Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

IPHIGENIA EN VALLECAS en el Teatro Kamikaze
 

TEATRO KAMIKAZE

 

Serena Producciones presenta

IPHIGENIA EN VALLECAS

de Gary Owen Dirección: Antonio C. Guijosa

Un proyecto de María Hervás y Serena Producciones

PREMIOS MAX 2019 A MEJOR ESPECTÁCULO REVELACIÓN Y MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Y XXVII PREMIO UNIÓN DE ACTORES MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

 

Regresa al Ambigú del Teatro Kamikaze IPHIGENIA EN VALLECAS de Gary Owen. María Hervás adapta y protagoniza la obra que cuenta con la dirección de Antonio Castro Guijosa.

Ifigenia en Splott (UK Theatre Award Best new play 2015) del dramaturgo y guionista de Gales Gary Owen se estrenó en el Teatro Sherman Desde el 22 Jun 2018  

SINOPSIS

El viento desaparece y la flota griega no podrá avanzar hasta que los dioses ofendidos sean resarcidos. El pago por las ofensas es sacrificar a Iphigenia, hija del rey. La ciudad entera, a excepción de Aquiles, espera que ella se entregue por el bien común. IPHIGENIA EN VALLECAS (“Iphigenia in Splott”) recoge como tema principal el sacrificio individual en pos de un bien colectivo. Pero en esta historia Iphigenia no es una princesa. Muy al contrario, es una joven maleducada, ordinaria, con muy pocos recursos económicos y con un bagaje cultural prácticamente nulo. Es lo que se conoce popularmente como una choni. Vive en los márgenes más bajos de nuestra sociedad. Su historia es un retrato social de los efectos que tienen las políticas de nuestros gobiernos sobre la gente de a pie, especialmente sobre los que menos tienen. La historia de nuestra Iphigenia encierra la historia de otras muchas gentes. Es aparentemente una historia de amor, hasta que los vientos dejan de soplar y alguien debe responder. Entonces esta nueva Iphigenia vuelve a enfrentarse al sacrificio. Sólo que ya no es una princesa ni tiene a un Aquiles que salga a su rescate. Muy al contrario, nuestra Efi es una joven de muy pocos recursos cuyos únicos apoyos son su abuela jubilada y su compañera de piso medio drogadicta. Su camino dibuja un paisaje que no nos agrada mirar pero que no por eso deja de existir: barrios marginales, garitos de mala muerte, pobreza, drogas, prejuicios, violencia, estereotipos. ¿Quién esperamos que se sacrifique cuando algo va mal? ¿Quién es efectivamente sacrificado cuando los que mandan quieren algo? ¿Quiénes están sobrellevando el coste de esta crisis? ¿qué es lo que se les está obligando a sacrificar? Y sobre todo ¿qué va a pasar cuando los sacrificados ya no lo soporten más?  

IPHIGENIA EN VALLECAS en el Teatro Kamikaze

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TEATRO ESPAÑOL

 

Milonga Producciones y Producciones Abú presentan

LOS UNIVERSOS PARALELOS

 de David Lindsay-Abaire Versión y dirección: David Serrano

Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017

 

LOS UNIVERSOS PARALELOS se estrenó con éxito el 17 de marzo en el Teatro Palacio Valdés. Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017 se podrá ver en el Teatro Español.

  Rabbit Hole (Los universos paralelos) es una obra de David Lindsay-Abaire estrenada en el Biltmore Theatre en 2006. La obra tuvo cinco nominaciones a los Premios Tony, incluido el de Mejor Obra, y Cynthia Nixon ganó el Tony a la Mejor Actriz. Y en 2007 obtuvo el Premio Pulitzer de Teatro. En 2010 fue llevada al cine por John Cameron Mitchell con guión del propio David Lindsay-Abaire y protagonizada por Nicole Kidman.   David Serrano adapta y dirige la versión española, LOS UNIVERSOS PARALELOS. Malena Alterio , Belén Cuesta, Daniel Grao, Carmen Balagué e Itzan Escamilla forman el reparto. Considerada la obra maestra de David Lindsay-Abaire, LOS UNIVERSOS PARALELOS aborda la forma en que una familia afronta la pérdida y el dolor. David Serrano describe la obra como "Una pequeña, sencilla y hermosísima historia que anima a los seres humanos a no quedarse enganchados al dolor y a seguir luchando, incluso en las situaciones más adversas, para tener una vida razonablemente feliz."   [caption id="attachment_48683" align="aligncenter" width="700"]LOS UNIVERSOS PARALELOS en el Teatro Español LOS UNIVERSOS PARALELOS[/caption]  

SINOPSIS

LOS UNIVERSOS PARALELOS, de David Lindsay-Abaire,  es una bella y emocionante historia sobre cómo los miembros de una familia se enfrentan a la pérdida y al dolor. Patricia y Alberto, un matrimonio acomodado, intentan reconducir su vida tras la muerte de su hijo pequeño. Hace tan solo ocho meses eran una familia feliz; ahora se encuentran inmersos en un laberinto de recuerdos, añoranzas y culpabilidades del que les resulta casi imposible salir. Pero lejos de rendirse, los dos lucharán con todas sus fuerzas para encontrar un camino de vuelta a una vida que podría seguir siendo hermosa.  

NOTA DEL DIRECTOR

David Lindsay-Abaire es uno de los dramaturgos más interesantes surgidos en los últimos veinte años.  Ha sido galardonado con los más importantes premios teatrales, sus funciones se han representado en decenas de países y cada uno de sus estrenos es esperado en Estados Unidos con muchísima expectación.  Las obras de David Lindsay nos hablan de gente normal, personajes que parecen salidos directamente de un documental sobre la clase media y en los que podemos reconocer con absoluta facilidad rasgos de nuestros amigos, familiares e incluso de nosotros mismos. Sus historias nacen casi siempre de conflictos cotidianos y, a menudo, tratan sobre situaciones difíciles cuando no directamente dolorosas. Pero David Lindsay no parece tener ninguna afinidad por las tragedias ni por los melodramas y huye de ambos cada vez que se sienta a escribir. Todas sus funciones, incluso las que parten de una situación más dura como Los universos paralelos, están impregnadas de muchísimo humor y en sus finales encontramos una puerta abierta a la esperanza que invita a los seres humanos a seguir adelante hasta en los momentos más desoladores. De toda su brillante producción, él mismo y la crítica especializada han señalado a Los universos paralelos como su obra maestra. Es éste, quizá, el texto en el que mejor ha conseguido esa mezcla tan personal de comedia y drama que encontramos en todas sus obras y en el que sus siempre brillantes diálogos han alcanzado las cotas más altas de calidad. David Serrano   [caption id="attachment_48682" align="aligncenter" width="700"]LOS UNIVERSOS PARALELOS en el Teatro Español LOS UNIVERSOS PARALELOS[/caption]  

