Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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TEATROS DEL CANAL

 

YLLANA presenta

YLLANA 25

Selección de los mejores 25 sketches en el 25 aniversario de la compañía

Del 11 al 29 de enero de 2017

Actualmente de GIRA , YLLANA 25 llega a la Sala Roja de los Teatros del Canal el 11 de Enero de 2017.

Yllana cumple 25 años y lo celebra con un nuevo espectáculo que recoge los mejores momentos de su trayectoria. Yllana 25 es una adaptación y fusión de los más exitosos sketches de la compañía a lo largo de sus 25 años de trayectoria. Una oportunidad única para disfrutar de los gags más divertidos de la compañía a lo largo del último cuarto de siglo.Puro Yllana. Ritmo vertiginoso y más de doce cambios de vestuario por cada actor. Fidel Fernández, Juan Ramos Toro, Juanfran Dorado, Luis Cao y Jony Elías hacen las delicias de los espectadores con lo mejor de ¡Muu!, Glub, Glub, 666, Hipo, Rock and Clown, Olimplaff, Star Trip, Spingo, Brokers,The Gagfather y Chefs.Y es que con Yllana, nunca mejor dicho, sobran las palabras

SINOPSIS

2016 es un año muy especial para nosotros. ¡Cumplimos 25 años! Y lo vamos a celebrar como mejor sabemos hacerlo, con un nuevo espectáculo: Yllana 25.Yllana 25 repasa sobre el escenario los grandes momentos de la trayectoria de la compañía con una selección de los mejores sketches de nuestros espectáculos. Yllana 25 es un desternillante show que hará realidad el deseo de los fans de Yllana de disfrutar en un mismo espectáculo de los gags más divertidos de la compañía en este cuarto de siglo.Salud y a por otros 25 años más.Let´s rock! Let´s Yllana! [caption id="attachment_38766" align="aligncenter" width="700"]YLLANA 25 en los Teatros del Canal YLLANA 25[/caption] [box]Yllana es creatividad. Nace en 1991 como compañía de teatro de humor gestual, aunque en la actualidad, ha diversificado su actividad, ofreciendo distintas prestaciones en el mundo de las artes escénicas y el audiovisual. Por un lado se dedica a la creación, producción y distribución de espectáculos, eventos y formatos audiovisuales y por otro gestiona espacios teatrales y desarrolla diferentes proyectos en el ámbito cultural. Los miembros de Yllana son Juan Francisco Ramos, Marcos Ottone, David Ottone, Joseph O´Curneen y Fidel Fernández.En estos 25 años Yllana ha producido veintiseis espectáculos teatrales: ¡Muu! (1991), Glub, Glub (1994), 666 (1998), Hipo (1999), Rock and Clown (2000), Spingo (2001), Splash! (2002), Star Trip (2003), Los Mejores Sketches de Monty Python (2004), Olimplaff (2004), La Cantante Calva (2005), Buuu! (2006), PaGAGnini (2007), Musicall (2007), Brokers (2008), Zoo (2009), Sensormen (2010), ¡Muu! 2 (2011), The Hole (2011), Action Man (2012), Far West (2012), Monty Python, Los Mejores Sketches (2013), Sinfònic Ara (2014), The Gagfather (2014), Chefs (2015) e Yllana 25 (2016). Estos montajes se han representado en más de 2000 ocasiones en 44 países y han sido vistos por más de un millón y medio de espectadores. Destaca su participación en festivales internacionales de gran prestigio como el Fringe Festival de Nueva York (USA), obteniendo el  Premio “Outstanding Unique Theatrical Event” por 666 en 2009, el Fringe Festival de Edimburgo (UK) galardonados con el Premio al Mejor Espectáculo del Fringe por los editores del periódico “Three Weeks” por PaGAGnini en 2008 el Festival Juste Pour Rire de Montreal (Canadá), el Comedy Arts Festivals de Moers (Alemania) consiguiendo el Moerser Comedy Preis, y entre otros el festival Printemps des Courges de Toulouse (Francia), siendo reconocidos con el premio Spectacle Etranger. En España Yllana ha hecho temporadas teatrales en todas las grandes ciudades y recibido multitud de premios, entre los que destaca el premio Max al Mejor Espectáculo Infantil por Zoo en 2010. Además trabaja en el campo de la distribución de artistas internacionales como Leo Bassi, Elliot, Avner The Eccentric, Joseph Collard.[/box] 

FICHA

Yllana son: Marcos Ottone, Juan Ramos, Joe O´Curneen, Fidel Fernández y David Ottone Idea Original y Dirección Artística: Yllana Diseño de Iluminación: Miguel Ángel García Rosa Diseño de Sonido: Iván González Diseño de Vestuario: Gabriela Salaverri Ayudante de Vestuario: Alejandra Hernández Imágenes 3D: Javier de Prado Vídeo: Fabio Novo Técnicos: Miguel Ángel García, Iván González, Paco Rapado, Roberta Guarino, Luismi García Diseño Gráfico y de lonas escenografía: Daniel Vilaplana Foto: Julio Moya Comunicación y Prensa: Rosa Arroyo, Esther Pascual Producción: Mabel Caínzos, Ramón Sáez, Fran Álvarez, Isabel Sánchez Productor Ejecutivo: Marcos Ottone Intérpretes: Fidel Fernández, Juan Ramos Toro, Luis Cao, Juanfran Dorado y Jony ElíasFechas y horarios: Del 11 al 29 de enero de 2017 De martes a viernes 20.00 h. Sábados 19.00 y 21.30 h. Domingos 18.00 h TEATROS DEL CANAL [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=YLLANATC2017&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
SUPERCALIFRAGILISTICO El Musical en el Teatro Arlequín Gran Vía

TEATROS LUCHANA

 

La Compañía OnBeat presenta

SUPERCALIFRAGILISTICO - El Musical

Guión original y dirección: Antonio Martín Regueira

Sábados y domingos a las 11:45h

 

La Compañía OnBeat hace un homenaje a Mary Poppins en el s.XXI en una versión actualizada con SUPERCALIFRAGILISTICO - El Musical.  SUPERCALIFRAGILISTICO - El Musical te cuenta cómo viviría en pleno siglo XXI, la niñera más famosa del mundo en un espectáculo que mezcla temas de hace 50 años y canciones actuales.

