Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

[highlight_red] •TEATRO ESPAÑOL [/highlight_red]

  El 26 de noviembre Denis Rafter presenta BELOVED SINNER, un homenaje a una de las grandes figuras de la literatura universal a través de sus textos, y que coincide en cartel con el aniversario de la muerte de Oscar Wilde, el 30 de noviembre de 1900 en el Hôtel d' Alsace de París. Denis Rafter es un maestro de actores que ha trabajado con intérpretes de todo el país durante muchos años. Ha sido docente en la Compañía Nacional de Teatro Clásico investigando textos de Shakespeare y autores del Siglo de Oro español. También ha dirigido y colaborado en distintas ocasiones con el Centro Nacional de Teatro Clásico. Autor de varios monólogos, entre los que destacan The Remarkable Oscar Wilde (Premio al Mejor Monólogo en el Festival de Teatro de Edimburgo) y O'Shakespeare. Sus trabajos sobre Shakespeare son admirados por su profunda comprensión de los personajes y la honestidad y singularidad de sus puestas en escena. Recientemente, ha recibido el Premio Adolfo Marsillach por la relevante labor desarrollada a lo largo de toda su vida en la dirección de escena, la interpretación y la docencia teatral, así como por servir de puente cultural entre Irlanda y España.   SINOPSIS París, año 1900. Oscar Wilde se enfrenta a sus últimos días de vida. Está solo, arruinado y “muriendo por encima de sus posibilidades”. Lo ha perdido todo excepto su extraordinario ingenio. El siglo que entra se le antoja un reflejo cruel de su fracaso. Beloved Sinner, último trabajo del autor, director e intérprete Denis Rafter, es un monólogo que recrea los últimos días de Oscar Wilde en París. Una pieza que indaga en los fantasmas del genio, pero también –y sobre todo- se acerca a su luminosa humanidad, a su íntima comprensión del prójimo y a su talento inabarcable. Rafter construye con precisión, potencia, humor y ternura el autorretrato de un hombre que se asoma peligrosamente al abismo de la autodestrucción, de un héroe cotidiano enfrentado a las grandezas y miserias de la condición humana. Y lo hace a partir de algunos de sus escritos más recordados como El ruiseñor y la rosa, La casa de la ramera, Salomé, La balada de la cárcel de Reading, El retrato de Dorian Grey o su celebrada carta De Profundis.   CARTA ABIERTA A OSCAR WILDE . Por Denis Rafter Querido Oscar: Pensaba escribirte antes, pero nunca me sentía con la suficiente inspiración para dedicar una carta abierta a alguien que, en su día, y hace más de un siglo, fue el lord del lenguaje del mundo de la literatura inglesa. Sí había hecho, cuando era más joven, un monólogo sobre tu vida y tus obras, y lo representé por medio mundo como actor, haciendo reír con tus comedias a los ingleses, holandeses, irlandeses, españoles y hasta a los chinos, Había incluido también algo sobre la gran tragedia de tu vida y tu triste muerte en París. En aquel entonces, cuando estuve interpretando en esos escenarios, tenía la sensación de que tú estabas conmigo. (...) Y ahora, con la sabiduría de la vejez, o tal vez con la inocencia de la vejez, y con la experiencia de la vida, me doy cuenta de que lo más importante, Oscar, es tu gran humanidad, tu entendimiento de la vida y del ser humano, de las grandes cosas que somos capaces de hacer y de las terribles maldades. (...) En fin, aquí estoy, escribiéndote. Diciéndote algunas cosas sobre tus obras que no podrías haber imaginado antes de morir, cuando ya estabas instalado en tu pequeña habitación en el Hôtel d’Alsace de París. Cuando reflexionaste sobre tu vida, sin dinero, alcohólico, deprimido, gravemente enfermo y estuviste seguro de que nadie te recordaría. No ha sido así. No puedes imaginar la fama, la popularidad, el cariño y el respeto que todo el mundo tiene hoy día por ti, Oscar, y por tus obras. (...) Eres, aparte del mismo Bardo de Stratford, William Shakespeare, el más representado autor de la dramaturgia inglesa. ¿Y por qué? Porque tu sentido del humor, tu gran maestría con el lenguaje, de musicalidad fina y variable, tus juegos de palabras e ideas, tus observaciones sobre los valores hipócritas de la alta sociedad inglesa nos hechizan, nos divierten, nos hacen reír y, más allá de esto, reflexionar sobre tu gran lucha interior, sobre la lucha eterna entre la bondad y la maldad. Una lucha a la que cada ser humano tiene que enfrentarse en algun momento de su vida. (...) Para demostrar tu grandeza como ser humano, necesito decir la verdad. Y, como tú mismo te has dado cuenta, fuiste tu propio verdugo. En ti vemos las características  de  los  héroes  clásicos  griegos  e,  incluso,  de  los  héroes trágicos de Shakespeare: un gran hombre destruido por sus debilidades. (...) Para terminar esta carta, querido Oscar, quiero darte las gracias de nuevo por haber llenado mi vida de actor con tantas lágrimas y sonrisas. Sigo llevando tus palabras y tus ideas por donde puedo, porque creo que el mundo en el que vivimos hoy en día necesita escucharte más que nunca. Tu deseo final era mantener el amor en tu corazón, y dijiste que esto era más importante que cualquier otra cosa, más que la riqueza, la fama, la ambición o el éxito. Hasta siempre Extracto  de  Carta  a  Oscar  Wilde,  publicada   en  La  Ratonera,   Revista  Asturiana   de Teatro.Nº39, junio de 2014   FICHA Autoría, dirección e interpretación: Denis Rafter Fotografía Javier Naval Comunicación Cultproject Fechas y horarios: Del 26 de noviembre de 2014 al 7 de diciembre de 2014 De martes a sábado, 20.30h. Domingos 19.30h  TEATRO ESPAÑOL → Encuentro con el público. Jueves 4 de diciembre. ESTE ESPECTÁCULO SE PRESENTA AL PÚBLICO EN INGLÉS CON SOBRETÍTULOS EN CASTELLANO  
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SALA MIRADOR 

