Histórico

TEATRO DE LA ABADÍA

 Voadora en coproducción con Teatro de La Abadía, MIT Ribadavia, Teatro Nacional São João. Con el apoyo de Iberescena y AGADIC - Axencia Galega das Industrias Culturais - Conselleria de Cultura e Turismo- Xunta de Galicia.

presentan

OTHELLO

Del 13 de mayo al 6 de junio, 202

Tras La tempestad y Sueño de una noche de verano, este va a ser el tercer Shakespeare en la trayectoria de la compañía gallega Voadora, que regresa a La Abadía tras su excitante espectáculo Hemos venido a darlo todo.

“Volver a Shakespeare es volver al hogar. Reconforta pero puede traer consigo ecos de historias que, algún día, quisimos olvidar: en él está todo —dice Marta Pazos—. Hay en el relato del Bardo una historia de encuentro, en la que una mujer europea y un hombre africano se enamoran. Pero, al final del texto, ella muere asesinada a manos de él. Othello es, a la vez, víctima y verdugo. Sufre islamofobia y ejecuta un feminicidio que nace de una mentira. Una mentira que, a su vez, surge de la inseguridad y de la creencia de entender como propio lo que no se puede poseer”.

“En el siglo XX originó múltiples debates y reescrituras radicales, pero este montaje nace desde un lugar diferente: el espacio periférico otorgado a quien ha vivido sin privilegios. Una nueva visión que se construye con la apertura del espacio íntimo, las conversaciones y acciones del universo femenino a través de los personajes de Desdémona, Emilia y Bianca. Utilizando la comedia como generador de discurso sobre el dolor y la rabia, nos preguntamos qué podemos hacer, desde nuestro presente, para detener el tiempo en el relato. Detenerlo y proponer al público un debate alrededor de la construcción del género, la percepción de uno/a mismo/a y las relaciones y la estructura misma del sistema patriarcal”.

Descalzos Producciones

presenta

Viernes y sábados a las 18:00h, Domingos a las 17:30h

presenta

Protagonizado por Alberto Frías y Ernest Fuster.

Del 11 de febrero al 8 de abril de 2023, Sábados y Domingos a las 12:30.

TEATRO ALFIL

presenta

PORCO

de Los Anisakis

a partir del 4 de marzo

Humor absurdo, del bueno

Acciones performáticas en torno a la figura de un gran cerdo.

A este sencillo y simple, pero universal animal, perteneciente a la memoria cultural de todo el mundo, queremos sacarlo de su sucia historia y comercial uso y sumergirlo en un mundo de arte plástico, musical, poético y teatral.

Ni miseria, ni mondo mísero. El cerdo es abundancia grasa, alegría en el estiércol, gruñidos de satisfacción, pedos de metano con los que llenar globos de cumpleaños. Cerdo eres y al cerdo volverás, ¡Mira… un cerdo volando! Si no lo ves volar, no sabes mirar.

TEATRO REAL

presenta

NORMA ENTRE DOS MUNDOS

una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way

del 3 y el 19 de marzo

Música, drama y emoción serán absolutos protagonistas del escenario del Teatro Real con la llegada de Norma, ópera de Vincenzo Bellini (1801-1835), de la que se ofrecerán 12 funciones entre el 3 y el 19 de marzo en una nueva producción concebida por el director de escena Justin Way, con dirección musical de Marco Armiliato.

Considerada una de las obras cumbres del belcanto, su extraordinaria belleza melódica enmascara una enorme dificultad vocal, especialmente en el papel protagonista, y con ella Bellini manipula como nadie las emociones más encendidas del melodrama. Norma posee, además, una extraordinaria dramaturgia que expone a los personajes en diferentes niveles y muestra con valentía sentimientos y actitudes casi ocultos hasta entonces en la mujer. Es, quizás, esa percepción fuerte y moderna del mundo femenino la que hace de esta ópera uno de los títulos más deseados de la temporada. 

Justin Way sitúa la acción en el interior de un viejo teatro italiano con toda la compañía ensayando Norma. En el exterior, el siglo XIX, que ha comenzado marcado por el Congreso de Viena tras la derrota de Napoleón, mantiene el norte de Italia bajo la dominación austriaca, cuyo gobierno reaccionario provoca el nacimiento de los primeros movimientos nacionalistas. Entre ambos mundos, los dos intérpretes principales de la función mantienen una relación secreta sometida a tensiones personales y sociales, inmersa en un conflicto  que no saben gestionar.

