enfrentamiento entre cristianos y musulmanes en la ciudad santa sitiada, un conflicto que desgarró hace un milenio Europa y Oriente Próximo y que hoy cobra una inquietante actualidad.

CÍA. ANTIQUA ESCENA/LA DANSERVE

Dirección de escena: Juan Sanz Escenografía: Miguel Ángel Coso Vestuario: Pepe Corzo Iluminación: Mikel Corral Lucha escénica: Alejandro Valenciano Trabajo de verso: Emilio Guitérrez Caba y Ana María Puigpelat Asesor histórico. David Izquierdo

Reparto: Kiti Mánver, Marta Megías, Badía Albayati, Juan Díaz, Javier Laorden, Juan Viadas, Jacobo Muñoz, Alejando Valenciano y Antonio Luque.

Viernes 24 de junio 21:00 h.
 
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LA VILLANA DE GETAFE De Lope de Vega

[caption id="attachment_29724" align="aligncenter" width="525"]LA VILLANA DE GETAFE de Lope de Vega LA VILLANA DE GETAFE de Lope de Vega - CNTC LA JOVEN[/caption] 

La diferencia de clases sociales entre ricos y pobres es la base de la historia de La villana de Getafe, la comedia de Lope de Vega que lleva a cabo la nueva promoción de la Joven Compañía de la CNTC. Un texto dinámico que se pregunta sobre la existencia de los prejuicios entre clases sociales y la verdad de los sentimientos. La sociedad representada en La villana de Getafe está formada por dos mundos bien diferenciados, el mundo de Getafe (la aldea, los olvidados) y el mundo del poder económico y social, el mundo de los grandes hombres de negocio, inversores, abogados y al que no se puede entrar si no se pertenece a su élite económica.

Entre medias de estos dos mundos existe una línea que nuestros personajes recorren con diferentes sentidos y por motivos muy diferentes. De Getafe a Madrid el camino está lleno de deseo, consecución de dinero y de posición social. El camino contrario no existe sino para cubrir necesidades o dejar llevar los instintos lujuriosos más primarios que provocan el dolor de los más pobres.

CNTC LA JOVEN

Versión: Yolanda Pallín Dirección: Roberto Cerdá Movimiento escénico y coreográfico: Marta Gómez Creación audiovisual: Tolo Ferrà Asesor de verso: Vicente Fuentes Iluminación: Pedro Yagüe Composición musical: Mariano Marín Escenografía y vestuario: Ana Garay

 

Doña Ana Ariana Martínez Don Félix Mikel Aróstegui Lope Marçal Bayona Pascuala / Recepcionista Raquel Varela Inés Paula Iwasaki Hernando Carlos Serrano Bartolomé / Recepcionista José Fernández Leonelo / Salgado / Ribas / Recepcionista Almagro San Miguel Fabricio / Pedro / Recepcionista Alejandro Pau Doña Elena / Isabel / Recepcionista Loreto Mauleón Julia / Teodora Nieves Soria Mendoza / Eugenia Marina Mulet Ramírez / Donato Alfredo Noval Don Pedro Pablo Béjar Urbano Sergio Otegui Fulgencia Pepa Pedroche

Sábado 25 y domingo 26 de junio 21:00 h.
 
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HAMLET De William Shakespeare

[caption id="attachment_30023" align="aligncenter" width="501"]HAMLET - KAMIKAZE PRODUCCIONES HAMLET - KAMIKAZE PRODUCCIONES[/caption] 

«¡Contradícete a ti mismo! Para vivir es necesario permanecer dividido»

Un paso en la senda de Hamlet lo que significa que no encontraremos ideas o frases mágicas que puedan resolver las dificultades que plantea el drama e iluminan de pronto todo lo que en él hay de oscuro. La vaguedad es inherente a la obra de arte que no se plantea un objetivo sino la vida misma.

`Haced sentir a los actores que son bienvenidos pues ellos son crónica y testimonio de los tiempos. Es preferible tener un mal epitafio tras la muerte que ser objeto de sus burlas en vida ́. Hamlet, Acto2.

CÍA. KAMIKAZE PRODUCCIONES

Dirección y Versión: Miguel del Arco Ayudante de Dirección: Aitor Tejada Diseño Escenografía: Eduardo Moreno Diseño Iluminación: Juanjo Llorens Diseño de Sonido: Sandra Vicente (Studio 340) Música Original: Arnaú Vilà Vídeo: Joan Rodón Diseño de Vestuario: Ana López. Dirección de Producción: Aitor Tejada Producción Ejecutiva: Jordi Buxó

 

Israel Elejalde Hamlet Ángela Cremonte Ofelia Cristóbal Suárez Laertes José Luís Martínez Polonio Daniel Freire Claudio Jorge Kent Horacio Ana Wagener Gertrudis

Jueves 30 de junio y viernes 1 de julio 21:00 h.
 
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LA HOSTALERA, ÚLTIMA FUNCIÓN De Carlo Goldoni

[caption id="attachment_30025" align="aligncenter" width="463"]LA HOSTALERA, ÚLTIMA FUNCIÓN - CÍA. CULTURARTS TEATRO Y DANZA LA HOSTALERA, ÚLTIMA FUNCIÓN - CÍA. CULTURARTS TEATRO Y DANZA[/caption] 

La Hostalera de Carlo Goldoni es la obra más conocida y quizá más representada del gran dramaturgo italiano, Mirandolina, su protagonista, es el objeto de deseo de muchos hombres, pero cuando un Caballero la trata mal y alardea de despreciar a las mujeres en general, se propone enamorarlo para darle una lección de humildad. Muchas son las lecciones que podemos extraer de este texto de Goldoni que era un hombre que amaba la vida, a las mujeres y al teatro, que sufrió amores, desengaños, persecuciones y el exilio hasta su muerte en Francia. He querido hacer una puesta en escena y una versión del texto muy libre que nos permita hablar y reflexionar sobre nuestra realidad actual y futura, a través de la obra de Goldoni, planteando a la vez que la obra La Hostalera, la realidad de las personas que la representan y analizar que heredamos del pasado, que estamos haciendo con ese legado heredado y que vamos a dejar para el futuro. Hemos ideado una divertida situación dentro de la cual sucede La Hostalera, que nos deja la libertad de jugar la comedia sin restricciones y nos permite reírnos incluso de nosotros mismos. Con el permiso del respetable quisiera dedicar esta obra a la memoria de Andrea D' Odorico y Luca Ronconi, dos seres humanos excepcionales de los que aprendí mucho teatro. Pásenlo bien y disfruten de la comedia.

 

CÍA. CULTURARTS TEATRO Y DANZA

Versión y dirección: Vicente Genovés Música: Panchi Vivó, José Montesinos y Arcadi Valiente Diseño y Escenografía: Josep Simón i Eduardo Díaz Diseño y realización de iluminación: Ramón Jiménez Diseño y realización de vestuario: Susa Martínez  Amb fons de CulturArts Teatre i Dansa Fotografía: Alberto Rocafull Ayudante de dirección: Georgia Negri

Marqués / Roc Rocafull José Montesinos Conde / Vicente Blasco Jaime Linares Fabricio / Marcel Misó Sergio Villanueva Caballero / Borja Benavent Bruno Tamarit Mirandolina / Paola Batalla Vanessa Cano Criado Caballero / Andreu Soler Panchi Vivó Hortensia / Leonor March Lola Moltó Deyanira / Virginia Grassi Victoria Salvador Criado Conde / Rodrigo Biar Arcadi Valiente

Sábado 2 de julio 21:00 h.
 
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LA RUTA DEL QUIJOTE De Azorín

[caption id="attachment_30027" align="aligncenter" width="337"]LA RUTA DEL QUIJOTE - NOVIEMBRE TEATRO LA RUTA DEL QUIJOTE - NOVIEMBRE TEATRO[/caption] 

Azorín, el periodista, es enviado a La ancha, a seguir los pasos de Don Quijote. Parte de su pensión madrileña, donde ultima los preparativos del viaje junto a doña Isabel.