  Dentro de la excelente programación de la Sala Mirador, donde esta temporada han pasado obras excelentes como 'Plaza  Avellaneda' o 'Las Plantas', entre otras, el 11 de DICIEMBRE estrena GRANOS DE UVA EN EL PALADAR.   GRANOS DE UVA EN EL PALADAR es una obra escrita y dirigida por las dramaturgas españolas Susana Hornos y Zaida Rico. Tras cuatro temporadas consecutivas en Argentina convirtiéndose en un clásico de la escena porteña, llega a la Sala Mirador para ser representada por primera vez en España. Será la primera parada de la gira. Para más información consultar su página web. La obra se estrenó en 2012 en el Centro Cultural de la Cooperación y en 2014 finalizaba su 4ª temporada en El Extranjero Teatro cosechando excelentes críticas.   MEMORIA, TEATRO Y JUSTICIA Pertenecemos a una generación que nació en democracia, pero eso no nos impidió querer saber más: muy a menudo la contestación era "¿pa' qué remover?", no sólo por nuestros mayores sino, tristemente, por algunos de nuestros coetáneos. Ante la negación: búsqueda de respuestas. En toda tierra fértil se rastrilla para remover las malezas, para evitar que la mala hierba crezca de nuevo. Si queremos que el suelo siga dando frutos, debemos evitar el miedo a reivindicar la Memoria. Con nuestra llegada a Argentina, nos percatamos de que la obstinación por ocultar no pertenece a una frontera, sino al género humano; por fortuna, el mismo anhelo (incluso mayor) reside en aquellos que necesitan rastrillar su propia historia. ¿Por qué Granos de uva en el paladar? "Cuando yo me muera tengo ya dispuesto en el testamento que me han de enterrar en una bodega, dentro de una cuba con un grano de uva en el paladar" Cancionero popular. El ser humano es consciente de su finitud y hasta el Cancionero Popular tararea el deseo de morir como uno quisiera. Nuestros protagonistas no tuvieron la oportunidad de elegir su muerte... ni su vida. Susana Hornos y Zaida Rico.   SINOPSIS Granos de uva en el paladar enlaza tres historias desarrolladas a partir de los cuentos de Susana Hornos: Chusa, Adelina y La uva en el paladar. La pieza teatral es  interpretada por  cinco actrices que dan vida a una multiplicidad de personajes que nunca aparecerán en los libros de historia. La historia comienza poco antes de la Segunda República española y termina en la actualidad representando el sin sentido de la guerra, la dictadura y la injusticia del olvido a través de los personajes que nunca aparecerán en los libros de historia ni en documentales.   FICHA Versión libre de los cuentos de Susana Hornos: "Chusa", "Adelina" y "La uva en el paladar" Dramaturgia y dirección: Susana Hornos y Zaida Rico Diseño de caracterización y vestuario: Néstor Burgos Diseño de iluminación: Mariano Arrigoni Diseño escenográfico: Alejandro Mateo Realización escenográfica: Chinthia Chomsky Banda Sonora original: Gonzalo Morales Coreografía "Paco y Rosa": Antonio Luppi Fotografía: Akira Patiño Diseño gráfico: Sergio Calvo Prensa: Marisol Cambre Producción ejecutiva: Hornos & Rico Asistencia: Daniela Romero Pasin Prensa: Marisol Cambré Intérpretes: Lorena Carrizo, Susana Hornos, Maday Mendez,  Ana Noguera y  Zaida Rico.
Fechas y horarios: Del 11 al 21 de diciembre Jueves, viernes y sábado: 20:00h /Domingos a las 19:30   SALA MIRADOR   Web: granosdeuvaenelpaladar Twitter: en_el_paladar  
Gira por España [Granos de uva en el paladar] from Granos de Uva en el Paladar on Vimeo.  

TEATRO SANPOL 

 
  • Las Hadas viven si se cree en ellas. Regresa CAMPANILLA EL MUSICAL, EL ORIGEN. El 21 de mayo a las 18h en el Teatro Sanpol las Hadas estarán Volando por los cielos de MADRID.
 