La propuesta plantea un paralelismo entre el argumento de la ópera y la realidad histórica del momento de su estreno en Milán en 1831, ofreciendo al espectador la dualidad prima donna/Norma, austriacos/romanos, coro/patriotas italianos…en una narración de la que es doblemente observador.

La escenografía de Charles Edwards reproduce la estructura de un teatro en decadencia, con viejos telones pintados similares a los utilizados por los grandes ballets románticos, y el vestuario de Sue Willmington dibuja una imaginativa indumentaria para druidas y romanos, muy al gusto de la época, alternándose con figurines decimonónicos para la vida “real”. Nicolas Fischtel, responsable de la iluminación, evoca las candilejas de los escenarios de otros tiempos, cuya cálida luz contribuye al juego onírico en el que conviven ambas realidades.

El maestro Marco Armiliato, de cuya sensibilidad pudimos disfrutar en Tosca (2004) y Madama Butterfly (2017) regresa al foso del Teatro Real para ponerse al frente del Coro y la Orquesta Titulares, junto a un doble reparto encabezado por la soprano española Yolanda Auyanet – a quien escuchamos en el Real como Vitellia en La clemenza di Tito (2016); Mimi en La bohème (2017) y Liu en Turandot (2018)-  y la rusa Hibla Gerzmava, intérprete de Leonora en Il trovatore del Real en 2019.

Completan el trío protagonista los tenores Michael Spyres y John Osborn, encarnando al romano Pollione y las mezzosopranos Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa, dando vida a la virginal Adalgisa. El papel de Oroveso estará en manos de los bajos Roberto Tagliavini y Fernando Radó.

En torno a este título, el Teatro Real ofrecerá una nueva sesión de Enfoques en la que participarán los principales artistas de la producción y donde se interpretará el aria de Oroveso compuesta en 1837 por Richard Wagner “a la manera de Bellini”, en complicidad con el compositor de Siegfried, cuyas representaciones se alternarán durante este mes con Norma. La cita será el próximo miércoles, 24 de febrero, a las 20.15 horas en la Sala Gayarre (a la que se puede asistir con aforo limitado) y on line a través del canal de Youtube del Teatro. Y el día 14 de marzo, con el tono alegre y desenfadado de los talleres familiares ¡Todos a la Gayarre!, entre pócimas y conjuros, descubrirán la otra cara de Norma.

Debido al toque de queda vigente en la Comunidad de Madrid, relativa a los protocolos Covid-19, todas las funciones de Norma darán comienzo a las 19.00 horas, con excepción del domingo 7 de marzo, que será a las 18.00 horas.

TEATRO FERNÁN GÓMEZ C.C.V.

presenta

EL PÁJARO AZUL

De Maurice Maeterlinck y Álex Rojo

Del 3 al 21 de marzo

El pájaro azul, escrita por Maurice Maeterlinck en 1906, representa el inmutable espíritu de la infancia, en conflicto permanente contra el tiempo, con el objetivo de la preservación de la inocencia y la obtención de autoconocimiento, abordando con tanta ternura como nostalgia el imaginario propio de la niñez.

Dos hermanos en la víspera de Navidad, imaginan observando a través de la ventana, cómo sería vivir las vidas de sus vecinos. Reciben una extraña visita y una extraña encomienda: ir en busca de un pájaro azul muy especial. Así, acompañados por un perro, una gata, una hogaza de pan duro y guiados por la luz, emprenden un viaje por diferentes mundos, donde deberán adentrarse en el país de la memoria, el reino de la noche y viajar al porvenir en busca del pájaro que cura la enfermedad de la tristeza.

El Pájaro Azul es una obra alegórica sobre la búsqueda de la felicidad. Perteneciente a la corriente del simbolismo, escrita por Maurice Maeterlinck en 1906 en clave de cuento de hadas, se ha convertido en un clásico sin precedentes en su género; con un lenguaje pueril, a veces contradictorio y otras ambiguo, se esconde, entre velado en su poética, un profundo mensaje de índole ensayística filosófica y metafísica tales como el devenir, el tiempo, la espiritualidad y la esencia de las cosas.  Temas siempre presentes en la voz del autor belga.

