Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
ESCENAS DE CAZA
MALDITOS COMPAÑÍA y TEATRO CALDERÓN DE VALLADOLID presentan
ESCENAS DE CAZA
Dramaturgia de María Velasco sobre la película “Escenas de caza en la baja Baviera” (1969) de Peter Fleischmann Dirección: Alberto Velasco
Del 6 al 18 de Febrero de 2018 en el Teatro Kamikaze
ESCENAS DE CAZA es el segundo proyecto de creación de la compañía tras el éxito de Danzad Malditos, estrenado en la temporada 2015/2016 en las Naves del Teatro Español y ganador del MAX al Mejor Espectáculo Revelación 2016.
El segundo proyecto de MALDITOS COMPAÑÍA se construirá a partir de la película "ESCENAS DE CAZA EN LA BAJA BAVIERA" de Peter Fleischmann (1969), inspirada, a su vez, en una obra de teatro de Martin Sperr, donde se nos muestra el pueblo de Unholzingun, a cuyo seno vuelve de la prisión Abramm, un joven mecánico. En torno a él y a su inexplicable ausencia empiezan a correr una multitud de rumores sobre su sexualidad, convirtiéndole así en la víctima perfecta de un pueblo dispuesto a la violencia y la humillación más brutal contra todo aquel que se salte la norma establecida.
La crueldad del pueblo hacia Abramm, que desde un principio irá aumentando, acabará convirtiéndose en una auténtica caza al hombre. Una caza que nos acerca demasiado a lo que, si no le ponemos freno ni consciencia, puede aparecer bajo la piel de cada uno de nosotros.
ESCENAS DE CAZA cuenta con la dramaturgia de María Velasco, dirección de Alberto Velasco y está interpretada por Carmen del Conte, Karmen Garay, Rubén Frías, Borja Maestre, Sara Párbole, Txabi Pérez, María Pizarro-Pérez, Julio Rojas y Sam Slade.
El estreno absoluto será el 18 de noviembre en el Teatro Calderón de Valladolid. Del 6 al 18 de Febrero de 2018 en el Teatro Kamikaze.
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ESCENAS DE CAZA de Malditos Compañía[/caption]
NOTA DEL DIRECTOR
“La mezcla perfecta de miedo e ignorancia cocinan un odio hacia lo diferente que llega a matar a aguijonazos venenosos a quien está en su diana. Somos seres débiles que apuestan a lo que diga la abeja reina sin preguntarse nada más porque si señalas con tu aguijón a otro de la colmena, significa que tu estas libre de ser acosado (de momento). Ser gordo, delgado, tener un lunar en el párpado derecho, sesear al hablar, ser homosexual, ser pelirrojo, ser albino en Uganda, ser foca en el ártico, ser esquimal en Nueva York, tener cuatro dedos en la mano izquierda, ser hombre y nacer en el cuerpo de una mujer, ser mujer y nacer en el cuerpo de un hombre, ser cristiano en una sociedad musulmana, ser laico en una sociedad cristiana, tener diversidad funcional, tartamudear, un sentido del humor particular, no tenerlo en absoluto, tener los dientes rotos, no tener dientes, un ojo de cada color… El motivo para ser el blanco de la diana es aleatorio y así será en nuestra pieza, puro azar. Cada representación le tocará a uno de los interpretes afrontar el papel del perseguido y saberse acosado por un simple e infantil juego de azar, a partir de ese momento el dispositivo dramático construirá la historia con fuertes puntales de texto, poesía visual y danza. ESCENAS DE CAZA podría ser el título de cualquier escenario de nuestra España contemporánea, donde todos somos carne de cañón para ser perseguidos, donde el acoso está a la orden del día en todos los ámbitos, donde ser diferente y ser honesto a los que sientes puede acarrearte dolor a ti y todos los que te rodean… Ojalá fuese una cosa del pasado, un tema obsoleto, ojalá llegue el día del estreno y este tema se haya quedado caduco, ojalá… En el espejo del teatro donde toda sociedad ha de mirarse nosotros queremos construir una pieza poética visualmente con fuerza dramática y sentido del humor que refleje el amor, la honestidad y la dignidad que han de vestir todos los seres humanos, porque no hace falta entenderse ni amarse, tan solo respetarse. ¡Vive y deja vivir! Si te ocupas de amar con todas las fuerzas, de razonar con todas las posibilidades, de experimentar todas las sensaciones, sentir todas las emociones, en definitiva, si te ocupas de vivir… no habrá tiempo de mirar en las vidas vecinas porque tu propia vida te estará arrollando. Bienvenidos a nuestra cacería donde el cazado tendrá la última palabra, donde el sacrificio de la ofrenda vestirá de razón el rito del teatro, donde las palabras atravesarán las cabezas como perdigones y los trofeos se devolverán a la vida en una verbena de vino y violines. ¡Que suelten a los perros!” Alberto Velasco
NOTA DE LA AUTORA