En tren, llega a Argamasilla de Alba, donde se aloja en la fonda de la Xantipa. Allí pasa unos días tratando de recoger en sus cuartillas el ambiente, la esencia del pueblo, y buscando las raíces del hidalgo manchego. Su encuentro con los académicos de Argamasilla y el repaso de los personajes que encuentra componen la primera parte del relato.

Después parte en carro hacia Puerto Lápice, describiendo los paisajes manchegos por los que les lleva el camino. Al llegar, se aloja en el mesón de Higinio Mascaraque y desde allí se dirige a las lagunas de Ruidera, de allí a la cueva de Montesinos, y más tarde se encamina a contemplar los molinos de viento en Campo de Criptana. Su siguiente destino es el Toboso, y después Alcázar de San Juan, donde finaliza su viaje siguiendo la ruta que marca Miguel de Cervantes en su libro eterno.

Durante su viaje desvelará a los lectores, a través de sus encuentros, anécdotas y reflexiones lo que considera que fue el germen de la inmortal novela cervantina.

Su relato se cierra con un simpático artículo titulado The time they lose in spain, en el que un estudioso londinense estudia y reflexiona sobre la manera española de gestionar el tiempo en nuestro país. Azorín, esta vez siguiendo los pasos de Larra, relata con un humor.

 

CIA. NOVIEMBRE COMPAÑÍA DE TEATRO

 

Versión y dirección: Eduardo Vasco Ayudante de dirección y técnico en escena: Daniel Santos Fotografía: Chicho Iluminación: Miguel Ángel Camacho Escenografía y vestuario: Carolina González Reparto: Azorín: Arturo Querejeta

Domingo 3 de julio 21:00 h.
 
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CORRAL DE COMEDIAS DE ALCALÁ

 

HAMLET Versión de Kelly Hunter del clásico de William Shakespeare

[caption id="attachment_30024" align="aligncenter" width="482"]HAMLET - CÍA. FLUTE THEATRE HAMLET - CÍA. FLUTE THEATRE[/caption] 

En el corazón de Hamlet yace el dolor inconmensurable de un joven príncipe y su dudosa salud mental. Incluso su familia más cercana es incapaz de ayudarle mientras él se aleja de ellos. Es la tormenta perfecta de la tragedia. Nuestra historia se desarrolla a lo largo de una noche, en una casa, en la velada de la boda de la madre de Hamlet. Cuando llega el amanecer, solamente el sepulturero sigue con vida.

Hamlet, solo en su dormitorio, es poseído por el fantasma torturado de su padre que brota de su propia trastornada percepción. El dolor se transfiere de persona a persona y se propaga como un veneno en el seno de la familia, mostrando las vastas consecuencias del trauma. Buscamos desgarrar la herida del corazón de la tragedia y explorar la pregunta con la que Shakespeare abre su obra: ¿Quién está ahí?

La intérprete de la Royal Shakespeare Company , Kelly Hunter, dirige y firma esta singular, íntima, cruda y valiente versión de Hamlet que destila la más pura esencia del clásico de Shakespeare. Con una duración de 90 minutos, 6 intérpretes, un sofa, una batería y a lo largo de una noche intolerablemente claustrofóbica, Hamlet, who's there? explora nociones del yo dividido, la transferencia del dolor y la salud mental en nuestro mundo moderno. La propia Hunter forma también parte de este elenco que cuenta con actores de trayectoria reconocida como Greg Hicks (Actor Asociado de la Royal Shakespeare Company ) y jóvenes talentos como Mark Quartley en el papel de Hamlet.

 

CÍA. FLUTE THEATRE

Dirección y Versión: Kelly Hunter Diseño Producción: Anthony Lamble Diseño Iluminación: Tim Bray Producción: Emma Richards Paula Salmon y Bárbara Santana

Polonio/Sepulturero: Steven Beard Laertes: Finlay Cormack Claudio: Greg Hicks Gertrudis Kelly Hunter Hamlet: Mark Quartley Ofelia: Francesca Zoutewelle

Viernes 10 y sábado 11 de junio 20:00 h.
 
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CLÁSICOS CÓMICOS Textos de Pedro Calderón de la Barca, Luis Quiñones de Benavente, Francisco de Avellaneda, Juan de la Hoz y Mota y Anónimo

[caption id="attachment_30021" align="aligncenter" width="485"]CLÁSICOS CÓMICOS - CÍA. TEATRO CORSARIO CLÁSICOS CÓMICOS - CÍA. TEATRO CORSARIO[/caption] 

CLÁSICOS CÓMICOS (Entremeses de burlas) es un espectáculo constituido por cinco entremeses del Siglo de Oro en torno a divertidas situaciones de esposas desquiciadas, amantes intrépidos y maridos burlados. Aquí el punto de vista es el de las mujeres, sometidas durante siglos a los arbitrios de una sociedad machista. Nos reiremos con las desventuras de los maridos y las estrategias de los amantes para encontrarse con las codiciadas esposas. Por una vez, las mujeres «se salen con la suya» y los graciosos conflictos y disparates se resuelven con todos los personajes cantando y bailando.

CÍA. TEATRO CORSARIO

Dirección: Jesús Peña Coreografía: Fuensanta Morales Vestuario: Lupe Estévez Iluminación: Javier Martín del Río Escenografía: Teatro Corsario Sonido: Juan Ignacio Arteagabeitia (Atila) y Xabi Sainz

Juan Rana, Niño de la Rollona, Lorenzo y Cura: Luis Miguel García Sacristán, Criado, Valiente, Galán y Torero: Carlos Pinedo Loca, Cordelia, Galán, Isabel y Catula: Blanca Izquierdo Quiteria, Isabel, Inés, Música y Preñada: Anahí van der Blick Loquero, Padrino, Vejete, Sánchez y Borracho: Julio Lázaro Loco, Garullo, Galán, Músico y Vejete Maladros: Borja Semprún Loca, Ama, Galán, Ana y Ciega: Teresa Lázaro

Domingo 12 de junio 20:00 h.
 
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LAS CERVANTAS De Inma Chacón y José Ramón Fernández Basado en una idea original de Gracia Olayo a partir de sucesos de la vida de Miguel de Cervantes

[caption id="attachment_30030" align="aligncenter" width="356"]LAS CERVANTAS - CÍA. ESCENATE Y DD&COMPANY LAS CERVANTAS - CÍA. ESCENATE Y DD&COMPANY[/caption] 

Cervantes y su mujer deciden ir a la capital, Valladolid, a vivir con las dos hermanas del soldado, la hija de una de ellas y otra muchacha, hija bastarda de Miguel. Juntos asisten, en 1605, al gran éxito de esa novela: la primera vez que la fortuna sonríe al viejo soldado. Unos meses después, un hombre es asesinado a la puerta de su casa. Aquí comienza Las Cervantas.

Nuestra historia es la de cinco mujeres en la España del siglo XVII. Las hermanas de Cervantes, libres, cultas, que viven de su trabajo componiendo ropa, que han sobrevivido a los abandonos y la falta de palabra de hombres defendidos por los usos de la época. Las mujeres libres, en todo momento, tienen mala prensa. Cuando muere un hombre a las puertas de su casa, la Justicia apunta a Las Cervantas. Serán interrogadas en un intento de enmarañar el proceso; de formar una cortina de humo para cubrir al asesino, un noble. Vamos a asistir al miedo y al orgullo, al humor con el que se defienden estas mujeres de un mundo que las prefiere sumisas.

 

CÍA. ESCENATE Y DD&COMPANY

Dirección: Fernando Soto Escenografía y vestuario: Mónica Boromello Iluminación: theBlueStagefamily Diseño gráfico e imagen: Olga Iáñez

Andrea de Cervantes: Gracia Olayo Magdalena de Cervantes: Sole Olayo Isabel de Saavedra (hija de Miguel): Clara Berzosa Constanza de Ovando (hija de Andrea): Irene Ruíz Catalina Salazar (esposa de Miguel): Yaël Belicha

Jueves 16 y viernes 17 de junio 20:00 h.
 
