Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

TEATRO DE LA ABADÍA 

 

Teatro de La Abadía presenta

LA PUNTA DEL ICEBERG

de Antonio Tabares

  UN INQUIETANTE THRILLER, un ambiente laboral marcado por la incomunicación y la dependencia enfermiza de la productividad, los resultados concretos, las cifras estadísticas...   El autor Antonio Tabares estrena La punta del iceberg en el Teatro de La Abadía, en Madrid. Sergio Belbel, uno de los autores y directores de teatro catalán, se fijó en este texto en el año 2011 y se puso en contacto con el autor porque quería ponerlo en pie. Dos años después, Belbel ya tiene el plantel seleccionado y el teatro en el que subirá el telón el próximo 26 de febrero de 2014 con una historia de relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil.   "Una obra sobre las relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil"  

SINOPSIS

Una empresa multinacional se ve sacudida por el suicidio de tres de sus empleados en apenas cinco meses. Desde la sede central, la compañía envía a una directiva para llevar a cabo una investigación que trate de aclarar lo sucedido. En sus encuentros con los trabajadores se percibe un ambiente cargado de presión, sin la menor consideración por los intereses personales de cada uno, porque se concede prioridad absoluta a los resultados. Con La punta del iceberg -texto galardonado con el Premio Tirso de Molina 2011 y el Premio Réplica 2012-, La Abadía apuesta por el asombroso talento del dramaturgo canario Antonio Tabares, como en temporadas anteriores ha programado a otros autores pocos conocidos como Paco Bezerra y Manuel Calzada, que a su vez se sumaron a autores-directores como Sanzol y Del Arco y la figura inolvidable de Agustín García Calvo. Sergi Belbel, que como director del Teatre Nacional de Catalunya se esforzó por apoyar la nueva escritura y que descubrió a Jordi Galcerán, vuelve a abordar el tema, tan reconocible para cualquiera y agudizado a raíz de la crisis, de las tensiones en el ámbito laboral que asimismo afectan la vida privada, como hizo en El método Grönholm y en Después de la lluvia.    

FICHA

Autor: Antonio Tabares Dirección: Sergi Belbel Escenografía: Max Glaenzel Diseño de iluminación: Kiko Planas Espacio sonoro: Javier Almela Ayudantes de dirección: Andrea Delicado y Sara Filipa Reis Reparto: Pau Durá, Nieve de Medina, Chema de Miguel, Luis Moreno, Eleazar Ortiz. Producción: Teatro de La Abadía Fechas y horarios: De martes a sábado, 20 h. Domingo, 19 h. Desde 26 de febrero de 2014 hasta 30 de marzo en el    TEATRO DE LA ABADÍA  
https://www.youtube.com/watch?v=snvkNeXbP-g  

TEATRO DEL BARRIO

presenta

LA LENGUA EN PEDAZOS

del 11 al 25 de febrero.

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ÓPERA DE MADRID

 
  • El 7 de Marzo dará comienzo con “Rigoletto” de Giuseppe Verdi, el ciclo Lírico programado para esta primavera en el Teatro Reina Victoria de Madrid de la mano del empresario teatral Enrique Cornejo y a cargo de “Ópera de Madrid”.
  • ÓPERA DE MADRID nace de la iniciativa de un grupo de artistas decididos a crear la primera compañía privada de España con una temporada lírica estable.
  • Dos empresarios privados, Enrique Cornejo y “Ópera Madrid”, aúnan sus esfuerzos en un compromiso común con la cultura musical. Se encuentran ilusionados y desean que este proyecto sea un referente en la ciudad de Madrid para toda España y para el turismo tanto nacional como internacional.
  Un proyecto que busca cambiar la imagen que el gran público tiene de la ópera y la zarzuela. La ópera es mucho más que un espectáculo para élites. Y proponen una vía alternativa entre las propuestas extremadamente vanguardistas, incomprensibles para el gran público y las visiones tópicas, simplistas y anticuadas que ofrecen algunas compañías de bajo presupuesto. Ópera en Madrid de calidad a precios competitivos.  
La primera temporada de Ópera de Madrid comienza del 7 al 30 de Marzo con RIGOLETTO, de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basada en la obra teatral Le Roi s'amuse, de Víctor Hugo. Del 4 al 27 de Abril llegará EL BARBERO DE SEVILLA, de Gioachino Rossini y libreto de Cesare Sterbini, basado en la comedia de Pierre-Augustin de Beaumarchais. Del 1 al 25 de Mayo LA BOHÈME, de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la novela por entregas de Henry Murger. El programa doble compuesto por “Agua, Azucarillos y Aguardiente” y “La Gran Vía”, ambas del maestro Chueca,  se podrán disfrutar del 30 de Mayo al 22 de Junio entre semana. Y la mañana de los domingos del mes de Mayo se representará ”Carmina Burana” (La Cantata). Completan este ciclo, los Jueves Líricos con Conciertos a piano los días 20 y 27 de marzo, 10 y 24 de abril, 15 y 22 de mayo y 12 y 19 de Junio. Dirección escénica: Carlos Wagner. Dirección Musical: Alexis Soriano,José Fabra. Una producción de Zommeropera para el Festival de Alden Biesen Bélgica. TEATRO REINA VICTORIA Facebook: operademadrid  

ZARZUELA , PROGRAMA DOBLE: "LA GRAN VIA" Y "AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE"