La importancia de tener un sueño y desear cumplirlo

  Un espectáculo de teatro musical que combina cuatro cantantes de primera fila en directo, música original, acrobacias y vuelos con telas, con una escenografía compuesta de proyecciones. De los mismos creadores y productores de Blancanieves el Musical, llega Campanilla el Musical El origen. Una revisión del clásico de J. M. Barrie en clave de musical que cuenta aquello que el autor nunca contó, los secretos que nunca se atrevió a desvelar. El origen de Peter, de Campanilla y el porqué del nombre de Peter Pan.   Una historia apasionante que reivindica la lectura, llena de romanticismo y sensibilidad que nos habla de lo importante de tener un sueño y desear cumplirlo, de la amistad, de la necesidad de respetar a los demás y de compartir.Se dice que Campanilla fue el hada que adoptó y crió a Peter Pan, pero ¿qué hay de cierto en todo ello?.Con Campanilla el musical se descubrirán los secretos que su autor nunca se atrevió a desvelar, empezando por el origen de Peter, el de campanilla, como se conocieron, y que aventura vivieron que hicieron que campanilla tuviese un doble comportamiento de amor-odio hacia Peter y por qué éste, recibió el nombre de Peter Pan. En definitiva, un cuento contado de otra manera, pensado para disfrutar en familia con constantes guiños hacia los adultos que por 90 minutos volverán a ser niños, y que junto con sus hijos,volverán a ponerse el parche en el ojo y reblandecerán los callos que forjan los años, y que les impiden volver a visitar el País de Nunca Jamás. Un cuento que cuenta muchas verdades que los niños tienen que saber……El Valor de Respetar Compartir y Disfrutar: “las tres verdades”.   En cualquier rincón de España, en el lugar más escondido y accesible y previamente anunciado podemos hacer felices a los más pequeños con un musical vivo, lleno de canciones, también de bailes, esceneografias digitales, atmosferas y ambientes inimaginables, que nos trasladan a un mundo, a un paisaje mágico, a un lugar habitado por Hadas y duendes, conocido por grandes y pequeños como el País de Nunca Jamás.   FICHA Idea y guión: Miguel Ángel García Dirección Escénica: Fran Barranco Música y dirección musical: Borja Barriguete Reparto: Fran Barranco, Roberto Saiz, Ana Conca, Eva María Cortes y Raquel Aegashie Un espectáculo co-producido por Guti Producciones y Sketch Eventos. Fechas y horarios:  21 de mayo a las 18h en el  TEATRO SANPOL DESCARGAR DOSSIER Facebook: Campanillaelmusical   [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/campanilla-el-musical-el-origen_e294214/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]
 
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TEATRO DE LA ABADÍA

 

HACIA LA ALEGRÍA

Del 12 de noviembre al 7 de diciembre en el Teatro De La Abadía

  Hacia la alegría es la adaptación teatral del primer capítulo de la novela Excelsor, de Olivier Py, que será publicada en 2014 por la editorial francesa Actes Sud. El texto, de argumento sencillo, parece un relato filosófico que invierte el mito de la caverna de Platón. Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Al principio, su recorrido es político, deja atrás la zona residencial donde vive y se acerca al centro comercial, que le induce a una meditación sobre las diferencias sociales y el vacio del mundo mercantilista. Así comienza Hacia la alegría, un texto de Olivier Py, escrito en tercera persona y adaptado en forma de monólogo, que él mismo dirige en La Abadía. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras que recrean los estados anímicos que genera la ciudad en sus habitantes y viceversa (Álex Pachón) y la música en directo de Fernando Velázquez, compositor de bandas sonoras de películas como 'El orfanato' o 'Lo imposible'. Hacia la alegría forma parte del proyecto europeo Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad: como fenómeno y síntoma de la modernidad, como un viaje iniciático, hasta convertir la obra en un objeto de meditación pura.  

FICHA

Director: Olivier Py Autor: Olivier Py Músicos: Stamen Nikolov, Desislava Karamfilova , Petya Kavalova, Albert Skuratov Técnicos en escena: Jesús Arroyo, Giovanni Colangelo, César Esteban, Álvaro Salcedo, José Ramón Salguero Música original: Fernando Velázquez Traducción: Fernando Gómez Grande Escenografía y vestuario: Pierre-André Weitz Iluminación: Bertrand Killy Ayudante de dirección: Luis Blat Asistente de dirección: Andrea Delicado Reparto: Pedro Casablanc Una producción del Teatro de La Abadía en coproducción con Théâtre National de la Communauté Française (Bruselas) y Festival d'Avignon, en colaboración con Teatrul National Radu Stanca (Sibiu) Con el apoyo del Programa Cultura de la Unión Europea, en el marco de Cities on Stage/Ciudades en Escena. Fechas y horarios: Del 12 de noviembre al 7 de diciembre de 2014 De martes a sábados a las 20 h. Domingos a las 19 h.  TEATRO DE LA ABADÍA    
"TEATRO DE LA ABADIA" Mapping Documentary sample from Alex Pachón on Vimeo.
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TEATRO LARA 

 

15 y 31 de enero/6 y 20 de marzo/3 y 17 de abril a las 13h. en el TEATRO LARA

Estrenada el 17 de Noviembre en La Casa de la Portera
 

RECOMENDADA POR LA RED NACIONAL DE TEATROS 2015

 

DELICIA es una obra escrita por Triana Lorite, dirigida por Alberto Velasco e interpretada por Juana Andueza, Juana Cordero, Carmen Navarro , Lucía Caraballo Y David Good.