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RINCONETE & CORTADILLO Texto de Alberto Conejero Basada en la novela de Miguel de Cervantes

[caption id="attachment_24618" align="aligncenter" width="364"]Rinconete y Cortadillo en los Teatros del Canal RINCONETE & CORTADILLO - CÍA. SEXPEARE[/caption] 

"Y les sucedieron cosas que piden más luenga escritura" escribió Cervantes en una de las últimas líneas de Rinconete y Cortadillo…

Este final abierto, misterioso y provocador es nuestro punto de partida ¿Qué ocurrió con Rinconete y Cortadillo después del éxito de esta novelita ejemplar? En nuestra obra, los verdaderos Pedro del Rincón y Diego Cortado quieren ajustar cuentas con Cervantes por haber publicado a sus espaldas un episodio fugaz de sus vidas pero que les ha condenado por siempre a responder a la imagen de pícaros. Un éxito de juventud del que nunca se pudieron recuperar.

Como El gordo y el Flaco o Los Pecos, Rinconete y Cortadillo están condenados a seguir juntos para sobrevivir. Pero quizá ahora ha llegado la ocasión de limpiar su nombre.

 

CÍA. SEXPEARE

Dirección: Salva Bolta Composición musical: Mariano Marín Vestuario: Tatiana de Sarabia Diseño espacio escénico: Salva Bolta Escenografía: Sfumato  Iluminación: Marino Zabaleta Intérpretes: Santiago Molero / Rulo Pardo

Sábado 18 y domingo 19 de junio 20:00 h.
 
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TIME STAND STILL

El extraordinario florecimiento de la "LuteSong" (o canción inglesa acompañada con laúd) hacia finales del siglo XVI, generó una fusión única en poesía y música, que no volvería a darse hasta 200 años más tarde con los compositores alemanes de Lieder.

El patrocinio de la corte real inglesa y las casas de la aristocracia, permitieron a muchos compositores-intérpretes-poetas producir un número interesante de colecciones de canciones. Sin embargo, dos de ellos sobresalieron: John Dowland y Thomas Campion. Eran dueños de personalidades muy distintas: el melancólico y muy viajado Dowland, difícil y ambicioso, y el doctor, abogado e intelectual Campion, que consideraba que su poesía apenas valía el coste del papel sobre el que la escribía.

Estos dos músicos-poetas se conocieron (Dowland, por ejemplo, puso música a un poema de Campion), ambos interpretaron su propia música -y posiblemente la del otro- cantando y acompañándose con el laúd. John Danyel, con su único libro de canciones publicado en 1606, marca uno de los puntos más altos del género, y sus obras son quizás las más complejas acabadas y audaces, solo superadas en intensidad por las de Dowland.

Estas canciones fueron cantadas en pequeñas reuniones de conocedores y aficionados que lograban apreciar la delicadeza del muy especial género. El intérprete, difícilmente emplearía un volumen mayor que el de su voz hablada, permitiendo así un balance ideal entre el texto cantado y el laúd.

CATHERINE KING & ARIEL ABRAMOVICH

Dirección artística: Ariel Abramovich  

Intérpretes: Catherine King, mezzosoprano Ariel Abramovich, laúd renacentista

Jueves 23 de junio 20:00 h.
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THE TEMPEST De William Shakespeare

[caption id="attachment_30026" align="aligncenter" width="454"]THE TEMPEST - CÍA. LA TENDRE D’AMOUR THE TEMPEST - CÍA. LA TENDRE D’AMOUR[/caption] 

La tempestad fue probablemente la primera obra escrita por Shakespeare para la sala de teatro adquirida en 1608 por la compañía The King’s Men en Blackfriars. La nueva sala requería un descanso entre cada acto con el fin de cambiar las velas, descanso que se solía cubrir mediante un interludio musical. Shakespeare comprendió la fuerza dramática de la música y previó más piezas de las que hubieran sido necesarias por motivos técnicos. Cada acto va construyendo su propio clímax: el primero finaliza con la detención de Fernando; el segundo, con la canción de Calibán y la celebración de la libertad; el tercero, con la reacción ante la aparición de Ariel en forma de arpía, y el cuarto, con la huida de Calibán y sus secuaces perseguidos por una jauría de perros. Cada final incide en la temática central de la sumisión y la libertad.

La simetría era un aspecto esencial para los guionistas de la época de Shakespeare, así como la unidad de tiempo y lugar. La Tempestad cumple esta última regla, dado que transcurre en el lapso de un día y en un solo lugar. Asimismo, se observan simetrías en cada dimensión de la historia: hay dos parejas de padre e hijo/hija, dos parejas de hermanos, dos conspiraciones y dos grupos compuestos respectivamente por tres malvados. En nuestra versión, dos actores representan la multitud de personajes, actuando también de modo simétrico cuando encarnan a los dos criminales, Sebastián y Antonio, frente a los dos nobles, Gonzalo y Alonso, a los amantes Fernando y Miranda, así como al mago Próspero con su siervo Ariel.

 

CÍA. LA TENDRE D’AMOUR

Espectáculo en inglés con subtítulos en castellano Concepto y dirección musical: Esteban Mazer

Dirección de escena: Serge Ayala

Actores: Eliot Giuralarocca y Rachel Swift (Inglaterra)

Músicos: Chirimias, flautas, salterio, sacabuche: Katy Elkin (EEUU) Clave: Esteban Mazer (Argentina-España) Tiorba, guitarra renacentista: Nicolas Muzy (Francia) Bajón, flauta: Idoia Bengoa (España - Luxemburgo) Cornetto, sacabuche, gaita, flautas: Juan Ullibarri (España - Luxemburgo)

Sábado 25 y domingo 26 de junio 20:00 h.
 
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CLÁSICAS ENVIDIOSAS De Chema Rodríguez-Calderón

[caption id="attachment_30031" align="aligncenter" width="382"]CLÁSICAS ENVIDIOSAS - CÍA. MARTELACHE CLÁSICAS ENVIDIOSAS - CÍA. MARTELACHE[/caption] 

La historia comienza en el acto tercero, escena primera de Hamlet, Príncipe de Dinamarca. Esta maravillosa escena lleva interpretándose cuatrocientos años, pero esta noche algo no va bien. Ofelia se rebela y rechaza la idea de suicidarse. La doncella está cansada de su papel pasivo de dama frágil y desequilibrada por lo que decide que quiere vivir y disfrutar de la vida. Ante esta nueva línea de acontecimientos, Hamlet se ve obligado a prometerse con la dama y comenzar los festejos. A partir de aquí los acontecimientos y situaciones serán cada vez más locos y sorprendentes. La comedia está servida.

 

CÍA. MARTELACHE

Dirección: Juanma Cifuentes Escenografía: Mónica Teijeiro Vestuario: Fran de Gonari Diseño de luces: Víctor Mones Peluquería: Lago R. para Rodelas Peluqueros Diseño gráfico: Gerard Magrí Producción ejecutiva: Chema Rodríguez-Calderón

Intérpretes:

Chema Rodríguez-Calderón, Pedro Bachura, Gerard Clúa, Julián Ortega, Juan Madrid

Jueves 30 de junio y viernes 1 de julio 20:00 h.
 
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DON GIL DE LAS CALZAS VERDES De Tirso de Molina

[caption id="attachment_30034" align="aligncenter" width="329"]DON GIL DE LAS CALZAS VERDES - CÍA. ENSAMBLE BUFO DON GIL DE LAS CALZAS VERDES - CÍA. ENSAMBLE BUFO[/caption] 

Convención, ritmo, códigos, enredos, amores, celos y teatro son los ingredientes con los que, cuatro siglos después, reestrenamos esta comedia. Un “Ensamble” de seis actores con un espíritu “Bufo”, que se enmascaran en los personajes principales, satirizando y alimentando esta sucesión alocada de apariencias y embelecos que es Don Gil de las Calzas Verdes . Un coro que juega con una dramaturgia que clarifica la intrincada trama y se hace cómplice con el espectador. Todo ello en un espacio y con un vestuario que empasta la tradición con el presente, a ritmo de comedia, sin más pretensión que la de divertir al respetable.