FICHA

Autor: David Lindsay-Abaire Versión y dirección: David Serrano Diseño de Escenografía y Vestuario: Elisa Sanz Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo Ayudante de Dirección: Maite Pérez Astorga Producción Ejecutiva: Lola Graiño Dirección de Producción: Ana Jelin Fotografía: Javier Naval Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas Comunicación y prensa: María Díaz Reparto: Malena Alterio, Daniel Grao, Carmen Balagué, Belén Cuesta e Itzan Escamilla. Una producción de Milonga Producciones y Producciones Abú Fechas y horarios:  Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017 De martes a sábado 20h. Domingos 19h. en el TEATRO ESPAÑOL   [button link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1095340696" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
Trailer Los universos paralelos de David Lindsay-Abaire from PTCTeatro on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO BELLAS ARTES

 

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Suripanta presentan

LOS PELÓPIDAS

de Jorge Llopis

del 29 de marzo al 2 de abril de 2017

¡Tebas mañana será republicana!

  Del 29 de marzo al 2 de abril se podrá ver en el Teatro Bellas Artes dentro del ciclo ‘Festival de Mérida en MadridLOS PELÓPIDAS la obra más representativa de Jorge Llopis. Estrenada con un rotundo éxito de público y crítica en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.   Para llevarla a escena nos hemos vuelto a poner en manos de Esteve Ferrer, uno de los grandes del Teatro en nuestro país y un especialista en un género tan difícil como la Comedia en el que se mueve como pez en el agua. Por su dominio del ritmo, del juego cómico, su enorme talento para dirigir actores y construir personajes, su imaginación para exprimir la comicidad de cada escena, su capacidad para conectar con el público y hacerle reír, nadie mejor que él para abordar este texto. Cuidando al máximo nuestra producción, nuevamente hemos contado también con otros tres grandes nombres de las Artes escénicas en nuestro país: Juanjo Llorens en el diseño de iluminación, Ana Garay en el de escenografía y Maite Álvarez en el de vestuario.   En el equipo actoral, 100% extremeño, cuatro actores y cuatro actrices dan vida a los 10 personajes y al peculiar coro  que intervienen en la obra: Pedro Rodríguez, Paca Velardiez, Simón Ferrero, Eulalia Donoso, Juan Carlos Tirado, Ana García, Jesús Martin Rafael y Eva Gómez.  

SINOPSIS

En este 2017 se cumplen 51 años del estreno de Los Pelópidas, la obra más simbólica del autor alicantino Jorge Llopis, que precisamente se produjo en el mismo Teatro Bellas Artes. Es una muy buena ocasión para recuperar y rendir homenaje a esta gran comedia, caricatura de la tragedia griega que bebe de los grandes modelos del género paródico y versificado, que busca la comicidad verbal en el retruécano, la ocurrencia y el ingenio de su estructura dramática. Al igual que Pedro Muñoz Seca, que con su hilarante “La venganza de Don Mendo” diera una completa vuelta de tuerca a los lacrimógenos dramas históricos, Jorge Llópis en Los Pelópidas hace lo mismo con los acongojantes y dolorosos dramas griegos y consigue una de las obras más juerguistas y representativas de este peculiar género. La cuidada versión de Florián Recio, fiel a la estructura y al texto en verso original, conserva el aire ingenuo, de humor mordaz pero elegante, festivo, lúdico, jocoso y de pleno disfrute que tiene la obra, a la vez que la revitaliza y acerca al espectador de nuestros días con pinceladas de actualidad. Llopis nos ofrece una revisión personalísima de los dramas griegos, construyendo una sátira desmitificadora, alegre, irónica, jocosa, maravillosamente disparatada, mostrándonos, desde una perspectiva muy distinta, a través del humor más sano, algunos de los héroes, historias, conflictos y situaciones por todos conocidos de las grandes tragedias griegas. Personajes arquetipos de aquel teatro, como el ídolo traicionado, la reina infiel y vengativa, el rey usurpador del trono, el mensajero portador de noticias tremebundas, el filósofo instructor, la fúnebre pitonisa, la entregada nodriza, los omnipresentes dioses, el pueblo descontento, …se presentan ante el espectador con una finalidad diferente para la que fueran concebidos, hacerle reír y desmitificar. Ántrax, rey de Tebas, cual Ulises, después de muchos años guerreando valientemente en la Guerra de Troya, regresa a su tierra de riguroso incógnito, acompañado de su fiel consejero y pensador constante, Faetón de Estraza. Estupefacto, encuentra a su ciudad y a su pueblo en la más total de la ruina, y a su querida esposa Elektra en brazos de un tal Phideos que además ha usurpado su trono, gobernando con manifiesta incompetencia. Promete venganza y restablecer el orden trastocado. Los dioses, claro está, aparecerán en el momento oportuno para echarle una mano, o liarla más. Cuando todo parece que vuelve a su cauce y Ántrax consigue poner las cosas en su sitio, entrará en juego un inoportuno mensajero que, convertirá la trama en el incesto criminal más enrevesado, embarazoso e imposible que pueda imaginarse. Esteve Ferrer

 

FICHA

Dramaturgia: Jorge Llopis Dirección: Esteve Ferrer Versión: Florián Recio Diseño de escenografía: Ana Garay Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Diseño de vestuario: Maite Álvarez Producción Ejecutiva: Suripanta S.L

Reparto: Eva Gómez, Simón Ferrero, Eulalia Donoso, Ana García, Paca Velardiez, Juan Carlos Tirado, Pedro Rodriguez, Jesús Martín Rafael

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Compañía Suripanta (Badajoz)

Fechas y horarios: Del 29 de Marzo al 2  de abril de 2017 Miércoles, jueves y viernes a las 20:30h. Sábados y domingos a las 19h. en el TEATRO BELLAS ARTES

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TEATRO REINA VICTORIA

 

Avercleo Producciones presenta

THE SPIRIT OF MAGIC

¡La Magia del Inglés!

25 de Marzo; 1, 8 y 22 de Abril a las 12h.