  Programa doble en el Teatro Reina Victoria, Ópera de madrid presenta las zarzuelas “Agua, azucarillos y aguardiente” y “La Gran Vía”. Agua, azucarillos y aguardiente es una zarzuela en un acto con música de Federico Chueca y libreto de Miguel Ramos Carrión. Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897. “Agua, azucarillos y aguardiente” era un grito habitual de los vendedores callejeros en el Madrid de finales del siglo XIX. La Gran Vía es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886 y representada después largamente en el Teatro Apolo. Del 30/05/2014 al 22/06/2014    
 
 

 TEATRO VALLE-INCLÁN

    La novela de Fernando Fernán Gómez 'El viaje a ninguna parte' se publicó en 1985. Relata la historia de una compañía de teatro itinerante que viaja por los pueblos de Castilla-La Mancha desde el comienzo del franquismo hasta que los cines casi acaban por completo con estas pequeñas compañías. La figura central de la historia es Carlos, un hombre de mediana edad al que acompañan su padre, su hijo, una prima jovencita, otra prima, la novia del personaje central y un amigo; todos ellos forman la compañía Iniesta-Galván. La novela cuenta la vida de esta gente y cómo tienen que ir amoldándose a las circunstancias de la época; cómo algunos de ellos deciden tomar otro camino y abandonar el teatro. Mediante el personaje del «jodío peliculero», Fernán Gómez narra cómo las pantallas de cine y los cines de barrio fueron restando protagonismo a estas compañías de teatro. En 1986 el propio Fernando Fernán Gómez dirigió la versión cinematográfica de El viaje a ninguna parte (1986).   Basada en una novela de Fernando Fernán Gomez, uno de los grandes nombres del teatro y el cine del siglo XX en España (actor, director y escritor) El viaje a ninguna parte cuenta la decadencia y muerte de una compañía de teatro ambulante que viaja por los pueblos de la España profunda en los años 50, representando obras del repertorio cómico en cafés, casinos o plazas. El viaje a ninguna parte es una crónica del cambio de los tiempos, de la desaparición de una forma de ejercer la profesión, arrinconada por el auge del cine, la radio y otros entretenimientos, y también un retrato de la vida rural en plena dictadura franquista, en unos tiempos de hambre, miseria y pobreza espiritual y cultural, poblado por unos personajes, medio artistas, medio pícaros, que aman y odian su oficio a partes iguales. Es un texto lleno de humor, melancolía y humanidad; un homenaje al teatro y a los cómicos, que fue llevado al cine, pero que, por la naturaleza de su argumento, encuentra en el teatro su destino natural. Ignacio del Moral  

FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

Nació en Lima (1921) y murió en Madrid (2007). Actor, escritor, guionista y director de teatro y de cine. Fue miembro de la Real Academia Española desde el año 2000 hasta su fallecimiento. Hijo de los actores Carola Fernán Gómez y Luis Fernando Díaz de Mendoza, debutó como actor profesional, en 1938, en la compañía de Laura Pinillos. Allí le descubrió Enrique Jardiel Poncela, quien le dio su primera oportunidad, dos años más tarde, al ofrecerle un papel en Los ladrones somos gente honrada. En el cine, interpretó su primera película, en 1943, y dos años más tarde ya como protagonista participó, junto a Conchita Montes, en Domingo de carnaval. Intervino en casi doscientas películas, más de treinta obras de teatro, treinta espacios de televisión; y dirigió veintiocho películas, cuatro obras de teatro y seis programas de televisión. Así mismo escribió once novelas, once obras de teatro, dos libros de poesía, varios libros de literatura infantil, de memorias y múltiples artículos y ensayos. Entre sus textos de teatro hay que destacar: Morir cuerdo y vivir loco; Defensa de Sancho Panza; Los invasores de palacio; El Pícaro; Ojos de bosque; Las bicicletas son para el verano; La coartada; Los domingos bacanal y Del Rey Ordás y su infamia. En teatro interpretó, entre otras, las siguientes obras: El alcalde de Zalamea; Un enemigo del pueblo; La pereza; La vil seducción; Mayores con reparo; El caso del señor vestido de violeta; Es peligroso asomarse al exterior y Madre, el drama padre. Cabe destacar entre sus películas: Balarrasa; Esa pareja feliz; La venganza de Don Mendo; Ana y los lobos; El espíritu de la colmena; El amor del Capitán Brando; El anacoreta; El viaje a ninguna parte; Mambrú se fue a la guerra; Esquilache; Belle Époque; Tranvía a la Malvarrosa; Plenilunio; El abuelo; La lengua de la mariposa; Todo sobre mi madre; En la ciudad sin límites; Para que no me olvides o La silla de Fernando. Múltiples premios consiguió a lo largo de su exitosa carrera; entre ellos: Premio Nacional de Teatro (1985); Premio Nacional de Cinematografía (1989); Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1995); Premio Mariano de Cavia (1999); Medalla de Oro de la Academia de las Artes (2001), así como varios premios en el Festival de Berlín, Venecia y San Sebastián, seis premios Fotogramas de Plata, dos de la Unión de Actores y la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio a título póstumo, otorgada por el Gobierno de España (2007).    