En todas las culturas abundan expresiones como “cabeza de turco” o “chivo expiatorio”. En inglés incluso existe un verbo, to scapegoat (scapegoating) que alude a la persecución de víctimas propiciatorias. Más allá de las revelaciones que nos hace la filología, todos albergamos vivencias y una memoria sensorial del bullying escolar (mucho más viejo que el anglicismo que ahora lo define en prensa y tv); de inocentadas, bromas pesadas y novatadas; del acoso laboral; de la mediatización de la rumorología y el escarnio público en la era de internet. Ante situaciones como esas, con mayor o menor capacidad de elección, nos hemos visto como víctimas o victimarios (si no, “colaboracionistas”, voyeurs, etcétera). Podemos pensar en la relación que albergan estos fenómenos con los totalitarismos (de hecho, la obra de Sperr transcurre, en entreguerras, en la zona geográfica donde fructifica el nazismo). Pero también en las imágenes, a menudo provenientes de algún celular, de linchamientos colectivos a dictadores o penas de muerte. También en estos casos, como espectadores emancipados en la sociedad de la información, nos hemos estremecido o indignado, ¿nos hemos alegrado?, de forma consciente o no. Por todas estas razones, el argumento de Escenas de caza es extrapolable a muchos otros contextos sociohistóricos, y necesariamente va a interpelarnos, removernos, y a hacer que nos repensemos todos en nuestros roles intercambiables de furtivos, cazadores, perros, reclamos, presas… Intercambiables, porque, como todos sabemos, también existen los cazadores cazados. Dijo el filósofo que “el hombre es un lobo para el hombre” (homo homini lupus) y la sociedad no deja de inventar sofisticadas metáforas de la licantropía Víctimas haberlas haylas, también, de todos los géneros: que si cojos, que si tuertos, que si mancos, que si ciegos; aunque, como dice el historiador y filósofo René Girard, en la mitología mundial también los hay excepcionalmente hermosos, carentes de cualquier tara. Más allá del tema, la fascinación que ejerce, la película de Fleischmann, en consonancia con el espíritu transgresor y vanguardista del Nuevo cine alemán, propone una serie de mecanismos expresivos muy apetecibles para la compañía Malditos y la poética que viene desarrollando. Los dispositivos y juegos de azar, que revalorizan la idea del directo, seguirán presentes en la dramaturgia, puesto que también la elección del macho cabrío en sacrificio, desde el Levítico, se abandona a la contingencia. El film plantea además una dialéctica de la masa frente al individuo y una “animalización” anatómica y fisonómica susceptibles de ser abordadas mediante la danza y la expresión motora y corporal, que son las disciplinas con las que Malditos coquetea a fin de devolver a las artes escénicas su potencial específico, por así decir, dionisiaco. En varias secuencias de la cinta, aparecen usos de la comida y la bebida, especialmente el cerdo y la cerveza, relacionados con la violencia primigenia que, en una versión libre, nosotros abordaremos desde la plástica (tanto la del verbo como la sonora y la visual). Concluyo con la reflexión de que es prioritario, además de todo un desafío artístico, hacer trascender el tema de los procesos de victimización y el acoso, tan tematizado por los medios de comunicación y una ficción de tipo realista o psicologista, primeramente, mediante una perturbación de los sentidos. Solo así, cabe pensar en un cambio real en las conciencias (del que casi siempre se colige una transformación artística). María VelascoFICHA
Dramaturgia: María Velasco Dirección: Alberto Velasco Escenografía: Alessio Meloni Diseño de vestuario: Sara Sánchez de la Morena Diseño de iluminación: David Picazo Música original: Mariano Marín Construcción de escenografía: Prometeo Representaciones Volumétricas y Neo Taller Escenografía Reparto: Carmen del Conte, Karmen Garay, Rubén Frías, Borja Maestre, Sara Párbole, Txabi Pérez, María Pizarro-Pérez, Julio Rojas y Sam Slade. Una producción de Malditos Compañía y el Teatro Calderón de Valladolid Fechas y Horarios: Del 6 al 18 de Febrero Miércoles, jueves y sábados, 20:30 horas. Viernes, 20 horas.Domingos, 18 horas PAVÓN TEATRO KAMIKAZE [button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0061/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]EL MISTERIO DEL POZO ENCANTADO
DIDASCALIA Teatro y Títeres presenta
EL MISTERIO DEL POZO ENCANTADO
de Francisco J. De los Ríos
Domingos en la Sala La Usina
Estrenada en febrero de 2017, EL MISTERIO DEL POZO ENCANTADO, continúa haciendo las delicias de los más pequeños en La Sala La Usina. Que durante el mes de agosto su programación será exclusivamente infantil, además de los Cursos de Verano. EL MISTERIO DEL POZO ENCANTADO es una obra escrita y dirigida por Francisco J. De los Ríos, director de la compañía Didascalia Teatro y Títeres. DIDASCALIA Teatro y Títeres es una compañía de teatro infantil y juvenil creada desde la Asociación Cultural Los del Sótano en el 2005. Comprometidos con la educación y con el teatro como recurso educativo. "Los caballeros de La mesa redonda son el corazón de Camelot, y si su corazón se apaga Camelot se apagará con ellos. Es un misterio, pues todos empezaron a entristecerse al mismo tiempo..." Ven a disfrutar en familia de esta fantástica aventura ambientada en la época de Camelot los domingos en La Sala La Usina.SINOPSIS
Una divertida aventura, a través de un mundo mágico, donde el peligro y el misterio aguardan escondidos en el bosque. Una obra original, pensada para toda la familia, inspirada en la literatura surgida de las leyendas de Camelot. Las hazañas del Rey Arturo, Excalibur o el Mago Merlín... son nombres que forman parte de nuestras aventuras infantiles y que, ahora, vuelven para que los más peques puedan disfrutarlas junto a ti. ¿Tienes un corazón aventurero? ¿Te gustaría formar parte de los caballeros de la mesa redonda?...Ayuda a Lady Lorelei y Pinkerton a descubrir quién ha robado la alegría de Camelot, entrando en el Bosque Maldito. En él viven seres extraños y sobrenaturales...
