TEATRO MARÍA GUERRERO

el Centro Dramático Nacional

presentan

UN BAR BAJO LA ARENA

de José Ramón Fernández

Del 28 de septiembre al 25 de noviembre de 2018

  "Les invitamos a celebrar el cuarenta aniversario de la creación del Centro Dramático Nacional en la legendaria cafetería del teatro María Guerrero, mítico lugar de encuentro y regocijo de la farándula y su afición. Lugar, también, de confluencia de una mítica plantilla de técnicos que junto a los equipos artísticos cimentaron una sólida conciencia colectiva: la de la gran familia del teatro. No era extraño que durante los entreactos se dejase caer algún cómico ataviado con las vestimentas de su personaje solicitando el consabido bocata de queso con anchoas, o, ya puestos, el canónico cubata “de motivación actoral”. De este modo, con castizo pirandellismo, coincidían personas y personajes en un oasis subterráneo de teatro dentro del teatro que ha plasmado luminosamente nuestro José Ramón Fernández en un quimérico carrusel de escenas; un sentido homenaje a todo el entramado de ilusiones con el que se ha ido tejiendo nuestro teatro y acaso también, ay, nuestra propia vida." Ernesto Caballero   Ficha: REPARTO: Jorge Basanta, Isabel Dimas, Luis Flor, Carmen Gutiérrez, Ione Irazabal, Daniel Moreno, Julián Ortega, Francisco Pacheco, Raquel Salamanca, Juan Carlos Talavera, Maribel Vitar y Pepe Viyuela Texto: José Ramón Fernández Dirección: Ernesto Caballero Escenografía:  Monica Boromello Iluminación: Juan Sebastián Domínguez Figurinista:Juan Sebastián Domínguez ( Música y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo Producción del Centro Dramático Nacional Fechas y Horarios: Del 28 de septiembre al 25 de noviembre de 2018, de martes a domingo a las 18:00 horas en el TEATRO MARÍA GUERRERO

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En UN BAR BAJO LA ARENA, en el Teatro María Guerrero, Ernesto Caballero hace todo un acto/homenaje de FÉ Y AMOR a la "PROFESIÓN"... todo un MASHUP teatro/emocional imposible de escapar si amas este arte

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Fantasmas de gloriosa gente de teatro en un emocionante “Bar bajo la arena”

La dulce memoria de los sueños y el teatro

PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA

Productora 23

PRESENTA

SOLTEROS EXIGENTES

   

TEATRO ESPAÑOL

Teatro Español y Bataclan Ideas y Espectáculos 

presenta

LA PUTA DE LAS MIL NOCHES

del 22 de noviembre al 23 de diciembre de 2018

Juan Estelrich cambia el teatro por el cine (donde se estrenó hace años ya con Poeta en Nueva York de la mano de Rafael Amargo) y lo hace con Natalia Dicenta, que regresa al teatro aparcando de momento su extensa ya carrera musical.

  La puta de las mil noches desarrolla el encuentro de una noche entre una prostituta y un cliente. Él es un hombre adinerado y acostumbrado al lujo, perteneciente a la clase superior, ella es una mujer entrada en años que se mueve en el mundo de la sofisticación. Jamás se habían visto: el contactó con ella a través de un anuncio que localizó al azar. Todo sucede en un lugar recóndito y aislado: la casa en la que el hombre se refugia cuando desea no ser localizado. El encuentro se llena de tensión desde el inicio. El cliente no busca un servicio corriente, quiere ser original. Desea sexo, pero también desea establecer un juego cuyas reglas le explica a la mujer. Ella, tentada por dinero, acepta la propuesta. Y así arranca la velada, desarrollada a velocidad de vértigo, una maraña de acontecimientos en la que ambos terminan por perder el control sobre sí mismos y sobre sus propios actos. La puta de las mil noches tiene estructura de thriller. Es una historia de dinero, poder y lucha de clases, un duro enfrentamiento entre dos seres humanos situados al límite de todo, un combate entre opresores y oprimidos. Es un texto atrevido, descarnado, atractivo y cargado de verdad, una insólita historia que obtuvo el premio para textos dramáticos El Espectáculo Teatral en el año 2011 con el título Apología del amor, y fue publicado por Ediciones Irreverentes. La obra, cuyo estreno absoluto se realiza en el Teatro Español, ha sido traducida al inglés, al francés y al italiano, siendo publicada en EEUU. Juana Escabias Ficha: Director: Juan Estelrich Diseño de iluminación Nicolás Fischtel Música original Raúl Gama Diseño de escenografía Juan Estelrich Ayudante escenografía y vestuario Elisa Marinas y Alba Espinosa Dirección audiovisual Juan Estelrich Fotografía Leticia Hueda Maquillaje África de la Llave Peluquería Ana Honrubia (Pompa) Producción ejecutiva Pepe Claudio   Reparto: Natalia Dicenta y Ramón Langa Fecha y horas: Del 22 de noviembre al 23 de diciembre de 2018. De martes a sábado 20h30. Domingo 19h30 en el TEATRO ESPAÑOL

