Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
MATINALES MUSICALES
Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín y el Teatro Reina Victoria presentan
MATINALES MUSICALES
Del 8 de octubre al 28 de enero - Domingos 12h en el Teatro Reina Victoria
La próxima temporada 2017-18, la Fundación Orquesta Sinfónica Chamartín (FOSC) ofrecerá una serie de conciertos musicales en el Teatro Reina Victoria.
Hubo un tiempo en que la gente solía tomar el vermú los domingos después de salir de misa de doce. Era como un ritual en el que participaban tanto personas mayores como gente joven. Y el vermú solía ser de botella, no tirado, así que cada uno lo pedía por su nombre de marca. Tampoco todos tomaban vermú. No había una zona determinada para quedar, pero la gente acudía a los bares próximos a la iglesia. La propuesta de temporada de la Orquesta Sinfónica Chamartín va a ser organizar conciertos seguidos de un encuentro en el que músicos, publico, amigos y familiares podamos comentar y disfrutar el evento acompañado de un vermú degustación. El vermú tendrá lugar en el bar del teatro para los 50 primeros, que adquieran un tique en taquilla previo pago el mismo día del concierto.PROGRAMA
- 8 de octubre – CARTA BLANCA A GABRIEL BLANCO. Obras de Puccini, Verdi, Di Capua, Kander, Lara… Orquesta Sinfónica Chamartín; César Belda, dirección; Gabriel Blanco, tenor
- 22 de octubre – LA HISPANIDAD MUSICAL. Música hispanoamericana. Orfeón Chamartín y Agrupación FOSC; César Belda, dirección; Jaime Márquez, guitarra; Marisa Canales, flauta
- 5 de noviembre – CLÁSICOS DEL ROCK. Música Rock. Grupos Rock de la FOSC; Antonio Javier Pérez, organización y dirección artística
- 19 de noviembre – JOSÉ LUIS MARTINEZ JAZZ PROJECT. Temas de Chema Saiz, Luis Barroso, Jorge Magaz y José Luis Martínez. José Luis Martínez, guitarra y dirección
- 3 de diciembre – GLORIA DE VIVALDI. MÚSICA DE ADVIENTO. Obras de Vivaldi, Bach y Pergolesi. Orquesta Sinfónica Chamartín; César Belda, dirección; Carmen Bocanegra y Juana Molinero, sopranos.
- 17 de diciembre – CELESTE CHRISTMAS TIME. Obras de F.X. Gruber, G. Michael y Tradicionales Navideñas. Celeste21; Sergio Hurtado, dirección; Paloma Arín y Carmen Bocanegra, solistas
- 14 de enero – COROS DE SIEMPRE. Obras de Haydn, Mendelssohn y Dvořák. Coros La Salle Maravillas y Orquesta Sinfónica Chamartín; Javier Ibarz, dirección
- 28 de enero – EN TIEMPOS DE MOZART. Obras de Bach y Mozart… Celeste Classic; José Herrador, dirección
NO SOY DEAN MORIARTY
Intemperie Producciones presenta
NO SOY DEAN MORIARTY
de Joan Yago
Desde el 5 de julio. Miércoles 20:15h en el Teatro Lara
¿Por qué preferimos vivir una vida supuestamente tranquila e incompleta, y a veces infeliz? ¿Hasta donde llegan las limitaciones del miedo y de la duda?
El 5 de julio llega al Teatro Lara NO SOY DEAN MORIARTY. Una obra escrita por Joan Yago basada en la novela de Jack Kerouac, On The Road (1957), con dirección de Gerard Iravedra y con Fernando Tielve y Ferran Vilajosana como protagonistas de una obra que habla principalmente de la amistad. Estrenada el 11 de mayo de 2016 en la Sala Tú. NO SOY DEAN MORIARTY duró en cartel varios meses gracias al éxito de crítica y público. A partir del 5 de julio la segunda producción de Intemperie Producciones se podrá ver en el Teatro Lara los Miércoles a las 20:15h.NOTA DEL DIRECTOR
NO SOY DEAN MORIARTY habla de la amistad. La relación entre Sal Paradise y Dean Moriarty es una de las más magnéticas y brutales que se han escrito en toda la literatura moderna, pero no dejan de ser ficción y la sociedad que ilustra la novela de J.Kerouac, es muy diferente a la nuestra. Podemos admirarlos, como hacen nuestros dos jóvenes protagonistas, pero sin tomar decisiones propias y sin actuar, nunca podremos ser como ellos: genuinamente auténticos. ¿Qué es el “conformismo vital”? ¿Miedo a decidir y a sufrir las consecuencias de nuestras propias decisiones?, ¿Por qué preferimos vivir una vida supuestamente tranquila e incompleta, y a veces infeliz? ¿Hasta donde llegan las limitaciones del miedo y de la duda? Gerard IravedraSINOPSIS
Un bar cualquiera perdido en cualquier lugar. Dos jóvenes camareros recogen mientras juegan a meterse en la piel de Sal Paradise y Dean Moriarty, los personajes de ‘En la carretera’, la mítica novela de Jack Kerouac. Juegan a ser libres. Admiran el espíritu aventurero y la forma de vivir al límite de los personajes de ficción exprimiendo el presente sin temer al futuro. De esta forma consiguen por unos instantes abandonar su gris realidad. Pero hoy, uno de los dos querrá viajar. Querrá vivir. Y querrá hacerlo en la realidad y no en la ficción. ¿Le acompañará su amigo? [caption id="attachment_47854" align="aligncenter" width="680"]