FICHA
Dirección y Texto: Francisco J. De los Ríos Actores: Jennifer Baldoria, Paco Ríos. Marat De los Ríos Compañía: Didascalia teatro y títeres Fechas y horarios: Domingos de julio a las 18h. Agosto a las 18:30h. SALA LA USINA [button title="Comprar entrada" link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-el-misterio-del-pozo-encantado/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]TEATROS DEL CANAL
presenta
CRIMEN Y TELÓN
Texto original,composición musical y arreglos: Ron Lalá Dirección: Yayo Cáceres
1 de agosto de 2019
El Teatro ha sido asesinado. ¿Quién es el culpable? ¿Cómo sería un mundo sin teatro?
Llega a los TEATROS DEL CANAL el nuevo espectáculo de la compañía Ron Lalá ('Siglo de Oro, siglo de ahora', 'En un lugar del Quijote', 'Cervantina') CRIMEN Y TELÓN. Un homenaje al teatro universal al más puro estilo ronlalero: acción, carcajadas, música en directo, y poesía, poniendo en marcha la imaginación del espectador en cada escena. CRIMEN Y TELÓN nos traslada al año 2037, las artes han sido prohibidas, año en el que Muere el Teatro y el detective Noir es el encargado de descubrir al asesino. Para ello se remontará a los orígenes y recorrerá la historia del Teatro. Un tour de force de disciplinas interconectadas para contar una historia compleja (pero no complicada), sencilla (pero no simple) y eterna (aunque mortal): la del teatro. Además, un desafío: representar cada uno de los cuadros de los flashbacks con un estilo de interpretación distinto, reconocible y degustable, para que los espectadores «vivan» en directo los diversos cambios que experimenta el teatro a lo largo de su historia. Textos originales que entremezclan la oscura poética de Hammet y Chandler con las referencias a todos los grandes estilos teatrales. Banda sonora original con diversidad de instrumentos que recrean las atmósferas de cada escena, desde el jazz hasta la música barroca; música sin complejos. Una gran variedad musical tocada y cantada en directo. El estilo ronlalero funde la disciplina musical y dramatúrgica en un discurso unitario que, en esta ocasión, se plantea un “más difícil todavía”, recorriendo sonora y literariamente la historia del teatro occidental. En palabras de Yayo Cáceres "Intentaremos que CRIMEN Y TELÓN sea una sonora carcajada que oxigene el pensamiento sobre el arte en nuestros días y en aquel hipotético futuro de «ley seca del arte» que ojalá no llegue, en un no muy lejano año 2037."
SINOPSIS
Señores espectadores: quedan detenidos como sospechosos, cómplices o testigos de un articidio en primer grado. Tienen derecho a reír, llorar, emocionarse, seguir el ritmo de las canciones y no desvelar a nadie el final de Crimen y telón. El Teatro ha muerto y el detective Noir tiene que descubrir al asesino antes que la Agencia Anti Arte desvele el secreto de su oscuro pasado. Para ello recorrerá la historia del Teatro en busca de verdades ocultas mientras una red de misteriosos personajes conspiran en la sombra… Un homenaje al teatro universal con forma de thriller de género negro, ambientado en un cercano futuro en que las artes están prohibidas y nuestro planeta, convertido en Ciudad Tierra, es liderado por una inteligencia artificial con un ejército de drones. Una investigación contrarreloj en que el asesino podría ser cualquiera. Incluso ustedes, señores espectadores.EL ESPECTÁCULO
La compañía de teatro, humor y música Ron Lalá presenta su nuevo espectáculo, llevando su lenguaje escénico a un nuevo desafío. Por un lado, una parodia de la precaria situación actual de las artes y la cultura en nuestro país (y en el mundo). Por otro, un homenaje al teatro (y otras artes escénicas) en sus diversas épocas, naciones y estilos, a través de las diversas escenas que, a modo de puzzle, van configurando el gran enigma. Todo ello envuelto en el aroma del género negro más crepuscular y poético, con referencias a la literatura de Poe, Conan Doyle, Chesterton, Hammett, Chandler, Christie, Highsmith... y el gran cine del género. Un laberinto de intrigas y carcajadas servido por cinco actores-músicos. Un thriller con música en directo, a contrarreloj y a tiempo real que convierte a los espectadores en testigos y sospechosos del mayor magnicidio de la historia de las tablas: ¿quién mató al teatro?
TOOMPAK SHOW Musicadores de objetos
TOOM-PAK presenta
TOOMPAK SHOW Musicadores de objetos
Del 31 de agosto al 1 de octubre de 2017 en el Teatro Nuevo Apolo
15 años haciendo soñar lo imposible Más de 800.000 espectadores Percusión en estado puro
La compañía madrileña TOOMPAK celebra su XV Aniversario con un brutal show cargado de ritmo, percusión e instrumentos que jamás hubieras imaginado. TOOMPAK SHOW Musicadores de objetos. El nuevo espectáculo de percusión de la compañía TOOMPAK ('ReciclART School', 'El cubo de Rubbish') se estrena el 31 de agosto en el Teatro Nuevo Apolo. El Reparto está formado por: Miguel Ángel Pareja, Manuel Leal, Gorka González, Miguel Ángel Velayos y Felipe Dueñas. TOOMPAK SHOW Musicadores de objetos es un espectáculo musical para todas las edades concebido como una representación artístico-didáctica que busca entretener y, al mismo tiempo, concienciar al público sobre la necesidad de reciclar. Para ello, la compañía Toom-Park confecciona un show diferente y divertido mediante una audición en la que sus intérpretes emplean ingeniosos objetos como instrumentos musicales: bidones, cubos, palos, botellas, tuberías… Además, sus movimientos acompasados y sus constantes elementos humorísticos hacen que la función se convierta en algo más que una obra musical. Asimismo, consiguen enlazar diferentes géneros pasando de los sonidos brasileños a los acordes árabes, andaluces e, incluso, a los sones de la música clásica y la música electrónica.Los TOOM PAK son luthier de objetos, músicos y percusionistas atípicos, montando espectáculos sonoros y vibrantes: los míticos Reciclart han ido creciendo y cambiando en multitud de escenarios desde 2003, junto a tantos otros dispares como Los Hilos de Vulcano del Festival de Teatro Clásico de Mérida.