El 25 de marzo se estrena en el Teatro Reina Victoria THE SPIRIT OF MAGIC: ¡La Magia del Inglés!.

Un nuevo espectáculo educativo íntegramente en inglés dirigido a un público infantil desde los 3 hasta los 12 años. Magia, emoción, misterio y muchas sorpresas esperan a los más pequeños en The Spirit of Magic: ¡La Magia del Inglés! Todo aderezado con mucha dosis de humor para conseguir que los niños (y no tan niños) adoren el inglés.   Avercleo Producciones es una compañía de teatro enfocada en promover el bilingüismo en los colegios mediante experiencias lúdicas. Mezclan teatro, magia e inglés para crear espectáculos educativos divertidos y únicos.  

SINOPSIS

En THE SPIRIT OF MAGIC conocerás a Tom, un chico curioso y atrevido, con ganas de descubrir los misterios que habitan en el desván de su casa. Allí, escondidos en una vieja y polvorienta caja de cartón, encontrará lo que parecen ser los artilugios de magia de alguien, pero… ¿Cómo conseguir que todo eso funcione? Para ello, rodeado de misterio e ilusión, aparecerá El Espíritu de la Magia, como si de un genio de la lámpara un tanto peculiar se tratase, para guiar a nuestro joven amigo en sus divertidas lecciones, hasta conseguir por sí mismo ser un gran mago. Sin embargo, no sólo será magia lo que aprenda Tom, ya que, poco a poco, irá descubriendo lo que nadie más sabe de su nuevo y particular maestro. Todo esto y muchas más sorpresas te esperan en THE SPIRIT OF MAGIC: ¡La Magia del Inglés!  

FICHA

Dirección: Gerard Clua Reparto: Eduardo del Olmo, Dani Walter y Cristina Lavado Idioma: Íntegramente en inglés Edad recomendada: Niños de 3 a 12 años Duración: 60 minutos Una producción de Avercleo Producciones Fechas y horarios:  25 de Marzo; 1, 8 y 22 de Abril a las 12h. en el TEATRO REINA VICTORIA Facebook: Thespiritofmagic   [button link="http://bit.ly/2nmZy26" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
THE SPIRIT OF MAGIC Teaser from Avercleo Producciones on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATROS LUCHANA

 

TEATRO EN SERIE presenta

EL EREMITA

Dirección y dramaturgia: Luis López de Arriba

Domingos a las 19:45h.

Regresa EL EREMITA ¡A encerrarse todo el mundo!

  Estrenada con éxito en noviembre de 2016 en la Sala Mayko, la comedia EL EREMITA llega los domingos de abril a los Teatros Luchana.   EL EREMITA es la nueva producción de Teatro en Serie ('La Casa De Huéspedes') y el primer espectáculo 'no serial' de la compañía. Escrita y dirigida por Luis López de Arriba y con un reparto formado por Miguel Uribe, Inma Gamarra, Marcos Fernández y Andrea Hermoso. En palabras del autor "La idea de El Eremita parte de una noticia que leí hace tiempo sobre los hikokomori, un fenómeno social japonés que puede traducirse como “aislamiento social agudo”. Son normalmente jóvenes en edad escolar que, por diversos factores, deciden encerrarse en la soledad de sus cuartos, modernos y desequilibrados anacoretas encerrados en sus torres de marfil con el adsl y los videojuegos como única compañía." EL EREMITA es una fábula cómica de la vida íntima y doméstica en tiempos de globalización. O, como diría Fray Luis: “¡Qué descansada vida / la del que huye del mundanal ruïdo, / y sigue la escondida / senda, por donde han ido / los pocos sabios que en el mundo han sido”…  

SINOPSIS

En la vida eremítica asceta, el ermitaño busca la soledad para la meditación, la contemplación y la oración sin las distracciones de contacto con la sociedad humana, el sexo, o la necesidad de mantener otros estándares socialmente aceptables (por ejemplo, de alimentación o vestimenta). Miguel ha pasado de empleo en empleo sin pena ni gloria, incapaz de adaptarse a una dinámica normal de trabajo en sociedad. Así, animado por sus sesudas lecturas sobre los antiguos anacoretas toma una determinación: apartarse del mundo de manera indefinida. Marcos, padre, divorciado, ingeniero, inseguro, inflexible, trata de convencer al eremita, pero es imposible. Entonces, urde un absurdo plan: la tentación tiene cuerpo de mujer. Pero Milady no seduce sino que es seducida y se une al retiro. Entonces, Marcos se une también, a modo de ermitaño infiltrado. Y Andrea, su hija, no lo puede creer: no hay un padre más imbécil que el suyo. Pero es el único que tiene. Bienvenidos al retiro de EL EREMITA.  

EL EREMITA en los Teatros Luchana

 

FICHA

Dirección y dramaturgia: Luis López de Arriba Diseño técnico: Luis López de Arriba Diseño de iluminación: Roberto Cerdá Escenografía: Mónica Florensa Vestuario: Mónica Florensa Fotografía y diseño del cartel: Norberto Gutiérrez Banda sonora: Infumables Espacio sonoro: Quique Mingo Reparto: Miguel Uribe, Inma Gamarra, Marcos Fernández, Andrea Hermoso. Una Producción de Teatro en Serie Fechas y horarios: Domingos a las 19:45h. en los TEATROS LUCHANA   [button link="http://bit.ly/2nhlecm" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

ANNIE JR

 

Asociación Cultural Glee Club Paracuellos presenta

 

ANNIE JR

Inspirado en tira cómica “Little Orphan Annie” de Harold Gray. Letra: Martin Charnin Libreto musical original: Thomas Meehan

Del 6 al 27 de diciembre de 2017 en el Teatro Reina Victoria

 