FICHA

Versión: Ignacio del Moral Dirección: Carol López Escenografía: Max Graenzel Iluminación: Juan Gómez Cornejo Vestuario: Myriam Ibáñez Música: Luis Miguel Cobo Videoescena: Álvaro Luna Ayudante de dirección: Anna Rodríguez Costa Reparto: Amparo Fernández, Antonio Gil, Andrés Herrera, Olivia Molina, José Ángel Navarro, Tamar Novas, Miguel Rellán, Camila Viyuela. Producción: Centro Dramático Nacional Fechas y Horarios: 14 de febrero a 6 de abril de 2014 Martes a sábados: 20:30 horas. Domingo: 19:30 horas    TEATRO VALLE-INCLÁN  
 

TEATROS DEL CANAL 

 
  • Garage D´Or es un relato sobre el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad.
  Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Garage D’Or, un espectáculo dirigido por Michael Vogel e interpretado por la compañía Familie Flöz, en el que se relatan la impotencia de los padres, el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad. Este montaje estará en Madrid 5 únicas funciones del 23 al 26 de enero en la Sala Roja. Apretados en la estrechez de su cocina, el cielo se nubla sobre Bruno, Lothar y Hermann, densificando el deseo de huir de todo lo terrestre: sus esposas exigentes, sus hijos difíciles de educar, sus vidas aparentemente fracasadas. Impulsados por un ansia imposible de satisfacer, empujan una puerta que ya no pueden volver a cerrar. Su misión les lleva por la vastedad inimaginable del espacio y hasta las más oscuras profundidades de sus propios seres. Con esta nueva producción de teatro gestual y de máscaras, conocido internacionalmente por su poesía y humor, Familie Flöz sigue adentrándose en el extenso campo del otro lado de la palabra y en la búsqueda de una lengua teatral internacional. Las máscaras actúan como sismógrafos del alma humana: en un momento hacen llorar de risa y en el próximo parecen lograr detener el tiempo. Familie Flöz hace teatro con medios que “preceden” al lenguaje oral. Todas las piezas se fundamentan en un proceso de creación colectiva, en el que los intérpretes actúan también como autores de las figuras y situaciones. Al no existir un grupo fijo, cada pieza encuentra un nuevo conjunto de actores, quienes junto a la obra deben desarrollar también sus propios métodos de trabajo a lo largo del proceso de prueba. Los fundamentos artísticos y artesanales del grupo están determinados por el estudio en la Folkwang-Hochschule de Essen, siendo uno de sus principios unir entre sí, de modo fructífero, las diferentes disciplinas artísticas. Las características máscaras de Flöz son también una herramienta importante para el desarrollo del material dramático y de las figuras. De modo similar a un texto, una máscara no sólo aporta una forma, sino también un contenido. El proceso de desarrollo de una máscara, desde el juego de las primeras pruebas hasta llegar a la simbiosis entre actor y máscara, es literalmente decisivo para el resultado. El actor tras la máscara escribe la escena con su cuerpo, en el aire. Una FAMILIE FLÖZ co-producción con el Theater Duisburg y La Strada Graz con apollo de Festival Anjou, Stadsschouwburg Utrecht y Centro Servizi Culturali Santa Chiara. FICHA Dirección: Michael Vogel Máscaras: Hajo Schüler Escenografía: Michael Ottopal, Andrey von Schlippe Vestuario: Julia Moritz Música: Dirk Schröder Luces: Reinhard Hubert Art Work, Video: Silke Meyer Video, Animación: Andreas Dihm Asistencia de Dirección: Sandy Schwermer Manager de Producción: Gianni Bettucci Asistencia de Producción: Henrike Beran Asistencia: Marina Rodriguez Llorente Foto: Jan von Holleben Creación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri, Michael Vogel. Interpretación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri. Fechas y horarios: del 23 al 26 de enero. Jueves y viernes 20.00 h. Sábado 17.30 y 21.30 h. Domingo 18.30 h. Sala Roja de los TEATROS DEL CANAL    