NO SOY DEAN MORIARTY[/caption]
FICHA
Autor: Joan Yago (A partir de la novela de Jack Kerouac) Dirección: Gerard Iravedra Elenco: Fernando Tielve y Ferran Vilajosana Producida por Intemperie Producciones y Sala Tú Fechas y horarios: Desde el 5 de julio. Los Miércoles a las 20:15h en el TEATRO LARA [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-no-soy-dean-moriarty/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
INCONSOLABLE
El Centro Dramático Nacional presenta
INCONSOLABLE
De Javier Gomá Dirección Ernesto Caballero
Del 28 de junio al 23 de julio en el Teatro María Guerrero
El 28 de junio se estrena en el Teatro María Guerrero INCONSOLABLE del filósofo y escritor Javier Gomá. Un conmovedor monólogo dramático con mucho sentido del humor que gira en torno a la muerte del padre. Bajo la dirección de Ernesto Caballero, Fernando Cayo protagoniza el que será su sexto monólogo. La escenografía corre a cargo de Paco Azorín. INCONSOLABLE se podrá ver en el Teatro María Guerrero del 28 de junio al 23 de julio. El trabajo de Ernesto Caballero como director responde a muchas de las claves que aparecen también en su producción dramática: la misma insistencia en la temática social y la misma búsqueda de los límites entre el escenario y la realidad, la indagación en la metateatralidad, y el juego de tiempos y espacios. El Mundo publicó el en 2016. Y el 10 de abril de 2017 en la sala Princesa del Teatro María Guerrero se realizó una lectura del monólogo por su autor, Javier Gomá.NOTA DEL AUTOR
Un hombre de cincuenta años comparece en escena y sin más preámbulos inicia una exposición íntima, lúcida y conmovedora. Explica que la muerte de su padre, todavía reciente, ha atravesado su vida como un acontecimiento. Asombrado ante la magnitud del suceso, que él no había podido ni imaginar, desea compartir públicamente el itinerario de sus primeros cuarenta días de duelo. Escogidas anécdotas de su vida familiar ilustran cada una de las fases del itinerario, sus vueltas y retrocesos inevitables. Huyendo de lo que llama literatura maleducada, una plaga que nos contamina, según él, prefiere un estilo más civilizado, que combina la inteligencia con la amenidad y no desdeña el sentido del humor. Todo parece bajo su control cuando, de pronto, sin apenas advertirlo, el monólogo se desliza hacia un terreno distinto, porque, a consecuencia de determinadas revelaciones, la situación obliga al protagonista a experimentar en toda su desnudez y crudeza el sentimiento de lo absolutamente inconsolable por la pérdida, aquello que no tiene ni quiere tener consuelo. La negrura, la tragedia, se apoderan de la escena en un movimiento de creciente desesperación y vértigo hasta que, súbitamente, tiene lugar una aparición misteriosa, difícil de definir, que precipita el desenlace. El protagonista, al final de un rodeo existencial, una aventura del pensamiento y las emociones, consigue reconciliarse consigo mismo y con la vida. Aunque titulado Inconsolable, el monólogo acaba infundiendo consuelo al espectador porque, en una operación de alquimia dramática, convierte la aflicción del duelo en una invitación a una vida digna y bella. Escrita con mundanidad y gravedad a partes iguales, la obra verbaliza con precisión filosófica las profundidades insondables de una experiencia tan personalísima como universal, pues todos somos hijos, llamados a ser huérfanos y a dejar huérfanos. Javier Gomá [caption id="attachment_48514" align="aligncenter" width="700"]
INCONSOLABLE ©MarcosGpunto[/caption]
FICHA
Texto Javier Gomá Dirección Ernesto Caballero Escenografía Paco Azorín Iluminación Ion Anibal Vestuario Juan Sebastián Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Reparto: Fernando Cayo Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: 28 de junio a 23 de julio De martes a sábados, a las 20:30 h. Domingos, a las 19:30 h. en el TEATRO MARÍA GUERRERO [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=3&idEspectaculo=204" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=273OJExP7m0&w=640&h=360
EL FIN DE LA VIOLENCIA
La Compañía Proyecto Prometeo presenta
EL FIN DE LA VIOLENCIA
de Sergio Martínez Vila
Del 22 de junio al 1 de julio 2017 en la Sala Cuarta Pared
El tiempo es aquí y ahora. Pero todo ha sucedido ya. Y seguirá sucediendo.