 En agosto de 2014 se cumplieron 50 años del estreno de un musical que cambió la historia, Mary Poppins… y en 2015 se cumplieron medio centenario de su llegada a España. A finales del pasado mes de enero se ha estrenado en cine ‘Al encuentro de Mr.Banks’, que cuenta la historia entre Walt Disney y la escritora P. L. Travers a lo largo de 14 años, el tiempo en el que el presidente de la famosa compañía estuvo detrás de la escritora para que le cediera los derechos de adaptación de su primera novela.Desde la Compañía On Beat se ha tratado de hacer una historia actual con una niñera que nos recuerda a dicho personaje, pero NO es un musical de la conocida Mary Poppins, sino una visión de la sociedad actual, de la relación entre los padres y sus hijos, de las actividades y músicas de los niños de hoy en día… todo nace de una pregunta ¿qué ocurriría si alguien como ella apareciese en la actualidad? Compañía On Beat presenta la comedia musical del año, donde es posible disfrutar con las canciones de hace 50 años (Al Compás, Cucharadita de Azúcar, Chimchimini, Supercalifragilísticoespialidoso…) y con otras mucho más actuales (Violetta, Shakira, Abraham Mateo, Shakira, Cristina Aguilera…) en una mezcla sorprendente. 

SINOPSIS

Esta comedia musical narra las peripecias de una niñera en una familia actual, con dos hermanas que tratan de llamar la atención de un padre viudo y volcado con su trabajo.No lo tendrá fácil la niñera más famosa del mundo, pues tendrá que competir con las nuevas tecnologías, algo que ella no conoce; y su magia ya no sorprende como antes. La música será la herramienta que le permita lograr que todo vuelva al lugar que le corresponde. Facebook: Supercalifragilistico-El-Musical  
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TEATROS LUCHANA

 

SerieTeatro | Hypnos Films | LardiezStudio presentan

LA CICATRIZ

Escrita y dirigida por David Ramiro Rueda

Del 28 de octubre al 17 de diciembre

LA CICATRIZ es el nuevo proyecto de SerieTeatro, Hypnos Films y LardiezStudio ('PÍNTAME'). Escrita y dirigida por David Ramiro Rueda. Protagonizada por Adriana Salvo y Álvaro Quintana.  Diseño Gráfico de Román Reyes y fotografía de Sergio Lardiez.

 David Ramiro Rueda se introduce en el mundo teatral con el libreto Píntame, obra que dirige junto a Román Reyes y Sergio Lardiez y que se sigue representando en la actualidad. 

SINOPSIS

Dámaso y Estela. Un hombre y una mujer.Todo ha cambiado.A Estela las canciones ya no le suenan igual; son las mismas, sí, pero suenan antiguas, a nostalgia de la mala. Prueba a curar sus heridas entre los brazos de Dámaso, un joven que intenta con sus dotes de seducción y erotismo que se aleje de todo el ruido que habita en su cabeza. Pero la pasión no es suficiente cuando el dolor es contagioso, inflamable, se propaga con facilidad y contamina el ambiente.Todos tenemos una cicatriz. De las que no se ven. [caption id="attachment_37940" align="aligncenter" width="700"]LA CICATRIZ en los Teatros Luchana LA CICATRIZ Foto: Sergio Lardiez[/caption] 

NOTA DEL AUTOR

Tras más de dos intensos años sumergido en Píntame quería cambiar de registro, arriesgar. Así que La Cicatriz nace de la necesidad de crear constantemente y de mi inquietud innata en probar,  aprender y apostar por proyectos de diversa índole. Por ello, vuelvo a aparcar temporalmente la prosa y decido renovar  mi dramaturgia y dirección de actores, aprovechándome de los conocimientos de montajes anteriores para proyectarlos en escena a sabiendas ya de  conocer lo que a priori funciona, e integrando factores nuevos que me motiven hasta el infinito y contagie así mi entusiasmo hasta el patio de butacas.He escrito un libreto que cabalga entre el drama y la tragedia, ambientándolo en  una fotografía escénica cuidada, sin grandes pretensiones pero con una presencia tal que te remueva por dentro más allá del tiempo de la función. También he cuidado con mimo los textos  y  los  mensajes  encriptados que existen en cualquier conversación aparentemente banal, donde uno nunca dice lo que realmente está  diciendo y lo maquilla a base de sensualidad y del hábil arte de seducir.Otro de los retos que me imponía La Cicatriz era el de mantener alto el ritmo y el interés del público contando sólo con dos actores, un único escenario, y un tiempo real con un solo corte de escena durante toda la función. Para todo lo anterior, además de perseverar durante meses y meses una escritura de guión que lograra aliviar mi tedioso inconformismo, cuento para La Cicatriz con mis tres ases que tan bien me funcionaron con Píntame: Sergio Lardiez, Eduardo de los Santos y Román Reyes, así como otras personas que firman en los créditos de ambos montajes teatrales. Asimismo, terminan de encajar las piezas del puzzle Adriana Salvo, actriz versátil con la que repito el ofrecimiento de otro de mis personajes, Álvaro Quintana que es energía pura y rigurosidad en escena, y José Ygarza, un portento profesional y físico que compacta a la perfección con el personaje que hasta ahora habitaba sólo en mi cabeza.Nada en La Cicatriz es casual ni improvisado, se ha trabajado en todos y en cada uno de los aspectos del proyecto para que el espectador sólo tenga que sentarse en la butaca y, sin pensar ni hacer grandes esfuerzos, viaje hasta las entrañas de los sentimientos de los personajes, reflexione, se emocione, y lo más importante: disfrute.
David Ramiro Rueda
 [caption id="attachment_37941" align="aligncenter" width="700"]LA CICATRIZ en los Teatros Luchana LA CICATRIZ Foto: Sergio Lardiez[/caption] 

FICHA

Escrito y dirigido por David Ramiro Rueda Fotografía y Arte Sergio Lardiez Diseño Gráfico Sensa Design | SensaD.com Iluminación y Sonido Daniel Esparza/Helena González Vestuario ¡Qué Guapa! | Que-Guapa.com Director de Producción Eduardo de los Santos Producción SerieTeatro | Hypnos Films | LardiezStudioReparto: Adriana Salvo y  Álvaro Quintana. Cover: José YgarzaFechas y horarios:  Del 28 de octubre al 17 de diciembre de 2016 Viernes a las 22:45h. Diciembre: sábados a las 19:30h. en los TEATROS LUCHANA [button link="https://www.qhaceshoy.es/entradas/la-cicatriz-en-madrid-teatros-luchana_s28790/569d00dee9af" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO ALFIL

 

La Compañía Improclan presenta

SHHH!