En palabras de su autora, Triana Lorite: "Delicia podría ser la historia de la portera de esta casa tan especial, en la que más que ver teatro se siente y se percibe tan cerca que absorbe. Es el mejor espacio escénico para este personaje que da título a la obra, ella, una señora distinta y nihilista como ella misma asegura a sus apofenias (fantasmas) que cada día, o a cada rato, o constantemente, vienen a visitarla".   Delicia es la portera de la casa… Sus extravagantes y matutinas visitas también incluyen a su familia, visitas que no siempre es agradable, sobre todo si se convierte en la mayor ocupación de la historia...  

NOTA DEL DIRECTOR

Pocas veces tienes la suerte de enfrentarte a textos tan completos y complejos como Delicia, una cruzada que navega entre lo onírico y la realidad mas actual, entre la comedia y el drama  con unos personajes sembrados en matices y fuerza empática, en esa fuerza que arrasa desde la sencillez, como el fuego que todavía no es, como la llama inminente a punto de inflamarse. El poderoso universo estético te abriga y construye unas atmósferas surrealistas con el aire bien cargado de intenciones suspendidas, sueños arrebatados, y mucha mala ostia. El ser humano invade por genética, reclama lo que cree suyo en nombre de la sangre o la religión, ya sea un pedazo de tierra, un cuerpo, o unas migajas de pan duro… cada uno de los personajes defiende lo que cree suyo y juega sus estrategias para conseguirlo, ocupan pedazos del otro hasta quedarse con todo su ser, la ocupación de la tierra no es algo lejano de guerras militares, es algo tan palpable que empieza en tu propia casa con palabras y miradas que son misiles. A día de hoy sigo desgranando y descubriendo tesoros en un texto que seguro me guardará mas sorpresas, el viaje de la literatura dramática al hecho escénico ya es una  aventura, pero en este caso, además, es una absoluta Delicia.
Alberto Velasco
  [caption id="attachment_21774" align="aligncenter" width="691"]DELICIA en el Teatro Lara DELICIA[/caption]  

FICHA

Autor TRIANA LORITE Dirección ALBERTO VELASCO Ayudante de dirección KARMEN GARAY Vestuario SARA SÁNCHEZ DE LA MORENA Y SAMPEDRO ACCESORIES Arreglo Canción de Twin Peaks IGNACIO YSASI Cartel y Gráfica SERGIO BETHANCOUR Dirección de casting MARIAN GRANDE. LA LUNARES CASTING Producción Ejecutiva LOPE GARCÍA Prensa y comunicación: CARLOS RIVERA Distribución: SEDA Intérpretes: Juana Andueza, Juana Cordero, Carmen Navarro, Lucía Caraballo y David Good. Fechas y horarios:  15 y 31 de enero/6 y 20 de marzo/3 y 17 de abril a las 13h. en el TEATRO LARA   DESCARGAR DOSSIER DELICIA    
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  Vuelve Agonía y éxtasis de Steve Jobs. Protagonizada por Daniel Muriel y dirigida por David Serrano ('La venus de las pieles', 'Lluvia constante'), es una coproducción de Vaca Estudio con Drive.

El monólogo, escrito e interpretado por Mike Daisey, se estrenó el 5 de Octubre de 2011 en el Public Theatre del off-Broadway de Nueva York. La versión española ha sido creada por Nacho Artime, adaptador de más de 200 títulos de teatro y musicales,  con la colaboración en este proyecto de David Serrano y Daniel Muriel. El diseño de iluminación es de Felipe Ramos. Uno de los textos más polémicos del año de Mike Daisey, que a través de su afilado humor, nos introduce en la historia de orgullo, belleza, tradición, explotación y diseño industrial: El mundo Apple. Una critica a uno de los gigantes del siglo XXI, Apple, desde el punto de vista productivo. Una historia diferente sobre el mundo de la industria que, además, acerca su mirada al drama de la explotación de miles de trabajadores en todo el mundo.    
   

TEATRO FERNÁN GÓMEZ 

 

Del 20 de NOVIEMBRE al 14 de DICIEMBRE en el Teatro Fernán Gómez

Panicoescenico Producciones presenta INMUNIDAD DIPLOMÁTICA, un homenaje a las películas de espías escrita y dirigida por Alberto Herreros y que contará con la interpretación de Sergio Otegui, Arancha Martí, Rodrigo Poisón, Sonia Almarcha, Alejandro Casaseca, Tábata Cerezo, Ángela Cremonte y Liz Lobato   Un thriller, una obra de acción, de espionaje en el Madrid de nuestro tiempo, un rosario de personajes actuales, sofisticados y modernos, la élite de nuestra sociedad cuyas almas perdidas y fragmentadas tratan, sin embargo, de encontrarse. A pesar de la corrupción reinante hay fuerzas que siguen buscando, en ocasiones patéticamente, la justicia.  

