Los Teatros del Canal presentan El sueño de Federico, el homenaje continuado a Lorca organizado por la Comunidad de Madrid

Con artistas como Irene Escolar, Carmelo Gómez, Carmen Linares y Eusebio Poncela, entre otros muchos

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan El sueño de Federico, el homenaje continuado a Lorca organizado por la Comunidad de Madrid con un programa de 12 actividades que abarcan todas las disciplinas en las que destacó Lorca. Durante los días 3, 4 y  5 de mayo en las salas y vestíbulos de los Teatros del Canal. Un año en el que toda la programación de la Comunidad se vuelca con el escritor.

– Sueño Lorca o El sueño de las manzanas –  BARAKA TEATRO 3 de mayo – 17.00 h – Sala Verde Montaje de la compañía madrileña Baraka Teatro, Sueño Lorca o El sueño de las manzanas es una obra basada en el Lorca menos conocido, el de los textos surrealistas, las piezas inacabadas, las entrevistas. Fue nominado a tres Premios Max en 2010, año de su estreno. Pero más que aspirar a estos premios, probablemente su principal aval sea el apadrinamiento del hispanista Ian Gibson, el mayor conocedor de la biografía lorquiana, que dijo: “Esta obra es tan estupenda, el trabajo de los actores, todos ellos, tan extraordinario, la dirección tan esmerada, que nos hace vivir Lorca casi casi desde dentro. A mí me ha afectado mucho, me ha hecho reír y llorar, me ha producido rabia, y con su frescura y su vitalidad me ha forzado a volver a los textos originales. Me ha enseñado mucho”.   Baraka Teatro recupera este montaje cuando cumplen 10 años como compañía, un viaje poético por la vida y obra de Federico. Un collage escénico que entremezcla la realidad del poeta con diálogos, poemas, canciones de creación propia y la ficción de los sueños. La infancia, la adolescencia, los viajes, la corta madurez y la muerte se mezclan sin nociones aristotélicas de acción, tiempo o espacio, como en un sueño. Un mundo de amor por la vida y por la libertad. La misma libertad que le ayudaría a ignorar el profundo cerco que silenciosamente se estrechaba en torno a su figura.   El niño Lorca juega al desierto con Dalí en una residencia de estudiantes. Una mujer pasea por la quinta avenida neoyorkina mientras las manzanas se lamentan de su suerte. Un mundo de contrastes, de vida y muerte, donde el miedo a lo diferente toma distintas caras. Una niña gitana mal pintada con zapatos de tacón que pasea entre Corrientes y el Albaicín. Un mundo de leyendas, de calor humano, de olor a tierra, de quejíos y pastores, de soledad y bichos. Un milagro sobre un escenario, con dirección y dramaturgia de María Caudevilla. Género: teatro / Dirección y dramaturgia: María Caudevilla / Elenco: Sara Campbell, María Caudevilla, Fran Gil-Ortega y José Manjón / Producción: Baraka Teatro / Escenografía: María Caudevilla / Vestuario: Ludy Ruiz / Iluminación y sonido: Flavia Mayans / Diseño sonoro: José Mora / Duración: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio). Así que pasen cinco años –  ATALAYA TNT 3 de mayo – 19.00 h – Sala Roja En 2016 la compañía sevillana Atalaya, con Ricardo Iniesta al frente, celebraba los 30 años del montaje que les puso en el mapa, literalmente. Con aquella impresionante puesta en escena de Así que pasen cinco añosrecorrieron 30 provincias españolas con más de 130 funciones. Y para celebrarlo volvieron a montar una de las consideradas obras imposibles de Lorca. No solo la hicieron posible entonces, sino que ahora la revisan de nuevo haciendo válido lo que el propio Lorca dijo, que era una obra que se entendería muchas décadas después de escribirse.   “No es que tenga un lenguaje críptico”, dice Iniesta, “sino que tiene un poder hipnótico tremendo. Hay escenas que te sumergen en una cuarta dimensión”. Una dimensión mágica y hasta premonitoria. Fechada en agosto de 1931, justo cinco años antes de su muerte, “en la obra se habla de un pozo donde cayeron todos, un pozo donde fue arrojado su cuerpo, que todavía no ha sido encontrado”. No en vano, Lorca la subtituló La leyenda del tiempo (que luego serviría para titular el disco de Camarón que rompió todos los moldes del flamenco).   Con el estilo expresionista habitual de Atalaya (Premio Nacional de Teatro en 2008) y un cierto aire circense por momentos, este nuevo montaje de Así que pasen cinco años abunda en la matriz metafórica de la pieza, donde aunque se parte de la historia de un joven enamorado que le cuenta a un viejo que por causas imposibles de explicar se casará con su amada pasados cinco años, los personajes son alegorías, símbolos de apetencias, ideas, sensaciones, de vivencias subconscientes. Si en el montaje del 86 se reflejaba en la España próspera y esperanzada del momento, “30 años después España es un país tenebroso, oscuro, gobernado por corruptos”, por lo que esta nueva tentativa, apunta Iniesta, es “más oscura, cruel y terrorífica”. Género: teatro / Intérpretes: Carmen Gallardo- Criada, Elena Amada Aliaga Novia / Niño muerto / Otras máscaras, Jerónimo Arenal – Criado / Padre de la novia / Arlequín I, José Ángel Moreno – Amigo II / Arlequín II / Jugador de cartas, Manuel Asensio – Viejo / Otras máscaras / Jugador de cartas, María Sanz – Mecanógrafa / Gata muerta / Otras máscaras, Raúl Sirio –  Iniesta Joven, Raúl Vera – Amigo I / Jugador de rugby / Payaso / Jugador de cartas, Silvia Garzón – Maniquí / Muchacha / Espacio escénico: Ricardo Iniesta / Vestuario: Carmen Giles / Iluminación: Miguel Ángel Camacho / Música: Luis Navarro / Coreografía: Juana Casado / Dirección y seguimiento coral: Esperanza Abad y Marga Reyes / Maquillaje, peluquería y estilismo: Manolo Cortés / Ayudante de dirección: Sario Téllez / Realización escenografía: Pepe Távora / Realización utilería y atrezo: Sergio Bellido / Producción: Centro Dramático Nacional y Atalaya TNT / Duración: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio) / Fotografía: Félix Vázquez – Esto no es La casa de Bernarda Alba – CARLOTA FERRER/ JOSÉ MANUEL MORA/ DRAFT.INN 3 de mayo – 21.00 h – Sala Verde Lo mataron, sí, y pronto hará 82 años de aquello, pero Lorca sigue en boca de todos, vivo y moderno como el más vivo y el más moderno de los artistas españoles. Su teatro nos interpela, ayer, hoy y siempre, porque, en su dimensión profética, nos advierte de que la pistola del autoritarismo está siempre cargada y apuntando hacia la libertad. La casa de Bernarda Alba está escrita, mediado 1936, al borde del abismo que él presiente. “Bernarda, auténtico varón con faldas -escribió Miguel García Posada- encarna el más secular autoritarismo hispánico, que lo domina todo y todo lo controla”. Pero esta versión que firman Carlota Ferrer y José Manuel Mora, Esto no es La casa de Bernarda Alba, es una tentativa de creación libre sobre la obra de Lorca, lorquiana en sí misma porque sigue la filosofía artística del poeta, que preconizaba vía libre para la imaginación: “Que la poesía se levante en el escenario sin límites de ningún tipo”, como señala Ferrer. Su propuesta parte de que lo que vemos al comenzar la función es la sala de un museo, una sala blanca sin mácula, en la que una serie de artistas, hombres casi todos, exhiben la obra de Lorca a base de instalaciones plásticas y escenas performativas, donde la palabra escrita por el autor convive con la poesía, la música y la danza.   