Regresa el musical ANNIE jr al Teatro Reina Victoria

  El 6 de diciembre vuelve el entrañable Musical ANNIE JR. Que junto con TARZÁN el Musical configuran la cartelera infantil para estas navidades del Teatro Reina Victoria. El musical ANNIE JR, es un espectacular montaje, con 34 niños en escena y que cuenta un decorado y vestuario exclusivo ambientado en los años 30. El espectáculo está creado por Glee Club Paracuellos, dirigido por Sonsoles Rodríguez Villar y Lola Briceño.   ANNIE JR. es una versión adaptada del clásico musical ANNIE. Está especialmente creada para ser realizada por los jóvenes en una versión acortada, con licencia de Music Theatre International's Broadway Junior collection. ANNIE es un clásico musical familiar cuya producción original tuvo su estreno mundial el 10 de agosto de 1976, en el teatro de la ópera de Goodspeed en East Haddam, Connecticut. En Broadway se estrenó en 1977 y permaneció en cartel durante casi seis años, estableciendo un récord para el teatro de Alvin (ahora el Teatro Neil Simon). Fue nominada a once premios Tony, ganando siete de ellos. El espectáculo se cerró el 2 de enero de 1983, después de un total de 2.377 actuaciones. Después del éxito en Broadway, la obra se trasladó a otros países, y fue adaptada dos veces al cine, en 1982 y 1999; la más exitosa fue la primera, dirigida por John Huston y protagonizada por Aileen Quinn como Annie. Las canciones del musical "Tomorrow" y "Hard Knock Life" son algunos de sus números musicales más populares.   ANNIE JR. está producida por Glee Club Paracuellos, una Asociación Cultural cuyo objetivo es fomentar las artes escénicas entre la población infantil y servir como plataforma para el desarrollo de variadas iniciativas artísticas protagonizadas por niños, asienta su creación y crecimiento en el trabajo conjunto de padres y colaboradores desinteresados, que con fines altruistas, pretenden otorgar a los pequeños la oportunidad de experimentar el arte musical y teatral.  

SINOPSIS

Annie Jr cuenta la entrañable historia de una pequeña huérfana, decidida a encontrar a unos padres que la abandonaron hace años en la puerta de un orfanato de la ciudad de Nueva York de los años 30. A diferencia de la mayoría de los otros niños del hospicio de la señorita Hannigan (la directora), Annie, una entrañable huérfana, cree que sus padres aún están vivos y que algún día volverán a reclamarla. Así que cuando el señor Warbucks se ofrece a adoptarla, le pide al hombre más poderoso de Estados Unidos que le ayude a encontrar a su verdadera mamá y papá, y él está de acuerdo. La enorme recompensa de los Warbucks atrae la atención de los estafadores Rooster, Lily y de la malvada señorita Hannigan, quienes traman un complot para secuestrar a Annie y recibir la recompensa de $ 50,000. Pero este clásico musical familiar tiene un final feliz para Annie, Daddy Warbucks y toda la pandilla. Tras divertidas aventuras, Annie frena las maquinaciones malvadas de Miss Hannigan y encuentra un nuevo hogar.  

ANNIE JR EL MUSICAL en el Teatro Reina Victoria

 

FICHA

Inspirado en tira cómica “Little Orphan Annie” de Harold Gray. Letra: Martin Charnin Libreto musical original: Thomas Meehan Dirección: Sonsoles Rodríguez-Villar Escenografía: Anabel Oliva Producción y Coreografía: Lola Briceño Reparto: 34 niños de edades comprendidas entre los 7 y los 17 pertenecientes a Glee Club Una producción de Asociación Cultural Glee Club Paracuellos Idioma: Canciones (Inglés), Diálogos (Español) Duración: Aprox. una hora y 20 minutos (Descanso incluido) Fechas y horarios: Del 6 al 27 de diciembre de 2017 6, 7, 8 y 23 a las 17h. 26 y 27 a las 12h. y a las 17h. en el TEATRO REINA VICTORIA Twitter: GleeClubParac [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2mSmnrD" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  
https://www.youtube.com/watch?v=TIUP21-D_lY&w=640&h=360  
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TEATRO DE LA COMEDIA

 

CNTC, LA LLAVE MAESTRA PRODUCCIONES y TRASPASOS KULTUR presentan

SUEÑOS

de Francisco de Quevedo versión libre de José Luis Collado Dirección Gerardo Vera

Del 7 de abril al 7 de mayo de 2017

La Compañía Karamázov presenta SUEÑOS de Francisco de Quevedo, su segundo proyecto tras 'Los Hermanos Karamázov'.

Gerardo Vera dirige SUEÑOS el clásico de Francisco de Quevedo en una versión libre de José Luis Collado con dramaturgia de Gerardo Vera. Juan Echanove, Óscar de la Fuente, Markos Marín, Antonia Paso, Lucía Quintana, Marta Ribera, Chema Ruiz, Ferrán Vilajosana, Eugenio Villota y Abel Vitón forman el reparto. La obra cuenta con iluminación de Juan Gómez-Cornejo, vestuario de Alejandro Andújar y música de Luis Delgado. Y se podrá ver en el Teatro de La Comedia del 7 de abril al 7 de mayo de 2017.  

NOTA DEL DIRECTOR

Enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso brillante y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello, tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. Como un reflejo poderoso, esa herida es el manantial del que brota la obra de Quevedo. Y esa llaga abierta a partir de su encierro en la Cárcel de San Marcos, tan física que impregna todos sus escritos. Su obra se transforma en una sangría existencial, un tránsito doloroso de lo pasajero a lo eterno. El testamento de un artista, pero sobre todo de un hombre que padecía en carne propia el desistimiento de unas fuerzas llevadas a su límite en un tiempo en el que ya no se podía soñar, donde lo épico se degradaba en retórica, la valentía en soberbia, la nobleza en herencia sin merecimientos. La realidad del XVII era tan contundente que «solo se podía vegetar o vivir en carne viva». Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías absolutas de Felipe III y Felipe IV, víctima del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. En un momento, también, donde todo olía a corrupción en Madrid y en las Españas, y ahí es donde nos asombran y nos deslumbran esos sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano atravesada por el sufrimiento que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más fiel de cómo un imperio empieza a descomponerse. Y ya desde lo propiamente teatral, es tan profunda su reflexión sobre la realidad de su época que nos hace trasladarnos hasta nuestro tiempo, otra vez la putrefacción, en un viaje extraordinariamente lúcido y poderoso donde pueden convivir J. S. Bach, El Bosco, Monteverdi, Velázquez, Béla Bartók, y Mozart. Ese es nuestro camino. Gracias a Helena Pimenta y la CNTC por acompañarnos en este viaje con su complicidad incondicional y su ánimo. A Juan Echanove, grande y generoso, el alma de este proyecto. Gracias a su pasión por el teatro y a unos actores en estado de gracia hemos emprendido ya un viaje estimulante y necesario. Gracias a José Luis Collado por su dedicación y su desvelo otra vez en este nuevo reto teatral después de su adaptación de Karamázov. Y como no podía ser de otra manera, gracias a todo mi equipo, Arellano, Luna, Cornejo, Andújar, Delgado… A mi lado siempre. Seguro que sin todos ellos yo no sería capaz de ponerlo sobre un escenario. Gerardo Vera  