SINOPSIS
TOOMPAK SHOW Musicadores de objetos es percusión en estado puro, comedia visual y ritmo combinado en un espectáculo musical. La energía y el ingenio se dan la mano para dotar de vida a los objetos, que, en manos de (los) TOOMPAK, se transforman en una propuesta teatral en dónde la basura y los residuos son… BELLEZA. Cuidado! Su alocado talento es contagioso. El ritmo es el lenguaje de TOOMPAK, un espectáculo para tod@s. Desde botellas hasta balones, una radial o una taza de wáter… todo puede convertirse en instrumento en TOOMPAK… déjate que te sorprendan.FICHA
Dirección musical: Toom-Pak Reparto: Miguel Ángel Pareja, Manuel Leal, Gorka González, Miguel Ángel Velayos y Felipe Dueñas Duración: 80min aprox. Compañía TOOMPAK Fechas y horarios: Del 31 de agosto al 1 de octubre de 2017 Viernes, Sábados: 21:30h. Domingos: 20:30h. en la TEATRO NUEVO APOLO Twiter: toompak [button link="http://bit.ly/2tp8ILS" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]TRANSFÓRMATE Una historia de la danza
SOMOSDANZA presenta
TRANSFÓRMATE Una historia de la danza
Dirección, coreografía, texto y dramaturgia Lucía Bernardo y Cristina Henríquez
20 y 21 de enero / 17 y 18 de febrero de 2018 a las 18h. en los Teatros del Canal
TRANSFÓRMATE es un acercamiento didáctico a la historia de la danza contemporánea para todos los públicos
La compañía SOMOSDANZA interpreta TRANSFÓRMATE Una historia de la danza. Un espectáculo familiar de danza-teatro con coreografías de la historia de la danza. Con dirección, coreografía, texto y dramaturgia de Lucía Bernardo y Cristina Henríquez. Bailar la historia de la danza. Bailarla y enseñarla para todos los públicos de una forma amena y didáctica, y sin perder una punta de rigor ni de humor. Así podríamos resumir este espectáculo de danza-teatro en el que cinco bailarines darán vida a coreografías de grandes creadores de los siglos XX y XXI: Isadora DUNCAN, Mary WIGMAN, Martha GRAHAM, Merce CUNNINGHAM y John CAGE, Pina BAUSCH, Steve PAXTON y LA RIBOT, que comparte una de sus Piezas Distinguidas con todos nosotros. Durante este recorrido sonarán en directo las partituras de Vivaldi, Beethoven o Chopin, en convivencia con los ritmos más actuales de Miles Davis, Chet Baker o el propio John Cage. Un espectáculo para que grandes y pequeños puedan saber un poco más de cada uno de ellos y descubrirás que la danza contemporánea puede ser emocionante, sorprendente y muy, muy divertida. En conexión con el espectáculo y sus contenidos, SOMOSDANZA cuenta con un proyecto didáctico. [caption id="attachment_50892" align="aligncenter" width="712"]
TRANSFÓRMATE Una historia de la danza Foto: Jesús Robisco[/caption]
FICHA
Dirección, coreografía, texto y dramaturgia Lucía Bernardo y Cristina Henríquez Asesora en historia de la danza Guadalupe Mera Creación coreográfica Lucía Bernardo y Cristina Henríquez en colaboración con los bailarines Bailarines Joaquín Abella, Lucía Bernardo, Cristina Henríquez, Elena Leontyeva, Lucía Rey, María Roig, Ricardo Santana Pianista Lucía Rey Colaboración especial La Ribot. Cesión de una Pieza Distinguida y apoyo al proyecto Diseño de iluminación Félix Gontán Concepción de vestuario Lucía Bernardo Cesión de vestuario M.S.V. Ayudantes de vestuario Javier Muñoz y Lucrecia Martínez Atrezzo Sergio Soria y Somosquien Posproducción de Audio Marditos Roedores S.L. Fotografía Jesús Robisco Operadores de cámaras Andrés Bretones Villuendas, Javier Rubio y María Rodríguez Realización y montaje de vídeo Andrés Bretones Villuendas Con el apoyo de Teatros del Canal - Centro de Danza Canal, Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, M.S.V. Boutique y Sietesquinas Espacio Cultural Una producción de SOMOSDANZA Fechas y horarios: 20 y 21 de enero / 17 y 18 de febrero de 2018 a las 18h. en los TEATROS DEL CANAL [button title="Comprar entrada" link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=SOMOSDANZATC2018&id_origen=MET" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]NUBES - ARACALADANZA
ARACALADANZA presenta
NUBES
Dirección: Enrique Cabrera
Del 21 al 30 de diciembre de 2017 en los Teatros del Canal
Espectáculo de danza para niños y niñas a partir de 4 años
¿Quién no ha jugado a ver formas en las nubes?