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TEATRO PAVÓN

Oblideu-vos de nosaltres S.L

presenta

FEDERICO GARCÍA

18 al 28 May 2023

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TEATRO ESPAÑOL

Cia. Actors Touring Company

presenta

LIVING WITH MY LIGHTS ON

Autor, Mark Lockyer. Dirige Ramin Gray

del 7 al 11 de noviembre de 2018, de miércoles a sábado 20h30. Domingos 19h30

Me daba miedo subir al escenario. Pensé: “No lo puedo hacer más”. Estaba haciendo un taller en el National a finales del 2008 y no me podía acordar del texto. Lloraba en un rincón de las oficinas y al día siguiente ya estaba en un hospital de Haringay. En ese momento me había quedado sin casa: vivía en un albergue y llevaba mucho tiempo enfermo. No tardé meses en ponerme bueno, tardé años. Lo perdí todo. La enfermedad bipolar destroza la vida de las personas para siempre. Pero mi historia no se acaba en derrota, sino en recuperación. Estaba en un pabellón siquiátrico de King’s Cross en el 2011 y a mi agente no le había dicho que estaba allí. Ella me llamó. Le hice creer que estaba bien, nada más lejos de la verdad, y me dijo que tenía una cita al día siguiente, a las 17:00, con la directora Polly Findlay, en el Lyric Hammersmith. Fui, pensando que era lo correcto, pero en realidad olía a alcohol. Cuando volví estaba sobrio y le escribí pidiéndole disculpas. Le dije que había tenido problemas serios con las drogas y el alcohol y que, por desgracia, eso había contaminado mi vida profesional. Y ella me respondió que estaba muy contenta de que le hubiera escrito y me aseguró que trabajaríamos juntos. Y cumplió su palabra. Quedamos para hablar del papel de Subtle en El alquimista. Con mis antecedentes sabía que si conseguía este trabajo lo tenía que hacer muy bien. Me preparé intensamente durante dos semanas y fui a verla. No importaba si me daba el trabajo, porque le iba a dar lo mejor que tenía entonces. Y me lo dio. Después de eso empecé a escribir este monólogo sobre mi viaje hacia la recuperación. He descubierto que a lo que me he de agarrar con más fuerza es a la honestidad. He aprendido que era bastante deshonesto, de muchas maneras. No con maldad, pero no tenía las herramientas, el valor ni la seguridad para decir: “Yo soy eso”. No me arrepiento de nada de lo que ha pasado. Naturalmente estoy triste por lo que he hecho a otras personas, pero he tenido que pasar por todo esto para llegar a donde estoy ahora. Ahora soy honesto conmigo mismo y con los demás, y eso es lo que me mantiene.       Mark Lockyer

• There’s a growing awareness of issues around mental health, but it’s still something people often feel uncomfortable talking about.Un descenso por el lado salvaje

• Living With the Lights On review – brutally funny account of mental illness
• Living With The Lights On, theatre review: Mark Lockyer offers a vivid account of an on-stage unravelling