En esta versión masculina del clásico, Eusebio Poncela asume el papel del varón con faldas que mantiene a su prole sumida en un mar de luto. “Buscamos con esto un discurso feminista radical; al poner en boca de hombres las palabras de Federico, que en numerosas ocasiones son vertidas por mujeres que manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad, ponemos en evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo”. Género: teatro / Texto: Federico García Lorca / Dirección: Carlota Ferrer / Coreografía: Carlota Ferrer & Cía. Intérpretes: Eusebio Poncela, Óscar de la Fuente, Igor Yebra, Jaime Lorente, David Luque, Julia de Castro, Guillermo Weickert, Arturo Parrilla y Diego Garrido / Dramaturgia: José Manuel Mora y Carlota Ferrer / Escenografía: Carlota Ferrer y Miguel Delgado / Vestuario: Ana López Cobos / Utilería: Miguel Delgado / Asesoría de movimiento: Ana Erdozain / Iluminación: David Picazo / Audiovisuales: Jaime Dezcallar / Diseño de sonido: Sandra Vicente  Producción: Fernando Valero y Gema R. Lirola / Ayudantía de dirección: Enrique Sastre / Asistencia a la dirección: Mikel Babón / Ayudantía de vestuario: Christiana Ioannidou / Ayudantía de iluminación: Cristina Libertad. Equipo técnico: Realización de escenografía: Mambo Decorados / Realización Archimboldo: Betto García / Realización de vestuario: Sandra Calderón / Vestuario de Julia de Castro: Carmen March / Ambientación de vestuario: María Calderón / Coordinación técnica: Gema R. Lirola y José Espigares / Técnico de sonido: Enrique Chueca / Sastrería: Felicita Mora Duración: 2 horas (sin descanso) – Amor oscuro [sonetos] – VIRIDIANA TEATRO 4 de mayo – 17.00 h – Estudio 1 “Esta es la historia de los versos desaparecidos de un poeta desaparecido. Esta es una historia de miedo y de silencio”. Arranca con estas palabras un montaje muy singular, que no es obra de teatro ni recital, que es más una experiencia compartida a partir de aquellos Sonetos del amor oscuro de Lorca que permanecieron ocultos durante 50 años, pues se publicaron por primera vez, en una edición clandestina, en 1983. Esta es, pues, la historia de una ocultación, de una sustracción, de una vergüenza más en torno al poeta.   Lorca amó y sufrió por amor como nadie. “Federico, ¡qué corazón!”, exclamaba Vicente Aleixandre en 1937, “Cuántos habrá que sepan, que aprendan y conozcan la extraordinaria hondura y la capacidad sin par del corazón de su poeta”. Los once sonetos se conservan hoy en cartas con membrete del Hotel Victoria de Valencia, donde al parecer inició Lorca la serie en 1935, esperando impaciente la llegada desde Madrid de su íntimo amigo Rafael Rodríguez Rapún. Lorca sufría, como señaló Ian Gibson, por la “actividad heterosexual” de su amante, y que no se presentara en Valencia “se le aparecía como expresión de abandono”. Los versos supuran la angustia del momento. Escrito y dirigido por Jesús Arbués y protagonizado por Javier García Ortega, el espectáculo tiene los once sonetos como base, once poemas y una vida, pero va más allá. Es una historia a través de once personajes que abordan el amor extremo y desbordado y que dejan entrever interiores, habitaciones a medio iluminar, sentimientos a medio decir. Cada soneto sugiere un estado al actor y su puesta en escena deja datos también sobre por qué y cómo se escribieron, sobre por qué y cómo se ocultaron. Ortega se apoya en un interesante trabajo de vídeo mapping y en la música de Pitrón Gómez, que interpreta Ay, voz secreta del amor oscuro o la de Laura de la Fuente que hace lo propio con el Soneto gongorino, con música de Amancio Prada.   Género: poesía y teatro / Un espectáculo escrito y dirigido por Jesús Arbués sobre los Sonetos del amor oscuro, de Federico García Lorca / Interpretación: Javier García Ortega / Escenografía e iluminación: Josema Hernández de la Torre (concepto de Jesús Arbués) / Diseño mapping: Óscar Lasaosa / Animación vídeo: Manuel Avellanas / Música: “Ay, voz secreta del amor oscuro” (Pitrón Giménez, interpretación; Nano Giménez, piano), “Soneto gongorino” (Laura de la Fuente, interpretación; música de Amancio Prada) / Estudio de grabación: Nacho Moya / Técnico en gira: Josema Hernández de la Torre / Una producción de Viridiana Centro de Producción Teatral / Producción: Mónica Macías / Administración: Lumi Jiménez/ Duración: 55 minutos (sin intermedio) – Yerma – PROJECTE INGENU 4 de mayo – 18.30 h – Vestíbulo -2 Entre Yerma y su marido se instala la carcoma, porque aunque lo desea con todas sus fuerzas, Yerma no logra quedarse embarazada. Pasa la vida, cada vez más ahogada en tristeza, se mira marchar la juventud, las amistades son sombras borrosas y la casa de una se torna cárcel. Lorca hizo el retrato más crudo de las tragedias íntimas, las de puertas adentro, las calladas. Ahora Teatre Akadèmia y Projecte Ingenu afrontan una escenificación contemporánea partiendo de una reflexión sobre la fecundidad en nuestros tiempos. Yerma se convierte en un espejo ideal para dialogar y cuestionarnos el sentido de nuestro presente. Cuando esto sucede, decimos que estamos ante un clásico, porque un clásico solo es un clásico si al traerlo a nuestros días nos interpela directo con su vigencia eterna. Projecte Ingenu, con el director Marc Chornet al frente, es un colectivo de jóvenes artistas escénicos que, desde su juventud y desde su tiempo, se enfrentaban al Lorca incómodo de Yerma. Si Yerma era un clásico, “teníamos que ser capaces de imaginarla andando entre nosotros, respondiendo con sus palabras nuestras dudas, miedos…”, comenta Chornet.   