SUEÑOS en el Teatro de La Comedia

FICHA

REPARTO Quevedo: Juan Echanove Diablo / Cardenal: Óscar de la Fuente Osuna / Prosperidad / Villena: Markos Marín Portera / Envidia: Antonia Paso Aminta / Enfermera: Lucía Quintana Muerte / Doña Fábula: Marta Rivera Judas / Hombre / Negro / Capitán: Chema Ruiz Doctor / Carne: Ferran Vilajosana Montalbán / Mundo / Desengaño: Eugenio Villota Principessa / Viejo / Dinero: Abel Vitón Dirección: Gerardo Vera Versión libre: José Luis Collado Dramaturgia: Gerardo Vera Diseño de escenografía: Gerardo Vera y Alejandro Andújar Diseño de Iluminación: Juan Gómez-Cornejo (A.A.I.) Diseño de vestuario: Alejandro Andújar Montaje musical: Luis Delgado Videoescena: Álvaro Luna Movimiento: Eduardo Torroja Ayudante de dirección: José Luis Arellano y José Luis Collado Producción: Mikel Gómez de Segura y Zuriñe Santamaría Ayudante de Producción: Marco Hernández Fotografía: Javier Naval Ayudante de iluminación: David Hortelano Ahumada Ayudante de vestuario: Carmen Mancebo Coordinación técnica y regiduría : Fernando Cuadrado Técnico de vestuario: Marco Hernández Técnico de sonido: Javier Hernández Distribución: Charo Fernández Insausti Una producción de CNTCLa llave maestra / Traspasos Kultur Fechas y horarios: Del 7 de abril al 7 de mayo de 2017 Martes y domingos a las 19h. De miércoles a sábados a las 20h. en el TEATRO DE LA COMEDIA   [button link="https://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=10&idEspectaculo=23" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]     [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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TEATRO MARÍA GUERRERO

 

Centro Dramático Nacional presenta

HABLANDO (último aliento)

de Irma Correa Dirección: Ainhoa Amestoy

Del 5 de abril al 7 de mayo de 2017

Dedicada a todas las mujeres que encontraron en la despedida su último grito de libertad

  El 5 de abril se estrena en el Teatro María Guerrero HABLANDO (último aliento), una obra formada por un equipo casi enteramente formado por mujeres. Escrita por Irma Correa y bajo la dirección de Ainhoa Amestoy. Lidia Navarro y Muriel Sánchez forman el reparto, con escenografía y vestuario de Elisa Sanz, iluminación de Marta Graña y Raquel Berini como ayudante de dirección son algunas de las responsables de la propuesta. HABLANDO (último aliento) es la historia de dos mujeres que entablan un duelo a vida o muerte mientras sortean la amenaza del hombre que está por llegar. Un hombre que les hará decidir entre el fuego y el vacío, entre replegarse o respirar.  

SINOPSIS

Dos mujeres permanecen encerradas en un sótano de una asfixiante ciudad. Una de ellas mantiene secuestrada a la otra y le pide insistentemente una razón para matarla. La pieza, que se presenta inicialmente como un thriller, reservará sorpresas insospechadas para el espectador. A través del punzante diálogo entablado por estas mujeres, que pretenden dominarse mutuamente, se irán perfilando de manera poética los tormentos que les han conducido a esta situación y las amenazas que pueden provenir del exterior; todo ello matizado con temas de candente actualidad, como son la violencia de género y el suicidio.  

NOTA DE LA AUTORA

Era el año 2003 y yo acababa de leer los diarios de Alejandra Pizarnik. Todo aquel dolor, la angustia, el agotamiento de vivir, el desesperado deseo de encontrar en la vida algo por lo que permanecer en el mundo. Pero también el irrefrenable enamoramiento de las letras, de las palabras, el canal por el que uno respira y habita. Leer a Pizarnik cambió mi perspectiva de muchas cosas, de la literatura por supuesto, pero también de la rebeldía de respirar. Y entonces escribí el germen de HABLANDO (último aliento). Lo escribí como ejercicio para Ignacio Amestoy, entonces mi profesor de Literatura Dramática, que, al mismo tiempo que yo, veía cómo el texto caminaba vertiginosamente hacia el vacío. Era un salto al vacío. Casi quince años después ese texto se ha convertido en una denuncia. Han cambiado personajes y motor. El texto se ha convertido en la denuncia de cientos de mujeres que están atadas a una realidad que las aísla y las destruye, que las silencia y arrincona. Que las agota. Y yo siento que el único sentido de este texto es dar voz a estas mujeres, hacer visible esta realidad putrefacta y atrofiada que tenemos. Que se hable de esto sin tapujos. Que se ponga fin a la impotencia. Que se pongan medidas urgentes y efectivas. Que las ayuden a no tener que morir. El montaje lo dirige Ainhoa Amestoy, hija del profesor que vio crecer este texto, y siento que la vida tiene esta maravillosa forma de cerrar círculos y de posicionarnos. Gracias a todos los que contribuyan a hacer visibles a todas estas mujeres sin voz. Irma Correa   [caption id="attachment_44233" align="aligncenter" width="700"]HABLANDO (último aliento) en el Teatro María Guerrero HABLANDO (último aliento) Foto: MarcosGpunto[/caption]  