Creación y dirección: Edu Ferrés, Rubén Hernández y Area Martínez

con Rubén Hernández y Edu Ferrés

24 de junio y 1 y 15 de julio a las 18h.

 

''Es mejor no decir nada y parecer estúpido que hablar y despejar las dudas definitivamente.'' Groucho Marx sabía de lo que callaba.

  SHHH! es el último espectáculo de la Compañía Improclan ('IMPROVISA TÍO!!', 'VADEVIP'). Estrenado en junio de 2016, ''Shhh!'' es el primer show de improvisación gestual en España. Y el cuarto proyecto de la compañía.Es un espectáculo ideal para familias, personas con discapacidad auditiva y turistas/extranjeros de visita por Madrid que quieran ir al teatro. En realidad es un espectáculo ideal para todo el mundo.Desde la nada y sin más ayuda que la que nos proporciona nuestra compleja e imperfecta anatomía, daremos vida a las propuestas de ustedes, nuestro público, a través de la improvisación y el humor gestual.Sed bienvenidos a Shhh!, el espectáculo sin palabras que dará que hablar.SHHH! un espectáculo de humor gestual improvisado. Sin guión y sin palabras. Tras su paso por La Escalera de Jacob, el 1 de febrero llega al Teatro Alfil.  La Compañía Improclan (fundada en 2012) mezcla de espontaneidad, gamberrismo y profesionalidad con un mismo objetivo, el entretenimiento a partir de la participación absoluta del público. Y por supuesto, hacer reír. [caption id="attachment_37936" align="aligncenter" width="700"]SHHH! en La Escalera de Jacob SHHH! Foto: Diego Conesa[/caption] 

FICHA

Compañía: Improclan Elenco: Rubén Hernández, Edu Ferrés Luz y sonido: Area Martínez Diseño iluminación: Ángel Cantizani Diseño gráfico: Anxo Martínez Vestuario: Paula Casales ( Electrik Five ) Foto: Diego Conesa Distribución: Yllana Duración: 1hProducción: Improclan (Juan Dávila, Natalia Mateo, Juan Vinuesa, Edu Ferrés y Area Martínez)Fechas y horarios: Del 1 de febrero al 15 de julio 24 de junio y 1 y 15 de julio a las 18h. en TEATRO ALFIL [button link="http://bit.ly/2jM0En0" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] 
https://www.youtube.com/watch?v=wi5VNvpV09w&w=640&h=360
[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
CÁSCARAS VACÍAS teatro María Guerrero

CÁSCARAS VACÍAS

Centro Dramático Nacional y LAZONA presentan

CÁSCARAS VACÍAS

Texto y dirección Magda Labarga y Laila Ripoll

El holocausto de los judíos en la Segunda Guerra Mundial es uno de los episodios más negros de la historia de la Humanidad. Igual de atroz, igual de terrible pero menos conocidos es la esterilización y exterminio de personas con discapacidad funcional que el régimen nazi llevó a cabo. CÁSCARAS VACÍAS trae a los escenarios este brutal capítulo de la historia reciente.

Cáscaras vacías es una red de historias tejidas con testimonios de la "Operación T4" nazi. La "Operación T4" es el nombre en código que los nazis dieron a su programa de eutanasia destinado a eliminar a personas con alguna discapacidad, a quienes consideraban "vidas indignas de ser vividas", "cáscaras vacías", y cuyas primeras víctimas fueron niños. El castillo de Hartheim fue uno de los lugares donde esta operación se llevó a cabo.Seis personas nos hablan de sus vidas. Seis personas que habrían sido asesinadas en el castillo de Hartheim nos hablan de él. Seis intérpretes con alguna discapacidad elaboran un discurso teatral sobre la diferencia, lo raro, lo útil o inútil de las vidas de cada quien.Este proyecto es resultado de cuatro años de trabajo en el festival Una mirada diferente.

SINOPSIS

Austria, Castillo de Hartheim, alrededor de 1940. Hans, Lotte, Paul, Agnes, Heyde y Roland se encuentran en una sala parecida a un baño. Antes de que se realice la desinfección los seis recuerdan, hablan, cantan y bailan. Nos dicen quiénes son y por qué están ahí.Los personajes van a contar su historia en los momentos previos a su muerte. Y para contar la historia han utilizado el lenguaje del Cabaré.