Ese acercamiento desde los sentimientos y las sensaciones de los jóvenes de hoy a una historia tan aparentemente de ayer es fecundo aunque se trate de hablar de la permanente inquietud que lo gobierna todo. Poco a poco, sintieron a Yerma tan próxima como para contarla desde el interior. “Una Yerma que tiene nuestra edad, que lucha por nuestras mismas ilusiones, día a día. Ella nos hizo plantearnos una duda muy grande, enorme: ¿estamos nosotros secos? ¿Está seco el mundo donde vivimos? ¿Existe aún una remota posibilidad de convertir en fecundo nuestro tiempo y nuestros sitios?”. Ahí queda la pregunta… Género: teatro / Intérpretes: Alba José – Yerma, Martí Salvat –  Juan, Xavier Torra –  Víctor, Ariadna Fígols –  María, Isabel Soriano – Vieja, Roser Tàpias – Muchacha, Cristina López – Muchacha / Autor: Federico García Lorca / Adaptación: Marc Chornet y Anna Maria Ricart / Dirección: Marc Chornet / Ayudante de dirección: Anna Maria Ricart / Diseño del espacio: Laura Clos ‘Closca’ / Diseño del vestuario y caracterización: Marta Rafa / Diseño de iluminación: David Bofarull / Música original y asesoría de movimiento: Miquel G. Font / Producción ejecutiva: Neus Pàmies / Producción: Projecte Ingenu y Teatre Akadèmia / Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio). – Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín – 14 METATARSO/DARÍO FACAL Aleluya erótica acompañada del Retablillo y otros poemas, de Federico García Lorca 4 de mayo – 20.30 h – Sala Verde “Alcanzar la perversa y esquiva frontera en la que confluyen la risa y la pesadilla”. Ese fue el objetivo primordial de Darío Facal y su compañía, Metatarso, al enfrentar este texto de Federico García Lorca, una de sus obras más excepcionales y menos representadas, aderezada para la ocasión con fragmentos del Retablillo de don Cristóbal y algunos otros poemas y textos del autor granadino ensamblados gracias a una meticulosa versión firmada por Alberto Conejero, el dramaturgo español actual que mejor se entiende con el legado lorquiano. Obra maestra de la farsa que culmina en tragedia, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín mezcla lo lírico y lo grotesco. Don Perlimplín es un hombre de avanzada edad -aquí encarnado por el siempre estupendo Emilio Gavira- orgulloso de haber permanecido soltero toda su vida. Su criada Marcolfa (Berta Ojea) le convence para que se case con su vecina Belisa (Olivia Delcán), una joven adolescente a quien su madre entrega a la fuerza y sin el menor reparo. Pero en la noche de bodas, Belisa se enamora de otro hombre cuando Perlimplín ya le había declarado su amor… “amor, que estoy herido, herido de amor huido, herido, muerto de amor”.   Lorca creó con esta obra “un extraño sortilegio”, en palabras de Alberto Conejero, que “habla del cuerpo como clausura del amor”. Escrita entre 1922 y 1926, es una pieza cargada de aparente ingenuidad que a medida que avanza hace aflorar una perturbadora profundidad. “Es un equilibrio perfecto entre el patetismo y la tragedia, entre el amor y la sexualidad, la delicadeza y la brutalidad”, asegura el director Darío Facal, que concibe su montaje con mimbres de vanguardia para hacerlo lo más contemporáneo posible. Género: teatro / Intérpretes:Emilio Gavira – Don Perlimplín, Lucía Diez – Belisa, Berta Ojea – Marcolfa, Cristina Otero –  La Madre, Peru Saizprez – El Poeta / Autor: Federico García Lorca / Versión: Alberto Conejero / Espacio escénico: María de Prado / Diseño de iluminación: Manolo Ramírez / Diseño de vestuario: Ana López Cobos / Ayudante de vestuario: Paola de Diego / Música: Room 603 / Ilustrador: Javier García Herrero / Jefe técnico: Álvaro Delgado / Ayudante de dirección: Javier L. Patiño / Regiduría y dirección de producción: Cristina Otero / Dirección: Darío Facal / Una coproducción de Metatarso y Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid / Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) Rango – 16 BALLET RAFAEL AGUILAR 4 de mayo – 22.00 h – Sala Roja En 1966, los herederos de Federico García Lorca le negaron al bailaor y coreógrafo Rafael Aguilar (Quito, 1929-Madrid,1995) la posibilidad de adaptar para su compañía, fundada en 1962, La casa de Bernarda Alba, quizá porque no veían en aquel entonces la fuerza que el baile podía otorgar a la dramaturgia del poeta granadino. Pero Aguilar no se rindió y montó su versión titulándola Rango. Un nombre potente que hace referencia a lo que más importa a Bernarda, la despótica madre viuda, preocupada por mantener el rango social de su difunto marido en aquel pueblo de la España profunda.   Fuertemente teatral y tremendamente dramática, la coreografía mantiene el luto y la sobriedad, y casi sin recurrir a la música deja que el zapateado de las hijas oprimidas retumbe como martillazos por toda la platea. Rango no es solamente una de las obras más emblemáticas de Rafael Aguilar sino también la quintaesencia de su lenguaje. Creía en el poder de comunicación de la danza y le gustaba narrar historias con ella, tal vez porque sus orígenes fueron en el ballet antes de caer subyugado por el flamenco. Un flamenco que abordó con libertad y sin complejos en los años sesenta, cuando nadie hablaba de Nuevo Flamenco. El montaje, cómo no, impactó muchísimo a un joven Antonio Gades que, deslumbrado, quiso hacerse con el rol de Bernarda, papel que bailó en ocasiones. En 1995, justo el día del estreno en el Teatro de Madrid de su nuevo espectáculo Aires de ida y vuelta, murió Rafael Aguilar de un infarto repentino. Su hija Jacinta Aguilar ha mantenido activa a la agrupación y desde 2002 cuenta con la dirección artística de Francisco Guerrero, que se ha propuesto mantener y difundir el legado de Aguilar, manteniendo activas, además de Rango, Carmen, Bolero y otro título lorquiano, su versión de Yerma.   De importancia indiscutible (en esa compañía han bailado luminarias como Joaquín Cortés, Antonio Canales, Lola Greco, Aída Gómez, Eva Yerbabuena o Antonio Márquez), la agrupación mantiene giras constantes por el mundo, siendo especialmente acogidos en Francia y países asiáticos. En España se les ve poco, por lo que la ocasión parece propicia para acercarse al legado de Aguilar con una obra especialmente lograda de su catálogo. Género: danza flamenca / Bailarinas: Virginia Murcia, Irene Chavarría, Noelia Fernández, María Gayubo, Elena Palomares y Ana Agraz / Guitarras: Miguel Linares y Javier Romanos / Cantaor: Cunco González / Recitado: Carmen Salinas / Coreografía: Rafael Aguilar / Dirección artística: Francisco Guerrero / Vestuario y decorado: Rafael y Manuela Aguilar / Dirección técnica: Stephan Alcaraz y Carlos Contreras / Dirección ejecutiva: Jacinta Aguilar y Carmen Salinas / Duración: 40 minutos A vueltas con Lorca – CARMELO GÓMEZ 4 de mayo – 23.00 h – Estudio 1 del CDC No hay instrumento musical más hermano de la poesía que el piano, lírico armatoste delicado cuyas teclas tocó y acompañó el propio Lorca. Y el piano y el verso son la única línea argumental de este espectáculo diáfano que se han sacado de la chistera el actor Carmelo Gómez, el músico Gorka Pastor y la directora Emi Ecay, un sueño de una noche de verano. No en vano, se alumbró al aire libre en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander el estío pasado. Porque se puede soñar aún, se puede.   