Esta perfecta e intricada máquina de enredo sigue divirtiéndonos y asombrándonos. La trama, una de las más complejas de todo nuestro Siglo de Oro, presenta un auténtico tour de force del ingenio de “Don Gil-Tirso”. Y en esta dirección hemos querido abordar el texto: agilizar versos y escenas para alimentar esa sucesión alocada de apariencias y disparates que es el Don Gil. Sin más aditamentos. A lo más, unos granos de pimienta: sustituir los guiños a la contemporaneidad de Tirso por guiños a la nuestra. ¡Y listo! Ahí va este Don Gil “con calzas y a loco”

CÍA. ENSAMBLE BUFO

Dramaturgia: Alberto Gálvez Dirección y espacio escénico: Hugo Nieto Composición musical: Miguel Magdalena Asistente de dirección y Cover: Didier Otaola Ayudante de dirección: Yaiza Ramos Vestuario: Paola de Diego Iluminación: Felipe Ramos

Doña Juana: Sara Moraleda Doña Clara/Quintana: Natalia Erice Caramanchel: Jorge Muñoz Doña Inés: María Besant Don Juan/Don Pedro: Samuel Viyuela Don Martín: Rafa Maza

Sábado 2 y domingo 3 de julio 20:00 h.
 
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PATIO DE STO. TOMÁS DE VILLANUEVA - RECTORADO DE LA UNIVERSIDAD

 

EN TORNO A CERVANTES

BANDA SINFÓNICA COMPLUTENSE Dirección: Pascual Piqueras Viernes 24 de junio 22:00 h.

ASÍ CANTARON AL AMOR

ORQUESTA CIUDAD DE ALCALÁ Dirección: Vicente Ariño Pellicer Sábado 25 de junio 22:00 h.

DONDE HAY MÚSICA NO PUEDE HABER COSA MALA

SCHOLA CANTORUM Y TRÍO ASSAI Dirección: Nuria Matamala Sábado 2 de julio 22:00 h.

GALA LÍRICA OPERASTUDIO

FUNDACIÓN GENERAL UNIVERSIDAD DE ALCALÁ Dirección: Lourdes Pérez Sierra Viernes 1 de julio 22:00 h.

 
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TEATRO BELLAS ARTES

 

PENTACIÓN ESPECTÁCULOS presenta

LA VELOCIDAD DEL OTOÑO

de Eric Coble Dirección: Magüi Mira

Del 31 de enero al 26 de marzo

Lola Herrera y Juanjo Artero protagonizan una comedia divertida y profundamente conmovedora acerca de la fragilidad y frugalidad de la vida.

 

LA VELOCIDAD DEL OTOÑO es una obra escrita por el dramaturgo norteamericano Eric Coble, adaptada por Bernabé Rico y con dirección de Magüi Mira. La obra, protagonizada por Lola Herrera y Juanjo Artero (El hijo de la novia) se estrenó en verano en Avilés y tras pasar por San Sebastián y Bilbao llegará al Teatro Bellas Artes el 30 de noviembre.

Lola Herrera, reciente Premio Max de Honor 2016, lleva vinculada a Pentación Espectáculos más de una década. En 2007 compartía escenario con Juanjo Artero en la obra 'Seis clases de baile en seis semanas', con la que estuvieron más de dos años de gira. 'Querida Matilde' (2011) y en el 2013 estrenaba junto a Héctor Alterio 'En el estanque dorado', con dirección de Magüi Mira.El 4 de mayo regresaba con 'Cinco horas con Mario' durante 8 semanas, y unas semanas después estrenará junto a Juanjo Artero 'La velocidad del otoño'. 'La velocidad del otoño' (The Velocity of Autumn), se estrenó en Broadway en 2014, en el Booth Theatre. Su actriz protagonista, Estelle Parsons, recibió una nominación como Mejor Actriz en los Premios Tony 2014.La velocidad del otoño se estrenó en España en abril de 2015 con dirección de Venci Kostov y protagonizada por Esperanza Elipe y Javier Martín. [caption id="attachment_34916" align="aligncenter" width="733"]La velocidad del otoño La velocidad del otoño ©Daniel Dicenta[/caption] 

SINOPSIS

Alejandra, una artista de 79 años de edad, se enfrenta a su familia por el lugar donde va a pasar el resto de los años que le quedan de vida. A su favor tiene su ingenio, su pasión por la vida y una barricada que ha creado en la puerta de su casa con suficientes cócteles molotov para hundir el bloque entero. Pero sus hijos tienen su propia arma secreta: su hijo más joven, Cris, que regresa después de 20 años de ausencia apareciendo a través de la ventana del segundo piso en el que vive Alejandra para convertirse en un mediador in extremis de la familia. Apenas pronuncia las palabras “Hola, mamá” cuando las bombas emocionales comienzan a explotar.La velocidad del otoño es una obra mordaz, divertida y profundamente conmovedora acerca de la fragilidad y frugalidad de la vida. [caption id="attachment_34385" align="aligncenter" width="704"]La velocidad del otoño en el Teatro Bellas Artes Lola Herrera, Juanjo Artero y Magüi Mira. Foto: Daniel Dicenta[/caption] 

FICHA

Autor: Eric Coble Dirección: Magüi Mira Adaptación: Bernabé Rico Iluminación: José Manuel Guerra Productor: Jesús CimarroUna producción de Pentación Espectáculos Coproduce Tal y Cual ProduccionesReparto: Lola Herrera y Juanjo ArteroFechas y horarios: Del 31 de enero al 26 de marzo de martes a viernes a las 20h. Sábados y domingos a las 19h. en el TEATRO BELLAS ARTESDESCARGAR DOSSIER [button link="http://bit.ly/2blzj2O" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more] 
https://www.youtube.com/watch?v=BuoU806nQ6E&w=640&h=360[/et_pb_text][et_pb_gallery admin_label="Galería" gallery_ids="38281,38277,38278,38279,34385" fullwidth="on" show_title_and_caption="off" show_pagination="on" background_layout="light" auto="on" hover_overlay_color="rgba(255,255,255,0.9)" caption_all_caps="off" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid" posts_number="5"] [/et_pb_gallery][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

TEATRO LA LATINA

 

Lolita, Pedro Mari Sánchez y María Galiana llegan al Teatro La Latina con ‘La asamblea de las mujeres’ de Juan Echanove

Las funciones serán en tres únicas semanas del 24 de agosto al 11 de septiembre

 

Tras su exitoso paso por el Festival de Teatro Clásico de Mérida, llega la rebelión de LA ASAMBLEA DE LAS MUJERES, liderada por Lolita Flores (La plaza del Diamante) al Teatro La Latina.

La comedia de Aristófanes, bajo la dirección de Juan Echanove, nos plantea un juego de espejos esperpénticos en el que nos vemos reflejados.