SINOPSIS

Patrick es un diplomático de la embajada británica en Madrid que se dedica a labores de espionaje financiero y alta política. Diana comienza a entender que la vida con él toca a su fin pero los muros que la rodean ya son demasiado altos para escapar. Gonzalo, un policía nacional que realiza labores de vigilancia para la embajada y que también anhela un cambio de vida imposible, y Diana se enamoran. John, un asesino del Mi6 destinado transitoriamente en Madrid, descubre -el mismo día que coge un vuelo de vuelta a Londres- que Patrick le ha traicionado orquestando a sus espaldas un traslado exprés fuera de España. John decide llevar a cabo una peculiar venganza en la hora y media que tiene antes de tomar el avión y llama a la jefa de seguridad de la embajada; Lisa, con la que mantiene una relación secreta desde hace tiempo para que le ayude a ejecutar el plan.  

NOTA DEL AUTOR

Una sociedad en la que el abandono y la traición a la autenticidad y la colectividad parecen haberse convertido en los únicos pasaportes hacia la adaptación y la aceptación de la mayoría es la patria de cinco personajes de ese tiempo tratan de salvar, recuperar o restaurar la poca autenticidad que les queda sin darse cuenta de que les es prácticamente imposible hacerlo sin recurrir al imperio de una inexorable ley no escrita que parece gobernarlo todo sin remisión: el de ser incapaces de combatir la injusticia a través de la injusticia. El anhelo contemporáneo como ya dijera Cervantes, Platón o Kurosawa, no es otro que, el de hacernos invisibles a los ojos de la injusticia que parece seleccionar al azar a los individuos que componen la sociedad para infringirles penas sin cuenta. Esa invisibilidad que también nos hace inmunes para pasar desapercibidos a los ojos de los demás cuando nos apoderamos de la injusticia para cometerla. La seguridad de la inmunidad -el individualismo y egoísmo extremos- frente a los grandes riesgos de la comunidad.  

FICHA

Texto y Dirección: Alberto Herreros Ayudante de dirección: Maite Pérza Astorga Música: Ignacio García Escenografía: Alejandro Manzano Vestuario: Lorenzo Caprile Iluminación: José Manuel Guerra Fotografía: Sergio Parra Cartel: Antón Morales Producción ejecutiva: Elena Lasa y Alberto Herreros Producción: Panicoescenico Producciones Reparto: Sergio Otegui, Arancha Martí, Rodrigo Poisón, Sonia Almarcha, Alejandro Casaseca, Tábata Cerezo, Ángela Cremonte y Liz Lobato. Fechas y horarios: DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 14 DE DICIEMBRE. De miércoles a sábados 20:30horas. Domingos 19:30 horas   TEATRO FERNÁN GÓMEZ

Facebook: inmunidaddiplomatica

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TEATRO VALLE-INCLÁN

 

Viernes 26 febrero a domingo 20 de marzo de 2016

  Regresa EL TESTAMENTO DE MARÍA, para todos aquellos que se quedaron sin verla. Y lo hace en el mismo escenario, en el Teatro Valle-Inclán.  Blanca Portillo se subirá de nuevo a los escenarios de la mano del director Agustí Villaronga del 26 de febrero al 20 de marzo de 2016.   “El testamento de María”, la novela escrita por el  irlandés Colm Tóibín, se ha publicado dentro del catálogo de Simon & Schuster Audio. La lectura está a cargo de Meryl Streep. La novela procede, en realidad, de un monólogo teatral escrito por el propio Tóibín y estrenado en Dublín en 2011. En Abril del 2013 se hizo una versión  en Broadway dirigida por Debora Warner y protagonizada Fiona Shaw, en el Teatro Walter Kerr de Nueva York. El libro “El testamento de María”fue nominado a los premios Booker Prize 2013. La obra de teatro en Broadway fue nominada para varios premios Tony 2013 entre ellos a mejor obra dramática.   La obra está basada en la novela ‘El testamento de María’ del escritor irlandés Colm Tóibín, se estrenó en julio de 2014 en el Festival Grec de Barcelona, y agotó todas las localidades la pasada temporada en pocos días en Madrid.   La actriz Blanca Portillo protagoniza una audaz revisión de la figura de María, la madre de Jesús de Nazaret, en la que se la presenta como una sencilla mujer de campo cuyo único hijo le es arrebatado por una decisión divina que no comprende. Agustí Villaronga dirigirá la función. Un montaje que recupera la cara más humana de la madre de Jesús, una mujer a punto de morir que nos muestra un caleidoscopio de emociones mientras revive los fantasmas de su pasado. La música estará compuesta por la compositora y cantante australiana Lisa Gerrard, la escenografía estará diseñada por Frederic Amat, el vestuario estará confeccionado por Mercè Paloma y la iluminación estará a cargo de Josep M. Civit.     [caption id="attachment_5496" align="aligncenter" width="672"]EL TESTAMENTO DE MARIA Blanca Portillo Blanca Portillo. Foto Josep Aznar[/caption]  