El 22 de junio se estrena en la Cuarta Pared EL FIN DE LA VIOLENCIA del dramaturgo Sergio Martínez Vila. EL FIN DE LA VIOLENCIA es una reflexión escénica acerca de la desobediencia civil, contada a partir de once historias y de un total de veintidós personajes diferentes, todos ellos encarnados por tan solo tres actores: Esther Blanca, Esteban Hirschhorn y Sergio López. Rosa Briones se encarga de la dirección. EL FIN DE LA VIOLENCIA se podrá ver del 22 de junio al 1 de julio en la Sala Cuarta Pared. EL FIN DE LA VIOLENCIA es un ‘manual escénico’ de desobediencia civil que se inspira en la improvisación y el debate. Nos encontramos ante un escenario de crisis y cambio. No es una obra con la que sentirse cómodo y, sin embargo, tampoco es una obra ajena al humor y al placer. Su objetivo es inyectar luz y posibilidades constructivas a los conflictos de conciencia que definen nuestros días.SINOPSIS
El Sol ha dejado de salir, sumiendo a los habitantes de un pueblo de montaña a tres días de oscuridad total. Esto avecina el fin de un paradigma y quizás el cambio hacia otro. Imaginar el final de algo es alumbrar, también, una nueva posibilidad a partir del vacío. ¿Puede darse una alternativa real a lo ya conocido? Con una hipotética revolución de tipo cósmico como espina dorsal, distintos relatos de ‘desobediencia’ se van alternando como si fueran las piezas de un puzzle. Políticos, soldados, campesinos, sumos pontífices, ciudadanos anónimos y hasta los míticos Zeus y Prometeo conviven en este crisol de historias y arrojan distintos puntos de vista sobre el acto de la rebeldía, el derecho a la libertad y las distintas formas de contestar a un poder autoritario y brutal. EL FIN DE LA VIOLENCIA es una obra coral basada en el desafío de conservar la integridad en medio de una sociedad injusta, y en el amor que subyace a todo intento humano por dominar o por empoderar al otro.
FICHA
Dramaturgia: Sergio Martínez Vila Dirección: Rosa Briones Escenografía: Juan Sanz Ballesteros Espacio Sonoro: Juan Carlos Blancas Diseño de iluminación: Antonio Agudo Roncero Reparto: Esther Blanca, Sergio López y Esteban Hirschhorn Compañía Proyecto Prometeo Fechas y horarios: Del 22 de junio al 1 de julio de jueves a sábado a las 21h. en la Sala CUARTA PARED [button link="http://bit.ly/2t6ylAw" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]EL FIN DE LA VIOLENCIA de Sergio Martinez Vila from Esteban Hirschhorn on Vimeo.
TEATRO KAMIKAZE
La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze
presentan
BARBÁDOS, ETCÉTERA
De Pablo Ramón
Del 13 al 19 de Junio
y
Del 16 de octubre al 2 de noviembre
Escrita y dirigida por Pablo Remón, Barbados, etcétera es una triple función inspirada en la tradición del teatro anglosajón de agrupar obras breves que comparten resonancias, temas o estilos. Tres textos compuestos para dos actores, Fernanda Orazi y Emilio Tomé, que pueden leerse como variaciones de un mismo tema, en el sentido musical. Los tres exploran el mundo de la pareja y tienen que ver con la memoria, la comunicación y el amor. También con el ruido que los acompaña, es decir, la desmemoria, la incomunicación y el desamor. Y las tres comparten la isla de Barbados como punto de fuga, como espacio imaginario. SOBRE LA OBRA Al principio, no hay nada. Dos actores, un espacio en blanco. ¿Quiénes son? ¿De dónde vienen? Imposible saberlo. ¿Son personajes? No lo son. ¿Hay una historia? No la hay. ¿Qué hay entonces? Solo una cosa: palabras. Esas palabras flotan en el escenario vacío, como objetos suspendidos. Poco a poco, construyen personajes, historias, situaciones. Construyen un mundo. En ese mundo aparecen las cosas. ¿Qué cosas? Un tapicero enamorado, la sección “Terraza y jardín” de Ikea, un vídeo musical de Europe, la isla de Barbados. Sobre todo, aparece una pareja. Una pareja típica. Todo eso aparece en el mundo. ¿En qué mundo? En la cabeza del espectador. Barbados, etcétera es una triple función, inspirada en la tradición del teatro anglosajón de agrupar obras breves que comparten resonancias, temas o estilos. Tres textos compuestos para dos actores, que pueden leerse como variaciones de un mismo tema, en el sentido musical. Los tres exploran el mundo de la pareja y tienen que ver con la memoria, la comunicación y el amor. También con el ruido que los acompaña, es decir, la desmemoria, la incomunicación y el desamor. Barbados, etcétera es el tercer montaje de La_Abducción, compañía dirigida por Pablo Remón, después de La abducción de Luis Guzmán y 40 años de paz, que recibió cuatro candidaturas a los Premios Max y resultó finalista a Mejor Autoría Revelación. La_Abducción pretende crear teatro moderno, de texto, partiendo del trabajo conjunto con los actores, y entendiendo la escritura y el montaje como un proceso de búsqueda y descubrimiento permanentes. Barbados, etcétera es una coproducción entre La_Abducción y El Pavón Teatro Kamikaze.
BARBÁDOS, ETCÉTERA en el Teatro Kamikaze
FICHA
Texto y Dirección Pablo Remón Ayudante Dirección Raquel Alarcón Iluminación y sonido David Benito y Oscar G. Villegas Producción Silvia Herreros de Tejada y Pablo Ramos Escola Escenografía y Vestuario La_Abducción Fotografía Vanessa Rábade Diseño Cártel Dani Sanchís Diseño Gráfico Dani Sanchís y Patricia Portela Reparto Fernanda Orazi y Emilio Tomé Fechas y horarios: Del 13 al 19 de Junio en el TEATRO KAMIKAZE Todos los días a las 19 h. (fechas funciones 13, 14, 15, 16, 19, 20,21 26, 27, 28 y 29) Fechas y horarios: Del 16 de octubre al 2 de noviembre en el TEATRO KAMIKAZE Lunes 16 de octubre, 19h (Reestreno) De lunes a jueves, 19h [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0041/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
- Hoy empieza todo con Marta Echeverría - Barbados, etcétera
- «Barbados, etcétera» (****): Soñando con soñar - Raúl Losanez
- Dialogos “típicos” de Pablo Remón - Liz Perales
https://www.youtube.com/watch?v=acppnwhMbWw&w=640&h=360
HITS, la despedida de TRICICLE
Teatro de la Luz Philips Gran Vía
Tricicle presenta
HITS
Del 18 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018 en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía
HITS –el nombre no engaña– contiene lo mejor de lo mejor de Tricicle. El más largo de todos los espectáculos que haya hecho Tricicle, cien minutos rellenos de gags en los que quizá no estén todos los que son pero sí que son todos los que están.