El humor, la carcajada y la fiesta al más puro estilo carnavalero toman el poder en el Teatro La Latina a partir del próximo 24 de agosto y hasta el 11 de septiembre. Lolita, Pedro Mari Sánchez y María Galiana protagonizan, entre otros, una histriónica rebelión en el espectáculo La asamblea de mujeres de Aristófanes que dirige Juan Echanove, y que se presentó en la 61 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

SINOPSIS

Juan Echanove se estrenó como director en Mérida con La asamblea de mujeres , esta comedia escrita por Aristófanes en el año 392 a. de C. y versionada en esta ocasión por Bernardo Sánchez, que plantea una hilarante revolución femenina liderada por Praxágora (Lolita) y apoyada por otras ciudadanas atenienses para asumir el Gobierno. El texto de La asamblea de las mujeres cobra por sí mismo actualidad al reflejar muchas de las situaciones y contrariedades de la política y los gobiernos contemporáneos.Lolita, Pastora Vega, María Galiana y Pedro Mari Sánchez encabezan un elenco de nueve actores que dará forma a esta divertida trama coral. Luis Fernando Alves, Concha Delgado, Sergio Pazos, Bart Santana y Santiago Crespo completan el cartel.Lolita lidera la revolución como Praxágora, un papel con el que debutó en el Festival de Mérida. Algunos de sus compañeros y compañeras asumen diferentes roles a lo largo de la historia. Pastora Vega encarna a Clytia y María Galiana a Althea, además de otros roles para apoyar la revolución de Praxágora. Pedro Mari Sánchez da vida al sufrido marido de Praxágora, Blipero. Concha Delgado será Lavinia. Sergio Pazos interpreta a Cremes, Santiago Crespo a un cliente de prostíbulo y Bart Santana a un ciudadano.Entre todos montan la gran fiesta que Xenical 120mg online ha imaginado Juan Echanove para presentar esta toma del poder ateniense por parte de las mujeres tras un sibilino golpe de Estado en el parlamento. Aristófanes se sirvió de esta ‘revolución femenina’ para presentar su aguda crítica a los gobernantes atenienses y ahora Juan Echanove la utiliza como excusa para hacer lo propio con la situación política contemporánea, para buscar el paralelismo con la situación de la Grecia actual, por ejemplo. Eso sí, en tono de “juerga al aire libre” y de chirigota de carnaval en la que no faltará la música, compuesta por Javier Rubial.  [caption id="attachment_29976" align="aligncenter" width="707"]La asamblea de mujeres © Jero Morales LA ASAMBLEA DE LAS MUJERES © Jero Morales[/caption] 

FICHA

Versión: Bernardo Sánchez Diseño de iluminación: Juan Gómez Cornejo Diseño de escenografía: Ana Garay Diseño de vestuario: Ana Garay y Rafael Garrigós Ayudante de dirección: Mónica Vic Ayudante de vestuario: José Antonio Gigante Diseño de peluquería y maquillaje: Lolita Musica original: Javier Ruibal Dirección: Juan EchanoveProductor: Jesús CimarroREPARTOLolita: Praxágora María Galiana: Althea Pastora Vega: Clytia Pedro Mari Sánchez: Blípero Luis Fernando Alvés: Ciudadano 2 Concha Delgado: Lavinia Sergio Pazos: Cremes Bart Santana: Ciudadano 1 Santiago Crespo: ClienteFechas y horarios: Del 24 de agosto al 11 de septiembre De miércoles a sábado a las 20h. Domingos a las 19h. en el TEATRO LA LATINA
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 [learn_more caption="GIRA POR MADRID"]Fuenlabrada TEATRO TOMÁS Y VALIENTE 15 de octubre - 20:00 h.San Sebastián de los Reyes AUDITORIO "ADOLFO MARSILLACH" 22 de octubre - 20:00 h.Colmenar Viejo AUDITORIO MUNICIPAL COLMENAR VIEJO 10 de diciembre - 20:00 h.Torrejón de Ardoz TEATRO JOSÉ MARÍA RODERO 11 de diciembre - 20:00 h.[/learn_more] 
[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

La Compañía Equilicuá presenta GALLETAS de Antonio Zancada

Del 8 al 26 de junio de 2016

GALLETAS nace de 'Spo(t) Sentimientos por Otros (Terapia)', un experimento de piezas cortas estrenada en el teatro Fernán Gómez en 2008. Con esa mezcla de géneros que atiende más al intelecto que a la risa fácil, la obra se paseó por las principales salas alternativas de Madrid durante casi un año. Y tras un largo taller de aprendizaje que por fin cristaliza, no es una reposición,  es una reinvención, “Galletas” es aquel Spo(T) elevado a la enésima potencia. Teatro vivo que crece, madura, evoluciona y se reinventa.

Él la encuentra o ella le encuentra a él o él se lo encuentra a él o ella se encuentra con ella, o ella y/o él se encuentra con ello o llevan toda la vida juntos y de pronto se dan cuenta. Se aman, con toda esa belleza del amor instantáneo y empiezan toda una vida de amor interminable... Hasta que se acaba. Y en ese despertar del sueño del “final feliz”, empieza "Galletas".

Uno de los momentos más intensos de cualquier historia de amor, es precisamente cuando éste se rompe. Las rupturas son, necesariamente, piezas cortas. Galletas es el surtido agridulce de esas historias, intensas y mínimas, vistas siempre desde el humor y el absurdo. 12 historias breves sobre rupturas de todo tipo y condición. Algunas marcianas, otras de andar por casa, la mayoría nos tocan, otras no nos tocan nada y otras se tocan mucho y una canción, que siempre ha de haberla, una tonta canción de amor que alegra (o no) el corazón.

La Compañía Equilicuá nace en 1997 de la mano de Antonio Zancada y Francisco Reyes. 'Zanahorias', estrenada en la Sala Triángulo en 2001, supuso el impulso de la compañía. Se convirtió en el referente de la temporada en el circuito alternativo. El montaje recorrió media España de festival en festival y de concurso en concurso, ganando la mayoría. En 2006 se estrenó en The Duke Theater de Nueva York y obtuvo 5 premios ACE-Asociación de Críticos del Espectáculo de NY. Casi nada. En 2008 estrenan 'Spo(t) Sentimientos por Otros (Terapia)', que será el germen de la actual 'Galletas'.

¿QUÉ ES GALLETAS?

¿Es comedia? En su forma sí, pero en su contenido es un trozo distorsionado de la vida, vida vista a través de un cristal deformante, quizá esperpéntico.  Cada año se divorcian más de 40 mil parejas en España y estamos hablando sólo de las parejas casadas, son historias conocidas, e incluso nos identificamos con alguna, ahí está el reto, escapar de los lugares comunes e inventarlas desde otro lado. Elegancia e inteligencia, primeras y segundas lecturas. Una forma de hacer teatro distinta. Un juego absoluto con el lenguaje que va directamente dirigido al intelecto del espectador, provocando al mismo tiempo la risa, una risa que parte desde allí y que perdura hasta después de la representación con ese “darse cuenta” de todo lo demás. Es un paseo en constante evolución. No entiende de géneros, Los personajes no se cuestionan a sí mismos, cuestionan lo que les ha tocado vivir. Y eligen, siempre eligen. Una comedia sobre la libertad, en todos su significados posibles. La libertad de ser lo que uno quiere realmente ser. Una comedia sobre la soledad, un tema tan poco dado a la comedia. Donde llegar a encajar con alguien determinado es sólo la suerte o la desgracia de ese instante. “Galletas” habla de cuando esa gente “desencaja” y deciden seguir su camino solos, quizá buscando a alguien distinto, quizá buscando nada. El principio de un nuevo camino, de lo que se deja atrás para continuar. Una comedia de principios cargadita de finalesSinopsis (Receta)2 cucharadas bien cargadas de resquemor. Una taza de reproches. Medio litro de decisiones a la ligera y sin vuelta atrás 2 kilos de desengaño (desamor también sirve) 1 pizca de amor propio 250 gramos de sal (de casa)Mézclese todo con el calor del momento y sírvase muy frío como las vengazas. 

FICHA

Texto: Antonio Zancada. Coordinación artística: Quino Falero Ayudante de Dirección Eva Egido Leiva Música Juan Manuel Latorre Iluminación David de Diego Vestuario: Alberto Valcárcel Producción Ejecutiva: Rosa Arroyo Ayudante de Producción: Arancha Fernández Diseño gráfico y fotografía: Zandizant Cámaras: Daniel Álvarez Lourdes Andrino Producción: EquilicuáReparto: Gala García-Cuerva, Ramón Moreno, Antonio Zancada, Gema Zancada.Fechas y horarios: Del 8 al 26 de junio de 2016 Martes a sábados: 20:30 horas. Domingos: 19:30 horas TEATRO FERNÁN GÓMEZDESCARGAR DOSSIER [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/galletas-antonio-zancada_e4787426/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] 
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TEATROS LUCHANA

 

Guantuguan Teatro presenta

BIG BOY

Escrita y dirigida por Mario Ruz Martínez, José Luis Montiel Chaves y David Roldán Espejo.