NOTA DEL DIRECTOR

Nuestras raíces son católicas. Educados en el seno de una cultura cristiana, hemos convivido cotidianamente con un montón de símbolos religiosos: la Cruz, el Sagrado Corazón, el Vía Crucis... La profusión de estos símbolos, en un contexto meramente espiritual, han acabado por hacernos olvidar el origen humano de donde provienen. Colm Tóibín ha puesto el foco en uno de ellos: la Virgen María. Y nos descubre que detrás de ese icono de la Virgen, con su corazón atravesado por puñales y su aureola de santidad, hay un ser humano. María de Nazaret. Una sencilla mujer de campo, cuyo único hijo le es arrebatado por una decisión divina que no comprende y por un terrible odio humano que le inflige el mayor de los dolores al clavarlo en una cruz. El texto de Tóibín es maravilloso. Escrito para Meryl Streep y representado en Broadway por Fiona Shaw, llega a nosotros con la voz y la figura de Blanca Portillo. En esa espléndida actriz descansa la parte primordial del trabajo. Es un monólogo complejo y con muchos matices que dista mucho de esa imagen celestial que se nos ha ofrecido de la Virgen. La emoción en estado puro, sin artificios intelectuales ni elitistas, es lo que debe prevalecer, eliminando todo lo que nos separa de ese sentimiento enfebrecido. En cierto modo, lo esencial es desnudar a la narración de toda complejidad que no vaya directamente al corazón. Allanar el camino, casi de un modo didáctico, para entender de un modo sencillo la historia contada en los evangelios y asimilar los nuevos y diferentes matices que aporta esa Virgen de Colm Tóibín. Lo que envuelve todo eso es un espectáculo austero y al mismo tiempo muy visual. Y digo visual no porque vaya haber audiovisuales, que no los habrá, sino porque se estructura más con la narrativa de secuencias cinematográficas que con la distribución de actos y escenas teatrales. El texto lo permite, casi lo pide. Nuestro personaje, ya en la vejez y a punto de morir, revive, como si de un cúmulo de flash-backs se tratara, momentos de su vida. Hermosos algunos, terribles otros. Y los recrea desde su exilio en Éfeso, como si en sus solitarias y largas noches de vieja, diera forma a esos fantasmas del pasado y con ellos nos descubriera la mujer que realmente es, no la mujer que toda la humanidad ha querido hacer de ella. Nos da su palabra viva. Su verdad. Bien diferente de los textos evangélicos que elaboran  los discípulos y a los que contradice en muchos aspectos. Para ella no hay hijo de Dios. Sólo su niño, al que no entiende ni acepta, pero no puede dejar de querer. Su testamento dista mucho de legado que nos ha dado la Iglesia y difícilmente puede ceñirse a lo que nos han contado.
 Agustí Villaronga
 

FICHA

Autor: Colm Tóibín Traducción: Enrique Juncosa Versión / adaptación y dirección: Agustí Villaronga Interpretación: Blanca Portillo Composición musical: Lisa Gerrard Escenografía: Frederic Amat Vestuario: Mercè Paloma Diseño de iluminación: Josep María Civit Diseño de sonido / concepción sonora: Lucas Ariel Vallejos Ayudante de dirección: Martí Torras Ayudante de escenografía: Roger Orra Director técnico: David Pascual Fotografía: Yanick Macdonals Cartel: Isidro Ferrer Una producción de Javier Pérez Santana, en coproducción con el Grec 2014 Festival de Barcelona, el Centro Dramático Nacional, el Teatre Lliure y Avance-Producciones teatrales. Con la colaboración del MACBA. Fechas y horarios: Viernes 26 febrero a domingo 20 de marzo de 2016 martes a sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas en el  TEATRO VALLE INCLÁN DESCARGAR DOSSIER Web: testamentodemaria  
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TEATRO INFANTA ISABEL

L’Om Imprebís
presenta

UN OBÚS EN EL CORAZÓN

de Wajdi Mouawadcon Hovik Keuchkerian
A partir del sábado 5 de octubre. Sábados a las 17:00

(más…) Comprar entradas

TEATRO RIALTO 

 

GREASE, el musical ETERNAMENTE JOVEN, ahora EN CONCIERTO. Desde el 1 de noviembre en el Teatro Rialto.