En esta versión, el dónde y el cuándo son descritos como lugar y tiempo indeterminado. Como en los sueños, todo converge ecléctico y anacrónico, envuelto por un halo de irracionalismo cuyo objeto es hacernos llegar a una acertada conclusión sobre nosotros mismos. Para alcanzar a comprender el significado del mítico pájaro azul, debes responder: ¿Qué es para ti la felicidad? ¿Dónde reside? ¿Qué uso le das? ¿Cómo convives con la tristeza? ¿Quién (o qué) te acompaña en tu camino? ¿Hacia dónde te diriges? ¿Cuál es el objetivo? ¿Tiene final este periplo? Maeterlinck nos plantea estas preguntas a través de su obra, nosotros
las sintetizamos en este montaje para invitarte, sea cual sea tu edad, a este juego de imaginación entre claroscuros.

NAVES DEL ESPAÑOL

presenta

PRELUDIO

de Daniel Ortiz a partir de la novela homónima de Jesús Ruiz Mantilla

Del 27 de abril al 2 de mayo

León de Vega, pianista español de fama internacional, lleva un tiempo peleándose con los 24 Preludios de Chopin.

En una frenética carrera contra el tiempo y al ritmo de esos 24 movimientos, León recorre España marchando sobre la vida y la muerte en un paralelismo marcado con la tragedia del compositor polaco.

Salvaje, tierno y autodestructivo, a León de Vega sólo le acompañarán los Preludios en su lucha titánica por convertirse en el mejor intérprete chopiniano de la historia con un último e inolvidable recital en París.

En palabras del autor de la novela, Jesús Ruiz Mantilla, "esta es la historia de León de Vega, pianista español obsesionado por la perfección, ambidiestro y ambisiniestro, que cayó preso de su arte al ritmo de los 24 Preludios de Chopin”.

TEATRO ESPAÑOL

La Estampida con la colaboración de Nara.

presenta

LA SEÑORITA DOÑA MARGARITA

de Roberto Athayde

Del 3 al 28 de marzo

"El buey solo bien se lame”, sobre todo cuando está en compañía de otros bueyes.

Nos gusta empezar así la presentación de la obra La señorita doña Margarita porque, aparte de cualquier otra cosa, lo que sí tiene es humor, a pesar de que trata de un tema muy serio: "El autoritarismo", que se da a todos los niveles en la sociedad. Y, lo peor de todo, es que casi todo el mundo que puede, lo utiliza. Por eso la señorita doña Margarita es un ejemplo, como maestra, de cómo se ejercen y transmiten los valores caducos desde la más tierna infancia.

A través de la historia, se han ido creando formas de pensamiento que ayudan a controlar el rebaño. Por todas partes aparecen estas formas: en refranes y proverbios; en las relaciones familiares, amistad y amor; en las relaciones laborales y, sobre todo, en la educación… No hay un resquicio libre para esta pandemia llamada PODER, que en todas partes aparece y, a veces, de manera casi invisible pero efectiva.

Atentos a los consejos de doña Margarita porque te prepararán para enfrentarte a un mundo irreal pero cierto, porque es falso, pero nosotros terminaremos defendiéndolo con uñas y dientes, cuando nos hayamos hecho "responsables".

La señorita doña Margarita logrará que cada uno de nosotros no solo se vigile a sí mismo, sino a los demás, con lo que habremos conseguido que no haga falta vigilancia especial para los ciudadanos porque ellos se encargan, lamiéndose solos o en compañía de otros. "Donde menos se espera salta la liebre" y no estamos libres de que la historia no se repita en estos tiempos modernos y volvamos atrás -o mucho más atrás- de lo que podíamos imaginar. Porque no es que "no sean tiempos para la lírica”, es que "no son tiempos, en general, para casi nada”.
Juan y Petra

TEATRO LARA

presenta

MAÑANA Y MAÑANA Y MAÑANA

UNA COMEDIA SOBRE LA TRAGEDIA DE MONTAR UNA OBRA DE TEATRO

Del 4 de marzo al 6 de mayo de 2021. Jueves a las 19.30h.

Mañana y mañana y mañana, una comedia sobre la tragedia que supone montar una obra de teatro.

Bajo la dirección de Miguel Ángel Cárcano, la pieza gira en torno a una compañía de tres actores y un director que intentan montar una versión peculiar de Macbeth, pero durante el proceso se encadenan situaciones absurdas y egos ridículos, lo que les hace descubrir que la verdadera tragedia es la locura de hacer teatro.

SINOPSIS

Antonio, un actor devenido a director, intenta recobrar su pasado de joven promesa de las artes escénicas dirigiendo una peculiar versión de Macbeth, ambientada en un manicomio. Para ello recurre a tres actores totalmente diferentes: Marcos, un galán de la tele, Miranda, una diva, y Fernando, un temperamental de método propio.