NOTA DE DIRECCIÓN

Alemania, 1939. Hitler declara la guerra. Al mismo tiempo, autoriza la eliminación de quienes para los nazis son vainas huecas, vidas indignas de ser vividas, cáscaras vacías. Así llaman a las personas con alguna discapacidad. En los años previos han estado haciendo una labor de propaganda cargada de argumentos económicos. Las personas con capacidades diversas no solo son malas hierbas que hay que arrancar para que el pueblo alemán sea saludable y productivo, sino que además son una carga de la que es preciso deshacerse porque cuestan mucho dinero. La ciencia puntera de la época les provee de discurso teórico: la eugenesia está de moda. Quien no es capaz de alimentarse, de procurar su sustento, debe morir. Es una “ley natural”. Es así como surge la Aktion T4, el programa secreto de asesinato de personas con alguna discapacidad, cuya ejecución supuso además el entrenamiento del personal y la puesta a punto de procedimientos que se usarían después en los campos de exterminio. Fueron las primeras víctimas, desamparadas a causa de su pobreza o del abandono familiar. Y en la mayoría de los casos plenamente conscientes de su destino.Entre 1939 y 1945 científicos, médicos, enfermeras, cuidadores, mataron a más de 200.000 personas aplicando lo que llamaron eutanasia a quienes calificaban no aptos para la comunidad. Apenas se ha hablado, o se ha hablado poco, de estas víctimas. Como si su sufrimiento y su muerte no contara o importase menos. Con ellas se experimentó, sus cadáveres se dibujaron en atlas de anatomía y sus cerebros formaron parte de “colecciones científicas” de respetados institutos. Médicos responsables de su asesinato siguieron ejerciendo, enseñando y recibiendo honores y reconocimiento…   El castillo de Hartheim, el lugar donde transcurren los hechos que se narran en Cáscaras vacías, fue uno de los seis establecimientos donde se realizaron estas matanzas a manos de personal sanitario tanto como de personal militar. Unos de los aspectos más terribles de esta terrible historia es que quienes cometieron estos asesinatos fueron científicos, hombres y mujeres educados, personas de su tiempo envueltas en la indiferencia de una sociedad anestesiada por la burocracia y la propaganda. Una sociedad preocupada por la salud, la excelencia y la productividad, extraordinariamente parecida a la nuestra. Pero esta información, con toda su dureza, no significa nada si no podemos imaginar e intentar ponernos en el lugar de las víctimas o, al menos, mirarlas a la cara. Eso hemos querido. Acercarnos. Acercarnos hasta ver sus rostros, escuchar sus voces, sentir sus presencias. Y contar sus historias.
Laila Ripoll y Magda Labarga
[caption id="attachment_37906" align="aligncenter" width="700"]CÁSCARAS VACÍAS en el Teatro María Guerrero CÁSCARAS VACÍAS ©MarcosGpunto[/caption]Duración: 1 hora aprox.
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TEATRO DE LAS AGUAS

 

Esa Gente presenta

CóMO SEDUCIR A UN HETERO. EL MONÓLOGO

de Diego Manuel Béjar con Antonio Meléndez Peso

Miércoles a las 21h.

Humor adulto ácido e irreverente para dar la vuelta a los estereotipos de identidad y género.

 La compañía teatral Esa Gente estrena su primer proyecto: CóMO SEDUCIR A UN HETERO. EL MONÓLOGO, que se podrá ver los Miércoles a las 21h. en el Teatro de Las Aguas. Inspirado en la exitosa novela de marcado caracter gay 'Cómo seducir a un hetero' (Diego Manuel Béjar, editorial Stonewall), y con texto del mismo autor, este monólogo es una ácida sátira de los estereotipos de identidad y género. Se trata de una deconstrucción del hombre (tanto gay como hetero) con pinceladas feministas que durante unos 75 minutos ofrece distintas sorpresas al espectador. Además de reir sin parar, el público también juega e incluso baila.El público asiste a una clase magistral para aprender, a través de un humor cínico e irreverente, pero sin caer en el mal gusto, las claves para seducir a un hetero. Pero no a cualquier hetero, ¡sino a todo un macho alfa! interpretado por Antonio Meléndez Peso. ¡La diversión está garantizada para todos y todas! Antonio Meléndez Peso te ofrece una visión irreverente de los tópicos de homosexualidad y heterosexualidad, dando la vuelta a los estereotipos de identidad y género. 

SINOPSIS

¡Esto no es un monólogo al uso! Cómo seducir a un hetero, el monológo, es toda una master class. Utilizando como base un humor cínico e irreverente, pero sin caer en las obviedades ni el mal gusto, un profesor con claroscuros imparte una clase magistral al público asistente sobre cómo seducir a un hetero. Mediante el uso de láminas esquemáticas y una pizarra gigante de seis metros cuadrados cargada de fórmulas e instrucciones gráficas, se realizará una deconstrucción atropológica del hombre y la masculinidad desde una visión gay. La clase se desarrolla a través de cuatro lecciones básicas y un examen sorpresa:• La seducción en el mundo gay: por qué ligar en el ambiente no es tan fácil como parece... o sí. • El hetero, ese desconocido: las claves para entender las características especiales del hombre heterosexual. • Ventajas de seducir a un hetero: cómo la revolución sexual nos lleva al concepto del hombre clínex. • El método: explicación de las claves para seducir al hombre heterosexual, con su correspondiente caso práctico.Diversión garantizada para todo tipo de público adulto: los gais se reirán a través del análisis mordaz de su propio mundo, las mujeres se verán vengadas, a través del concepto de hombre objeto y el análisis que de este se hace, y los hombres heterosexuales descubrirán cómo son percibidos tanto por las mujeres como por otros hombres. 

FICHA

Texto: Diego Manuel Béjar Dirección: Diego Manuel Béjar y Ángel Perulero Grafismo: Miguel González Reparto: Antonio Meléndez PesoDe la Compañía Teatral Esa GenteDuración: 75 minutosFechas y horarios: Miércoles a las 21h. en TEATRO DE LAS AGUAS [button link="http://bit.ly/2eED5ak" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] 
https://www.youtube.com/watch?v=RX8pyYKilLI&w=640&h=360[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
 

NAVE 73

 

La Trapecista Autómata presenta

MOSCÚ (3.442 KM)

Inspirada en ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov Dramaturgia y dirección Patricia Benedicto

Viernes de febrero a las 20:15h.

...buscando el camino a Moscú

 La Compañía La Trapecista Autómata presenta MOSCÚ (3.442 KM). Pieza inspirada en ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov, con dramaturgia y dirección de Patricia Benedicto. Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo forman el reparto.El proyecto, escrito y dirigido por Patricia Benedicto, se inspira en Las tres hermanas de Antón Chéjov para crear un paisaje escénico que pretende hablar de inmovilidad, del paso del tiempo, de los sueños no cumplidos, de la nostalgia, de la infancia, la juventud y de la necesidad de vivir pese a todo, pese al desconcierto que provoca.MOSCÚ (3.442 KM) se podrá ver los viernes de febrero a las 20:15h. en Nave 73 tras su paso por El Umbral de Primavera.  