Traten de elegir los 12 mejores sketches entre esas 12 horas de ‘Humor Inteligente, Trepidante y Sorprendente’ (HITS). Si lo ha intentado, es usted un valiente. Si lo ha logrado, enhorabuena, es usted un genio del ‘encaje de bolillos’. A punto de cumplir 40 venerables años sobre un escenario -no siempre el mismo-, ni siquiera para Joan Gracia, Carles Sans y Paco Mir resultaba fácil resumir en 100 minutos ‘lo mejor de lo mejor de Tricicle’. Entonces… ¿CÓMO SE HA HECHO LA SELECCIÓN DE LO MEJOR DE LO MEJOR? Buena pregunta. Este es uno de los puntos fuertes del espectáculo y se resume diciendo que TRICICLE propone y el público dispone. De las trece horas de espectáculo que hemos creado escogeremos cuarenta sketches de los que el público de cada localidad -a través de FACEBOOK y nuestra propia WEB- podrá escoger cinco sketches. Los doce más votados constituirán la parte central de un espectáculo que concluirá siempre con un elaborado macro resumen antológico. ¿Haremos trampas? Casi seguro. Este método de configuración de"espectáculos a la carta" ya lo pusimos en práctica en nuestro primer espectáculo conmemorativo - TRICICLE 20- y descubrimos que el público siempre quería ver lo mismo por lo que, si seguíamos sus criterios, cada día hubiésemos acabado repitiendo la misma función así que, de vez en cuando, nos permitíamos alguna que otra concesión para ir variando los sketches y, sobretodo, para justificar todo el volumen escenográfico que trasladábamos de ciudad en ciudad. HITS - acrónimo de Hilarantes Individuos Tragicómicos y Solazosos- gustará (mucho) a los que nos conocen de toda la vida y sorprenderá (muchísimo) a los hijos de sus hijos ya que, afortunadamente, cada nueva generación nos ha traído más público.
HITS –acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente– reúne doce sketches mínimamente reducidos y un amplio resumen, que cierra el espectáculo, compuesto de gags cortísimos que dejan al espectador al borde del colapso respiratorio. Casi todos aparecen tal cual fueron estrenados ya que el paso del tiempo –salvo aspectos tecnológicos que hemos obviado o variado– no les ha afectado para nada.
40 años de TRICICLE
Tricicle cumple cuarenta años sobre los escenarios. Diez espectáculos, decenas de países, cientos de ciudades, miles de actuaciones, centenares de miles de quilómetros recorridos, millones de risas y todo sin perder la ilusión de los primeros días porque, en el arte del humor, nadie puede dormirse en los laureles.
Web compañía: TRICICLE
Duración aprox: 100 minutos
Fechas y horarios: Del 18 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018.
Miércoles a viernes 20:30 h. Sábados 19:00 y 21:30 h. Domingos 18:00 horas TEATRO DE LA LUZ PHILIPS
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https://www.youtube.com/watch?v=eEQbRX8zPpQ&w=640&h=360
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HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER[/caption]
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TEATROS DEL CANAL, ESCENARIO CLECE
BALLET NACIONAL DE ESPAÑA presenta
HOMENAJE A ANTONIO SOLER
Coreografías de Antonio El Bailarín, dirigidas por Antonio Najarro, con música en directo
Del 21 de julio al 30 de julio en los Teatros del Canal
Coreografías de Antonio El Bailarín, dirigidas por Antonio Najarro, con música en directo
Selección de coreografías, la mayoría pertenecientes al repertorio del BNE, en las que quedaron representados varios de los estilos de la Danza Española a través de las brillantes creaciones del gran Antonio: Eritaña, Zapateado de Sarasate, Taranto (La Taberna del Toro), Fantasía Galaica y El Sombrero de Tres Picos. Música en directo de la Orquesta Sinfónica Verum, dirigida por el maestro Manuel Coves. En este espectáculo se puso especial interés en recuperar los telones y escenografías originales. Para llevar a cabo dicha recuperación, fue fundamental la labor de documentación que permitió reproducir con detalle los decorados y trajes de las distintas coreografías. Obras de arte, que siempre identificaron la creatividad y puesta en escena de Antonio.ERITAÑA
Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Isaac Albéniz Figurines: Vicente Viudes Escenografía original: Vicente Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario hombre segunda producción: Sastrería González Calzado: SanshaEstreno absoluto el 28 de abril de 1960 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro del Liceo de Barcelona.