Durante los ensayos, se pondrán en evidencia las personalidades de cada uno, que conviven sobre la delicada línea que separa la comedia de la tragedia.

A los desafíos de montar una producción teatral, se suma la locura de director y actores, que supera la de los personajes.

La inmortal tragedia de Shakespeare sobre como el ansia de poder lleva al asesinato y la locura ha sido representada en infinidad de ocasiones y otras tantas llevadas al cine y a la televisión. La obra maldita que muchos actores no mencionan ni en voz alta y, que conjuga brujería, traición, batallas y disputas conyugales da un paso más allá en esta adaptación. En Mañana y mañana y mañana dirigida por Miguel Ángel Cárcano y protagonizada por Guillermo Barrientos, Walter de la Reta, Fran Leal y Marian Zapico, Macbeth es un loco confinado en un manicomio. La Locura de Macbeth no es más que una vuelta de tuerca más sobre la locura de los actores en el proceso creativo, cada uno preso de sus propios demonios.

NAVE 73

presenta

BEAUTIFUL STRANGER

¿Cuántas identidades habitan en una misma persona?

a partir del 3 de marzo

 Beautiful stranger, el último proyecto de Ion Iraizoz y su reconocida compañía La Caja Flotante, es una comedia existencial sobre la identidad, la propia y la de los demás.

- Gloria March, Juan Paños y el propio Ion Iraizoz dirigen esta pieza que reflexiona sobre la manera de acercarnos a nosotros mismos, a nuestras contradicciones y a nuestra propia condición humana.

El cuerpo cambia tanto a lo largo de la vida que debería tener un nombre distinto cada día y para cada uno de sus estados”. Santiago Alba Rico – Ser o no ser (un cuerpo)  El 21 de mayo de 2019, Ion Iraizoz celebró su cuarenta cumpleaños haciendo una fiesta/performance que la llamó 'El último martes antes de cumplir 40'. En esa fiesta su padre leyó un relato que su madre había escrito durante el embarazo, y que había estado oculto durante cuarenta años. A partir de este hecho real, el actor tratará de reconstruir lo que sucedió en esa fiesta a través de sus propios recuerdos. Beautiful stranger es una comedia existencial que sitúa al espectador en mitad de un cruce de caminos entre la realidad y la ficción, y que reflexiona sobre las múltiples identidades que habitan en una sola persona. TRATAMIENTO DRAMATÚRGICO Y ARTÍSTICOIon Iraizoz es el fundador de la reconocida compañía La Caja Flotante con la que ha facturado obras como La esfera que nos contiene (2017) o Catástrofe (2019), ambos espectáculoscandidatos a tres Premios Max, dos veces como espectáculo revelación, y que han estado programadas en el Centro Dramático Nacional. Beautiful stranger es su último proyecto, su creación más personal, aunque no es una autobiografía, es un proyecto híbrido entre la autoficción, la comedia existencial y el lenguaje cinematográfico. A partir de un hecho real el actor tratará de reconstruir su propia fiesta de cumpleaños, utilizando técnicas de storytelling, el vídeo en directo, la vídeo creación y el uso de la voz en off. Gloria March y Juan Paños le acompañan en la dirección y dramaturgia de la obra. El propio Ion Iraizoz explica el proyecto: "Me interesa la autoficción si se distancia de la vida de sus creadores, si lo personal es solo un comienzo, una manera de ir más allá. Hablo de mí mismo no para hablar de mí, si no para hablar de nosotros. Como decía Godard: Para hablar de los otros hay que tener la modestia y la honestidad de hablar de uno mismo. La autoficción no es un encierro ególatra, sino que es, por el contrario, un camino de apertura a los demás, un intento de alcanzar ese otro que no soy yo". LA IDENTIDAD COMO FICCIÓNLa reconstrucción de la fiesta es un pretexto para jugar, generar ficciones y reflexionar sobre la identidad y la relación con nuestro propio cuerpo.El cuerpo se identifica con un nombre que no eliges, un sexo que tampoco eliges, una clase social heredada por la familia, una educación, una nacionalidad y una herencia genética. Casi todo lo que conforma la identidad es heredado. Yo soy todo eso, sí, pero al mismo tiempo no lo soy. Yo soy otro, nosotros somos otros, cualquiera de esos hermosos desconocidos con los que nos cruzamos a diario.Esta multiplicidad identitaria tiene relación con el título del proyecto y el concepto de Doppelgänger, que se puede traducir como 'doble andante'. Se refiere a esa parte de nosotros que nos acompaña a todas partes pero que de alguna manera está oculta, ese hermoso desconocido que forma parte de nuestra personalidad.Con Beautiful Stranger quieren abrir un espacio de reflexión sobre la manera de acercarnos a nosotros mismos, a nuestras contradicciones y a nuestra propia condición humana. DIGITALIZACIÓN DEL PROYECTOVan a desarrollar una versión digital de la pieza, en paralelo a la creación de la versión escénica. Están explorando las posibilidades de las herramientas digitales con el deseo de seguir generando espacios de encuentro con el público. Lo digital no puede sustituir a la experieencia en directo, es imposible. El teatro necesita del encuentro físico, pero también el teatro se adapta al contexto, evoluciona, mezcla disciplinas y disuelve los límites entre ellas, como un ser vivo que siempre se abre camino.La pieza digital se realizará en directo, a través de Zoom, dentro de la programación del Teatro de Gayarre, los días 15, 16 y 17 de febrero de 2021.