Del 21 al 30 de diciembre la Compañía ARACALADANZA ('Vuelos') presenta NUBES en la Sala Roja de los Teatros del Canal, una joya de danza contemporánea para público infantil y familiar inspirado en el universo de René Magritte. Aracaladanza nunca ha podido ocultar su profunda fascinación por el universo onírico, surreal, mágico y fantástico nacido del pincel de Magritte. La posibilidad de hallar inspiración en la concepción creativa y en las potentes imágenes pintadas por Magritte fue tomando cuerpo tras el estreno en el madrileño Teatro de la Abadía de Pequeños Paraísos, obra a su vez basada en “El Jardín de las Delicias”, un cuadro de Jerónimo Bosch, El Bosco. Y así, NUBES se ha convertido en la segunda obra de una serie que desea encontrar inspiración en la magia que rezuman algunos genios de la pintura: El Bosco; Magritte; Miró y El Greco. Un trabajo en el que el absurdo se convierte en motor artístico y en el que se profundiza en la “marca de fábrica” de la compañía: la relación de la danza con objetos a los que se convierte en protagonistas. Fantasía, creatividad, ensueño, magia… Estos son los ingredientes esenciales del trabajo de Aracaladanza, compañía pionera de danza contemporánea madrileña, conocida por sus propuestas escénicas sin concesiones, de alta calidad. Un referente nacional e internacional en la creación de espectáculos familiares. [caption id="attachment_60211" align="alignnone" width="900"]
NUBES – ARACALADANZA[/caption]
SINOPSIS
Magritte. Pintor belga al que siempre recordamos por un bombín negro. El bombín es un sombrero de tipo hongo que dicen que fue inventado por un conde inglés hace dos siglos. Magritte (su apellido se escribe con dos t) se llamaba René (que se escribe con una sola n). Dicen los que saben de pintura que es uno de los mejores ejemplos del surrealismo. El surrealismo es un movimiento artístico del pasado siglo que utiliza imágenes para expresar emociones aunque no lo haga de la manera lógica que pensamos cuando hablamos de lógica. Por poner un ejemplo: ves una nube y se convierte en una oveja. Bueno, en realidad, todas las nubes son ovejas. ¿O las ovejas son nubes?. Da igual: tu ves una oveja y ¡zas!, sabes que es una nube. Si lo dices en alto, tu familia te llamará loco, pero tu sabes que todo es posible porque tu imaginación te permite pensar eso y mucho más. ¡Disparates los llaman!. A nosotros nos pasa lo mismo. Y además, lo hacemos a propósito para divertirnos, emocionarnos o jugar. Llevábamos tiempo mirando los cuadros de Magritte, el pintor que nació en Bélgica, el del bombín. Y nos imaginamos cosas que ahora queremos mostrarte. No es que sean cosas que salgan en sus cuadros, son imágenes que se nos han ocurrido viendo sus pinturas. Así que ahora te invitamos a abrir una puerta; esa que está en tu cabeza y que te permite imaginar lo que te de la gana.
FICHA
Idea y dirección coreográfica: Enrique Cabrera Coreografía: Aracaladanza Música Original: Mariano Lozano P. Ramos Asistente de coreografías Natalí Camolez Música original Mariano Lozano P. Ramos Otras músicas Penguin Café Orchestra Diseño vestuario Elisa Sanz Diseños escenografía y atrezzo Elisa Sanz / Ricardo Vergne Diseño de luces Pedro Yagüe Diseños de proyecciones Álvaro Luna Realización vestuario Cornejo / Gabriel Besa Realización escenografía Mambo Decorados Realización atrezzo y marionetas Ricardo Vergne Intérpretes: Carolina Arija Gallardo, Jonatan de Luis Mazagatos, Jimena Trueba Toca, Jorge Brea Salgueiro, Olga Lladó Valls, Raquel de la Plaza Húmera Producción: Aracaladanza Coproducción: Teatro Sadler’s Wells, DanceEast, Jerwood Foundation, Comunidad de Madrid, Mercat de les Flors y Auditorio de Tenerife Colaboran: Diputación de Albacete, Ayuntamiento de Alcobendas, Teatro de La Abadía y Teatros del Canal Fechas y horarios: Del 21 al 30 de diciembre De martes a sábado a las 18.00 h en los TEATROS DEL CANAL [button title="Comprar entrada" link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=ARACALADANZAT17&id_origen=MET" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]Cuando en un teatro abarrotado de adultos y niñ@s no se mueve, no tose nadie, no se levanta nadie... es que están viendo la DELICIOSA Nubes...
[button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
[divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
https://www.youtube.com/watch?v=4br0dC-wy_g&w=640&h=360
TEATRO ESPAÑOL
Compañía Micomicón Teatro presenta
DONDE EL BOSQUE SE ESPESA
de Laila Ripoll y Mariano Llorente Dirección Laila Ripoll
Del 3 al 13 de mayo de 2018 en el Teatro Español
Donde el bosque se espesa busca recuperar la memoria de Europa
DONDE EL BOSQUE SE ESPESA se estrenó en el Teatro del Bosque de Móstoles el 22 de junio y se podrá ver en el Teatro Español del 3 al 13 de mayo de 2018. Tras la magnífica 'El triángulo azul', Premio Nacional de Literatura Dramática y ganadora de dos Premio Max, y la increíble Cáscaras Vacías Laila Ripoll y Mariano Llorente escriben DONDE EL BOSQUE SE ESPESA. Laila Ripoll dirige a un reparto formado por Mélida Molina, Arantxa Aranguren, Juanjo Cucalón, Aurora Herrero, Puchi Lagarde, Carolina Herrera, Antonio Sarrió, Carlos Jiménez-Alfaro y Néstor Ballesteros. La producción de Micomicón Teatro cuenta con escenografía de Arturo Martín Burgos, iluminación de Luis Perdiguero y Música y espacio sonoro de Mariano Marín. En 1991 Laila Ripoll fundó junto con Mariano Llorente, José Luis Patiño y Juanjo Artero la productora Micomicón. La compañía Micomicón recibió el encargo de escribir un texto teatral para abril de 2017 en el que la temática de fondo fuera la situación de trauma que viven tres países europeo con multitud de fosas comunes y desaparecidos: España, Polonia y la ex-Yugoslavia (principalmente Bosnia- Herzegovina). Esta pieza teatral forma parte de una acción de difusión y divulgación que lleva a cabo el proyecto de investigación UNREST, programa de la Unión Europa que trata de rescatar y difundir una narrativa coherente de los hechos más traumáticos de la historia de Europa (guerras mundiales, holocausto...) como antídoto para desarticular los discursos falsarios y manipuladores de los populismos.