No hay una estructura cerrada, porque es un juego y un cónclave al que están llamados otros poetas: Lope, Neruda, Cervantes, Machado… Hay intención en dejar que la noche sea misterio, que el actor, Carmelo, concite en sus voces las voces de Bernarda, de Yerma, del Romancero gitano, del Diván de Tamarit, de Poeta en Nueva York y hasta de El caballero de Olmedo, que es un traje que siempre está dispuesto. Y Poema del cante jondo, y Bodas de sangre, Poncia, Adela, Magdalena. Todos y todas tienen su hueco.   “Lo personal del poeta granadino -dicen los tres implicados en el suceso-, esa forma de entender los versos desde la libertad, el sonambulismo, el simbolismo y la abstracción pura del surrealismo”. Quieren compactar, ensamblar, aglutinar palabras y dedos sonando a impulsos de memoria y fuego. “Las piezas elegidas pretenden dar profundidad y color a las imágenes evocadoras del poeta. Para ello se ha recurrido a compositores como Joaquín Turina, Ernesto Halffter, Enrique Granados o Claude Debussy”. Y el espíritu de Federico, que antes que nada fue pianista, se estremecerá y respirará de nuevo en cada quiebro.   Género: poesía y música / Intérprete: Carmelo Gómez / Música: Gorka Pastor / Dirección: Emi Ekai / Duración: 1 hora (sin intermedio) / Fotografía: Agustín Arriola Lorca, la correspondencia personal – HISTRIÓN TEATRO 5 de mayo – 13.00 h – Sala Verde Juan Carlos Rubio es el dramaturgo y director de este recorrido poético, alegre y triste, vital y desesperado, amargo y dulce, por las cartas que Lorca envió a sus seres queridos. Esas cartas son motivo e hilo conductor del espectáculo, donde el poeta se desdobla en hombre y mujer como reflejo de una dualidad que siempre le hirvió dentro. Las cartas, en palabras de Rubio, son un material que une “su faceta profesional con la personal”.   Cartas burlonas, irónicas, surrealistas y cartas de un realismo hiriente y fascinante. Dos actores, Gema Matarranz y Alejandro Vera, son los vehículos de carne y voz para la narración, un bucle de teatro dentro del teatro tan querido al propio Federico, una realidad que nace y se multiplica para acabar en el mismo lugar, la sangre, la tragedia. La compañía granadina Histrión Teatro cuaja aquí un homenaje sin fisuras a su paisano, un homenaje premiado con el galardón a Mejor Espectáculo en la Feria de Teatro del Sur de 2017. Ellos muestran a los mil Federicos que esconden sus palabras, archivo de sí mismo, como refleja la escenografía que firman Curt Allen Wilmer y Leticia Gañán. “¿Por qué hemos de ir siempre al teatro para ver lo que pasa y no lo que nos pasa?”, escribió Lorca en su Comedia sin título. Su intención de reinventar el viejo arte escénico quedó en suspenso y en suspenso empieza este espectáculo, ochenta años después, una hora antes de la muerte del poeta en el barranco de Víznar. Los actores entran por el patio de butacas y comienza el monólogo dual, sinfonía a dos voces de estados de ánimo y preguntas al aire que seguirán buscando respuestas por los siglos de los siglos.   Género: teatro / Intérpretes: Gema Matarranz y Alejandro Vera / Autor: Federico García Lorca / Dramaturgia y dirección: Juan Carlos Rubio / Espacio escénico: Estudiodedos: Curt Allen Wilmer (AAPEE) y Leticia Gañán / Construcción de escenografía y atrezo: Álvaro Gómez Candela / Ayudantía de dirección: Luis Miguel Serrano Martín / Música original y espacio sonoro: Miguel Linares / Diseño de iluminación: Juan Felipe Tomatierra / Ayudantía técnica: Ángel Moreno Casado / Comunicación: Alexis Fernández / Vestuario: Histrión Teatro / Vídeo: PabloMaBe / Dirección de producción: Histrión Teatro S.L.  / Producción ejecutiva: Nines Carrascal y Sonia Espinosa / Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) Leyendo Lorca – IRENE ESCOLAR 5 de mayo – 17.00 h – Estudio 1 Acababa de protagonizar El público, montaje dirigido por Àlex Rigola, e Irene Escolar recibió una llamada y una propuesta irrechazable. La Universidad Internacional Menéndez Pelayo le proponía realizar un homenaje a Lorca en el 80 aniversario de su asesinato. Aquello terminó convirtiéndose en un espectáculo en el que la actriz se da el gustazo de interpretar, a modo de recital, fragmentos de las obras fundamentales del poeta granadino, entre ellas Bodas de sangre, Doña Rosita la soltera, Yerma, Sonetos del amor oscuro y, claro, El público.   Es una auténtica gozada ver hasta qué punto Escolar hace suyas las palabras de Federico, como pone voz, cuerpo y alma en cada frase, en un pequeño gran acontecimiento escénico que gira en torno al amor y las mujeres como hilo argumental, porque como ella misma dice, “sorprende cómo puede retratar tan bien a la mujer”. Ella y un atril, ella y Lorca, vivo en cada palabra, sencillez y pureza al servicio de su poesía amarga que siempre es aliciente para despertar de los mil letargos a los que nos somete la vida contemporánea. Lorca siempre ha estado de una forma u otra presente en la vida de Irene Escolar, siendo además último eslabón por ahora de una larga cadena familiar dedicada al teatro. Debutó a los 9 años en un montaje de Mariana Pineda, sin ir más lejos. “La poesía de Federico tiene una musicalidad y unas imágenes tan potentes que siguen en mi corazón desde entonces. Federico pone en palabras lo que yo siento”, y cualquiera que asista a este recital las sentirá doblemente. Recital que comienza, por cierto, con un fragmento de Poeta en Nueva York: “Señoras y señores: siempre que hablo ante mucha gente me parece que me he equivocado de puerta”. Género: poesía / Dirección e interpretación: Irene Escolar / Producción y distribución: Buxman Producciones / Con el apoyo del: Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid / Programa: Extracto sobre la conferencia de Poeta en Nueva York. Extractos de escenas de la Novia y la Madre, de Bodas de sangre. Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores.Yerma. Julieta y el Caballo Blanco, de El público. “Canción del pastor bobo”, por Nao Albet. “Si mis manos pudieran”, “El poeta pide a su amor que le escriba”, “Noche del amor insomne”, “Soneto de la dulce queja”, de Sonetos del amor oscuro. “Grito hacia Roma”, de Poeta en Nueva York. Extractos de la Biografía de Federico García Lorca, de Ian Gibson. “Gacela de la Muerte Oscura”, de Diván del Tamarit. Extracto de la Madre de Gonzalo, de El público. Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio) – Federico García – PEP TOSAR 5 de mayo – 19.00 h – Sala Verde Pep Tosar ha escrito y dirigido ya varios espectáculos dedicados a contar la vida y la obra de poetas como Guillem d’Efak, Blai Bonet, Vicent Andrés Estellés o Damià Huguet. El mismo patrón narrativo aplicado en esos montajes es el que ha seguido para componer este acercamiento a la figura de Lorca, un compendio de registros y lenguajes diversos que ofrecen al espectador una mirada poliédrica y estimulante sobre el personaje. En Federico García hay guitarra flamenca, cante, baile, recitado y vídeo documental.   Una suerte de biografía teatral que se ciñe a 10 episodios de la vida del poeta, que se corresponden con otras 10 escenas que tratarán de recoger, de forma cronológica, esos momentos biográficos relacionados con las obras que durante los mismos se generaron. El nacimiento en Fuentevaqueros, el traslado a Granada, la universidad, los viajes por España y los encuentros con Machado, Juan Ramón y Unamuno, el salto a Madrid y la Residencia de Estudiantes con Buñuel y Dalí, la Generación del 27, Nueva York y Cuba, Buenos Aires y Montevideo, el éxito de su teatro de vuelta a Madrid, la Guerra Civil y el asesinato. Sencillo y efectivo, el montaje se desarrolla en un escenario dividido por un tul traslúcido tras el cual se disponen, a la manera de un tablao, el guitarrista, la cantaora, el bailaor y el actor que recita. Sobre el tul se proyecta el documental que contiene fragmentos de entrevistas, fotografías y dibujos del poeta, y un viaje en tren de Madrid a Granada hecho por el propio bailaor. La estructura general del espectáculo está apoyada en la música de la guitarra, según el palo escogido para cada una de las 10 escenas. En definitiva, teatro, imagen, flamenco y poesía, perfecto resumen de la vida de Federico. Género: teatro, danza y música / Autor: Federico García Lorca / Dramaturgia: Evelyn Arévalo y Pep Tosar / Dirección: Pep Tosar / Cante: Mariola Membrives y María José Llego / Guitarra: Rycardo Moreno y Marc López / Percusión: David Domínguez y Joni Sánchez / Baile: José Maldonado y Pol Jiménez / Realizador: Agustí Torres / Ayudante de cámara: Francesc Martorell / Escenografía y vestuario: Pep Tosar y Evelyn Arévalo / Técnico de luces y vídeo: Sergio Roca Saiz y Marta Aguado / Técnico de sonido: Marc Rigau y Jonbi Belategui / Producción ejecutiva y distribución: Gabriela Marsal, Leila Barenboim y Mireia Gràcia (Mika Project) / Coproducción: Oblideu-vos de nosaltres SLU, Festival Grec de Barcelona / Apoyos: Diputació de Barcelona, Generalitat de Catalunya – Departament de Cultura, Govern de les Illes Balears, Institut d’Estudis Baleàrics. / Entrevistados: Vicenta Montesinos García-Lorca, Antonina Rodrigo, Allen Josephs, Juan de Loxa, Mario Hernández y Domingo Ródenas / Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio) / Fotografía: Justin Brown Carmen encuentra a Federico –  CARMEN LINARES 5 de mayo – 21.00 h – Sala Roja Cuando Carmen Linares (Linares, 1951) era una niña tarareaba en el olivar de Andalucía con aires flamencos las canciones de Lorca que le escuchaba cantar a su madre. El influjo lorquiano, bello y trágico al unísono, ha permanecido desde entonces clavado en su sensibilidad y ha sido una constante en su ya larga trayectoria. Una buena parte de su carrera está habitada por las palabras de Lorca, al punto de que la vinculación de su obra con el mundo flamenco se ha solidificado en buena medida gracias a sus aportaciones.    Carmen Linares ha escuchado ovaciones en escenarios tan prestigiosos como el Lincoln Center de Nueva York, el Barbican británico, la Ópera de Sydney o el Liceu barcelonés. Se la considera una de las más relevantes voces flamencas contemporáneas. Quizá por ello su aproximación a Lorca ha partido siempre desde la vigencia de su legado, desde la validez de su discurso en nuestro tiempo. Así fue con su disco Canciones populares de Lorca (1993), en el que rememoraba la grabación que hizo Lorca junto a La Argentinita en 1931, y que ella misma llevó a escena, involucrando ahora el baile.   También vislumbró la vigencia del poeta en su decisiva participación en Locura de brisa y trino (2000) de Manolo Sanlúcar, Un rato, un minuto, un siglo… (1998) junto a Lola Herrera y Poeta en Nueva York (2007), coreografía de Blanca Li que, justamente, traía los poemas al Manhattan contemporáneo y lo convertía en un baile urbano que se expresaba entre el flamenco y la danza contemporánea. Su más reciente espectáculo de cante y poesía, Verso a verso, ha sido otra de las contribuciones de Linares al universo poético español.   En este concierto nos ofrece un repertorio lorquiano con un formato único. Carmen se acompaña de la jondura de sus guitarras, la elegancia en el trío piano/contrabajo/batería, el ritmo del baile de mujer y la expresión de la interpretación dramática. Se suceden versos como “La leyenda del tiempo”, “Anda, jaleo” y “Asesinado por el cielo”. En un recital de cante y poesía auténtico. Un encuentro musical con versos legendarios de Federico García Lorca. Un homenaje a nuestros poetas universales: Juan Ramón Jiménez, Miguel Hernández y Rafael Alberti, quienes fueron compañeros y admiradores del poeta granadino. Género: música / Poemas: Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti y Miguel Hernández / Intérpretes:Carmen Linares – cante, Salvador Gutiérrez – guitarra, Eduardo Pacheco – guitarra, Pablo Suárez – piano, Vanesa Aibar – baile, Josemi Garzón – contrabajo, Karo Sampela – batería, Rosario Amador – coros y palmas, Rocío González-  coros y palmas / Artista invitada: Lucía Espín, actriz / Dirección musical: Carmen Linares / Dirección de actores: Pepa Gamboa / Coordinación artística: Miguel Espín Pacheco / Técnico de sonido: Álvaro Barco y David Rodríguez / Técnico de luces: Olga García / Producción: El Mandaito / Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

 Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid han presentado hoy la programación para la temporada 19/20 y se consolidan como Centro de Artes Escénicas Contemporáneas. Grandes nombres de la escena nacional e internacional, creación contemporánea y una programación estable de danza consolidan la dirección de una programación de alta calidad que apuesta por los artistas y compañías. Un total de 55 compañías, de las cuales 19 son internacionales y 36 nacionales.

MÁS ALLÁ DEL TELÓN: UN MODELO DE DIRECCIÓN Y UN DISCURSO
Durante las dos últimas temporadas, los Teatros del Canal se han situado como uno de los principales focos de difusión de las artes escénicas contemporáneas en España. Artistas de reconocido prestigio nacional e internacional han visitado las tres salas del Canal y en palabras del consejero de Cultura, Jaime de los Santos, “han hecho que los principales agentes del sector vean con creciente interés lo que aquí se produce y exhibe, tal y como ha reflejado el último ránking de instituciones culturales de la Fundación Contemporánea”. En el informe de 2018 los Teatros del Canal consiguieron la segunda posición a nivel nacional como institución cultural dedicada a las artes escénicas.

La programación 19/20 continua reflejando el nuevo modelo de dirección de estos años, en los que los Teatros del Canal se suman a las prácticas de muchos teatros y centros europeos dedicados a las artes escénicas contemporáneas. Según palabras de la directora, Natalia Álvarez Simó, «estas prácticas implican no solo exhibir las obras sino complementarlas a través de actividades de mediación que permitan trabajar el desarrollo de públicos,  colaboraciones  con otras instituciones y el apoyo a los artistas a largo plazo».