MOSCÚ

3.442 son los kilómetros que separan Madrid de Moscú. 3.442 kilómetros es, tal vez, la distancia que nos separa de la posibilidad de ser felices. No lo sabemos. Solo sabemos que estamos en un paisaje nevado esperando que algo pase y que deberíamos caminar si no queremos quedarnos congeladas y morir de hipotermia.La obra se inspira y se nutre de ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov para crear un paisaje escénico que pretende hablar de inmovilidad, del paso del tiempo, de los sueños no cumplidos, de la nostalgia, de la infancia, la juventud y de la necesidad de vivir pese a todo, pese al desconcierto que provoca. Afirmar la vida como un acto de rebeldía. Moscú no es solo un lugar, es un estado de ánimo, un concepto. Moscú es la posibilidad, la oportunidad, el tren que no debemos dejar escapar.  

SINOPSIS

Moscú (3.442km) habla sobre el lugar que imaginamos pero donde nunca estamos.Irina, Masha y Olga sueñan con dejarlo todo y marcharse a Moscú, pero siempre encuentran algo que hacer: trabajar, preparar la comida, ir al súper, pagar facturas, fingir que quieren a alguien (incluso quererlo de verdad)… se entretienen preguntándose qué significa vivir mientras se olvidan de hacerlo. Como hacemos todos.Pero, ¿existe realmente Moscú? En mitad de este paisaje desolado que es nuestro país, en mitad de esta sociedad descreída y machacada, ¿nos podemos permitir pensar en la posibilidad de un futuro mejor? En esta obra nos preguntamos, no solo si es posible llegar a Moscú, también si existe la posibilidad de Moscú, si vale la pena caminar o es mejor quedarse quietos y ver pasar la vida.¿Qué hacemos? ¿Caminamos?  

FICHA

Dramaturgia y dirección: Patricia Benedicto Espacio escénico y vestuario: Lúa Testa - La trapecista autómata Diseño de luces: Juanje de los Ríos Producción y distribución: La trapecista autómata Comunicación: LemonPressReparto: Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura LorenzoDuración aproximada: 75 minutosFechas y horarios: Viernes de febrero a las 20:15h. en NAVE 73 
https://www.youtube.com/watch?v=aE_TkxoHUBA&w=640&h=360 
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EL UMBRAL DE PRIMAVERA

 

LA COMPAÑÍA ARTISTAS Y. presenta

LA LOCANDIERA

de Carlo Goldoni Versión y dirección: Lidio Sánchez Caro

Jueves de noviembre a las 20:30h.

LA LOCANDIERA es una de las comedias más conocidas del dramaturgo italiano Carlo Goldoni. Con versión y dirección de Lidio Sánchez Caro, la obra se podrá ver en El Umbral de Primavera los jueves de noviembre a las 20:30h.

LA LOCANDIERA está interpretada por Pablo Bigeriego, Claudia Escobar, Borja Floü, Javier Lago, Maykel Nicolás, Salomé Peña, Carolina Touceda y João VenturaCarlo Goldoni escribió LA LOCANDIERA en 1752, en un solo día, según su propio testimonio. La obra se estrenó en Venecia en 1753. LA LOCANDIERA es la historia de un combate psicológico entre un joven aristócrata reacio a amoríos, y que ha declarado la guerra a las mujeres, y Mirandolina, la dueña de un hostal, que bajo el pretexto de vengar la ofensa que esa actitud inflige a su sexo, se propone enamorarlo. Lo consigue en menos de veinticuatro horas, y una vez logrado su objetivo, termina por despreciarlo, casándose finalmente con el camarero de su negocio. Mirandolina es, ante todo, una mujer que elije, pone en marcha un plan, y consigue su objetivo. Con este argumento, Goldoni destacaba la habilidad de su protagonista para triunfar en un mundo de hombres, una novedad para su tiempo en la que subyace el ennoblecimiento social de la mujer propio del siglo de las Luces.La modesta valoración de la obra en tiempos del autor fue más que compensada a partir del siglo XIX, cuando las actrices de mayor renombre rivalizaron a la hora de interpretar a Mirandolina (Ristori, Duse, Paulova, etc.), superando en el XX a cualquier otra de sus comedias en número de representaciones, traducciones, adaptaciones y representaciones. En LA LOCANDIERA confluyen un perfecto ritmo dramático, diálogos brillantes, una caracterización de personajes a base de acertadas pinceladas, y otras diversas circunstancias que la convierten en una obra maestra. 

SINOPSIS

Dos aristócratas, un arruinado marqués y un rico conde, discuten sobre quién conquis-tará a Mirandolina, la dueña del hotel. Un joven noble tercia en la discusión, echándoles en cara su interés por las mujeres, y tiene palabras de desprecio para Mirandolina. Ésta, irritada, decide darle una lección y, en menos de veinticuatro horas, con gran sutiliza, consigue enamorarlo. Una vez logrado su objetivo, termina por despreciarlo, y de paso también a los dos aristócratas, casándose finalmente con el camarero de su hotel. [caption id="attachment_37847" align="aligncenter" width="700"]LA LOCANDIERA de Carlo Goldoni en El Umbral de Primavera LA LOCANDIERA[/caption] 

FICHA

Autor: Carlo Goldoni Versión y dirección: Lidio Sánchez Caro Diseño plástico: María Marcos Patiño Difusión y prensa: Patricia Marcos Producción: ARTISTAS Y. Reparto: Pablo Bigeriego, Claudia Escobar, Borja Floü, Javier Lago, Maykel Nicolás, Salomé Peña, Carolina Touceda y João VenturaDuración: 80 minutosFechas y horarios: Jueves 3, 10, 17 y 24 de noviembre, a las 20:30 hrs. en EL UMBRAL DE PRIMAVERATwitter: lalocandiera [button link="http://bit.ly/2ecQSX0" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO KAMIKAZE

 