SINOPSIS
Antonia e Isabel reciben el día de la muerte de sus madre una caja cerrada que la difunta había guardado durante años y cuya existencia desconocían. Esa caja contiene alguna carta, fotografías, postales, medallas, mapas, objetos, en fin, que vienen a cuestionar todo lo que Antonia creía acerca de su familia. Isabel se niega a mirar y no se hace preguntas. Antonia y su hija Ana, sin embargo, miran, preguntan, inquieren, reflexionan, dudan, se atormentan y persiguen al fantasma de un abuelo y un bisabuelo que no parece ser el que ellas creían. Todo ello para desazón de Zoran, el paciente y atento marido y padre yugoslavo de nuestras protagonistas. La búsqueda del abuelo las llevará a emprender un viaje real y físico que se iniciará en Santander y acabará en Banja Luka, allá en la lejana Bosnia. Pero el itinerario de los personajes que van apareciendo en la trama y en la historia nos llevará a Barcarés, Lourdes, París, Toulouse, Mauthausen, Roma, Sarajevo, Kravica, Jasenovac... Cada objeto abre una ventana, y cada ventana abre un ramillete de interrogaciones, y cada respuesta a esas preguntas abre una herida y cada herida un desgarro y un asombro y un desasosiego y alguna casualidad y muchas causalidades. La vuelta a España será la victoria de dos mujeres que viene cargadas de malas noticias, de un dolor irreparable y de un conocimiento de las personas que les rodean que hará que su vida ya nunca vuelva a ser la misma.
FICHA
Texto: Laila Ripoll y Mariano Llorente Dirección Laila Ripoll Escenografía Arturo Martín Burgos Iluminación Luis Perdiguero Vestuario Almudena Rodríguez Huertas Música y espacio sonoro Mariano Marín Videoescena Álvaro Luna Grabación Miguel Ángel Buttini Producción ejecutiva Joseba García y Mariano Llorente Ayudante de dirección Héctor del Saz Distribución A Priori Gestión Teatral Reparto: Mélida Molina, Arantxa Aranguren, Juanjo Cucalón, Aurora Herrero, Puchi Lagarde, Carolina Herrera, Antonio Sarrió, Carlos Jiménez-Alfaro, Néstor Ballesteros Una Producción de Micomicón Teatro Fechas y horarios: Del 3 al 13 de mayo de 2018 Jueves a sábado 20 h. Domingo 19 h. en el TEATRO ESPAÑOL [button title="Comprar entrada" link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1092820111" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]Hay que recordar para hacer higiene, recordar para salvar la memoria y salvarnos todos!!
[button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]'Donde el bosque se espesa': la verdad duele, pero libera
https://www.youtube.com/watch?v=FggzQk02sBM&w=640&h=360
PEER GYNT EL GRAN MONARCA
Del 18 de febrero al 4 de marzo de 2018. Domingos 13:00 horas. TEATRO INFANTA ISABEL
Con Peer Gynt, el Gran Monarca queremos contar el ciclo vital de un hombre al que le cuesta aceptar su condición humana y que se ve tentado por los demonios de nuestro tiempo: el poder, el dinero, la fama. Los espectadores hacen su propio viaje atrapados en la humanidad de un personaje que los envuelve y los revuelve. Dramaturgia y dirección de Jorge Eines.
La dramaturgia que Jorge Eines ha realizado a partir del Peer Gynt de Henrik Ibsen, nos habla de un viaje por la omnipotencia, por la devastadora tentación del ser humano de acercarse a los dioses para que estos le expliquen el sentido de la vida. El sentido de Peer Gynt de nuestro tiempo va más allá de los habitantes de los fiordos, más allá de sus personajes metamorfoseados en monstruos, en gnomos, en héroes o en villanos.
Una mujer vestida de verde, un duende que es heredero de un rey, un reno que vuela, superan el ingenioso expediente argumental de que en el hombre maduro las pesadillas se encuentran con la extraordinarias visiones alucinatorias del joven que fue.
Con Peer Gynt, el Gran Monarca queremos contar el ciclo vital de un hombre al que le cuesta aceptar su condición humana y que se ve tentado por los demonios de nuestro tiempo: el poder, el dinero, la fama. La música en directo, que recrea aquélla que escribió Edvar Grieg, es un actor más y transporta al público más allá de la escena
Fechas Madrid:Del 18 de febrero al 4 de marzo de 2018. Domingos 13:00 horas. TEATRO INFANTA ISABEL
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VANIA
LES ANTOINETES TEATRE presentan
VANIA
de Antón Chéjov Versión y Dirección: Oriol Tarrasón
Del 19 de Octubre al 12 de Noviembre en el Teatro Fernán Gómez
¿Y si el malestar del hombre no proviniera de su relación con el mundo exterior? ¿Y si el malestar tuviera su origen en uno mismo? Chéjov, con Tío Vania, nos advierte del peligro de cavar demasiado hondo en el interior de uno mismo.