Estreno el 28 de octubre de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
Isaac Albéniz compuso Suite Iberia en el final de su vida, entre 1905 y 1909. Eritaña forma parte del Cuaderno nº 4 y se estrenó el 9 de febrero de 1909, en París, tres meses antes de su fallecimiento. Su fuente de inspiración son las sevillanas y su nombre procede de la famosa venta que estuvo junto al Parque de María Luisa, en Sevilla. Incluido en el programa Homenaje a Albéniz, creado por Antonio en 1960 para el Teatro del Liceo de Barcelona, y dentro de la coreografía llamada Suite Iberia, Eritaña se nutre de los pasos de las sevillanas boleras y su forma de ejecución durante el XIX. Es imprescindible recordar las palabras que le dedicó Claude Debussy a la obra de Albéniz -«nunca la música ha alcanzado expresiones tan diversas; los ojos se cierran como fatigados de haber contemplado tantas imágenes»-, ya que puede extenderse a la coreografía diseñada por Antonio, donde la dificultad técnica de sus variaciones aporta todavía más brillantez a las notas del compositor. En ella encontramos todos los elementos necesarios para que su traducción al baile español sea absolutamente natural. Son pocos minutos, se hacen muy cortos, pero Eritaña es una de las obras imprescindibles para entender la danza española en su camino hacia la excelencia por medio de la estilización coreográfica.TARANTO (DE LA TABERNA DEL TORO: ESTAMPA FLAMENCA)
Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Popular Cantaor invitado: Sebastián Cruz Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Milagros (En Escena) Calzado: GallardoEstreno absoluto el 29 de octubre de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el Teatro Palace de Londres.
Estreno el 18 de junio de 2016 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.
En la mencionada película y, tras bailar Zapateado, Antonio es recogido por la pareja protagonista -ella es la bailarina clásica Ludmilla Tcherina- y les dice que pueden parar a desayunar en La taberna del toro. Allí, entre otros paisanos, hay una chiquilla pizpireta, interpretada por la primera bailarina de su compañía, Carmen Rojas. Tras interpretar el Tango de Juana Vargas La Macarrona durante unos instantes, Antonio le pregunta a la jovencita si sabe bailar el taranto “con los brazos bien arriba y bien cimbreado ese talle”, dice, colocándole el cuerpo. La taberna del toro se había estrenado dos años antes del rodaje de Luna de miel, en el Palace Theatre de Londres, donde actuaron durante ocho semanas y continuaron estrechando lazos con la capital inglesa, donde tanto lo apreciaron. Elsa Brunelleschi escribió, a propósito de ese nuevo estreno londinense, que, “si ya la había encontrado de gran calidad un año antes, la compañía de Antonio había mejorado ahora mucho más allá de cualquier reconocimiento”. [caption id="attachment_50704" align="aligncenter" width="700"] HOMENAJE A ANTONIO RUIZ SOLER[/caption]
ZAPATEADO SARASATE
Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Pablo Sarasate Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: José Antonio Arroyo Calzado: GallardoEstreno absoluto en 1946 por Antonio, en el Teatro Bellas Artes de México.
Estreno el 14 de junio de 1981 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.
Se cumplen setenta años desde que Antonio estrenara su versión de Zapateado, de Pablo Sarasate, su solo, sin duda, más emblemático. La partitura del compositor navarro es una delicia, pero la interpretación que hizo Antonio, dándole todos los matices que pide la partitura, elevó su prestigio más aún. “Era como una sinfonía de Beethoven, in crescendo, desde el piano hasta el fuerte”, escribieron de él, y Antonio explicaba en nuestra entrevista de 1989, que, bailándolo, “acariciaba el suelo; hay que hablar con los pies, no dar patadas”. Pueden admirar a nuestro protagonista interpretándolo en la película Luna de miel, donde se utiliza, además, como elemento narrativo haciendo avanzar la acción, realizándolo Antonio por una carretera, con el sonido, por supuesto, doblado. En las últimas décadas, lo han bailado primeros bailarines de las compañías que contaron con el arte de Antonio, pues es pieza de repertorio que va pasando de generación en generación, como debe ser con las obras clásicas.FANTASÍA GALAICA
Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Ernesto Halffter Figurines: Carlos Viudes Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Vestuario: Encarnación, Perís y Sastrería González Calzado: Gallardo y ArteFylEstreno absoluto el 30 de junio de 1956 por Antonio y su Ballet Español, en el V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Jardines del Generalife.
Estreno el 12 de mayo de 1979 por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Juárez de Guanajuato, México.
En el libro que Gyenes dedicó en 1964 a Antonio, se recogen las palabras de Ernesto Halffter, compositor de esta obra, sobre la coreografía de nuestro protagonista. “Nunca olvidaré lo que Antonio hizo con mi Fantasía Galaica, de tantas bellezas en el detalle y en su conjunto; con aciertos tan singulares como el paso a dos, armonioso y poético, con el sonar de las vieiras contrapunteando el trenzar de los pasos… Antonio sabe hacer plásticas las ideas musicales con entera servidumbre y autenticidad al espíritu y a la letra de cada pentagrama”. Y es que la coreografía creada por Antonio es un ejemplo de cómo estilizar nuestras danzas -en este caso, los bailes gallegos-, reinterpretando los pasos desde la sabiduría técnica, potenciando su estética teatral y haciendo casi visible la música. También encontramos aquí su pasión por el paso a dos, expresivo, acercándose a la tradición del ballet, ofreciéndolo despojado de etnicidad. Al final, eso sí, se vuelve esta creación vertiginosa en su alborada de cierre, recogiendo la dinámica propia de la muñeira, el baile más popular de Galicia. FANTASÍA GALAICA: Introducción y encuentro Canción y danza de los arrieros Muñeira de las aguadoras Maruxiña o teu refaixo Muñeira de los campesinos Presagio (Paso a dos)EL SOMBRERO DE TRES PICOS
Coreografía: Antonio Ruiz Soler Música: Manuel de Falla Escenografía: Pablo Picasso Figurines: Pablo Picasso Adaptación de escenografía: Jesús Acevedo Realización de escenografía: Sfumato y Mambo Diseño de iluminación: Ginés Caballero (AAI) Proyecciones: Emilio Valenzuela Vestuario hombres: Sastrería González; Mujeres: Peris; Molineras: Milagros (En Escena) Calzado: Gallardo
Estreno absoluto el 24 de junio de 1958 por Antonio y su Ballet Español, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.