El Pavón Teatro Kamikaze presenta

LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS

de Per Olov Enquist Versión y dirección  Miguel del Arco

Del 29 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017

  • El director y dramaturgo Miguel Del Arco versiona y dirige un texto de Per Olov Enquist que gira en torno a la poderosa figura del escritor August Strindberg
  • Una historia de ‘teatro dentro del teatro’ sobre el empoderamiento femenino y las relaciones de pareja que podrá verse a partir del 29 de noviembre en El Pavón Teatro Kamikaze
 El director y dramaturgo Miguel del Arco se estrena en El Pavón Teatro Kamikaze el próximo 29 de noviembre con La noche de las tríbadas, de Per Olov Enquist. Miguel del Arco firma la versión y la dirección de un montaje que protagonizan Manuela Paso, Miriam Montilla, Daniel Pérez Prada y Jesús Noguero en el papel del célebre escritor sueco August Strindberg

El autor Per Olov Enquist, amigo personal de Ingmar Bergman –quien dijo sobre Strindberg “me ha acompañado toda la vida: lo he amado, lo he odiado y he lanzado sus libros contra la pared, pero no he podido deshacerme de él”–, compone un magnífico texto teatral que parte de una profunda investigación sobre la persona y la obra de Strindberg, uno de los más grandes dramaturgos de la historia de la literatura que contribuyó a cambiar radicalmente la forma de escribir y hacer teatro a finales del siglo XIX. A partir de hechos reales, Enquist construye una hipnótica ficción de ‘teatro dentro del teatro’ que nos habla de las relaciones entre hombres y mujeres, el empoderamiento femenino, la misoginia, las intimidades de pareja, la creación artística y sus procesos, la libertad, la identidad personal, el miedo a la soledad…

SINOPSIS

En La noche de la tríbadas corre el año 1889. Acosado por las deudas y la miseria, August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912) decide abrir un teatro en Copenhague para llevar a escena sus obras y seguir experimentando sobre el hecho teatral. Ha nombrado directora de este Teatro Experimental a su mujer, Siri, madre de sus tres hijos, actriz que abandonó las tablas para seguir a su marido al exilio que él mismo se impuso y con la que el escritor está inmerso en un salvaje proceso de divorcio.

Strindberg siempre había procurado, sin éxito, que Siri encontrara su lugar en el teatro, pero la generosidad del maestro al nombrarla directora tiene una contrapartida interesada: forzar a Siri a que vuelva a su lado con los niños y poder así recomponer la familia que tanto añora. El choque entre estas dos fortísimas personalidades no se hace esperar, y más cuando Strindberg descubre que la actriz a la que su mujer ha confiado el otro personaje femenino de la función que ella misma protagoniza no es otra que su amante, Marie. La tríbada, la lesbiana.

Tanto Siri como Strindberg son conscientes de que poner en escena ‘La más fuerte’, el drama que el autor ha escrito para la ocasión, es su última oportunidad en muchos sentidos: para ella, de volver a los escenarios y recuperar una carrera profesional que la convierta en una mujer emancipada y libre; para él, de recuperar a su esposa proveyéndola del que ha sido su más ferviente deseo.

Pero ninguno de los dos escapa a su propia naturaleza ni a su historia común. La presencia de Marie, que ahora vive con Siri y sus hijos, convierte este peculiar ensayo de teatro –tal y como el propio Strindberg describió en uno de sus libros– en algo “cruel, feo, bello, poético, prosaico, sentimental, crudo, horrible, delicado”.

“Strindberg se pasó la vida sembrando la polémica, cultivando la irreverencia y manteniéndose en constante contradicción. La más grande, profunda y dolorosa que mantuvo fue, seguramente, consigo mismo. Contradicción que en algunos momentos se convirtió en enfermedad esquizoide. Sus tres esposas se plantearon en algún momento la necesidad de internarlo en un centro de salud mental. Y él mismo llegó a dudar en muchas ocasiones si lo que escribía era real o ficción”, cuenta Del Arco. ¿Qué pudo suceder en la vida de Strindberg para que en 1884 escribiera una declaración de los derechos de la mujer, que aún hoy resultan avanzados y tristemente inasequibles, y solo un año más tarde renegara de ella? Este es el espíritu revolucionario, terrorista, polémico y extremo que recorre La noche de las tríbadas, una función que no dejará a nadie indiferente”.

[caption id="attachment_37814" align="aligncenter" width="700"]LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS en el Teatro Kamikaze LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS © Vanessa Rabade[/caption] 

FICHA

Autor Per Olov Enquist Versión y dirección  Miguel del Arco Intérpretes  Manuela Paso, Jesús Noguero, Daniel Pérez Prada, Miriam Montilla Escenografía y vestuario Alessio Meloni Iluminación Pau Fullana Diseño de sonido Sandra Vicente (Studio 340) Diseño del cartel Lisa Cuomo Fotografías Vanessa Rábade Realización de escenografía  Mambo Decorados Estudiante en prácticas Gabriel FuentesUna producción de El Pavón Teatro KamikazeFechas y horarios: Del 29 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017 en el TEATRO KAMIKAZE Miércoles, 20.30 horas. Jueves y viernes, 22 horas. Sábados, 21 horas. Domingos, 20 horas Miércoles 28 de diciembre, 20.30 horas Jueves 29 y viernes 30 de diciembre, 22 horas Domingo 1 de enero, 20 horas Miércoles 4, jueves 5 y viernes 6 de enero, 22.30 horas Domingo 8 de enero, 21.30 horas [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0012/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more] [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO BELLAS ARTES

 

La Fabulosa presenta

¡QUÉ BELLO ES MORIR!

Autores: Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco, Fernando J. López

Del 21 de octubre al 16 de diciembre

Una comedia para morirse de risa

 El 21 de octubre se estrena en el Teatro Bellas Artes la comedia QUÉ BELLO ES MORIR, que bajo el subtítulo de 'Una comedia para morirse de risa', nos presenta siete historias desternillantes que te harán reír, perder un montón de miedos y exclamar: qué bello es morir!!!Siete historias escritas por Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco y Fernando J. López. Con dirección de Esperanza Lemos y un reparto formado por Josele Román, Beatriz Rico y Fran Antón.Siete autores que desafian a la muerte en una obra estructurada en sketches y que contará con un gran número musical como colofón.Una mirada desenfadada a la muerte, desde el lado más desternillante, a veces caótico o absurdo, pero siempre esperanzador y cómico.  Y es que al parecer, el más allá es mucho más divertido que nuestra aburrida vida terrenal. Todos los viernes a las 23:30h. ¡QUÉ BELLO ES MORIR! Una comedia para morirse... de risa!!! te espera en el Teatro Bellas Artes. 