NOTA DE DIRECCIÓN

El espectador se encontrará, al entrar en el espacio teatral, inmerso en un thriller con un aparente secuestro que poco a poco irá transformándose, ante la atenta y participativa mirada del público. De esa manera, se desvelarán los dos temas principales que aborda la autora: la violencia de género y el suicidio. Estos temas, desgraciadamente actuales, requieren ser reflexionados desde la escena teatral. Además, se propone el uso del rico y poliédrico recurso literario del doble, el desdoblamiento de la personalidad, que aporta infinitas posibilidades desde el terreno creativo. Para todos estos temas hemos contado con la asesoría de expertos en derecho, psicología y literatura, que nos ha ayudado en el enriquecedor proceso. Partimos de un texto muy femenino, ya que la protagonista es una mujer perdida que va a buscar en su otro yo la fuerza suficiente para quitarse la vida y alcanzar el ansiado descanso. Este universo femenino está a su vez filtrado por la mirada de varias creadoras en diversas disciplinas artísticas del panorama teatral. La reconocida escenógrafa Elisa Sanz, galardonada con varios Premios Max, sitúa la pieza en una abstracción de la casa del personaje e incluso de su propia mente (todo en la propuesta va a estar condicionado por la percepción de la protagonista). Ella se encuentra en una cárcel metafórica, cotidiana y atemporal formada por un entramado descompuesto de celosías, donde no hay ninguna salida ni una ventana por la que respirar: solo una amenazante puerta invisible, acceso de sus peores pesadillas. Una planta muerta, botellas de alcohol escondidas, un espejo tapado o una caja de recuerdos son algunos de los objetos que la rodean y que se encuentran salpicados a lo largo del inquietante lugar. En ese espacio, la iluminadora Marta Graña introduce la oscuridad en la que se encuentra el personaje; sombras de las que poco a poco irá liberándose. La mujer estará permanentemente acompañada tanto por elocuentes silencios como por sonidos que atraviesan de manera punzante su cerebro, sin controlar cuáles pertenecen a la realidad y cuáles están dentro de su cabeza (llamadas de teléfono, goteras, portazos, etcétera). Este espacio sonoro ha sido compuesto por Nacho Valcárcel y David Velasco; este último trabajará en directo, sobre el escenario, con las actrices para conseguir el vínculo necesario con la acción. Los dos personajes, interpretados magníficamente por Lidia Navarro y Muriel Sánchez, reflejan respectivamente a la mujer desfondada y a su doble encadenado, que terminará convirtiéndose en una especie de hada madrina, la cual tratará de guiarla hacia la decisión final -a veces como ángel, otras como diablo-, siempre desde el cariño. Ainhoa Amestoy   [caption id="attachment_44232" align="aligncenter" width="700"]HABLANDO (último aliento) en el Teatro María Guerrero HABLANDO (último aliento) Foto: MarcosGpunto[/caption]  

FICHA

Texto: Irma Correa Dirección: Ainhoa Amestoy Escenografía y vestuario Elisa Sanz Iluminación Marta Graña Música y espacio sonoro Nacho Valcárcel, David Velasco Ayudante de dirección Raquel Berini Ayudante de escenografía Paula Castellano Fotos marcosGpunto Diseño cartel Isidro Ferrer /ByG Reparto: Lidia Navarro, Muriel Sánchez Voz en off: Daniel Albaladejo Una Producción del Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: Del 5 de abril al 7 de mayo de 2017 de martes a sábado a las 18:30 horas y domingo a las 17:30 horas TEATRO MARÍA GUERRERO   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=4&idEspectaculo=41" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=Nazyw6FKwXw&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

La Lista de mis Deseos

de  Grégoire Delacourt

Cuando Martina le oculta a su marido que le han tocado más de 18 millones de euros en el Euromillón, no se imagina el vuelco que va a dar su vida. Y es que su existencia está sostenida por un marido que la adora, unas amigas que la hacen reír, dos hijos independientes que no le dan demasiados quebraderos de cabeza, y un padre que solo retiene los últimos seis minutos de cada conversación. Se podría decir que Martina es feliz en su mercería, mientras trabaja a diario en un blog que poco a poco va aumentando el número de visitas. Y sueña con listas de deseos que espera cumplir algún día. Desde una televisión de pantalla gigante para su marido a un pela verduras. Deseos pequeños que harán su vida más grande. Y una sonrisa se dibuja en su rostro cuando imagina que las cosas siempre estarán bien. Cuando piensa que nada, ni siquiera 18 millones van a alterar su existencia. Pero Martina se equivoca. Y mucho…  

Apuntes de dirección

La lista de mis deseos” es un texto hermoso. Nos invita a la reflexión sobre cuáles son las cosas verdaderamente importantes de la vida. Algunas veces, se trata de cosas tan minúsculas como trascendentales, las cosas que necesitamos para ser felices de verdad. De este modo, nos recuerda la diferencia entre las necesidades que tenemos y los deseos que anhelamos. El punto de vista del personaje nos hace cuestionarnos dónde radica la verdadera felicidad. Martina es una mujer que valora lo que tiene en su modesta vida y no se siente infeliz, sus deseos se sitúan en la cercanía, en aquellas cosas simples que nos hacen la vida más llevadera y sencilla. Cuando inesperadamente la vida la sitúa en la desmesura, ella no sabe cómo abordarla. Quién no ha oído aquello de que el dinero ayuda a la felicidad, en la medida que nos reduce la ansiedad de tener lo que de otro modo no alcanzaríamos. Pero el verdadero problema reside en la incontrolable sed de avaricia, en la gestación de un egoísmo que hasta ahora le era desconocido, cuando la falta de solidaridad aumenta y hace inservible nuestra vieja escala de valores, desembocando en una situación inesperada en la que un día despiertas supeditado al sentimiento de posesión y a todo lo que eso conlleva. Como espectadores, asistimos junto a Martina, al debate sobre cómo conjugar el verbo “poseer” en una sociedad tan consumista como la nuestra. La perspectiva del personaje es una lección de vida, una lección de realidad, pero también una invitación a explorar dónde residen nuestros deseos. Es un texto que nos va sorprendiendo con giros inesperados. El personaje, por muchas vueltas que le dé al hecho de cómo gestionar su riqueza material, no imagina cómo esa riqueza puede destruir los pilares de su vida. Pero el personaje intelectualmente es exquisito, Martina es una mujer sabia, una mujer que sabe conducir su historia por los vericuetos más oscuros de las ambiciones por conseguir y nos va a permitir cuestionarnos, como espectadores, esa lista de deseos que todos hemos hecho alguna vez al tentar a la suerte. Y todos tentamos a la suerte.

Quino Falero

Autor: de Grégoire Delacourt

Adaptación:Yolanda García Serrano

Diseño de escenografía: Javier Ruiz de Alegría
Diseño de Iluminación: Juanjo Llorens
Fotografía y Diseño Gráfico: Javier Naval
Producción: Nearco Producciones
LA LISTA DE MIS DESEOS
MATRIOSKA en la sala MÍNIMA espacio escénico no convencional
 

NAVE 73

LANAU escénica

presenta

MATRIOSKA

de Gabriel Fuentes Dirección: Óscar Pastor

II Premio del II Certamen de nuevos dramaturgos LANAU escénica

  LA ESCLAVITUD SEXUAL llega a NAVE 73  espacio escénico no convencional con MATRIOSKA, un texto de Gabriel Fuentes ganador del II premio del II Certamen LANAU escénica bajo la dirección de Óscar Pastor. El reparto lo forman Manuela Morales, Elena Rey, Charo Gabella, Jose Juan Sevilla, Violeta Guindal, Macarena Calvo y Dolores Cardona. En palabras de Óscar Pastor “La propuesta escénica combina la abstracción de la metáfora que nos ofrece el texto con la cruda realidad que nos rodea y podemos encontrar en nuestras calles.”  