UN RECORRIDO POR LA PROGRAMACIÓN: ITINERARIOS
La programación para esta tercera temporada, diversa en lenguajes y estilos y para distintos públicos,  se conforma a través de distintas líneas (itinerarios) que se entrelazan, se separan, se tocan y vuelven  a unirse tejiendo una red que lo inunda todo: más allá del telón hay un discurso común y que va de la mano de nuestro momento, temas como la vida y la muerte, los límites de la representación, las identidades… son preguntas abiertas para la reflexión.

El itinerario denominado “Asuntos familiares” se centra en cómo la familia nos conforma y nos deforma. Este tema está presente en varias obras como el estreno absoluto de Las cosas que sé que son verdad, una coproducción de los Teatros del Canal con dirección de Julián Fuentes Reta protagonizada por Verónica Forqué; la comedia dramática El tiempo todo entero, versión de Zoo de cristal, de la argentina Romina Paula, y Kind del colectivo belga Peeping Tom, que cierra la trilogía sobre la familia y explora el mundo infantil con una visión nada complaciente.

Otro itinerario que vertebra la programación es el de “Imprescindibles”, creadores que son necesarios para entender la historia reciente de las artes escénicas como Frank Castorf, que estrena en España Bajazet; Boris Charmatz con 10000 gestes;  Katie Mitchell y el estreno en España de Orlando (coproducción de los Teatros del Canal); Anne Teresa de Keersmaeker y su compañía Rosas con Achterland, un clásico y el italiano Pippo Delbono con La gioia, que regresa después de 13 años.

La escena retoma una de sus funciones primordiales: convertirse en espacio para el debate crítico sobre el funcionamiento de esta sociedad. Este es el enfoque del itinerario “Disidencias”, que agrupa artistas como el israelí Hofesh Schechter con Grand Finale, donde habla del colapso de la civilización; la compañía José y sus hermanas con Arma de construcción masiva, donde abordan el tema de la educación; los italianos Deflorian y Tagliarini con Il cielo non è un fondale, un diálogo casi filosófico entre lo que somos dentro y lo que somos fuera; la coproducción del estreno absoluto de lo nuevo de La Phármaco, La domesticación, primera parte de la trilogía Bekristen/Cristianos, sobre la colonización en Guinea Ecuatorial; la coproducción de Curva Españade la compañía gallega Chevere sobre el trazado ferroviario entre Puebla de Sanabria y Orense donde murió el ingeniero José Fernández España; El Conde de Torrefiel con La plaza, compañía que convierte el escenario en una plaza habitada por seres sin rostro, y los húngaros Proton Theatre con Imitation of Life, una mirada sobre las contradicciones de la sociedad.

Con la música como elemento que conforma la creación de lo escénico en esta temporada 19/20 se presentarán varios montajes como, por ejemplo, Requiem pour L, de Alain Platel y su compañía Les Ballets C de la B a partir del Requiem de Mozart; Marta Górnicka y The Chorus of Women  con Magnificat, una polifonía `sacropop´ que ha cosechado premios en toda Europa; Marcos Morau y su compañía La Veronal, en coproducción con los Teatros del Canal y el Teatro Real, estrenarán Into the Little Hill, una ópera contemporánea creada a partir del cuento El flautista de Hamelin; el estreno en España de Rule of Three, donde Jan Martens trabaja en directo con el percusionista norteamericano Nah; el solo flamenco Nocturno, de Leonor Leal, con acompañamiento del guitarrista Alfredo Lagos y el percusionista Antonio Moreno; y la coproducción de El amor brujo. Gitanería en un acto y dos cuadros, de Israel Galván, que lo baila desde la versión para piano de la obra, lejos de la monumentalidad orquestal.

Creaciones atravesadas por preguntas existenciales hay varias como es el caso del nuevo montaje de Rocío Molina, una coproducción de los Teatros del Canal que aún no tiene título y tendrá su estreno absoluto en la Sala Roja; el estreno en España de Sur les traces de Dinozord, del congoleño Faustin Linyekula, una obra relacionada con sus orígenes, marcado por los cambios políticos brutales donde “100 muertos no llegan a ser noticia”, y la coproducción de Corpus, de Xavier Bobés, un pasaje de silencio y quietud en busca de la elocuencia de los cuerpos, los cuerpos animales y los cuerpos vegetales. Dentro de este epígrafe también está Angélica Liddell con dos obras sobre la muerte de sus progenitores, también coproducciones de los Teatros del Canal.

Con la mirada en las `Identidades´, temática en la que se cuestionan los géneros y las construcciones, podremos disfrutar de montajes como Doña Rosita, anotada, estreno absoluto de Pablo Remón y La_Abducción que forma parte del Año Lorca 2019; LaJoven, que celebra los 100 años de la muerte de Galdós con el estreno de Galdós y sus mujeres; y otras coproducciones como el estreno de Renacimiento, de La Tristura, el estreno de Giselle de la compañía Kor´sia, y el último trabajo de Poliana Lima, Las cosas que se mueven pero no dicen nada.

En la órbita de `Creadores singulares´, piezas cuya identidad emana de la voz única y genuina de sus creadores, hay varias coproducciones como El arte, de Los Torreznos, Las ultracosas, de Cuqui Jerez, y Entre tú y yo, de Amalia Fernández y Juan Domínguez, todas ellas estrenos absolutos. Y, por primera vez en España, Brother de Marco Da Silva, y Please Please Please, de La Ribot, Tiago Rodrigues y Mathilde Monnier (también coproducción de los Teatros del Canal).

Y en cuanto a montajes para todos los públicos cabría destacar a Buque Bólido con Ese mundo de ahí, un relato intergaláctico protagonizado por dos curiosos personajes que detectan vida más allá; dos montajes de circo contemporáneo Celui qui tombe, de Yoann Bourgeois y Falaise de Baró d´Evel (coproducción con los Teatros del Canal) y dos montajes teatrales, ambos coproducciones de la casa, Mutantes de Los Bárbaros y Lo mínimo, de Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol y Cris Blanco.