SINOPSIS

¡Qué bello es morir! es algo más que una función de teatro: siete historias en las que se trata el tema de la muerte desde diferentes situaciones y puntos de vista: un muerto que no se sabe si lo está, una mujer que descubre que sí lo está cuando ve su propia esquela en el periódico, una pareja de ex que se encuentran en el más allá y descubren que en la otra dimensión también hay que rellenar papeles y ponerse a trabajar, unos espíritus que deciden encantar una casita en la playa para estar de permanente veraneo o una madre que se le aparece a su hija en el momento que ésta solicita su ayuda para, de paso, explicarle lo bien que se vive en el infierno y cómo disfrutó del concierto de David Bowie… [caption id="attachment_37809" align="aligncenter" width="600"]¡QUÉ BELLO ES MORIR! en el Teatro Bellas Artes ¡QUÉ BELLO ES MORIR![/caption] 

FICHA

Autores: Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco, Fernando J. López Dirección: Esperanza Lemos Dirección Técnica e Iluminación: Jorge Abad Reparto: Josele Román, Beatriz Rico y Fran Antón Ambientación: Esperanza Lemos Fotografía / Diseño Gráfico: Juanma Sierra Director de Producción: Rubén Ramírez Producción Ejecutiva: La FabulosaFechas y horarios: Del 21 de octubre al 16 de diciembre Viernes a las 23:30h. en el TEATRO BELLAS ARTESFacebook: QueBelloEsMorir Twitter: QueBelloEsMorir [button link="http://bit.ly/2bLCPqC" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] 
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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS

 

Compañía Montatanto Producciones presenta

AIRES DE ZARZUELA

Dirección de escena Luis Olmos

6, 13, 20 y 27 de noviembre y 4, 6, 8, 11 y 18 de diciembre

 Aires de Zarzuela es un recorrido por una cuidada selección de algunos de los mejores momentos musicales del gran género lírico español. Romanzas, dúos y danza, nos acercan los aromas de aquellas calles, de aquellas flores, de aquellos recuerdos y amores que reviven gracias a compositores como Vives, Moreno Torroba, Chueca , Sorozábal, Chapí, Bretón…AIRES DE ZARZUELA” es un concierto – espectáculo ambientado en los años cuarenta y configurado en una sola parte sin descanso con una duración de 90 minutos, en lo que iremos viviendo diferentes sensaciones gracias a la composición de un programa elegido desde la belleza el sentido del Ritmo de espectáculo.Una compañía se dispone a realizar el último y definitivo ensayo antes de la emisión del gran concierto de Zarzuela, por el sistema de radiodifusión española. La compañía al completo depende de la buena acogida por parte de anunciantes y patrocinadores… Son magníficos artistas (aunque algunos un poco despistados) y están preparados… Va a ser el mejor espectáculo de sus vidas….Una gran escena en la que participa toda la compañía, coreografiada por nuestra bailarina solista y coreógrafa Cristina Arias, con la música del preludio de la obra La Revoltosa inaugura la primera parte. Se sucederán entonces una consecución de escenas confeccionadas a partir de las romanzas, dúos, intermedios… que nos brinda este repertorio, entre los que cuentan El dúo de la africana, La boda de Luis Alonso, Doña Francisquita, El niño judío… así como la gran jota de La Dolores en la que participan todos los integrantes del espectáculo creando una escena coral cantada y bailada. 

EL ELENCO

María Rodríguez – Soprano Lírica                                                                                     20130604055028 Sonia De Munck – Soprano Ligera Julio Morales – Tenor Antonio Torres – Barítono Cristina Arias – Bailarina/Coreógrafa Francis Guerrero – Bailarín Celsa Tamayo – PianoDirección de escena – Luis Olmos Diseño y Realización Audiovisual – Gustavo Moral Diseño y Realización de Iluminación – Lía Alves Coordinación artística y musical – Celsa Tamayo y Julio Morales  

PROGRAMA

LA REVOLTOSA (R. Chapí)

Preludio (Coreografía bailarines y toda compañía)

AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE (F. Chueca)

Preludio y escena (Bailarina y TODOS)

LA DEL MANOJO DE ROSAS (Pablo Sorozábal)

“Hace tiempo que vengo al taller…” ( Duo- Soprano/ Barítono)

Madrileña bonita….” (Romanza Barítono)

DOÑA FRANCISQUITA (Amadeo Vives)

“Canción del ruiseñor” (Romanza/Soprano)

EL DUO DE LA AFRICANA (Manuel Fdez Caballero)

“No cantes más la Africana…..” (Duo Tenor/Soprano)

LA BODA DE LUIS ALONSO (Mtro. Jiménez)

“Intermedio” (Baile paso a dos)

EL NIÑO JUDIO (Mtros. Soutullo/ Vert)

“De España vengo…” (Romanza-Soprano)

LA LEYENDA DEL BESO

Dúo “Amor mi raza…” (Tenor-Soprano)

“Intermedio” (Baile paso a dos) 

LOS EMIGRANTES (Tomás Barrera)

“Granadinas” (Romanza –Julio)

LOS DIAMANTES DE LA CORONA(F.A. Barbieri)

“Niñas que a vender flores…” (Duo Sop./Sop.)

EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS(F.A. Barbieri)

“No seas tirana…” (dúo, Soprano/Barítono)

“Las Caleseras” (Cuarteto.)

LA DOLORES (T. Bretón)

“Aragón la más famosa…” (Jota. TODOS)

 Fechas y horarios: Días 6, 13, 20 y 27 de noviembre y 4, 6, 8, 11 y 18 de diciembre de 2016 12:30 horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS  [button link="http://bit.ly/2c6g0y7" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS [/button]  _______________________________________________________________________________https://www.youtube.com/watch?v=BIrA5EsUdws&w=640&h=360[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO INFANTA ISABEL

 

VENEZIA TEATRO presenta

TARTUFO EL IMPOSTOR

de Molière Versión: Pedro Víllora Dirección: José Gómez-Friha

Del 15 de agosto al 1 de octubre de 2017 en el Teatro Infanta Isabel

 

Escrita en el siglo diecisiete por Molière, Tartufo (1664), una de las obras mayores de la literatura dramática universal, es la referencia teatral sobre la falsa devoción y la hipocresía.