• Mark Lockyer's confessional solo show about the complete unravelling of his mental state returns to the Young Vic

  Fechas y horarios: del 7 al 11 de noviembre de 2018, de miércoles a sábado 20h30. Domingos 19h30 en el TEATRO ESPAÑOL

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TEATRO ESPAÑOL

El Teatro Español y el Teatro Calderón de Valladolid

presenta

LOS CUERPOS PERDIDOS

De José Manuel Mora

del 1 al 25 de noviembre de 2018

Una función sobre las mujeres que lucharon contra el espanto; el tándem formado por Carlota Ferrer (que nos arrebató con ESTO NO ES LA CASA DE BERNARD ALBA y acaba de estrenar LA VIDA A PALOS) Y José Manuel Mora, que ya trabajaron juntos en lOS NADADORES NOCTURNOS;  narrarán en Los cuerpos perdidos (del 1 al 25 de noviembre) el feminicidio de Ciudad Juárez.

  Para algunas mujeres Ciudad Juárez llegó a convertirse en uno de los lugares más peligrosos del mundo en la década de los noventa. Una urbe en la que había libertad para violar, torturar y matar. Una urbe en la que los policías encubrían a los asesinos y maquinaban falsos culpables mientras el Gobierno parecía cerrar los ojos. Según Amnistía Internacional, Ciudad Juárez poseía una de las tasas de impunidad más elevadas del planeta con respecto al asesinato de mujeres. Esta impunidad era especialmente obscena para aquellos que flirteaban con las altas esferas del poder o poseían un nivel adquisitivo que les permitía comprar cualquier tipo de experiencia de cariz sexual. Un buen amigo mexicano me decía que en su país podías hacer lo que realmente quisieras siempre y cuando dispusieras del dinero suficiente. Nunca pude dejar de pensar que, de alguna manera, las trescientas muertas de Juárez eran el resultado de esa libertad absoluta comprada a golpe de talón. En cuanto comencé a husmear en el asunto (becado por el programa IBERESCENA de ayuda a la creación dramatúrgica del Ministerio de Cultura) comprendí que, más allá del complejo análisis de los parámetros sociales, económicos e históricos que determinaban las causas de tales brutalidades, Ciudad Juárez se abría a mis ojos como una auténtica dimensión desconocida que me permitía como dramaturgo conjeturar sobre la relación del ser humano con el mal supremo, con todo lo que no se deja entrever desde la razón. Una vez decidí escribir sobre el asunto no pude pasar por alto la siguiente cuestión: ¿hasta qué punto era legítimo usar -y, por tanto, manipular- la barbarie y el dolor ajeno como material de creación? Al mismo tiempo, me resistía a hacer una obra documental al respecto: ante la elocuencia del horror que desprendían los informes de Amnistía Internacional y la lúcida crónica de Sergio González Rodríguez en su libro Huesos en el desierto, poco tenía que ofrecer mi escritura. Una vez en México, encontré dos palabras claves a la hora de enfrentarme a la escritura: dolor y memoria. El dolor siempre me había parecido una experiencia íntima e intransferible. En cambio, a través de la memoria y la escritura, en México se me reveló como experiencia transferible y colectiva. De ahí que me propusiera -asumiendo el riesgo y lo pretencioso de la tarea- recoger el dolor (que es natural y siempre vence) de los acontecimientos; y transformarlo en escritura teatral (que es artificial y casi siempre parece estar a punto de desvanecerse) para levantar una ficción sobre el mal y la locura. José Manuel Mora   Ficha: Director:Carlota Ferrer Elenco:  Conchi Albiñana Carlos Beluga, Julia de Castro, Jaime Lorente, Paula Ruiz, Cristóbal Suárez, José Luis Torrijo y Guillermo Weickert Fecha y horas: del 1 al 25 de noviembre de 2018. De martes a sábado 20h. Domingo 19h. (14, 15, 17, 22, 23 y 24 de noviembre - 19h.) en el TEATRO ESPAÑOL

• Grandes nombres para la próxima temporada del Teatro Español: Juan Echanove, Blanca Portillo, Núria Espert, Ariadna Gil...