Sábados 19:30h.

Una tragicomedia con 100 personajes y sólo 2 actores

 

BIG BOY, un homenaje a todos los exiliados que tuvieron que emigrar a lo desconocido, regresa a los Teatros Luchana

La obra de la compañía granadiana Guantuguan Teatro fue finalista del Festival Talent 2014 de los Teatros del Canal.

Escrita y dirigida por Mario Ruz Martínez, José Luis Montiel Chaves y David Roldán Espejo.

Dos actores interpretando casi un centenar de personajes. ‘Big Boy’ es una historia trepidante de amistad, mafia y boxeo que nos lleva a los inicios del Siglo XX en Estados Unidos; desde los muelles de Brooklyn hasta el increíble Madison Square Garden, pasando por gimnasios, bares o incluso cementerios.

Big Boy nos cuenta una historia cargada de emociones, amistad, reencuentros, entrega, guerra, superación humana y lucha…

Una historia donde queremos rendir nuestro pequeño homenaje a todas aquellas personas que por unas u otras razones tuvieron que emigrar, abandonar a sus familias, su tierra y sus raíces, para adentrarse en un mundo desconocido.

Big Boy es una historia al más estilo del cine clásico pero contada de una forma diferente: un joven aspirante a  boxeador que consigue  llegar a  triunfar en el difícil mundo del  boxeo gracias a su amigo Jimmy, su entrenador Roberto, el promotor Parker y muchos otros personajes con los que se topa en su camino.Dos jóvenes irlandeses de principios del siglo XX en una época convulsa. Con ellos viviremos su paso de la niñez a la adolescencia, cómo se convierten en soldados del ejército inglés durante la primera guerra mundial, además de recorrer con ellos el largo y difícil trayecto que suponía emigrar de una devastada Europa hacia América pero en la década más oscura de su historia.Big Boy es básicamente una historia de superación en un momento en el que el mundo parecía romperse en pedazos. La historia está impregnada con el espíritu aventurero de aquellos soñadores, los emigrantes de comienzo del siglo XX, que se lanzaban hacia lo desconocido para buscar una vida mejor. Es un homenaje hacia esos emigrantes que se tuvieron que abrir camino a golpes. ‘Big Boy’ es como el cine en blanco y negro. Una obra llena de acción, emoción, entrega y superación. 3, 2, 1…  ¡El combate va a comenzar! 

Compañía Guantuguan Teatro

La compañía Guantuguan Teatro destaca en la disciplina del teatro físico. Se forman en 2011 en la Escuela de Mar Navarro y  Andrés Hernández, especializados en el  teatro físico de Jacques Lecoq y aprovechan todos los recursos aprendidos para crear esta pieza en la que interpretar a decenas de personajes en la que se aprecia técnica, rostros, voces y sonidos unidos en una coreografía perfecta ajustada al milímetro. [caption id="attachment_29916" align="aligncenter" width="673"]BIG BOY en el Teatro Lara BIG BOY Foto: Carmen Reyes[/caption] 

FICHA

Dramaturgia y dirección: José Luís Montiel Chaves, Mario Ruz Martínez y David Roldán Espejo Supervisión en la dirección y dramaturgia: María del Mar Navarro y Andrés Hernández Dirección técnica: David Roldán Espejo Vestuario: Paloma de Alba Chaves Escenografía: Encarnación Martínez Cerezo Fotografía y diseño gráfico: Carmen Reyes Martínez Diseño de cartel y programa: Antonio Laguna Cabezuelo e Isidoro Fernández Iglesias Grabación y edición de vídeo Jana Pachón Manzano Prensa: LemonpressCompañía: Guantuguan TeatroReparto: Mario Ruz Martínez y José Luis Montiel ChavesFechas y horarios: Sábados 19:30h. en los TEATROS LUCHANA [button link="http://bit.ly/2izzW0B" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]   
https://www.youtube.com/watch?v=l6ZVekhmsF4&w=640&h=360
 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
 

TEATRO ARTE&DESMAYO

 

"Todo ser humano es un abismo. Da vértigo asomarse a él"

Jueves, Viernes y Sábado 20:30. Domingo 20:00

 EQUUS del británico Peter Shaffer lleva desde enero funcionando con éxito de público y crítica en la sala Arte&Desmayo. Con versión y dirección de Carlos Martínez Abarca, EQUUS nace de una campaña de crowdfunding. Juanma Gómez encabeza un reparto formado por Elia Muñoz, Natalia Fisac, Sergio Ramos, Pablo Méndez, Magdalena Broto, Roberto González, Íñigo Elorriaga, María Heredia y Cristina Arranz. Si todavía no has visto EQUUS, la obra se puede ver desde les mes de octubre en la Sala Arte&Desmayo.  La historia que nos cuenta gira en torno a la fascinación sexual y religiosa que ejerce un caballo en un joven de 17 años. Con esta obra el espectador se pregunta qué significa realmente la normalidad en nuestra sociedad. EQUUS de Peter Shaffer apela a nuestro lado oscuro y nos invita a preguntarnos sobre las áreas de nuestra personalidad más inquietantes: ¿dónde quedan nuestras pulsiones de agresividad, sexualidad y trascendencia? ¿es lícito reprimirlas o eliminarlas en aras de la “normalidad”?  EQUUS es una obra escrita por Peter Shaffer en 1973 y estrenada en el Old Vic Theatre de Londres en el mismo año. Desde entonces, este texto alcanzó una repercusión mundial inmediata. Shaffer se basó en un hecho real para construir una historia sobre la fascinación sexual y religiosa que ejerce un caballo en un chico de 17 años y su tratamiento en un hospital psiquiátrico. El autor cuestiona con este texto qué es lo que la sociedad contemporánea considera “normal” y las restricciones que esa misma sociedad está dispuesta a ejercer para mantener a toda costa esa “normalidad”. En España, la obra se estrenó en Octubre de 1975 en el Teatro de la Comedia y, desde entonces, ha permanecido prácticamente ausente de los escenarios. La vigencia del mensaje de la obra y la originalidad de su planteamiento hace necesario su reestreno de acuerdo a los condicionantes de nuestra época. La obra recibió en 1975 el Premio Tony a la Mejor obra y a la Mejor dirección para John Dexter.En 1977 fue llevada al cine. Peter Shaffer se encargó de la adaptación cinematográfica, con Sidney Lumet como director y un reparto encabezado por Richard Burton y Peter Firth

EL MONTAJE

Equus de Peter Shaffer apela a nuestro lado oscuro y nos invita a preguntarnos sobre las áreas de nuestra personalidad más inquietantes: ¿dónde quedan nuestras pulsiones de agresividad, sexualidad y trascendencia? ¿es lícito reprimirlas o eliminarlas en aras de la “normalidad”?Equus formula esas preguntas en forma de latigazo escénico pleno de sexualidad y violencia latentes, pero que al fin explotarán a la vista del espectador. Nuestro montaje supone la inmersión espacial del público en un proceso de investigación clínica del crimen cometido por un menor contra seis caballos a los que ha cegado violentamente.En el mismo espacio escénico se cruzan pasado y presente, un hospital psiquiátrico y las caballerizas donde trabaja el protagonista… y de entre todos los personajes de su pasado, los más especiales: los caballos a los que Alan ama… y agrede. 

SINOPSIS

Alan, un chico de 17 años, ingresa en un hospital psiquiátrico por haber cegado a cuatro caballos en unas caballerizas. El psiquiatra encargado de su tratamiento, Martin, irá revelando las circunstancias sociales, familiares, religiosas y sexuales que han conducido al chico a cometer esa atrocidad, cuestionando al público sobre nuestra manera de aceptar e integrar las individualidades dentro de la normalidad social. 