 TEATROS DEL CANAL

  • Dirección de  Albert Boadella. Una comedia sobre el inmortal personaje de José Zorrilla en el que ironiza sobre una versión contemporánea del clásico con el actor Arturo Fernández, que interpretará el papel del comendador don Gonzalo.
A través de un accidentado y divertido ensayo del mito de Don Juan, Albert Boadella enfrenta a una joven generación de actores con otro mito del teatro español: Arturo Fernández, cuyas consideraciones sobre la vida y el teatro compiten con las fobias y delirios machistas de una belicosa directora empeñada en un Juan Tenorio vanguardista. Una joven y moderna directora se propone montar un Don Juan Tenorio concebido desde una óptica contemporánea. Su empeño es demostrar la caducidad del personaje pues según sus razones el mito es hoy totalmente ficticio, anacrónico y machista. Ella considera los versos y las situaciones como simples residuos de un mundo desaparecido. La teoría podría funcionar razonablemente bien, pero en el casting toma una arriesgada decisión: contrata al actor Arturo Fernández para el personaje del comendador Don Gonzalo. A partir de ello, la intrépida directora se enfrentará a una ardua tarea con el fin de mantener su tesis. Una tarea que se complica considerablemente al intentar realizarla frente al experimentado actor, que va desbaratando con sus acciones cada uno de los principios de la joven directora. Sobre Ensayando Don Juan, por Albert Boadella Posiblemente, la joven y belicosa directora Angie, lleva toda la razón. Don Juan Tenorio ha venido justificando entre el género masculino de varias generaciones españolas la apología de un estilo y unas actitudes un tanto villanas ante la mujer. El arte crea la moda y la obra de Zorrilla, aunque solo sea por su popular reiteración, condicionó la mirada de los hombres bajo la coartada de un Tenorio cuyas delirantes tropelías suscitaban una cierta simpatía y condescendencia social. Esta herencia es la que Angie no puede soportar e intenta contrarrestarla eliminando cualquier rasgo romántico u heroico del argumento. Bajo una forma de narración amparada en una supuesta modernidad, y sirviéndose de sus actores, trata de poner en relieve los perversos y prepotentes objetivos machistas que ella atribuye al Don Juan. La cruzada de Angie no está falta de sensatez si nos referimos a los contenidos pero las formas acaban por ganarle la partida ya que los valores caducos, como suele suceder, adquieren con el paso del tiempo una pátina novedosa y singular que les infunde un nuevo y poderoso atractivo. Albert Boadella   FICHA Dirección: Albert Boadella Autoría: Albert Boadella (basado en la versión de Eduardo Galán del Don Juan Tenorio de Zorrilla) Escenografía: Anna Alcubierre/ Albert Boadella Iluminación: Bernat Jans Asesora artística: Dolors Caminal Ayte. dirección: Martina Cabanas Asesoría de verso: Chelo García Sastrería: Isabel López Utilería: Ana María Serpa Regiduría: Mar Eguiluz Dirección de producción: Leticia Martín Producción: Teatros del Canal y Clece.  Productor asociado: Secuencia 3 REPARTO Fernando (Don Gonzalo el Comendador) : Arturo Fernández Angélica (Directora de escena): Mona Martínez Blanca (Doña Inés): Sara Moraleda Cristian (Don Juan): David Boceta Manolo (Jefe técnico): Janfri Topera Miguel (Actor): Jesús Teyssiere Paco (Actor): Ricardo Moya FECHAS Y HORARIOS: Entre el 6 de febrero y el 2 de marzo de 2014 De martes a sábados a las 20.00 h. Domingos a las 18.30 h       TEATROS DEL CANAL  
https://www.youtube.com/watch?v=mp1bx3St0Po
   

 TEATRO DE LA ABADÍA 

   

Sobre la posibilidad de ser algo más que una rata ante la policía

“El policía de las ratas” de Roberto Bolaño es un thriller, una historia detectivesca sobre la diferencia y el arte. Un cuento que rinde homenaje, pone en cuestión y finalmente supera en tensión dramática a ese relato corto de Kafka “Josefina la Cantora o El pueblo de los ratones”. En estos momentos, en que somos vistos más como una masa controlada (con la que se comercia y se manipula) que como seres humanos, es cuando más se precisa reclamar el espacio para el brillo individual y creativo de cada uno.  No ser simple contabilidad para los poderes políticos y económicos.  Lo individual, lo “raro” y lo “extraño” debe existir también junto a lo  colectivo.   Un relato duro y cruel sobre el mundo bajo las alcantarillas como reflejo de nuestra sociedad desgastada y de su alienación. La historia de un detective solitario en busca de un asesino en serie, donde Bolaño reclama ese espacio para la individualidad, para la diferencia. Una diferencia que precisa de un trabajo continuo para sobrevivir y que muchas veces resulta incomprensible para los que nos rodean. Y donde  se reclama un espacio a la figura del poeta, del artista. Cuando toda la cultura parece ser apreciada mayoritariamente por sus estadísticas de venta y ocupación, Bolaño reclama, critica, ataca y defiende ese espacio para la literatura y el arte fuera del “folletín”. Ese espacio del arte por el arte. Ese espacio donde todo puede devenir poesía y excelencia independientemente del comentario y juicio populista. Fuera de “lo normal”. Fuera de lo que gusta a la mayoría. Fuera de “la opinión general”. Un relato triste y algo enfermizo donde triunfa la fórmula bolañil: LITERATURA + ENFERMEDAD = LITERATURA. Y de la buena. Poco queda por aportar desde la dirección escénica. Simplemente dejar fluir las palabras en boca de grandes actores.  Sin prisas y con matices. Apenas movimiento. Solo verbo hecho acción. Dejar que la página en blanco quede trazada por la diminuta y fina caligrafía de su autor para provocar el silencio en una sala acogedora. Un silencio triste con gotas de humor y sombra poética. Invadido de ese querer saber más del género policíaco. Àlex Rigola     FICHA Autor: Roberto Bolaño Adaptación y dirección: Àlex Rigola Escenografía: Max Glaenzel y Raquel Bonillo Vestuario: Berta Riera Iluminación: August Viladomat Ayudante de dirección: Jordi Puig "Kai" Reparto: Andreu Benito y Joan Carreras Una producción de Teatre Lliure y Heartbreak Hotel, en colaboración con La Abadía, Temporada Alta, La Biennale di Venezia y Trànsit Projectes. 29 enero - 23 febrero, 2014  TEATRO DE LA ABADÍA  
 
 

TEATROS LUCHANA

 

Domingos a las 19:30h.

 

MASKED

Un pequeño pueblo en el lado occidental de Cisjordania. 1990. Una carnicería Tres hermanos.