Como ya se hizo la temporada pasada, bajo el epígrafe «Miradas» se presentan al público varias piezas de un mismo creador, ofreciendo perspectivas distintas sobre su trayectoria. Es el caso del artista francés Mohamed El Khatib con dos obras que se estrenan en España, C´est la vie y Finir en beauté, de El Pont Flotant con Ejercicios de amor, El hijo que quiero tener y Las 7 diferencias, y de Colectivo Armadillo con el estreno absoluto de Todas las cosas del mundo, coproducción con los Teatros del Canal y la exhibición de 66 ejercicios de estilo.

También se da continuidad al ciclo “Nadie sabe de lo que un cuerpo es capaz”, en esta ocasión conformado por dos artistas de procedencias y trayectorias muy distintas: el griego Euripides Laskaridis y la artista filipina Eisa Jocson. El artista griego, con Titans, juega con los atributos femeninos en un cuerpo que no es humano. Por su parte, Eisa Jocson estrena en nuestro país Macho Dancer + Corponomy: en el primer título se presenta como un macho stripper de club gay y en el segundo ofrece una conferencia bailada sobre su trayectoria.

Algunos artistas regresan con el mismo montaje abalados por la crítica y el público como es el caso de Nao Albet y Marcel Borrás con Mammón,  y las coproducciones de los Teatros del Canal con Manuel Liñán, y su ¡Viva!, y Aracaladanza con Play.

APOYO A LA CREACIÓN DESDE TEATROS DEL CANAL Y EL CENTRO DANZA CANAL
Los Teatros del Canal serán coproductores en 25 de los 60 espectáculos (12 más que el año anterior). De estos 60 espectáculos, 20 serán estrenos absolutos, 15 estrenos en España y 20 estrenos en la Comunidad de Madrid.
Y como la internacionalización de los artistas españoles es clave, este año vuelve la cita ineludible para los profesionales nacionales e internacionales, Plataforma, un espacio de difusión y promoción a nivel internacional de las compañías y artistas que desarrollan su trabajo en los Teatros del Canal y en el Centro Danza Canal, que tendrá lugar del 21 al 31 de mayo de 2020.

Además, los Teatros del Canal, que ya pertenecían a la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública, han pasado a formar parte de Prospero, siendo el único teatro nacional en la lista. Esta red es un proyecto colaborativo de producción y distribución formado por nueve países europeos que incluye los siguientes teatros: Théâtre de Liége Schaubühne am Lehniner Platz (Berlín), Théâtre National de Bretagne (Rennes), Odéon-Théâtre de L´europe (París), Emilia Romagna Teatro Fondazione (Módena-Bolonia), Internationaal Theater Amsterdam, Teatro Sao Luiz (Lisboa), Göteborgs Stadsteater, Croatian National Theatre of Zagreb y, a partir de este año, Teatros del Canal.

Desde el Centro Danza Canal (CDC) también se apoya a la creación de artistas emergentes con el programa de residencias en el que en la pasada edición participaron 18 compañías para las residencias de investigación y 6 para las residencias de creación. Seis son los trabajos que este año el ciclo Abierto en Canal presenta, ciclo que abre la programación y excelente oportunidad para aproximarse a la diversidad de la danza metropolitana y familiarizarse con estos nombres: Eduardo Guerrero, Methamorphosis (Igor Bacovich e Iratxe Ansa), Amaranta Velarde, Paula Quintana, Elías Aguirre y Lucía Marote.

Continuando la línea del año pasado respecto a la internacionalización de sus artistas, el CDC plantea dos líneas prioritarias: Como parte de Europa con acuerdos con el Centro Per La Scena Contemporanea Bassano del Grappa (Italia) y el Centre National de la danse en Pantin (CN D, Francia).

La otra línea de apoyo a la creación está conformada por las actividades profesionales que se ofrecen a los residentes, como los talleres profesionales, las charlas informativas e institucionales, y los encuentros entre profesionales, más de 20 citas.

Si la temporada pasada el Ballet Víctor Ullate de la Comunidad de Madridtuvo su primer acercamiento a jóvenes coreógrafos vinculados al Centro Danza Canal, en esta ocasión serán dos reconocidos creadores, ambos galardonados con el Premio Nacional de Danza y antiguos residentes del CDC, Antonio Ruz y Daniel Abreu, los dos dueños de un lenguaje y un estilo propio, quienes desarrollen una coreografía para la compañía, una coproducción de la Comunidad de Madrid.

A LA BÚSQUEDA DE NUEVOS PÚBLICOS
Otra de las líneas globales de los Teatros del Canal es el establecimiento y consolidación de diálogo con nuevos públicos, mediante dos herramientas imprescindibles: una política de precios accesible (con precios desde 8 euros y el sistema de abonos),y la oferta constante de conversación en torno a las propuestas artísticas que tienen lugar en el teatro contemporáneo.

Cada persona puede acercarse desde distintas perspectivas al proceso creativo: como espectadores a través de la asistencia a los espectáculos o a través de los múltiples talleres, charlas, proyecciones, conferencias y encuentros con el público después de la función.

Respecto a las actividades, este año se repetirán talleres como el de movimiento creativo para bebés o el de danza para personas inquietas pero también los habrá nuevos, como el de La danza como acción social, donde cada sesión se concentrará en una danza disidente. Además, contaremos de nuevo con las charlas en torno a la programación y los seminarios, un total 110 actividades para acercarse a la programación.

Además, para la temporada que viene algunos de los espectáculos programados también contarán con sesiones de campaña escolar como los montajes de Mutantes, de los Bárbaros; Lo mínimo, de Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol y Cris Blanco; Mammón, de Nao Albet y Marcel Borrás; 66 ejercicios de estilo, de Colectivo Armadillo, y Galdós y sus mujeres, de LaJoven. Además, como parte del objetivo de un teatro inclusivo, habrá funciones de Teatro Accesible para Las cosas que sé que son verdad, de Julián Fuentes Reta, Doña Rosita, anotada, de Pablo Remón, Curva España, de Chévere y Renacimiento, de La Tristura gracias a la colaboración entre Centro de Rehabilitación Laboral Nueva Vida y Aptent. Para estas funciones se contará con una edición especial del programa de mano traducido al lenguaje braille.