Tras el excelente recibimiento de su anterior montaje 'Stockmann', Les Antonietes nos proponen un acercamiento al Tío Vania. Donde entre odios, amores, celos y frustraciones, seis personajes se debaten para comprender qué han venido a hacer en esta vida aparte de beber vodka. La dirección y adaptación es de Oriol Tarrasón, al frente de un reparto formado por Mamen Camacho, Alejandro Cano, José Gómez-Friha, Alicia Rubio y Oriol Tarrasón.Vania: "Bebemos porque no nos gusta la vida que tenemos y así nos inventamos una, llena de ilusiones."Mucha gente me pide; ¿Por qué un Vania? ¿Por qué un texto donde un grupo de personajes transitan sin sentido por un mundo desordenado y caótico con poca esperanza y mucha desilusión? No es mejor hacer comedias ligeras, que no molesten y vayan directo al estómago sin pasar por el paladar. El arte es un espejo para el espectador. Y todos esperamos de un espejo la verdad sin miramientos aunque no nos guste, pues el espejo es más sincero que las palabras del nuestro mejor amigo. El arte, pienso, debe ser tan implacable en esta verdad como el más limpio de los espejos. Chéjov tiene la gran cualidad de mostrarnos lo que ve sin deformarse por su talento o su imaginación. Por eso pienso que es tan necesario hacer un Vania hoy en día. Si volvemos a leer la frase de Vania entendemos que este texto es necesario porque que nos alerta del riesgo de caer en el cinismo, la introspección, y la desazón. Después de leer Chéjov uno se siente más humano y más dueño de su propia existencia.
SINOPSIS
En una ruinosa finca, Vania y Sonia han trabajado servilmente para mantenerla. Ahora el profesor Serebriakov y su joven esposa, Yelena, han vuelto a la finca de visita trayendo con ellos el caos y la desorganización. Las visitas constantes del médico, Ástrov, no son nada útiles. La comida ya no se sirve a la hora de comer, el trabajo se deja de hacer, y las largas y frías noches se pasan sin dormir. En este caos crecen tres amores que los consumen y que están destinados al fracaso. En este clima sofocante y de esperanzas frustradas, el profesor decide anunciar un plan chocante.FICHA
Autor Antón Chéjov Versión y Dirección: Oriol Tarrasón Ayuante dirección: Fátima Campos Escenografía : Les Antoinetes Producción: Annabel Castan Les Antoniettes. Prensa: Josi Cortés Diseño gráfico: Assad Kassab Reparto: Mamen Camacho, Alejandro Cano, José Gómez-Friha, Alicia Rubio y Oriol Tarrasón. Una producción de Les Antonietes Teatre Fechas y horarios: Del 19 de Octubre al 12 de Noviembre en el TEATRO FERNÁN GÓMEZ [button link="https://teatrofernangomez.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1097511252" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]ABIERTO EN CANAL
Centro Danza Canal presenta
ABIERTO EN CANAL
Del 8 de septiembre al 15 octubre en los Teatros del Canal
Los Teatros del Canal abren la temporada 2017-2018 con ABIERTO EN CANAL, donde nueve coreógrafos residentes del Centro Danza Canal muestran sus últimas creaciones. ABIERTO EN CANAL nace de la convocatoria de residencias del Centro de Danza Canal, perteneciente a la Comunidad de Madrid. Su objetivo es acoger y visibilizar a los creadores seleccionados por un jurado nacional e internacional. Una declaración abierta de apoyo a los coreógrafos que han trabajado durante todo el año en el CDC, investigando y desarrollando proyectos coreográficos. ABIERTO EN CANAL enseña las entrañas y el trabajo del día a día, y nos permite ver un paisaje de lo que es hoy la creación coreográfica madrileña, diversa en géneros y estilos; con un hilo en común, la calidad de las propuestas y el formidable talento de sus creadores. - El viernes 8 y sábado 9 de septiembre, LA PHÁRMACO abre el ciclo con Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella. Dirigida por Luz Arcas (Premio Ojo Crítico de Danza, 2015) y Abraham Gragera (Premio Ojo Crítico de Poesía 2013), su pieza gira en torno al lenguaje mágico de una Europa antigua mediterránea vinculada a culturas matriarcales. - El 15 y 16 de septiembre, KOR’SIA, colectivo formado por Antonio de Rosa, Diego Tortelli y Giuseppe Dagostino, presenta Human, un recorrido por la historia de los derechos humanos a través del arte contemporáneo. - La semana siguiente, Cuerpo a cuerpo de DANIEL DOÑA COMPAÑÍA DE DANZA, Premio Ojo Crítico 2016, una propuesta en la que cada función contará con distintos artistas. [caption id="attachment_50831" align="aligncenter" width="400"]
DANIEL DOÑA CUERPO A CUERPO. Foto: MarcosGpunto[/caption]
- En la recta final de septiembre, COMPAÑÍA MARCO FLORES, Premio Nacional de Flamenco, estrena Fase alterna, un viaje que comparte con intérpretes y coreógrafos como Sara Cano y Olga Pericet, entre otras.
- CIENFUEGOSDANZA nos ofrece Dúos+1, un programa triple que incluye un solo, titulado Sharp, y dos duetos, La Reina Madre y Anónimos.
- En octubre llega el turno de la compañía de SARA CANO COMPAÑÍA DE DANZA: Sintempo, con dramaturgia y dirección de escena de Claudia Faci, mestiza «palabra y movimiento, lo español y la danza contemporánea».
- El INSTITUTO STOCOS nos muestra Piano & Dancer, un diálogo entre las cualidades expresivas de una bailarina, Muriel Romero, y los movimientos mecánicos de un piano.