 
  • Regresa MASKED de Ilan Hatsor a la cartelera teatral madrileña. A partir del 3 de Septiembre los  domingos en los Teatros Luchana.
  • La joven directora Iria Márquez se enfrenta a un duro y difícil texto que nos habla de política, familia... pero sobre todo habla de libertad.
  Desde su estreno en Israel en 1990 hasta hoy, la obra ha sido representada en más de cien países del mundo. Su llegada en el año 2007 al Off-Broadway de Nueva York tuvo una excelente acogida por parte de la crítica y el público y dinamizó la proyección internacional de este texto de Ilan Hatsor.   El planteamiento que hace el autor israelí Ilan Hatsor, sobre el drama familiar de tres hermanos palestinos consigue que la esencia dramática de la obra no se centre en el enfrentamiento de dos posiciones políticas. El autor incide en la ruptura de los lazos fraternales y en la desaparición del amor en una situación de conflicto extremo. Como en muchas de las obras en las que los personajes son víctimas de una situación que les sobrepasa, Masked nos habla del miedo, la falta de libertad, la traición o la vengaza.  

SINOPSIS

Masked plantea la situación de conflicto que viven tres hermanos palestinos durante la Primera Intifada (1987-1993): el levantamiento de los habitantes de la franja Gaza y Cisjordania contra los israelíes. El hermano mediano, Naim, es el líder de un grupo de resistencia palestino y el hermano menor, Khalid, siguiendo sus pasos ha entrado en la misma organización. Existen sospechas de que el mayor de los tres hermanos, Daoud, es un colaborador israelí y los líderes de ese grupo de resistencia acudirán esa misma noche a la carnicería en la que trabaja Khalid para interrogarle. Naím quiere saber la verdad sobre esa acusación antes de que eso ocurra. Este es el punto de partida de Masked. Desde ese momento, la acción de la obra se sostiene a través de tres personajes que desesperadamente buscan una verdad que minuto a minuto les alejará cada vez más de una posible solución. Una de las grandes paradojas que nos muestra la obra es cómo al luchar por tu libertad pueden quedar anuladas por completo tus posibilidades de elegir. Si no puedes elegir, no tienes libertad, y si no tienes libertad, no tienes nada.  

MASKED en los Teatros Luchana

 

FICHA

AUTOR: Ilan Hatsor. DIRECCIÓN: Iria Márquez REPARTO: Pedro Santos / Carlos Jiménez Alfaro / Antonio Lafuente – Mon Ceballos TRADUCCIÓN: Álvaro Vázquez (a partir del inglés Masked Written by Ilan Hatsor. Translated by Michael Taub. Ed. Samuel French. INC) DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Sergio Balsera ESPACIO SONORO: Víctor Abad ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: Seven Inks PRODUCCIÓN: Seven Inks y Álvaro Vázquez Duración: 75 min Fechas y horarios: Domingos 19:30h. en los TEATROS LUCHANA  
https://www.youtube.com/watch?v=TervEGAjMNM&w=640&h=360  

El teatro que viene

He publicado en ABC un reportaje en el que he incluido 14 sugerencias teatrales para este arranque de 2014, pero quiero ampliarlo aquí con otras propuestas -alguna más que prometedora- que completan la cartelera para estos primeros meses del año

«Distancia siete minutos»

El Teatro de la Abadía presenta del 8 al 19 de enero esta producción de la compañía Tizina, una apuesta por el teatro de investigación y creación. La obra, escrita, dirigida e interpretada por Diego Lorca y Pako Merino, ha sido definida como «una disección quirúrgica de las relaciones humanas».

«Emilia»

Claudio Tolcachir («La omisión de la familia Coleman») es una de las voces más interesantes de la nueva dramaturgia argentina. Su teatro, magnético e incisivo, ha conquistado al público español en varias ocasiones. «Emilia», una obra basada en los recuerdos de su infancia, habla, entre otras cosas, de la necesidad de amar y ser amados. A principios de octubre pude asistir al estreno en Avilés (junto a mi querida compañera Rosana Torres, a quien mando un beso enorme), y hablé de ella ya en el blog. «Es una función -escribí- que empieza desmadejada y poco a poco se va levantando; como un puzzle desbaratado y que encuentra sentido cuando se encaja una de las piezas. Está llena de sutilezas, de puertas abiertas, de rincones oscuros, que abre las mentes y los interrogantes de los espectadores, y sacude sus emociones». El reparto (magnífico) lo encabeza Gloria Muñoz, a quien acompañan Malena Alterio, Alfonso Lara, Daniel Grao y David Castillo. Se presenta en los Teatros del Canal del 9 de enero al 9 de febrero.

«Una vida robada»

Asunción Balaguer y su nieto, Liberto Rabal, protagonizan junto a Carlos Álvarez-Novoa y Ruth Gabriel esta obra escrita por Antonio Muñoz de Mesa, que él mismo dirige junto a Julián Fuentes Reta. La búsqueda de la verdad y los secretos que esconde una casa son el esqueleto de esta función, que se podrá ver en el teatro Fernán Gómez del 11 de enero al 2 de febrero.

«Los áspides de Cleopatra»

Texto prácticamente inédito e insólito de nuestro teatro del Siglo de Oro -el autor es Francisco Rojas Zorrilla-, Guillermo Heras ha inaugurado con él el proyecto Laboratorio de América, realizado por la Compañía Nacional de Teatro Clásico en colaboración con el Complejo Teatral de Buenos Aires, ciudad de la que procede el elenco que viaja al Egipto de Cleopatra. Estará apenas dos semanas en el Teatro Pavón, del 12 al 23 de enero.