  GREASE es un musical de 1971 creado por Jim Jacobs y Warren Casey.  En 1979, la película protagonizada por Olivia Newton-John y John Travolta acabaron de darle a GREASE su indudable sello de mito de los musicales. Las canciones “Summer nights” y “You´re the one that I wan´t” fueron número 1 de las listas inglesas en 1978, y el tema “Hopelessly devoted to you” fue nominada al Oscar en 1979. La dirección musical es de Manu Guix. Y las coreografías y dirección artística corresponden a Coco Comín.   Atendiendo a la gran demanda para llevar éste espectáculo a ciudades y recintos que no ha sido posible satisfacer en España, y como estreno exclusivo en el mundo, Vertigo Tours, la productora de GREASE El Musical en España, en asociación con SOM Produce, han creado GREASE El Concierto, un nuevo formato de la obra que, CON TODAS LAS CANCIONES, ARTISTAS, MUSICOS. PROYECCIONES Y COREOGRAFIAS DEL MUSICAL, permitirá su representación y disfrute en ciudades y recintos que hasta ahora se habían visto privados de ésta posibilidad, por las limitaciones físicas y económicas impuestas por el formato El Musical y sus servidumbres escenográficas. Una nueva experiencia para el espectador que ofrece lo mejor del musical en un brillante espectáculo con una hora y media de duración con el que cantar, bailar y emocionarse con unas canciones, unos personajes y unas coreografías que han enamorado y divertido a varias generaciones en todo elmundo. «Grease, el musical», como nunca antes lo habías vivido.   «Grease, el musical,en concierto» fue estrenado en el prestigioso Starlite Festival de Marbella con enorme éxito. Ahora llega al Teatro Rialto en la Gran Vía madrileña, para representarse solo durante 5 semanas, antes de iniciar una nueva gira nacional e internacional. Un total de 10 bailarines acompañan a Bettancort, Arteta y al resto de actores en el escenario;éstos darán vida a personajes tan emblemáticos como la alocada Rizzo o Kenickie, líder de los T-Birds junto a Zuko. Esta adaptación ofrece durante una hora y media un completo espectáculo en el que no faltarán los temas emblemáticos de Grease. Se podrá ver a Sandy rodeada de las Pink Ladies recordando los besos de Danny al son de Summer nights o a un apretado Travolta subido en el capó del coche cantando Grease lightning, uno de los emblemas de la película.  

FICHA

Original de Jim Jacobs y Warren Casey Dirección artística y coreográfica Coco Comín Dirección musical Manu Guix  

ELENCO

Jorge Bettancor (JOTA)………………..Danny Zuko Marta Arteta………………………………Sandy Albert Martínez………………………….Kenickie y cover de Danny Zuko Eva Manjon……………………………….Rizzo y cover de Sandy Álex Chavarri………………………………Doody Esther Peñas…………………………….Marty José Antonio Moreno………………..Vince Dontaine, Teen Angel y

BAILARINES

Alfred Vicens..........................Freddy Sergio Franco……………………………Eugene Jordi Casas Jose Antonio Torres.................Swing Alejandro Fernández Gálvez

BAILARINAS

Marta Tomasa…………………………..Cha Cha Berta Regot Cristina Miralles......................Swing Nuria Vives Silvia Álvarez.........................Frenchy Luciana de Nicola RYDELL BAND Dirección / Piano: Raúl Patiño, Andreu Cañadell Batería: Toni Pagés, Santi Carcasona, Pere Foved Bajo: Jordi Franco, Clodulfo Cayetano Guitarra: Albert Faz, Carlos Abril Saxo: Oriol Cuso, Miguel Royo Trompeta: Jaume Peña, Jonathan Badichi   Fechas y horarios: Desde el 1 de Noviembre hasta el 7 de Diciembre del 2014 Martes, miércoles, jueves  20:30 h. Viernes, 19:00 h y 21:30h.  Sábados 18:00 h y 20:30 h., domingos 18:00 horas. Web: greaseelmusical Twitter: _grease  
 

TEATRO VALLE INCLÁN

 

Del 21 de NOVIEMBRE de 2014 al 11 de ENERO de 2015 en el TEATRO VALLE-INCLÁN.