EQUUS en la sala Arte&Desmayo

 

FICHA

Dramaturgia: Peter Shaffer Traducción: Natalia Fisac Versión, dirección y espacio escénico: Carlos Martínez-Abarca Ayte. Dirección: David Lázaro Diseño de movimiento: Patricia Roldán Iluminación y sonido: Álvaro Gómez Vestuario: Reyes Carrasco Máscaras: Guillermo Campa Vídeo y making of: David Blanco Realización de escenografía: Javier Gómez-Pastrana Fotografías: Juan Millás (promoción), Beatriz Fisac(fotografías); David Blanco (vídeo). Diseño gráfico: Roque Domínguez Producción: Juanma Gómez (productor); Álvaro Gómez (productor); Sara Amo (producción ejecutiva).Reparto: Juanma Gómez, Natalia Fisac/Elia Muñoz, Sergio Ramos, Pablo Méndez, Magdalena Broto, Roberto González, Iñigo Elorriaga, María Heredia y la colaboración especial de Cristina Arranz. Fechas y horarios: Jueves, Viernes y Sábado 20:30. Domingo 20:00 en TEATRO ARTE&DESMAYO  
 

TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

presenta

COSACOS DE RUSIA

Días 13 y 15 de mayo de 2019
Lunes 20:30 h. Miércoles 18:30 horas

Cosacos de Rusia, la compañía de danza estatal del coreógrafo Leonid Milanovalov nos presenta Leyendas Cosacas. Días 13 y 15 de mayo de 2019 en el Teatro de la Luz Phillips Gran Vía.

Cosacos de Rusia” es la compañía de danza estatal de este país que regresa por sexta vez a España para entregarse a un público “tan temperamental como los cosacos”, ha señalado hoy su director artístico, el coreógrafo Leonid Milanovalov, en una rueda de prensa.

Casi cincuenta artistas, entre cantantes, bailarines y acróbatas, vestidos con los trajes típicos de las diferentes regiones de cosacos que se extendían a lo largo del territorio ruso, ponen la energía y el color en un espectáculo que rememora el folclore de estos pueblos militares, que fueron reprimidos durante setenta años por la Unión Soviética.“Cosacos de Rusia” ha recuperado canciones populares sobre el amor, las tragedias, la guerra y también las despedidas, porque los cosacos se van a luchar y “no saben si volverán”, ha señalado Milovanov.“Cada ejército de cada región tiene su música y sus tipos de melodías”, ha explicado el director, por lo que a lo largo del espectáculo se utilizarán elementos diferentes, aunque “la organización militar y la marcha” estarán presentes durante toda la representación, en la que se usarán sables, látigos, lanzas o cañones.Los cosacos eran pueblos de campesinos rusos, con sus propias tradiciones, que normalmente se asentaban en las proximidades de los ríos, y que formaban a sus hombres como guerreros para defender los territorios.Para ellos, los valores más importantes son “dios y el zar”, motivo por el que fueron perseguidos tras el triunfo de la Revolución Bolchevique. Tras la desintegración de la URSS en 1991, las autoridades rusas apoyaron el renacimiento de las comunidades cosacas y en el mismo año apareció “Cosacos de Rusia”.Esta compañía recibió el premio de “Artista de Honor de Rusia”, el máximo reconocimiento de su país, de manos de Vladimir Putin, el jefe del Gobierno, ha explicado Tatiana Solovieva, productora del espectáculo.
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Aihua 2016, el lugar donde viven los sueños

 

Aihua - Cirque des sens | TEATRO CALDERÓN, Del 25 de Mayo al 12 de Junio

 

Dos jóvenes hermanos se sumergen en un mundo lleno de aventuras, después de abrir una caja que encuentran en un viejo teatro. Rafa es un jóven solitario, apasionado de las nuevas tecnologías. Irene es una chica diferente, pura imaginación. Él aprovecha cualquier momento para jugar con el móvil, consola, o cualquier cosa que le facilite el trabajo a la mente, en cambio Irene crea mundos de fantasía, tal vez gracias a las apasionantes historias que le cuenta su abuelo.

Un día, mientras esperan en un viejo teatro, soñando con todas las posibilidades del lugar, Irene descubre una misteriosa caja que parece haber sido abandonada, la misma contiene una inscripción, "Aihua”. Al abrirla, aparece la entrada al mundo Aihua que abosrbe a Irene dentro. Su hermano Rafa tendrá que ir a buscarla y afrontar sus miedos, sueños, y jugar a correr la mayor aventura de su vida.

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TEATRO ESPAÑOL

 

Del 1 al 26 de junio

El 1 de junio llega al Teatro Español SOFÍA. Un monólogo escrito y dirigido por Ignacio García May, y protagonizado por Victoria Salvador.

NOTA DEL AUTOR

SOFIA es un monólogo de unos 65 minutos de duración en torno a la figura de la reina de España (Me niego a utilizar esa espantosa pedantería de "reina emérita"). La historia sucede el día de la muerte de Juan Carlos I. Conmocionada por la noticia, doña Sofía emprende un viaje a través de recuerdos desordenados, y acaso inciertos, en busca de su propia identidad.Me resulta particularmente difícil explicar esta obra; puedo, sin embargo, aclarar lo que NO es. No es la Wikipedia, no es El Hola, no es El Jueves. Es decir: aunque se narran algunos episodios de la biografía de la reina, en ningún caso se pretende hacerlo de forma exhaustiva y documental; aunque se reconoce la importancia de doña Sofía como referente de la crónica social española, no nos encharcamos en los cotilleos ni en el sentimentalismo barato; aunque hay humor en el relato, he huido muy conscientemente de esa afición por el chiste de trazo grueso que parece presidir todo acercamiento a los personajes de la Familia Real.Esta es una obra de teatro. No actúo como historiador, ni como periodista, ni como politólogo. No soy monárquico, pero tampoco es una cuestión que me preocupe particularmente. Creo, más o menos, en eso que Luis María Ansón suele decir: si la monarquía es como la de Noruega, o la república como la de Francia, me vale cualquiera de las dos. Mi retrato de Sofía no pretende satisfacer a todos. Lo que he buscado es lo que algunos dramaturgos más sabios que yo hicieron en circunstancias similares: utilizar a un personaje histórico para reflexionar sobre cuestiones que están por encima de lo temporal.La acción tiene lugar en un único escenario: un palacio fantasmal y a medio desmantelar. No se trata de un lugar real, sino del Palacio de la Memoria de Sofía, por cuyos pasillos deambula en busca de los recuerdos almacenados. Este referente renacentista está en el origen mismo de la obra y explicita lo que seguramente sea el tema principal de la misma, incluso por encima del aspecto puramente biográfico: la memoria. Cuidado: no me refiero a la "memoria histórica", concepto de moda que encuentro fraudulento (y tan pedante como el de "reina emérita"), sino la memoria, sin más; es decir, una construcción poética, caprichosa, en la que el dato y la emoción se confabulan para construir una realidad aparte, no necesariamente fiable pero tampoco por ello falsa. Este espacio mágico, a medio camino entre lo corpóreo y lo meramente lumínico, ha sido creado por Luis Perdiguero, al que me unen muchos años de afecto y trabajo en común, y con la colaboración inestimable de Vanesa Hernández.La actriz que da vida a Sofía es Victoria Salvador. Me preguntan a menudo por qué la he elegido a ella, y la respuesta es extremadamente sencilla: se trata de una actriz excelente. Desde el principio he tenido claro que no buscaba ni el parecido físico ni el reclamo del habitual rostro televisivo (lo cual hubiera camuflado la relevancia del personaje) sino una cierta presencia, una cierta sensibilidad, una cierta autoridad en la voz (que tampoco aspira a recordar el, por lo demás, inimitable, acento de la reina). Todo ello está en Victoria.El vestuario de la función ha sido diseñado por Almudena R. Huertas, que también es compañera de muchas aventuras teatrales desde hace años. Hemos intentado reflejar no la literalidad de la apariencia de Sofía, sino sus rasgos esenciales, los colores que suele utilizar, su afición a las pulseras y otros objetos de tipo personal.De mi ayudante de dirección, Javier Sahuquillo, me gusta recordar que es dramaturgo y director por derecho propio. Su aportación a las correcciones del texto y a la propia puesta en escena va mucho más allá de lo que corresponde a la obligación.Este espectáculo nace de una conversación con Juan Carlos Pérez de la Fuente, para quien poner sobre la escena a un personaje como éste suponía pulverizar una vieja y mohosa frontera del teatro español, habitualmente acobardado ante la idea de tratar nuestra historia moderna. A él se lo dedico, por su confianza, por su talento, y por una amistad que dura ya treinta años.
Ignacio García May
 