«Locos por el té»

Comedia francesa escrita por Patrick Haudecoeur y Danielle Navarro, se estrenó en París en 1990 y es al parecer uno de los grandes éxitos actuales de la cartelera parisina; también una de sus más exitosas funciones. Se trata de una comedia con versión de Julián Quintanilla y dirección de Quino Falero, en el que se presenta a un grupo de actores a punto de estrenar un vodevil, con personajes «vanidosos, envidiosos, egocéntricos, mediocres, enchufados y chantajistas». María Luisa Merlo, Juan Antonio Lumbreras, José Luis Santos, Esperanza Elipe, Óscar de la Fuente, Ángel Burgos y Rocío Calvo componen el reparto de la obra, que se estrena en el teatro Cofidis-Alcázar el 14 de enero.
Sandra García Nieto es la autora de este texto, dirigido por Rubén Cano e interpretado por Tomás Pozzi y Martiño Rivas. «¿Qué nos hace ser como somos? –se pregunta la autora-. ¿La genética, la sociedad, la familia, la religión, nuestros valores morales…? ¿O, tal vez, la hipocresía?» A estas cuestiones trata de contestar esta función, que estará en el Matadero del 15 de enero al 16 de febrero.

«Tierra de nadie»

Los nombres de Lluís Homar y José María Pou son suficiente atractivo para una producción teatral. Pero si además se cuenta con un texto del premio Nobel Harold Pinter y se cuenta con la dirección de Xavier Albertí, a los aficionados al teatro se les hace la boca agua. La producción viene del Teatro Nacional de Cataluña, y es sin duda uno de las grandes apuestas de la escena madrileña. Ramón Pujol y David Selvas completan el reparto de un espectáculo que, desgraciada e incomprensiblemente (habrá una razón, imagino), solo estará dos semanas en el Matadero, del 15 de enero al 2 de febrero.

«Julio César»

Tras visitar diversos festivales y plazas de España, llega a Madrid esta producción de la obra de Shakespeare (directa y violenta) dirigida por Paco Azorín (más frecuentemente escenógrafo e iluminador) y que cuenta con un potente reparto encabezado por Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta, Tristán Ulloa y José Luis Alcobendas. Las críticas han hablado estupendamente sobre este montaje, que nos devuelve al Mario Gas (su intervención en «Follies» era testimonial). El teatro Bellas Artes acogerá el espectáculo del 22 de enero al 2 de marzo.

«Amantes»

Uno de los estrenos más esperados y que más curiosidad me despierta es éste. Vicente Aranda, ilustre director cinematográfico, debuta en el teatro con la adaptación de una de sus más célebres películas: «Amantes». La versión es de Álvaro del Amo; Marta Belaustegui, Marc Clotet y Natalia Sánchez protagonizan este triángulo amoroso en una historia de pasión y sacrificio, con la que Aranda compuso una de las películas más hermosas del cine español reciente. El CDN la programa en el teatro Valle-Inclán del 24 de enero al 23 de febrero.

«El policía de las ratas»

Álex Rigola ya se atrevió hace unos años con la incómoda prosa de Roberto Bolaño con una adaptación de su novela «2666». Ahora ha vuelto al escritor chileno con esta producción estrenada en la Bienal de Venecia de teatro, que el propio Rigola dirige. Se trata de un cuento que «invita al espectador a reclamar el espacio para el brillo personal y creativo de cada uno», y está interpretada por dos habituales del director catalán, Andreu Benito y Joan Carreras. En el Teatro de La Abadía, del 29 de enero al 23 de febrero.

«El nombre de la rosa»

Otra adaptación de una novela, en este caso del libro de Umberto Eco, una obra que tuvo un éxito extraordinario y que después refrendó su espléndida adaptación cinematográfica, protagonizada por Sean O'Connery. La versión teatral la firman José Antonio Vitoria y Garbi Losada (éste último también la dirige). Juanjo Ballesta –en su primera experiencia teatral- y Juan Fernández encabezan el nutrido reparto de esta producción de una obra policíaca que transcurre en una abadía benedictina del siglo XIV. Llega el 5 de febrero al Teatro Nuevo Apolo.

«Ensayando Don Juan»

Arturo Fernández, un eterno galán a sus más de ochenta años, lleva mucho tiempo instalado en un tipo de alta comedia en la que él se siente a gusto (él actor asturiano es un género en sí mismo) y al que el público responde. De Albert Boadella es el mérito de haberle arrancado de ahí para incluirle en el reparto de «Ensayando Don Juan», una obra escrita por el propio Boadella basada en el «Don Juan Tenorio« de Zorrilla, un mito que en esta versión no debe de salir muy bien parado, ya que lo califica de «ficticio, anacrónico y machista». La función se presentará del 6 de febrero al 2 de marzo en los Teatros del Canal.

«Hécuba»

Uno de los mayores éxitos del pasado festival de Mérida fue, sin duda, «Hécuba». Del espectáculo escribió mi amigo Juan Ignacio García Garzón que «está revestido de trágica dignidad, en un tono elegíaco que desvela también las pulsiones fieramente humanas de los personajes». José Carlos Plaza dirige esta pieza de Eurípides, con versión de Juan Mayorga, montada para Concha Velasco (que, tras sus últimas dos «infidelidades» con Pou, vuelve a su principal director de cabecera, en su primer clásico griego, si no me equivoco). La actriz ha dicho ya que éste es el papel más importante de su vida, en una tragedia de venganza y furia. Junto a Concha, están en el reparto José Pedro Carrión, Juan Gea, Pilar Bayona, Alberto  Iglesias, Luis Rallo, Alberto Berzal, Denise Perdikidis, Marta de la Aldea, Zaira Montes y María Isasi.Y digo igual que en «Tierra de nadie». Supongo que habrá una razón para que se presente durante menos de tres semanas en Español (del 6 al 23 de febrero), pero no lo entiendo.