NOTA DEL AUTOR

MATRIOSKA surge de la investigación en la tragedia como género y su vigencia en la actualidad. Esta búsqueda explora el lenguaje dramático y sus límites con la poesía. Nos adentramos en una fábula eslava que nos habla de la violencia soportada por las mujeres. Sus cuerpos como los receptores de la brutalidad y el abuso del hombre. Sus cuerpos son explotados hasta quebrarse. Despedazados para el placer ajeno. Ellas, Nadja, Katja y Rodica, conviven con dioses, fantasmas, lobos y hombres. Aunque el hombre, en la obra, aparece como una deformación del ser humano. Un hombre sin escrúpulos para satisfacer su ambición de riqueza y poder. Ellas son despojadas de su voluntad y ofrecidas para ser devoradas, una y otra vez, por otros hombres. Los personajes luchan por sobrevivir aunque ello implique descargar la violencia acumulada sobre el más débil. Son terriblemente inocentes y, a la vez, despiadadamente crueles. Nos encontramos frente a uno de los mayores horrores a los que puede enfrentarse cualquier ser humano. Matrioska nos hace reflexionar acerca de la situación de millones de mujeres en todo el mundo hoy día, que son esclavizadas para satisfacer a un ejército de depredadores. Esta tragedia contemporánea pretende sacudir al espectador a través de un texto de una belleza despiadada, queriendo contribuir humildemente a generar un debate en torno a esta lacra social que amenaza con no desaparecer nunca. Gabriel Fuentes  

SINOPSIS

MATRIOSKA nos sumerge en el terrible mundo de la esclavitud sexual,donde las mujeres son víctimas de su destino. Una realidad cíclica donde las mujeres esperan resignadas ser sometidas por el hombre, donde la falta de esperanza las convierte en sus propias enemigas. El autor nos enfrenta a la tragedia de la esclavitud sexual desde tres generaciones de mujeres que sufren diferentes momentos del inevitable camino de destrucción de una esclava sexual. El trabajo parte de la abstracción de los conceptos conseguidos con el análisis de las causas y aquellos que nos aporta el texto, para ello se utilizan varios lenguajes escénicos: El lenguaje corporal llevado a la máxima expresión incluyendo la danza. El lenguaje vocal oscilando entre la voz hablada y cantada.    
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ESTE CADÁVER SE LAS TRAE

 

Arequipa producciones presenta

ESTE CADÁVER SE LAS TRAE (SUCESO EN EL CONGRESO)

Autor y Director: Antonio Prieto

Del 25 de Mayo al 23 de Julio de 2017 en el Teatro Reina Victoria

 

El 24 de mayo se estrena en el Teatro Reina Victoria la nueva comedia de Antonio Prieto Gómez ('El Ministro') ESTE CADÁVER SE LAS TRAE (SUCESO EN EL CONGRESO). Protagonizada por Agustín Jiménez, Mar Abascal, Javi Coll, Sara Gómez y Javier Antón.

SINOPSIS

El país está pendiente de la votación en la que se decidirá quién será el presidente de gobierno. Se dan múltiples opciones de acuerdos entre partidos y hay hasta tres líderes que podrían alcanzar el puesto. Durante las últimas semanas ha habido componendas, amenazas, promesas, compromisos, alianzas y rupturas de todo tipo, hasta que finalmente las fuerzas políticas han llegado a un acuerdo y parece que hay un candidato que podría obtener la mayoría suficiente. Sin embargo, hay dudas de que al final pueda lograrlo pues se prevé que pueda producirse alguna sorpresa en el último momento. El día anterior a la votación un famoso periodista reúne en el bar del Congreso a representantes de los cuatro principales partidos con el propósito de hacerles una entrevista. Acabada la reunión y cuando ya se disponen a marcharse, se dan cuenta de que uno de los políticos: el diputado Gutiérrez, permanece en el WC desde hace ya un buen rato. Aunque inicialmente no le dan importancia y se limitan a esperar a que salga, no tardan en darse cuenta de que el tiempo que lleva ahí dentro es excesivo y deciden entrar a ver qué ocurre. Y lo que ocurre es que el diputado Gutiérrez, el líder del único de los partidos con capacidad para poder aliarse con cualquiera de los otros y cuyo voto es determinante para dar la mayoría suficiente a cualquiera de los aspirantes a la presidencia, está muerto y tiene un cuchillo jamonero clavado en el pecho. Nadie ha entrado o salido durante la reunión, así que el asesino está entre los presentes. Ante la gravedad de la situación, el Ministerio del Interior manda al mejor de sus hombres: el inspector Faustino Pereira. Las instrucciones que lleva son muy claras: de allí no sale nadie hasta que se esclarezca el crimen.  

NOTA DEL AUTOR

El humor viene del dolor, es decir: nos reímos cuando vemos que otros sufren. Da un poco de apuro admitir esto, pero es lo que sucede; piénsenselo un poco y verán que es así. Da igual de qué tipo de comedia se trate: surrealista, farsa, de enredo… lo importante es que alguien lo pase mal para que nosotros nos riamos. Así pues, mi primera tarea al acometer esta empresa fue buscar una serie de personajes a los que le sucediese algo que les hiciese sufrir, y cuanto más mejor. Pero ¿A quién escoger como víctimas propiciatorias…? Puestos a mirar, hay personajes a los que sin duda la idea de hacérselas pasar canutas resulta muy atractiva: ciertos abogados… médicos que no admiten sus errores… tertulianos agresivos… banqueros sin escrúpulos… y por supuesto: los políticos. Quise ir a lo seguro y me incliné por estos últimos. Ya sé que no se les puede meter a todos en el mismo saco y que los hay buenos y competentes, claro que sí. Yo cogí el saco que había... Y ya solo me queda añadir que si esto ha salido bien, van a disfrutar bastante, porque les van a ver sudar la gota gorda. Pero mucho ojo, tengan cuidado, porque al ir viendo sus reacciones ante lo imprevisto y al ir conociéndoles mejor, podrían caer víctimas de sus encantos. No lo hagan. Sería un grave error pues aquí nada es lo que parece… No cometan el desliz de compadecerlos, porque en ese caso las tornas girarían y serían ellos los que se reirían de nosotros. Aunque, bien mirado, eso es algo que tampoco debería sorprendernos mucho…”. Antonio Prieto   [caption id="attachment_44149" align="aligncenter" width="738"]SUCESO EN EL CONGRESO en el Teatro Reina Victoria SUCESO EN EL CONGRESO[/caption]  