SALA MIRADOR

presenta

I'M A SURVIVOR

Del 12 de febrero al 7 de marzo, 19h.

SALA CUARTA PARED

presenta

MAPA DE HERIDAS

del 18 al 28 de febrero de 2021 

Después de En la ley  y  Tribu, Sergio Martínez Vila vuelve a la sala Cuarta Pared con su última obra, Mapa de heridas, un drama sobre la herida de signo masculino y patriarcal.

Un mapa es una representación de la realidad, normalmente a escala 1: 25.000, que sirve para ubicarse en un sitio o para encontrar un lugar dentro de ese sitio.

Una herida es algo que no ha sanado. No se manifiesta necesariamente en el plano físico-corporal. Una herida es información; por lo general, información que se ignora, o bien porque no se escucha o bien porque no se entiende.

Un mapa de heridas es un árbol genealógico. Un recorrido invertido hacia el cuerpo originario de nuestro clan, pasando por todas sus ramas, nudos y agujeros hasta las raíces que sustentan toda la historia.

Todo puede rastrearse en un mapa de heridas, pero un mapa siempre va a mentir por definición. Para comprender eso que la herida revela, hay que abandonar el árbol e internarse en el bosque.

Una vez se descubren las historias heredadas y el trauma que nos conforma (y no hay nadie que no venga de un relato traumático, porque la violencia es el gran argumento del colectivo), uno ya puede decidir no ser eso.

Nuestra propuesta escénica tiene que ver con sacar la herida oculta a la luz, con habitar los distintos cuerpos que han servido de mapa para todas esas heridas, y sobre todo, tiene que ver con saltar al vacío desde ahí. Con lo que le pasa a nuestra protagonista (Ana) cuando quiere dejar de ser Ana, cuando deja efectivamente de serlo, cuando ya no sabe quién es.

Las heridas en las que ponemos el foco tienen que ver con la violencia sexual, y este tipo concreto de violencia tiene, sin lugar a dudas, un género definido. Por tanto, el concepto de género es fundamental en nuestra pieza. Pero lo es sólo para desafiarlo, para revertirlo, incluso para despedazarlo. Si deseamos romper la (falsa) identidad, también deseamos el mismo destino para el género. La invocación del vacío es de naturaleza inmisericorde y arrasa con las certezas. Con todas. Sobre todo, con aquellas que distinguen el bien del mal. La práctica mística es sumamente violenta. Y Mapa de heridas es un ejercicio de mística.

Sinopsis

Ana se cita con cuatro hombres diferentes, todos mayores que ella: un jubilado de la construcción, un jefe de almacén, un padre de familia que busca sexo con chicas jóvenes y un divorciado que vive con sus padres. Ellos no se hacen una idea de quién es Ana, pero Ana sabe muy bien lo que ellos le hicieron a su madre treinta años atrás. La violaron por turnos. La dejaron embarazada. Y Ana, que fue el fruto involuntario de ese ataque, creció toda su vida creyendo que el hombre que la había criado era su padre biológico. Ahora que ha descubierto la verdad de su origen, siente que hay algo que debe hacer con todos ellos. Pero no sabe el qué. Sólo sabe seguir un impulso que tal vez la ponga en peligro. O tal vez el mayor peligro de todos sea el de encontrarse cara a cara consigo misma.