Estreno el 13 de mayo de 1981, por el Ballet Nacional de España, en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.
El estreno de su versión original, coreografiada por Leonide Massine, fue en el Teatro Alhambra de Londres, el 22 de julio de 1919, por los Ballets Russes de Serge Diaghilev. El histórico empresario, con su gran olfato para reconocer el talento, le encargó a Manuel de Falla que reescribiese su ballet-pantomima El corregidor y la molinera, de 1917, creado para orquesta de cámara. Diaghilev y su joven coreógrafo Leonide Massine asistieron a su estreno en Madrid, ya que durante la I Guerra Mundial, y gracias a la ayuda del Rey Alfonso XIII -a quien consideraban su “padrino”-, los Ballets Rusos pudieron actuar (y, por ello, sobrevivir) en la España neutral. Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga habían adaptado para el teatro la novela de Pedro Antonio de Alarcón, de 1874, basada en una leyenda popular. En 1915, el matrimonio había colaborado con el músico gaditano en El amor brujo, gitanería para Pastora Imperio que Antonia Mercé La Argentina estrenó ya como ballet en 1925. Falla compuso El sombrero de tres picos según las indicaciones de Massine, adaptando las escenas a su idea coreográfica, como cuando Tchaikovsky escribió sus famosos ballets siguiendo las necesidades del coreógrafo Marius Petipa. Este dato es muy importante si hablamos de autoría, ya que es el coreógrafo quien pide al músico la estructura, matices o ritmo que desea en la partitura; no es que encuentre una composición ya creada y realice después la coreografía. Durante sus giras por España, entre 1916 y 1918, Leonide Massine se había prendado del baile español. No sólo del flamenco, sino también de nuestros variados bailes y danzas. Tuvo a su lado a un artista autóctono contratado por Diaghilev para que se empapara de él, Félix Fernández, bailaor espectacular –cuentan- en sus intervenciones en solitario –la verdadera naturaleza del baile flamenco-, pero menos apto para integrarse en una pieza coreográfica para la que se necesite el rigor académico. Desgraciadamente, Félix Fernández pagaría cara su imposibilidad de adaptarse a la disciplina de una coreografía: tras ver que su nombre no aparecía como protagonista de El sombrero de tres picos en su estreno londinense de 1919, su mente sufrió una gran perturbación y pasaría el resto de su vida confinado en un sanatorio mental en Inglaterra, hasta su fallecimiento en 1941. Es el capítulo más triste de la gestación de El sombrero… En 2004, el Ballet Nacional estrenó El loco, ballet basado en la historia de Félix, con coreografía de Javier Latorre, guión de Francisco López y música de Mauricio Sotelo y Juan Manuel Cañizares. Con la versión de Antonio, El sombrero de tres picos triunfa como coreografía con el lenguaje de la danza española. Estrenado en 1958, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, como adelantábamos, es con la versión de Antonio con la que el ballet adquiere su verdadera naturaleza, ya que la partitura de Manuel de Falla es una obra maestra en la estilización de nuestros ritmos y melodías populares. La creación de Massine de 1919, en definitiva, no deja de ser una “fantasía” sobre nuestra danza –como hemos apuntado antes-, ya que, aunque el coreógrafo y bailarín ruso se empapara de “lo español” y aprendiera algunos pasos y formas de nuestra expresión dancística, no era un artista con formación completa de danza española y, por tanto, cayó en muchos momentos en lo que podríamos llamar “falso español”. Fechas y horarios: Del 21 de julio al 30 de julio en los TEATROS DEL CANAL [button link="http://bit.ly/2qPFdBv" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO PAVÓN
Lamedina.es y Producciones Come y Calla
presentan
AY, CARMELA
de José Sanchís Sinisterra
entre el 2 y el 16 de diciembre,
(más…)TEATROS DEL CANAL
PIEZA PLÁSTICA
De Marius von Mayenburg Dirección de Luciano Cáceres
Del 30 de junio al 2 de julio
Marius von Mayenburg retrata a una familia desde el absurdo, la sátira y la crítica social
Del 30 de junio al 2 de julio, el afamado actor y director argentino Luciano Cáceres estrena en España PIEZA PLÁSTICA, de Marius von Mayenburg, una comedia que presenta situaciones familiares y de pareja desquiciantes, a través de escenas exageradas de conflictos y peleas. Marius von Mayenburg retrata a una familia en la que el absurdo, la sátira y la crítica social se dan la mano. Clase media, responsabilidad, moral, explotación, consumo, arte, frustración sexual, neurosis y comedia. PIEZA PLÁSTICA tiene todos los ingredientes necesarios de una obra de teatro contemporánea. ¿Comedia o drama? Esta singular pieza del alemán Marius von Mayenburg, con dirección de Luciano Cáceres, nos presenta a una familia de clase media, pulcra, rubia, impecable pero que guarda en su interior sus miedos, odios, frustraciones, agresividad, dolor, conflictos y miserias. Una pincelada que dibuja la decadencia y la violencia de la sociedad del siglo XXI. Con vestuario de Ana Chispy Leiva y Julieta Harca, la iluminación de Gonzalo Córdova que destaca la escenografía naif de Agustín Garbelloto donde las puertas juegan, a modo de una comedia de enredos, las idas y venidas de las acciones de los personajes, la obra ofrece ricos parlamentos que el espectador disfrutará, reirá y analizará porque cada frase merece una lectura particular. El espectáculo producido por EUNIC, el Goethe-Institut, Ciudad Cultural Konex y Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América.SINOPSIS