• Lamento poético en el horror de Ciudad Juárez

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[caption id="attachment_70785" align="aligncenter" width="768"] LOS CUERPOS PERDIDOS en el teatro Español[/caption]

   

TEATRO ESPAÑOL

El Teatro Español y el Teatro Lliure

presenta

EL SUEÑO DE LA VIDA

de Federico García Lorca y Alberto Conejero

del 17 de enero al 24 de febrero del 2019

El poeta y dramaturgo Alberto Conejero ha escrito los dos actos que terminan la "Comedia sin título", que Federico García Lorca comenzó a escribir en 1936 y dejó inconclusa, y que publicará la editorial Cátedra en un volumen combinado donde se recogen los dos textos.Revisado por el profesor universitario y estudioso del poeta granadino Emilio Peral Vega, el texto es un encargo de la Comunidad de Madrid que, en 2016, con motivo del 80 aniversario de la muerte del autor, "se comprometió a difundir y favorecer el conocimiento de Lorca"

  La Comedia sin título es una obra de teatro que siempre estará por escribirse. Ésa es su potencia y yo no he pretendido clausurarla. Pero durante años me asomaba a la última línea del manuscrito como quien se asoma a la marea porque oye una voz que lo llama desde adentro. El sueño de la vida no pretende dar fin a la Comedia sin título, tampoco es una reescritura. Es un nuevo texto escrito en un vacío infinito, un diálogo entre lo que fue y lo que no pudo ser. No puedo explicar mucho sobre los sentidos de El sueño de la vida. He escrito como quien atraviesa sonámbulo una habitación en llamas. Creo además que hay algo de alucinación en el centro de esta experiencia que se resiste al decir. Mucho de El sueño de la vida forma parte del misterio. No sé muy bien cómo se han entrelazado las imágenes de Lorca con la propia ni por qué venían al recuerdo algunos versos y otros no.  También en este proyecto hay mucho de juego, que es algo sagrado, y que algunos seguimos defendiendo ante este gobierno de lo útil, de lo necesario y de lo productivo.  Sí, he disfrutado mucho escribiendo El sueño de la vida. No quiero cubrir esta experiencia con la pátina pesada de una falsa solemnidad. Hay más pulsiones lisérgicas que conscientes. El conflicto sobre la verdad en el teatro y en el amor que en El público sucede principalmente dentro del pecho de El director se intenta resolver aquí abriendo de par en par las puertas del teatro. Pero por esas puertas abiertas entran no sólo el optimismo revolucionario y los anhelos de un mundo más justo sino también las fuerzas más conservadoras, cínicas y agresivas. Y nos engañemos: éstas pueden encontrarse en los despachos pero también en los andamios. No hay síntesis apaciguadora en su resolución: porque es insufrible un teatro que dé la espalda a la realidad de su tiempo (“no quiero que se derrame sangre verdadera junto a los muros de la mentira”) pero ¿qué poesía se sobrevive doblegada ante la pólvora y los estrados? Como en El público nos encontramos un callejón sin salida; de ahí emerge la idea del sacrificio en este auto sacramental laico en el que creador aparece “como un agonizante de Dios” que no pertenece “ni al reino de los vivos ni al de los muertos” y, sin embargo, no puede dejar de pertenecer. He sentido la compañía de Artaud, de Angélica Liddell, de Mouawad mientras lo escribía, autores todo de pulsión trágica y entregados al misterio, de los que aprendo todos los días; y, por supuesto y en cada momento, de Lorca escribiendo estos dos actos que no pretenden dar fin a nada sino entregar al presente la intimidad con una voz. Alberto Conejero   Ficha:

EL SUEÑO DE LA VIDA De Federico García Lorca y Alberto Conejero

Director: Lluis Pasqual  Escenografía y Vestuario Alejandro Andújar Iluminación Pascal Merat Dirección Musical Dani Espasa Espacio Sonoro Roc Mateu Ayte dirección Carlos Roó Ayte Escenografía y Vestuario Silvia De Marta Elenco: Dafnis Balduz Ester Bellver María Isasi Raúl Jiménez Daniel Jumillas Jaume Madaula Juan Matute Antonio Medina Chema de Miguel Koldo Olabarri Sergio Otegui Juan Paños Luis Perezagua César Sánchez Nacho Sánchez Emma Vilarasau Escenografía y Vestuario Alejandro Andújar Iluminación Pascal Merat Dirección Musical Dani Espasa Espacio Sonoro Roc Mateu Ayte dirección Carlos Roó Ayte Escenografía y Vestuario Silvia De Marta Fecha y horas: Del 17 de enero al 24 de febrero del 2019. De martes a sábado 20h. Domingo 19h. en el TEATRO ESPAÑOL

• Alberto Conejero "termina" la obra inconclusa de Lorca "Comedia sin título"
• Alberto Conejero: «Mi deuda con García Lorca es infinita»
• Huellas inéditas del último amor de Lorca
• lberto Conejero acaba la ‘Comedia sin título’ de García Lorca

  EL SUEÑO DE LA VIDA Teatro Español #Madrid, como el propio Lorca avisa, es teatro sin artificio donde todos somos partícipes.... cercano a #Elpúblico y pariente de #Asiquepasen5años; esta función entusiasma e incomoda para que el espectador deje de serlo. (MadridEsteatro)

Una fiera belleza

 

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Teatro Español y Teatro del Barrio

presentan

MUNDO OBRERO

Autor y Director, Alberto San Juan

Tras el éxito de AUTORRETRATO DE UN JOVEN CAPITALISTA  y MASACRE, Alberto San Juan estrena su nueva obra en el Teatro Español, "echando mano" de amigos terriblemente talentosos: Luis Bermejo, Lola Botello y Pilar Gómez . La música la pone SANTIAGO AUSERÓN.

Mundo obrero es una historia de amor. Pilar y Luis son dos enamorados que vienen del campo. Del hambre necesaria para la existencia del latifundio. Dos enamorados que, de generación en generación, a través del tiempo (en la República, contra la dictadura, bajo el consenso, imaginando siempre una democracia aún por venir), defenderán siempre, frente a las diferentes hambres, su amor sin final.

Café La Tranquilidad, Avenida del Paralelo, Barcelona, años 20 del siglo pasado. Un mendigo se acerca a una mesa y pide una moneda a un hombre. Este saca una pistola de su chaqueta, se la pone en la mano al mendigo y le dice: “Ve a un banco y coge lo que necesites. Es tuyo”.  Comienza la música. Así arranca este relato, que retrocederá al último tercio del siglo XIX, a la creación del movimiento obrero, e irá avanzando, a través de las luchas en el campo y en la ciudad, hacia los años 30 del siglo XX, el momento de máxima efervescencia social, el exterminio de la guerra y la guerra después de la guerra, las primeras grietas en el silencio a finales de los 50, la inmensa ola del antifranquismo, el fin de la dictadura y de la movilización social que había terminado con ella, la victoria del partido socialista, el fin del movimiento obrero, “las cuatro mejores décadas e nuestra historia”, y de nuevo, las luchas de siempre pero ahora en un mundo distinto, postindustrial, tecnológico. Todo a través de personajes históricos pero también a través de una serie de personajes anónimos, inventados, cercanísimos. Nuestros abuelos, padres, nosotros mismos. Buscando una casita, una tierrita, un trozo de pan, una inversión millonaria, poder dormir al acostarse, exhaustos. Y todo en un formato de comedia musical. El café La Tranquilidad se convertirá en un olivar extremeño, un callejón de Lavapiés, el Congreso de los Diputados, una oficina de teleasistencia, el saloncito de un piso en Sanchinarro… Allí se cantarán discursos y diálogos y nos reiremos juntos. Nuestras risas serán balas que al acertar no matan. Dan vida. Alberto San Juan 