«El viaje a ninguna parte»

El Centro Dramático Nacional parece haberse fijado este año en la historia del cine español para confeccionar su cartelera. Si a finales de enero estrena la adaptación de «Amantes», a mediados de febrero presenta la versión que Ignacio del Moral ha realizado de la que para muchos (yo incluido) está entre las mejores películas de nuestra cinematografía: «El viaje a ninguna parte», de Fernando Fernán-Gómez. Casi treinta años tiene la novela escrita por él mismo en la que se basó el filme, toda una declaración de amor a su profesión y a las penurias sufridas por los «cómicos» en la España de la posguerra (entre ellos él mismo y su familia). El espectáculo, que dirige Carol López, cuenta con un reparto conformado por Amparo Fernández, Antonio Gil, Andrés Herrera, Olivia Molina, José Ángel Navarro, Tamar Novas, Miguel Rellán y Camila Viyuela, y se podrá ver en el Teatro Valle-Inclán del 14 de febrero al 6 de abril.

«El caballero de Olmedo»

Lluís Pasqual, uno de los directores a quien más admiro (no solo yo, claro) aborda uno de los textos fundamentales de la historia de nuestro teatro, «El caballero de Olmedo», de Lope de Vega (lo hizo ya en 1992, pero no pude ver su versión, estrenada en Aviñón): más que suficiente para que tenga anotada esta producción con rojo en mi agenda. Escribe Pasqual que al acercarse a ella después de veinte años ha escuchado «la lírica más elegante y más conmovedora al servicio del gran poema del amor roto, un amor que pasa de la luz a la oscuridad, de la felicidad de la plenitud al dolor de la ausencia». Estará en el Teatro Pavón del 8 de febrero al 9 de marzo.

«Un enemigo del pueblo»

http://www.teatrelliure.com/sites/default/files/styles/general_gallery_wide/public/espectacles/imatges/gallery/01.6980a_petita.jpg?itok=2CPkZwTY No se estrena en Madrid, pero me parece suficientemente relevante para incluirla en esta lista muy localista. Miguel del Arco (que tiene de gira su «Misántropo», del que me cuentan que es extraordinario) dirige en el Teatre Lliure de Barcelona «Un enemic del poble» (título en catalán), de Ibsen, palabras mayores del teatro universal, En el reparto, más que prometedor, Blanca Apilánez, Pere Arquillué, Roger Casamajor, Pablo Derqui, Miquel Fernández, Miquel Gelabert, Mónica López, Jordi Martínez y Andrea Ros, entre otros. En cartel del del 23 de Enero al 16 de Febrero Y hay más oferta: en el Muñoz Seca se presenta Moncho Borrajo con «Yo Quevedo»; Pedro Ruiz llega con «Uno pequeño y libre» al teatro Amaya; en los Teatros del Canal la admirable compañía Rakatá presenta sus montajes de «El perro del hortelano» y «El castigo sin venganza»; «La punta del iceberg», de Antonio Tabares, con dirección de Sergi Belbel, se estrena en La Abadía; Bárbara Lennie y Santi Marín protagonizan en La pensión de las pulgas «Breve ejercicio para sobrevivir», de Lautaro Perotti. Y al Teatro Lara van «Lluvia de ángeles sobre París», de Alfonso Sastre (Pabellón 6º) y «Autostop». de Carlos Be (The Zombie Company).  
 

¡¡¡SOLO 6 SEMANAS!!!

   

En ENERO llegan a La PENSIÓN de las PULGAS Barbara LENNIE y Santi MARÍN con “BREVE EJERCICIO PARA SOBREVIVIR” obra escrita y dirigida por Lautaro Perotti (basada en “No puedo imaginar el mañana” y “Función para dos personajes”de Tennessee Williams). La obra ya formó parte de la programación de La CASA de la PORTERA a principios del 2013 y fue un éxito absoluto de crítica y público. Mucha gente se quedó en lista de espera y no pudo ver la función, así que ahora la retomamos en La PENSIÓN de las PULGAS.

¨El tiempo, implacable, seguirá corriendo. En un momento pensé que lo había logrado, al ponerme en la piel de otros. Pero inexorablemente el apagón determinaba el fin del engaño, y ya en  la soledad de mi camerino volvían los fantasmas¨

Dos actores solos a los que trabajar ya les es imposible. Animarse a cruzar esa delicada línea que divide la realidad de las fantasías, de los miedos… Quizás para conocerlos, mirarlos a la cara y perderles el respeto. De eso trata esta obra. Un breve ejercicio que permita ahuyentar fantasmas e iluminar esos pequeños recovecos donde hay oscuridad.

LAUTARO PEROTTI fue uno de los fundadores del Teatro TIMBRE 4 junto a Claudio Tolcachir, espacio en el que  se desempeña como docente dictando distintos talleres de formación actoral.

FICHA

Escrita y dirigida por Lautaro Perotti. Protagonizada por Bárbara Lennie y Santi Marín.