La madre, Ulrike, es una mujer hermosa, medida, formal, pero que puede estallar y tornarse agresiva con su hijo Vincent , quien cámara en mano todo lo filma, y especialmente con su esposo, Miguel, un médico demasiado simple, con aspiraciones de ir a África como parte de Médicos sin frontera. La aparente normalidad, el mundo perfecto que parecen habitar, se rompe con la llegada de una nueva empleada doméstica, Jessica, personaje encarnado magistralmente por Shumi Gauto. Completando la crítica social, el quiebre de valores, la desintegración de un mundo aparentemente estable, aparece Serge Haulupa , artista plástico y jefe de Ulrike, para quien “todo es arte” lo que le permite transgredir todas las formas y cuestionar todas las teorías del sistema social.
FICHA
Autor: Marius von Mayenburg Dirección: Luciano Cáceres Iluminación: Gonzalo Cordova Escenografía: Agustín Garbelloto Vestuario: Ana Chispy Leiva y Julieta Harca Producción ejecutiva: María Vélez Intérpretes: Florencia Benítez, Joaquín Berthold, Santiago Magariños, Provenzano Daiana, Julián Calviño Buenos Aires Compañía Independiente Fechas y horarios: Del 30 de junio al 2 de julio Viernes y sábado 20.00 h. Domingo 19.30 h en los TEATROS DEL CANAL [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=PLASTICATC2017&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=bQo1gSDV4Dc&w=640&h=360
Teatro Timbre4 presenta
LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN
De Claudio Tolcachir
El suceso del off que recorrió el mundo. 13 años en cartel, subtitulada en ocho idiomas y publicada en italiano, francés, inglés, español y griego regresa a Madrid para despedirse de los escenarios.
Más de 2.000 funciones y más de 265.000 espectadores de 22 países, LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN, del director argentino Claudio Tolcachir y su compañía Teatro Timbre4 LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN se estrenó en agosto de 2005 en el Teatro Timbre 4 de Buenos Aires. Su estreno en España fue en noviembre de 2007 en el Centro Comarcal de Humanidades de La Cabrera, Madrid, dentro del Festival de Otoño.SINOPSIS
¿Qué significa pertenecer a una familia? ¿Podría alguna vez no estar aquí? ¿Quién soy fuera de esta casa? Una familia viviendo al límite de la disolución, una disolución evidente pero secreta; conviviendo en una casa que los contiene y los encierra, construyendo espacios personales dentro de los espacios compartidos, cada vez más complejos de conciliar. Una convivencia imposible transitada desde el absurdo devenir de lo cotidiano, donde lo violento se instala como natural y lo patético se ignora por compartido. Una obra sin conclusiones que sugiere que las cosas nunca son lo que parecen y que todo aquello que no se dice, acaba por sonar más fuerte...NOTA DEL AUTOR
LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN es el fruto de nueve meses de ensayos diarios, trasnoches y madrugones en donde este grupo, este maravilloso conjunto de talentos humanos, de actores sobrenaturales se entregó sin especulaciones a la gestación del que sería mi primer texto teatral. Estrenamos un agosto de lluvia con la esperanza de haber realizado un buen trabajo y sin más expectativa que permanecer algunos meses en cartel para mostrar orgullosos nuestro trabajo. Pero cada vez era más y más gente la que se acercaba a la sala. Y fueron más y más funciones. Luego vinieron los viajes, las giras, la construcción de una nueva sala, más grande, y más temporadas en distintos lugares del mundo, con subtítulos, sin subtítulos. En aviones, micros, trenes. Y un placer y una emoción que nunca nos abandonó de que esta familia tan nuestra fuera adoptada con pasión en todo el mundo. Diez años ininterrumpidos de trabajo y convivencia. Diez años de vivir en estado de agradecimiento y felicidad. Nos dimos muchos gustos, cruzamos muchas fronteras, pero nos quedaba un desafío por probar, en nuestra ciudad, cerquita de casa. Un lugar muy querido por nosotros nos abre sus puertas, el Paseo La Plaza. Un lugar al que me unen muchos recuerdos. Espié su construcción cuando era niño, disfruté de horas de charla y paseo por sus caminitos y puentes, y por supuesto, de incontables espectáculos que despertaron y alimentaron el placer del teatro. El teatro es para todos y tenemos la fe y la certeza de que esta pasión de vocación y oficio que nos envuelve es sanamente contagiosa. Claudio TolcachirCUATRO CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRÁS
TEATRO LAB MADRID presenta