FICHA

Autor y Director: Antonio Prieto Diseño cartel: Ana Pastor FotograFía: Rafa Bravo ProDucción ejecutiva: Patricia Santamarina - Carlos Sobera Ayudante de direccción: Mahor Galilea Diseño de escenografía e iluminación: Alberto Muñoz Verde Dirección Técnica: Richi Romanos Comunicación y prensa: Fila Séptima Distribución: Pentación Espectáculos Producción: Arequipa producciones Reparto: Agustín Jiménez, Mar Abascal, Javi Coll, Sara Gómez y Javier Antón Fechas y horarios: Del 25 de Mayo al 23 de Julio de 2017  Jueves 20h. Viernes a las 20:30h. Sábados 19h. y 21:00h. y domingos a las 19h. en el TEATRO REINA VICTORIA   [button link="http://bit.ly/2mHA0d4" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
https://www.youtube.com/watch?v=8f5PGiQglkw&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
 

TEATRO BELLAS ARTES

 

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Tal y Cual Producciones presentan

AQUILES, EL HOMBRE

de Roberto Rivera, basado en 'La Ilíada' de Homero Dirección: José Pascual

Del 19 al 23 de abril de 2017

"Ni siquiera la victoria justifica tanto mal"

  Del 19 al 23 de abril se podrá ver en el Teatro Bellas Artes uno de los mejores montajes que se pudieron ver en el pasado Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida: AQUILES, EL HOMBRE, dentro del ciclo 'Festival de Mérida en Madrid'.   Basado en 'La Iliada' de Homero, AQUILES, EL HOMBRE cuenta con la dramaturgia de Roberto Rivera bajo la dirección de José Pascual. Escenografía de Curt Allen Wilmer, música original de Luis Delgado y un vestuario contemporáneo con toques clásicos diseñado por Pier Paolo Álvaro completa esa ambientación actual y atemporal que busca el espectáculo para situarnos en la guerra de Troya o en cualquier guerra. Toni Cantó se mete en la piel de Aquiles, el mítico personaje de la Ilíada que se presenta aquí no tanto como un héroe y un semidios sino como un hombre que se debate entre la angustia de cumplir su destino y su deber, como es el de continuar con la guerra y morir, o dejarse llevar por sus sentimientos. “Aquiles es un visionario, un antisistema, un creador, que por primera vez se plantea no solo que las cosas pueden ser de otra manera, sino que pueden ser mucho mejor”, lo define Cantó. Acompañan a Toni Cantó sobre el escenario, Ruth Díaz en el papel de Briseida, la viuda troyana raptada por Aquiles; Pepe Ocio como Néstor, Philip Rogers en los papeles de Calcas y Priamo; David Tortosa como Ulises, Rubén Sanz como Ayax y Héctor, Óscar Hernández como Diomedes; Miguel Hermoso como Agamenón, Lourdes Verger como la sacerdotisa y Octavi Pujades como Patroclo.  

LA OBRA

Son ya nueve años los que el ejército aqueo lleva asaltando sin éxito las murallas de Troya. Nueve años desde que una alianza de los pueblos griegos se pusiera en marcha para vengar la afrenta del rapto de Helena, esposa de Menelao, a la que el troyano Paris custodia tras los muros de Ilión. Pero Troya se muestra inexpugnable y el desaliento y la discordia hacen su aparición en el campamento aqueo. Todos los ojos se vuelven hacia Aquiles, el más poderoso de los guerreros griegos, el héroe semidivino del que se espera una intervención decisiva que haga cambiar el curso de la batalla. Pero Aquiles, hastiado de la guerra, se pregunta si merece la pena cumplir su destino. Así comienza Aquiles, el hombre versión dramatizada de los hechos fundamentales narrados en la Ilíada, el más antiguo de los poemas épicos de la literatura occidental. Los Dioses son aquí presencias lejanas y la sangre y la batalla un telón de fondo sobre el que asistiremos al despliegue de la conciencia del héroe. Veremos como el caudillo griego Agamenón humilla a Aquiles al arrebatarle a Briseida, su esclava favorita, y cómo Aquiles renuncia a la lucha, dejando a sus compañeros a los pies de una derrota segura ante las fuerzas troyanas. Cuando su íntimo Patroclo sea asesinado por Héctor, el caudillo troyano, Aquiles volverá a tomar las armas para enfrentarse en duelo a Héctor. Del dolor por la muerte de su amigo surge un Aquiles vengativo y cruel, que sólo busca la muerte de Héctor y la profanación de su cadáver. Pero cuando Príamo, el padre de Héctor, se presenta ante él y le pide que le entregue el cadáver de su hijo para darle sepultura, Aquiles encuentra el rastro de compasión que necesita. Surge entonces un Aquiles humano, capaz de entender a su enemigo y aceptarse a sí mismo. Este es el trayecto que propone Aquiles: de la rueda de violencia y venganza que sólo genera más violencia, a la aparición de la compasión que funda un espacio de entendimiento. José Pascual   AQUILES, EL HOMBRE © Jero Morales  

FICHA

Dramaturgia: Roberto Rivera, basado en 'La Ilíada' de Homero Dirección: José Pascual Diseño de escenografía: Curt Allen Wilmer Diseño de iluminación: José Manuel Guerra Diseño de vestuario: Pier Paolo Alvaro Música original: Luis Delgado Ayudante de dirección: Daniel de Vicente Fotografía: Sergio Parra Producción ejecutiva: Bernabé Rico Distribución: Pentación Espectáculos Reparto: Toni Cantó (Aquiles), Ruth Díaz (Briseida), Miguel Hermoso (Agamenón), Óscar Hernández (Diomedes), David Tortosa (Ulises), Rubén Sanz (Ayax y Héctor), Pepe Ocio (Néstor), Octavi Pujades (Patroclo),  Philip Rogers (Clacas y Priamo) y Lourdes Verger (sacerdotisa). Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Tal y Cual Producciones Fechas y horarios: Del 19 al 23 de abril de 2017 Miércoles, jueves y viernes a las 20:30h. Sábados y domingos a las 19h. en el TEATRO BELLAS ARTES