Permítannos escribir la partitura

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TEATRO ESPAÑOL

Teatro del Barrio

presenta

EL PAN Y LA SAL

Director, Andrés Lima

del 20 al 23 de septiembre de 2018

El Pan y la Sal es una obra sobre la Memoria Histórica. Es una obra sobre los desaparecidos de la Guerra Civil y del franquismo… Es una obra sobre la Justicia. Un retrato escénico de un acontecimiento reciente: el juicio al juez Baltasar Garzón en 2012 por tratar de investigar los crímenes del franquismo tras recibir las denuncias de familiares de desaparecidos. En febrero de 2012 se juzgó al magistrado que, tras recibir las denuncias presentadas por los familiares de los desaparecidos, trató de investigar los crímenes de la dictadura franquista. El Pan y la Sal (sin una sola línea de ficción) es el relato teatral de esa causa contra la recuperación de la memoria histórica. Un juicio en que los familiares de las víctimas dan testimonio de cómo desaparecieron sus padres y abuelos. Palabras, historias, que son un clamor contra el silencio institucional, contra el olvido organizado sobre la tragedia más honda de nuestra historia reciente. El Pan y la Sal es una obra que recrea el juicio contra Baltasar Garzón por la memoria histórica... Es una obra que trata sobre el olvido que han sufrido las víctimas de la guerra y la dictadura… y de cómo ese olvido se convierte en herida profunda que debe ser sanada… Es una obra que habla del desgarro de un país que debe ser reparado.   Ficha: Director: Andrés Lima Elenco: Natalia Díaz, Nuria Espert, Mario Gas, Andrés Lima, Gloria Muñoz, Alberto San Juan, José Sacristán y Tristán Ulloa Fecha y horas: Del 20 al 23 de septiembre de 2018. De jueves a domingo 20h. en el TEATRO ESPAÑOL

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El gran teatro del mundo real

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TEATRO ESPAÑOL

Teatro Español y KVS Bruselas

presenta

MRS. DALLOWAY

del 28 de marzo al 5 de mayo de 2019

  La señora Dalloway (título original en inglés, Mrs. Dalloway) es la cuarta novela de Virginia Woolf, publicada el 14 de mayo de 1925. Detalla un día en la vida de Clarissa Dalloway, en la Inglaterra posterior a la Primera Guerra Mundial. Mrs.  Dalloway es una respuesta al Ulises de Joyce, explorando en nuevos terrenos y busca presentar un aspecto diferente de la experiencia humana. La revista Time incluyó la novela en su lista de 100 mejores novelas en lengua inglesa entre 1923 y 2005. La novela sigue a Clarissa Dalloway a través de un solo día en Inglaterra después de la Gran Guerra en una narrativa de estilo de flujo de consciencia. Construida a través de dos pequeñas historias que Woolf había escrito previamente («La señora Dalloway en Bond Street» y su inconclusa «El Primer Ministro») la historia de la novela son los preparativos de Clarissa para una fiesta que va a ofrecer esa noche. Usando la perspectiva interior de la novela, Woolf se mueve hacia atrás y adelante en el tiempo, y dentro y fuera de la mente de varios personajes para construir una imagen completa, no sólo de la vida de Clarissa, sino de la estructura social de entreguerras.     Virginia Woolf hace un recorrido de 24 horas en la vida de Clarissa Dalloway, desde que se levanta por la mañana y comienza a preparar una fiesta para su marido, hasta el momento de esa fiesta, por la noche. Un recorrido marcado por las horas que toca la campana del reloj del Big Ben, por el tiempo que va pasando y que lleva a Clarissa a ir atrás y adelante en el tiempo de su vida. El flujo de su conciencia, la conciencia sobre su vida, sus decisiones, llega en el mismo instante en que abre la ventana de ese maravilloso día de primavera en el que prepara una gran fiesta. Para dar profundidad al personaje Virginia recurre a la construcción de unas memorias, hoy utilizadas en las series y en algunos guiones. Todo ocurre en un solo día, dando la sensación de estar viviendo la trama en tiempo real. Diversos personajes que formaron parte de su vida acudirán hoy a su memoria y, después, a su casa para la fiesta. Virginia va entrando y saliendo de su mente llevándonos a la construcción de una sociedad que, coincidiendo con la nuestra, es un tiempo entre guerras. Una sociedad que está despertando a un mundo nuevo que, al mismo tiempo, está siendo destruido. Clarissa es una mujer superficial en apariencia y dependiente, inmersa en una vida insustancial que ha sobrevivido a base de no mirar hacia atrás. Una mujer, como tantas otras, dedicada a hacer felices a los demás, que ha tomado decisiones en su vida sin tener en cuenta lo que de verdad deseaba, cumpliendo los requisitos de una mujer maravillosa admirada por todo el mundo. Por medio de ella la autora remarca el rol de las mujeres y nos habla de la represión sexual y económica. Woolf habla de feminismo, de mercantilismo, de bisexualidad, de medicina… Y del vacío existencial que es, probablemente, lo que más conecta esta novela a nuestra actualidad. También nos da su visión del suicidio que, contrariamente a la imagen que se nos da habitualmente de Virginia Woolf, deja de ser visto como una tragedia y se convierte en una condición necesaria para que los demás valoren la vida. Lo hace por medio de Séptimus. “La vida en sí misma cabe en un solo instante por el cual es posible incluso morir”. Séptimus tiene la vida reducida a tomar las pastillas que el médico le receta para acallar las voces que le acechan cada día. Tolera esa horrible rutina para satisfacer a su esposa. La humanidad lo condena a la locura por no poder adaptarse al esquema de ser humano que la sociedad ha construido y que los doctores custodian. Con la muerte logrará liberarse a sí mismo y a las personas que se aferran a ellos. “Es posible morir” por sentir demasiado o por no sentir nada. Eso es lo que hacemos. “Eso es lo que la gente hace. Estar vivos el uno por el otro”. El suicidio de Séptimus provoca en Clarissa una revelación: “La vida está en todas partes y nosotros estamos aquí. Él ha muerto, pero nosotros seguimos vivos”. Carme Portaceli