El propio Molière insistía que el tema de su obra era "la crítica de los falsos devotos, de los hipócritas que se presentan bajo la apariencia de personas con fuertes valores cristianos y que esconden otros intereses".La compañía Venezia Teatro presenta con TARTUFO EL IMPOSTOR una visión contemporánea donde aparecen todos los elementos de la obra de Moliere. Con dramaturgia de Pedro Víllora y dirección de José Gómez-Friha.Alejandro Albarracín da vida al Tartufo que es descrito como un monstruo y se nos presenta sólo desde su dialéctica embaucadora y sus acciones. Completan el elenco Lola Baldrich, Vicente León, Nüll García, Ignacio Jiménez y Esther IslaPedro Víllora, responsable de la versión, traslada la historia al día de hoy, para que podamos descifrar a los tartufos que vagan acechándonos. ¿Se ha encontrado Vd. alguna vez con alguno? ¿Ha sido alguna vez Vd. un Tartufo? 

NOTA DEL DIRECTOR

¿Qué es lo que hace diferente a nuestro Tartufo y qué podemos contar con él? Tartufo posee una inteligencia muy elevada que utiliza para radiografiar las debilidades y las virtudes del prójimo. Se acerca a las personalidades manipulables, las que puede manejar a su propio antojo y se aleja y recela de las que le identifican a él como un impostor. Y es así como Tartufo, a partir de la manipulación y el saber estar cerca de quién debe estar, construye su imperio.

La ambición es un componente básico de la sociedad. Y esa ambición puede llevar a controlar lo que se necesite para conseguir los objetivos que uno quiera. Se pasa por encima de lo humano para conseguir lo material. La religión en el Tartufo es para mí anecdótico. Son circunstancias. La verdadera esencia del Tartufo reside en contar la historia de alguien que es capaz de pasar por encima de LA MORAL para robar, apropiarse del bien ajeno y destruir una familia, o una sociedad.

¿No vemos esto todo los días en las noticias? La falta de conciencia, de valores éticos, de honestidad. Hay muchos Tartufos, con mayúsculas, pero ¿somos nosotros Tartufos? ¿Hemos actuado alguna vez como un Tartufo, con nuestro egoísmo como capitán de un barco que arrasa con todo lo que encuentra a su paso? Y sin importar las consecuencias… Tartufo es la síntesis de este afán en su estado más puro. Por eso la dramaturgia de Pedro Víllora modifica el final de la comedia.

En el siglo diecisiete Tartufo, acababa con la intervención del rey y del poder judicial castigando las acciones de El Impostor. Pero hoy día, ¿podríamos mantener esta acción, si poder y leyes son los primeros corruptos? Tartufo se queda con Todo. Tartufo gana. Porque la reflexión que tenemos que hacer para parar a esos Tartufos que nos rodean deben nacer de ver en escena la injusticia. El final conformista no es real, es idílico. El teatro no debe ser idílico, debe plasmar la realidad artística, sí, pero real.Tras el análisis del Tartufo identifico en mí mismo sus pensamientos y también los del resto de personajes. Confieso, con y sin vergüenza, haber sido un poco Tartufo a veces. Y también haber sufrido el daño de ladrones de propiedades. Hay que acabar con todos esos Tartufos, los pequeños que viven dentro de nosotros y los que se han hecho grandes a nuestro alrededor.
José Gómez-Friha, director
 TARTUFO EL IMPOSTOR en el Teatro Infanta Isabel En un tiempo caracterizado por un desequilibrio económico que, en el fondo, es una crisis de valores, es lógico que el teatro recupere aquellos textos del pasado que nos ayudan a entender las razones de la inestabilidad. Tartufo se descubre, así, como un asombroso precursor del espejismo del capitalismo salvaje y su capacidad para seducir incautos. El personaje Tartufo puede ser visto como un falso devoto, como un feliz habitante de la impostura, pero también como un especulador: a la manera de los bancos, seduce a Orgón con la promesa de un bienestar espiritual al tiempo que intenta establecer derechos sobre la hija, sobre la esposa y finalmente sobre los bienes materiales de su víctima.
Pedro Víllora, dramaturgo
  

SINOPSIS

Tartufo entra en casa de los Pernelle de mano del señor Orgón, como un mendigo que necesita asilo. Poco a poco, cual virus que se va extendiendo, empieza a apropiarse de los bienes de la familia. Engaña a quien puede engañar, pasando por encima de los que sí ven en él la verdadera cara de su alma y lo que hay detrás de sus oscuros ojos... El falso devoto: la bondad y la fe del prójimo utilizadas en favor del beneficio personal. Tartufo posee una inteligencia muy elevada que utiliza para radiografiar las debilidades y las virtudes del prójimo. Se acerca a las personalidades manipulables, las que puede manejar a su propio antojo y se aleja y recela de las que le identifican a él como un impostor. Y es así como Tartufo, cualquier tartufo, a partir de la manipulación y saber estar cerca de quién debe estar, construye su imperio. 

FICHA

Dirección: José Gómez-Friha Versión: Pedro Víllora Diseño de vestuario Sara Roma y Venezia Teatro Confección de vestuario Rafael Solís Diseño de escenografía José Gómez-Friha Diseño de iluminación Marta Cofrade Cartel María Lacartelera Maquillaje para cartel Alicia Barón Ayudante de dirección y producción David Ávila Prensa Josi Cortés Reparto: Alejandro Albarracín, Lola Baldrich, Vicente león, Nüll García, Ignacio Jiménez, Esther IslaProducción VENEZIA TEATRO S.L.U.Fechas y horarios: Del 15 de agosto al 1 de octubre de 2017 De martes a viernes a las 20:30h. Sábados 20h. Domingos 19h.  en el TEATRO INFANTA ISABEL [button link="http://bit.ly/2tU953y" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   
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