CUATRO CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRÁS
de Enrique Jardiel Poncela
CORAZONES CON FRENO Y MARCHA ATRÁS, una de las comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela. Gabriel Olivares (Burundanga, El Nombre) dirige el nuevo espectáculo de su Compañía TeatroLab Madrid, después de Our Town (Candidata a los Premios Max 2016 al mejor Espectáculo Revelación). Cuatro corazones con freno y marcha atrás es una de las comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela. El cartero Emiliano y dos parejas de enamorados quieren solucionar sus problemas sentimentales y económicos tomando la pócima de la eterna juventud. Tras ingerir el elixir, los protagonistas creen haber encontrado la solución a todos sus problemas y haber alcanzado la felicidad absoluta, sin embargo se convierte en una existencia insoportable y delirante. Dos parejas de enamorados y un cartero. Una herencia imposible, una isla desierta y la fórmula de la eterna juventud. ¿Felicidad también eterna? ¿Amor inmortal? Puede que sí, puede que no o quizá todo lo contrario. Porque todo es posible en “Cuatro corazones con freno y marcha atrás”. La puesta en escena de estos “Cuatro corazones…” se traslada a otro tiempo como los propios personajes y viaja no al lejano siglo XIX original, sino al ya no tan cercano siglo XX. Se trata de encontrar el ahora de un texto como el de Jardiel sin traicionarlo, jugando con él para hacer jugar también al espectador, al público del siglo XXI. Desempolvarlo no del polvo del tiempo, –Jardiel nunca se pasa de moda- sino de una cierta tradición teatral que ha literalmente secuestrado a ciertos autores de la época para condenarlos al olvido. La propuesta de TeatroLab Madrid se pone en escena con admiración, pero sin reverencia; con delicadeza, pero sin miedo; dispuesta a dejarse llevar por la fantasía y la imaginación, por ese “teatro inverosímil” por el que clamaba el autor. “Cuatro corazones con freno y marcha atrás” no es una broma, sino una comedia pura llena de esperanza. [caption id="attachment_47431" align="aligncenter" width="596"]
Cuatro corazones con freno y marcha atrás[/caption]
SINOPSIS
Emiliano es cartero y lleva todo el día esperando a que le firmen una carta certificada enviada al joven Ricardo. Misión imposible: la casa se encuentra inmersa en un lío descomunal, y todo por culpa de la herencia de un extravagante tío; el arruinado Ricardo solo podrá cobrarla al cabo de 60 años. Un drama. Pero el doctor Bremón tiene la solución: científico revolucionario, acaba de descubrir la fórmula de la eterna juventud. Él mismo, su prometida Hortensia y la pareja formada por Ricardo y Valentina, van a disfrutar, eternamente, de la fortuna del tío. Y no solo ellos, también el cartero Emiliano, quien ha descubierto el secreto y está más que dispuesto a participar en él. El grupito de inmortales se dispone a disfrutar de una vida completamente feliz y despreocupada, pero al correr de los años y las décadas, terminan por encontrar la existencia un aburrimiento, un latazo. Ya nada les interesa, nada les conmueve. Ni siquiera la aventura de vivir en una isla desierta, como Robinsones del tiempo. Solo el pragmático Emiliano parece a salvo del tedio, mientras que los cuatro enamorados desesperan en lo que consideran una condena eterna. Hasta que el cerebro privilegiado del doctor Bremón descubre una nueva fórmula, un freno que pondrá fin a este tormento: dejarán de ser inmortales para ir cumpliendo años hacia atrás; es decir, serán cada vez más jóvenes, llegarán a la infancia y después, a la desaparición total, a la Nada de la que todos venimos. ¡Ahora sí que van a disfrutar de la vida! Bremón y Hortensia, Ricardo y Valentina, junto al inseparable e imprescindible Emiliano, parecen haber encontrado la felicidad verdadera: vivir como solo pueden los jóvenes; enamorados, divertidos y despreocupados, con todo el futuro por delante. Pero han olvidado que en su caso, también tienen todo el pasado por detrás.FICHA
De Enrique Jardiel Poncela Dirección: Gabriel Olivares Diseño de luces: Carlos Alzueta Fotografía: Nacho Peña Diseño gráfico: Alberto Valle Asistencia de dirección: Venci Kostov Producción ejecutiva: Gaspar Soria Distribución: Inakidiez.es Una producción de Teatro Lab EL RELÓ/ Smedia Reparto: César Camino / Álex Cueva - Emiliano. Patrick Martino - Ricardo. Belén de Santiago / Silvia Acosta - Valentina. David García Palencia - Dr. Ceferino Bremón. Chusa Barbero - Hortensia.- Eduard Alejandre - Elías Corujedo / Oliver Meighan / Bienvenido Corujedo. Esperanza de la Vega - Luisa / Elisa. Pedro Forero - Juan / Heliodoro / Federico. Asier Iturriaga - Catalino / Mario / Margarita. Guillermo Sanjuán - José / Fernando. Mateo Rubistein - Adel / Heliodorcito / Florencio. [button title="Comprar Entradas" link="" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]- «Cuatro corazones con freno y marcha atrás»: Jardiel para una noche de verano - ABC
- Estudio 1 - Cuatro corazones con freno y marcha atrás
https://www.youtube.com/watch?v=wL0lDFTwUeI&w=640&h=360