- Hueco, de la coreógrafa y bailarina POLIANA LIMA, quien obtuvo el primer premio del Certamen Coreográfico de Madrid en 2012, pone en escena la idea de vértigo como una forma de búsqueda y movimiento.
- Finalmente, JESÚS RUBIO GAMO interpreta un programa doble: Ahora que no somos demasiado viejos todavía, un solo mitad danza-mitad escritura construido a partir de su biografía. Y acto seguido, un fragmento de su último trabajo, Danzas del Sur de Europa (Tanzen Sie mit uns!), una coreografía para tres bailarinas a partir de danzas tradicionales del sur de Europa.
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Hueco - Human[/caption]
Fechas y horarios: Del 8 de septiembre al 15 octubre en los TEATROS DEL CANAL
8 y 9 de septiembre 19.00h
15, 16, 20, 21, 23 y 30 de septiembre 22.00h
24 de septiembre y 1, 8 y 15 de octubre 21.00h
4, 5, 7, 11, 12 y 14 de octubre 22.00h
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CASA DE MUÑECAS
VENEZIA TEATRO presentan
CASA DE MUÑECAS
de Henrik Ibsen Versión: Pedro Villora Dirección: José Gómez-Friha
Del 23 de noviembre al 17 de diciembre de 2017 en el Teatro Fernán Gómez
En Noviembre de 2017, durante el 40 ANIVERSARIO del Teatro Fernán Gómez VENEZIA TEATRO (La hostería de la Posta, Los desvaríos del veraneo, La isla de los esclavos, Tartufo el impostor) cumplirá cinco años, y con este su quinto espectáculo, CASA DE MUÑECAS, que pretende cerrar un ciclo, un código, una estética y un trabajo en la acción y en la palabra que ha desarrollado en los cuatro anteriores. Con versión de Pedro Villora y dirección de José Gómez-Friha y un reparto formado por: Mamen Camacho, Oriol Tarrasón, Sergio Reques y Andrés Requejo. CASA DE MUÑECAS es un hito dentro de la dramaturgia universal. Estrenada en 1879, se considera la primera obra de teatro centrada en una lectura feminista. “El portazo de Nora” es una expresión teatral presente en su léxico: esa acción, la de un personaje que decide romper con las normas matrimoniales y sociales de la época. Una serie de cuestiones sobrevuelan hoy en día en torno a lo que planteó Henrik Ibsen hace más de un siglo. ¿Todavía vivimos en una sociedad machista? ¿Sigue siendo necesario el feminismo? ¿Cuál es el papel del feminismo hoy en día? ¿Qué micromachismos hay en el comportamiento de nuestra sociedad? Esta versión de José Gómez-Friha - Venezia Teatro, nos lo muestra. CASA DE MUÑECAS de VENEZIA TEATRO pretende entrar en conversación con “La hostería de la Posta” de Carlo Goldoni, primer espectáculo de la compañía estrenado en 2012 en el Teatro Fernán Gómez. La condesa Beatrice, en este último, cuando los hombres se ríen de una broma machista, abandona en el escenario realizando un “portazo de Nora”. ¿Cómo es el portazo de Nora en 2017? Nuestra sociedad necesita que revisitemos títulos tan importantes como este, para no olvidarlos, para recordar que hay mucho trabajo por hacer en cuanto al papel de la mujer dentro de la sociedad y la necesidad de la igualdad de género en todos los sentidos. Pensamos y nos repetimos que hemos avanzado mucho. Que hemos conseguido, como sociedad, equilibrar las balanzas. Es quizá ese pensamiento el que nos adormece y no nos deja ver que quizá queda mucho trabajo por hacer. Hay que recordar a las generaciones que lo vivieron y enseñar a nuestras generaciones (que ya crecimos en una sociedad igualitaria) que hubo una lucha por los derechos de la mujer. Que abrirse una cuenta en el banco sin el permiso del marido o conducir sola es algo muy reciente.SINOPSIS
Nora, felizmente casada con Torvaldo vive una vida aparentemente perfecta con un secreto. Una deuda que contrajo con Krogstad para proteger a su marido será utilizada por éste como chantaje para controlar a Nora. Nora descubrirá a través de la reacción de su marido su “papel” dentro de la sociedad y el núcleo familiar. Y tomará una decisión. En esta versión de “Casa de muñecas”, Nora dará ese portazo desde dentro, invitando a su marido, Torvaldo, a abandonar la casa. No es una cuestión de posesión de bienes la que se pone en juego, sino la observación resultante de la pregunta ¿qué pasa con Nora al final de la función?FICHA
Autor Henrik Ibsen Versión: Pedro Villora Dirección: José Gómez-Friha Diseño de vestuario: Paola de Diego Diseño de escenografía: José Gómez-Friha Iluminación: Marta Cofrade Prensa: Josi Cortés Distribución: Fran Ávila Reparto: Nora: Mamen Camacho Torvaldo: Oriol Tarrasón Rank: Sergio Reques Krogstad: Andrés Requejo Cristina: Lara Grube / Rocío león Una producción de Venezia Teatro Fechas y horarios: Del 23 de noviembre al 17 de diciembre de 2017 Martes a sábado - 20:30 h. Domingos y festivos - 19:30 h. en el TEATRO FERNÁN GÓMEZ [button title="Comprar Entradas" link="https://teatrofernangomez.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1097469674" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
TEATRO ESPAÑOL
KULUNKA TEATRO
presenta
SOLITUDES
Teatro de máscaras para público juvenil y adulto
del 20 al 22 de septiembre
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