FAUSTO, basado en la clásica leyenda medieval del Dr. Faustus,la tragedia en dos partes de J. W.Goethe, "Faust",y diversos estudios y obras de arte inspirados por la historia del hombre que vendió su alma al Diablo, llega al Teatro Valle-Inclán el 21 de noviembre bajo la dirección de Tomaž Pandur.   "FAUSTO es un tema inconmensurable, y vanos serán todos los esfuerzos que haga el ingenio para penetrarlo del todo" Goethe Aunque se basa en la leyenda medieval de un hombre que vendió su alma al diablo, de hecho trata sobre el sentido de alienación del hombre moderno y su necesidad de llegar a un acuerdo consigo mismo y con el mundo en que vivimos. A lo largo de los últimos siglos, esta historia ha madurado hasta convertirse en un mito arquetípico de las aspiraciones del hombre y los dilemas con los que se enfrenta cuando intenta comprender su lugar en el universo. Fue llamada «la divina tragedia» porque aborda el microcosmos y el macrocosmos, lo público y lo privado, así como la cuestión del conocimiento. Las etapas de la vida de Fausto y sus confrontaciones con Mefistófeles son fórmulas de pensamiento, una fenomenología de las especies humanas. Goethe está convencido de que la batalla entre el bien y el mal es lo que empuja a la humanidad hacia delante y esta espiral dialéctica es la fase de su incesante fe en el futuro de la humanidad: Fausto.– Bien, y ahora dime, ¿quién eres? Mefistófeles.– Una parte de aquella fuerza que siempre quiere el mal y el bien siempre crea. Con su adaptación de la leyenda de Fausto al clima intelectual y emocional de nuestra propia época, Pandur representa un proceso alquímico, en el que todo lo que entra en el espacio escénico se transforma, y de este modo construye su propio lenguaje escénico, su propia Poesía y verdad. La confrontación con uno de los más grandes mitos europeos inspira a Pandur para revivir y reinterpretar la leyenda de Fausto, con la creación de un espectáculo en el que se disecciona la psicología de Fausto, sus temores y su soledad, su amor y su pasión. Al comienzo, Heinrich Faust, en la cima de su fortaleza intelectual pero también en la cima de su desesperación, se encuentra al borde del suicidio, se siente completamente perdido. Y querría sentir un momento en el que pudiera decir: "¡Detente pues, eres tan bello!. Pero ¿cómo y dónde encontrarlo, y sentirlo, dónde se esconde? En este momento desesperado y suicida, entramos en el paisaje interior de Fausto en un abrir y cerrar de ojos, en las partículas de su mundo real e imaginario, en su búsqueda de un momento perpetuo de alegría y realización. Su búsqueda es nuestra búsqueda. Una búsqueda que nunca termina.   FICHA Autor: Johann Wolfgang Von Goethe Dirección: Tomaž Pandur Versión: Livija Pandur, Tomaž Pandur y Lada Kaštelan Traducción: Pablo Viar Escenografía: Sven Jonke/NUMEN | FOR USE Iluminación: Juan Gómez Cornejo Vestuario: Felype de Lima Vídeo: Dorian Kolundzija Música: Boris Benko y Primoz Hladnik/Silence Sonido: Mariano García Cartel: Isidro Ferrer Caracterización: Sara Álvarez Ayudante de dirección: Juan Ollero Reparto: Manuel Castillo, Víctor Clavijo, Roberto Enríquez, Alberto Frías, Emilio Gavira, Antonio Gil, Aarón Lobato, Rubén Mascato, Pablo Rivero, Marina Salas, Ana Wagener. Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: Del 21 de noviembre de 2014 a 11 de enero de 2015 de martes a sábado a las 20:30 horas y domingo a las 19:30 horas  TEATRO VALLE-INCLÁN → Cuaderno pedagógico  
 

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Del 18 de diciembre de 2014 al 4 de enero de 2015, A + A – Ara Malikian y Ángel Corella en LOS TEATROS DEL CANAL

Un gran bailarín mundial une su arte a un violinista internacional. Ángel Corella y Ara Malikian. Uno de los grandes bailarines del mundo y uno de los violinistas más reconocidos del panorama internacional aúnan su capacidad de conectar con el público, para presentar un programa lleno de encanto y fuerza escénica.

Un espectáculo que comenzó su gira en el Teatro Tívoli de Barcelona con un éxito apoteósico, y concluirá en los Teatros del Canal de Madrid.   A veces el destino provoca encuentros entre seres carismáticos como el bailarín Ángel Corella y el violinista Ara Malikian. En A + A estos dos artistas excepcionales unen sus energías, su coraje, su capacidad de conectar entre sí y con el público para presentar un programa original y encantador. Para ello, se acompañan por los primeros bailarines del Barcelona Ballet –Dayron Vera, Carmen Corella, Kazuko Omori y Russell Ducker– y miembros de la formación de cuerda ‘La orquesta en el tejado’. Ángel Corella, considerado el heredero de Nureyev y uno de los más grandes bailarines y coreógrafos del mundo, deja en 2012 su puesto como bailarín principal del  American Ballet Theatre en el Metropolitan Opera House de Nueva York. En 2008 crea el Corella Ballet con la idea de cubrir un hueco importante de la danza en nuestro país. Ara Malikian es sin duda uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical. “A + A” es un gozoso espectáculo experimental, pero plenamente accesible, que abrazando al público familiar, conecta singularmente con las nuevas generaciones de espectadores, pues presenta las formas clásicas con un lenguaje fresco y dinámico.    

PROGRAMA

En este espectáculo, como viene haciendo en su gira al inicio de la representación, se podrá ver una pequeña muestra del trabajo de formación de los bailarines del Centro de Danza Ángel Corella, presentados por el propio coreógrafo y bailarín. La coreografía que pueden presenciar es “Clase Concierto” donde 24 alumnos mostrarán desde los pasos más básicos de la danza clásica hasta los más dificultosos con el fin de que los espectadores puedan constatar que la cantera de bailarines españoles es cada vez más pujante e incuestionable. Seguidamente, se continuará con el espectáculo programado A+A, que tendrá una duración de dos horas con un descanso incluido de 20 minutos. A + A Blithe wick Coreografía Ángel Corella / Música Piotr Ilyich Tchaikovsky A + A Coreografía Russell Ducker / Música Ara Malikian Vortex Coreografía Ángel Corella / Música Joan Valent After the rain Coreografía Cristopher Wheeldon / Música Arvo Pärt Argon Coreografía Russell Ducker / Música Humberto Armas Asueto Coreografía Ángel Corella y Russell Ducker / Música Ara Malikian y Humberto Armas   Fechas y horarios: Entre el 18 de diciembre de 2014 y el 4 de enero de 2015  TEATROS DEL CANAL De martes a sábados 20.00 h. Domingos 19.00 h  
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