FEBRERO: DOMINGO 16 y LUNES 17 a las 20h y 21:30h. MARZO: DOMINGO 9 y 16 a las 20h y 21:30h, LUNES 10 y 17 a las 22h.
La PENSIÓN de las PULGAS  Teléfono de Reservas: 638752812
       

TEATRO COFIDÍS ALCÁZAR 

TRENCADÍS PRODUCCIONS presenta

ALADÍN, UN MUSICAL GENIAL

Regresa a Madrid uno de los musicales más famosos de la cartelera

  Regresa a Madrid uno de los musicales más famosos de la cartelera, Aladín, un musical genial, 2 Premios del Teatro Musical y 5 Premios Broadwayworld Spain. La combinación perfecta entre la magia del cuento y la espectacularidad del musical con el encanto de las aventuras de “Las mil y una noches”.  Y lo hace con algunas novedades en el elenco. Jose Gasent será el encargado de dar vida al joven Aladín, Germán Torres será el encantador Genio. Y Pau Vercher dará vida al alocado Sultán. El resto del reparto se mantiene igual Erika Bleda (Jasmín), Aitor Caballer (Jafar), Fernado Barber (Yago), Fátima Gregorio (Aya) y Ángel Crespo (Azim) Basado en la popular historia de “Las mil y una noches”, ALADÍN, UN MUSICAL GENIAL está dirigido por Jose Tomàs Chàfer ('Pinocho, un musical para soñar' 'Sherlock Holmes y el cuadro mágico') , con letras de Josep Mollà y Jose Tomàs Chàfer, música original de Jose Doménech, coreografías de Pachi G. Fenollar, iluminación de Juanjo Llorens y escenografía de Luis Crespo. Dirigida por José Tomás Chafer, esta obra es la combinación perfecta entre la magia del cuento y la espectacularidad del musical. Cuenta con el encanto de las aventuras de "Las mil y una noches", con sus lujosos palacios, sus bulliciosos bazares impregnados de ese aroma oriental que invade la escena desde que se levanta el telón. Y al mismo tiempo contar la historia desde el más puro lenguaje musical, creando espectáculo y sorprendiendo al público con números inesperados. ALADÍN, UN MUSICAL GENIAL, cuenta con múltiples elementos que hacen que se convierta en un sueño inolvidable para el espectador: la magia del Genio, la alfombra voladora, la entrada triunfal de Aladín a lomos de un elefante.....  

SINOPSIS

“¡Atención, atención! Os habla el Genio de la Lámpara.

¡Ah! ¡Qué bonito es el teatro! Seguro que te han contado el cuento, has visto los dibujos e incluso pude que te hayan comprado un libro para colorear a los personajes de la historia. Pero verlos en carne y hueso y vivir el momento como si fueras un vendedor o vendedora más del bazar… ¡Eso solo se puede experimentar en el teatro! Ven a ver la función y disfruta de las aventuras que vive Aladín, quédate con la boca abierta ante la belleza de la Princesa Jasmín y alucina con mi magia. Si es que este cuento no tiene desperdicio ¡Es puro espectáculo, chicos y chicas! Bailes, canciones en directo, un elefante gigante, luchas en el bazar y, cómo no, una alfombra que vuela dejando atrás las siluetas de la ciudad al anochecer. ¡Oh! Se me pone la piel de gallina solo de pensarlo.

Os espero en el teatro. Un besote para todos y todas del Genio de la Lámpara. “

El espectador experimentará largos viajes a través de los números musicales: la vida en el palacio, el bullicio del bazar, el número de los trajes mágicos que el Genio hace bailar para Aladín, la balada de amor sobre la alfombra… Pero sobretodo destacan los números protagonizados por el genio, ya que este personaje nos permite crear espectáculo de lentejuelas, luces y claqué al más puro estilo Broadway.

Aladín sorprenderá a Jasmín con su alfombra voladora. El público verá, literalmente, como la alfombra desafía la ley de la gravedad para elevarse y moverse por el centro del escenario dejando atrás las siluetas de la ciudad al anochecer.

ALADÍN UN MUSICAL GENIAL

 Web: aladinunmusicalgenial Twitter: aladingenial  

AUTOSTOP

 

 

The Zombie Company celebra su décimo cumpleaños con el estreno en el Teatro Lara de su espectáculo número 10. Después del estreno, AUTOSTOP  regresará próximamente a los escerarios madrileños.

 ¿Te atreverías a amarme tal y como soy?

¿Qué sucede realmente cuando amamos? ¿Cambia algo en nosotros? ¿Nos transformamos? ¿Deseamos trasformar al otro? ¿Sabemos realmente quién es nuestra pareja o en realidad estamos amando una proyección irreal que la pro- pia pareja perpetúa en su afán por agradar al ser amado? ¿Hasta dónde conocemos a nuestra pareja y hasta dónde nos conocemos a nosotros mismos? ¿Saca el amor lo mejor de nosotros? ¿O también lo peor? Una mujer, un hombre, una carretera y un juego… Un juego peligroso en el que la supervivencia de las emociones no está garantizada. Después de Autostop nada volverá a ser como antes. Si estás en la cuneta, súbete a bordo de este viaje emocional de la mano de Carlos Be y Milan Kundera.

FICHA

Autor: Carlos Be A partir de un relato de Milan Kundera Intérpretes: Juan Caballero y Mentxu Romero Dirección: Fran Arráez Producción ejecutiva y ayudante de dirección: Sara Luesma