FICHA

Autor y director   Ignacio García May Iluminación y escenografía Luis Perdiguero Figurinista  Almudena Rodríguez Huertas. Fotos   Sergio Parra Ayte escenografía  Vanesa Hernández Ayudante de dirección  Javier SahuquilloReparto Victoria Salvador Voces en off: José Luis Patiño, Alba Recondo y Víctor Sáinz RamírezUna producción del Teatro ESPAÑOLFechas y horarios: Del 1 al 26 de junio De martes a domingos a las 20:30h. en el TEATRO ESPAÑOL 
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TEATRO DE LA COMEDIA

 

Compañía Nacional de Teatro Clásico - CNTC Del 20 de mayo al 12 de junio de 2016

El 20 de mayo llega al Teatro de la Comedia: LA VILLANA DE GETAFE, una comedia de Lope de Vega dirigida por Roberto Cerdá. El elenco está mayoritariamente integrado por miembros de la cuarta promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. La versión es de Yolanda Pallín, con iluminación de Pedro Yagüe, música de Mariano Marín y escenografía de Ana Garay

Estará en cartel del 20 de mayo al 12 de junio.

NOTA DEL DIRECTOR

La diferencia de clases sociales entre ricos y pobres es la base de la historia de La villana de Getafe, la comedia de Lope de Vega que lleva a cabo la nueva promoción de la Joven Compañía de la CNTC. Un texto dinámico que se pregunta sobre la existencia de los prejuicios entre clases sociales y la verdad de los sentimientos. La sociedad representada en La villana de Getafe está formada por dos mundos bien diferenciados, el mundo de Getafe (la aldea, los olvidados) y el mundo del poder económico y social, el mundo de los grandes hombres de negocio, inversores, abogados y al que no se puede entrar si no se pertenece a su élite económica.Entre medias de estos dos mundos existe una línea que nuestros personajes recorren con diferentes sentidos y por motivos muy diferentes. De Getafe a Madrid el camino está lleno de deseo, consecución de dinero y de posición social. El camino contrario no existe sino para cubrir necesidades o dejar llevar los instintos lujuriosos más primarios que provocan el dolor de los más pobres.Don Félix comienza prometiendo su amor a Doña Ana, una de las representantes de la alta sociedad que sólo piensa en sí misma; es un hombre que se guía por su deseo sexual y al que no le importa lo que ha prometido hace un instante; disfruta de la vida sin pensar en el daño que puede causar. Inés, perdida en el recuerdo del primer encuentro furtivo con Don Félix, no es capaz de entender por qué se siente así, evocando constantemente aquel instante de amor y pasión que ya no se volverá a repetir y que le impide continuar con normalidad su vida y su trabajo. Lujuria y amor, riqueza y pobreza. De la misma forma que los personajes pugnan por alcanzar sus deseos, nuestro deseo es conformar un camino de formación y asunción de experiencia con nuestros jóvenes intérpretes.
Roberto Cerdá
 [caption id="attachment_29725" align="aligncenter" width="697"]LA VILLANA DE GETAFE de Lope de Vega La villana de Getafe ©MarcosGpunto[/caption] 

REPARTO

Doña Ana Ariana Martínez Don Félix Mikel Aróstegui Lope Marçal Bayona Pascuala / Recepcionista Raquel Varela Inés Paula Iwasaki Hernando Carlos Serrano Bartolomé / Recepcionista José Fernández Leonelo / Salgado / Ribas / Recepcionista Almagro San Miguel Fabricio / Pedro / Recepcionista Alejandro Pau Doña Elena / Isabel / Recepcionista Loreto Mauleón Julia / Teodora Nieves Soria Mendoza / Eugenia Marina Mulet Ramírez / Donato Alfredo Noval Don Pedro Pablo Béjar Urbano Sergio Otegui Fulgencia Pepa Pedroche 

FICHA

Autor: Lope de Vega Versión: Yolanda Pallín Dirección: Roberto Cerdá Movimiento escénico y coreográfico: Marta Gómez Creación audiovisual: Tolo Ferrà Asesor de verso: Vicente Fuentes Iluminación: Pedro Yagüe Composición musical: Mariano Marín Escenografía y vestuario: Ana Garay Producción: CNTCCompañía: Joven Compañía Nacional de Teatro ClásicoFechas y horarios: Del 20 de mayo al 12 de junio de 2016 Martes y domingos a las 19h. De miércoles a sábado a las 20h. en el TEATRO DE LA COMEDIA  
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TEATRO NUEVO APOLO

 

Antonia San Juan reaparece en “Mi lucha” con más fuerza, energía y vitalidad que nunca, en el que será el broche a su trilogía de espectáculos unipersonales, dirigido y escrito por ella misma junto a los prestigiosos autores Félix Sabroso y Enrique Gallego.

Antonia San Juan rescata al personaje que la encumbró en la gran pantalla

 El 17 de junio de 2016  se estrena en el Teatro Nuevo Apolo MI LUCHA. Antonia San Juan regresa a los escenarios con este espectáculo que ella dirige y firma junto a Félix Sabroso y Enrique Gallego. Un espectáculo en el que desfilarán 15 personajes diferentes entre nuevos y viejos conocidos por el público como la Agrado o la hermana gemela de la actriz. “Mi lucha” supone el broche de oro a una trilogía de textos unipersonales tras “Otras mujeres” y “Las que faltaban”. [caption id="attachment_29710" align="aligncenter" width="490"]ANTONIA SAN JUAN estrena MI LUCHA, en el Teatro Nuevo Apolo ANTONIA SAN JUAN estrena MI LUCHA, en el Teatro Nuevo Apolo[/caption] Su última apuesta escénica, de la que además es directora, reúne textos del escritor y guionista canario Félix Sabroso, de la propia Antonia San Juan, y una exquisita selección de textos de autores de la categoría de Arthur Koppit.Mi Lucha es el tercer unipersonal después de “Otras Mujeres” y “Las que faltaban” en el que el público se involucra desde el primer instante con el personaje identificando situaciones a las que todos y todas podemos enfrentarnos en un momento u otro de nuestra vida: la soledad, el amor, la enfermedad o la muerte.La capacidad interpretativa de Antonia San Juan no tiene parangón convirtiéndose en una figura camaleónica que puede arrastrarnos desde la más mordaz de las carcajadas hasta las profundidades de la melancolía. La complicidad que alcanza con quienes asisten a sus espectáculos hacen que la actriz goce de la admiración de un público fiel que sigue la carrera de la artista disfrutando de cada uno de los trabajos con los que cada vez más logra cautivarnos.En este montaje, entre otros, conoceremos a la propia hermana gemela de Antonia San Juan, que nos contará los secretos más inconfensables de la actriz y directora, pues no la soporta y le tiene una envidia que la corroe.Mi Lucha es un nuevo reto al que se enfrenta la actriz canaria, galardonada recientemente por el Diario de Avisos con el premio Taburiente por su lenguaje y estilo personal" Fechas y horarios: Domingos a las 19:45h. en el  TEATRO NUEVO APOLO 
[button link="http://bit.ly/2feUPIz" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]
 
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