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Blanca Portillo en tiempos de Clarissa Dalloway

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TEATRO VALLE INCLÁN

presenta

LOS OTROS GONDRA

De Borja Ortiz de Gondra

30 OCT, 6, 13 y  20 NOV 2021
Sábados a las 18 h

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TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA

Producciones OFF y Vanía

presentan

TODAS LAS MUJERES

Dirección de Daniel Veronese

  El teatro Príncipe Gran Vía de Madrid reestreno la versión teatral de la aclamada película “Todas Las Mujeres”, ganadora de un Goya por el Mejor Guion Adaptado. La obra, dirigida por Daniel Veronese ( Bajo Terapia, Invencible, Espía a una mujer que se mata), y que también firma la versión para las tablas, está basada en el texto original de Mariano Barroso (actual presidente de la Academia cinematográfica) y Alejandro Hernández. Cuenta la historia de Nacho, encarnado por Fele Martínez, un veterinario que se enfrenta a las mujeres que han significado algo en su vida. Ante él aparecen su amante, su madre, su psicóloga, su ex-novia y su cuñada. Con todas ellas tiene cuentas pendientes y a todas ellas se tiene que enfrentar para resolverlas. [gallery columns="6" link="file" size="large" ids="68861,68862,68863,68864,68865,68866"] El equipo artístico está formado por reconocidos profesionales del medio. Ana Garay en la escenografía, Pedro Yagüe en la iluminación (ambos cuentan en su trayectoria con varios premios Max) y vestuario de Marco Hernández (que ha trabajado con directores tan reconocidos como  Gerardo Vera, José Carlos Plaza o Blanca Portillo). La calidad interpretativa del reparto queda avalada por la dilatada trayectoria del actor principal Fele Martínez y del sólido y reconocido elenco femenino: Nuria González (Marga), Lola Casamayor (Amparo), Cristina Plazas (Andrea), Lucía Barrado (Ona) y Mónica Regueiro (Carmen), que es además productora de la función.

Cara a cara con 'Todas las mujeres'

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