Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
EL SEÑOR YE AMA LOS DRAGONES, de PACO BEZERRA, dirigida por LUIS LUQUE.
Paco Bezerra, en la dramaturgia, y Luis Luque, en la dirección, acompañados por la veteranía de actrices de la talla de Gloria Muñoz y Lola Casamayor, y dos nuevas comediantas de origen chino, que, darán vida a este texto en clave de comedia- thriller cargado de humor, crueldad y, sobre todo, mucho sarcasmo.Una insólita niebla ha comenzado a invadir misteriosamente la ciudad. Nadie parece conocer el motivo, excepto Xiaomei: una muchacha china que cuida de su madre enferma en el oscuro sótano de un edificio colmena de la capital. La vecina del décimo, Magdalena, que lleva toda la noche sin poder dormir porque cree haberse cruzado con una extraña presencia sin rostro en el interior del edificio, baja, por primera vez en dieciocho años, a llamar donde sus vecinas orientales en busca de información. Oriente y occidente se enfrentan en una divertida y sorprendente comedia de marcado tinte social, contada a modo de thriller castizo y envuelta en una inquietante atmósfera de depresión apocalíptica.
SINOPSIS
Al Señor Ye le gustaban tanto los dragones, que los tenía pintados o tallados por toda la casa. Cuando el verdadero Dragón de los Cielos se enteró, voló a tierra y metió su cabeza por la puerta de la casa del señor Ye y su cola por las ventanas. Cuando el Señor Ye lo vio, huyó asustado, casi se volvió loco. Esto nos enseña que el señor Ye en realidad no amaba tanto a los dragones, sino que sólo le gustaba aquello que se le parecía, pero en ningún caso el auténtico Dragón. Muchas veces pudiera pasarnos a nosotros lo mismo que al señor Ye. Puede que nos gusten las cosas buenas de la vida, o puede que nos guste que se nos trate bien, pero a la hora de nosotros hacer cosas buenas por alguien, o esforzarnos en tratar a los demás como quisiéramos que nos tratasen a nosotros podríamos encontrarnos ante el Gran Dragón y salir huyendo a la hora de la verdad. Pensemos en esta gran fábula china que da para abarcar mucho. Descargar La Diabla, revista pedagógica
h2 style="text-align: center;">PAVÓN TEATRO KAMIKAZE
ANTÍGONA[/caption]
ANTÍGONA Foto: Luis Castilla[/caption]
https://www.youtube.com/watch?v=YNMvSIEo164&w=640&h=360
Teatro de la Ciudad y Teatro de La Abadía presentan
ANTÍGONA
De: Sófocles Versión y dirección: Miguel del Arco
Del 9 de agosto al 3 de septiembre de 2017
"Estad muy atentos a la palabra de Creonte, preparados para escuchar lo que dice, lo que le preocupa, lo que pide, lo que exige. La palabra de Creonte es la verdad"
- Del 9 de agosto al 3 de septiembre el Teatro Kamikaze recupera ‘Antígona’, que pudo verse en 2015 dentro del proyecto escénico Teatro de la Ciudad (Miguel del Arco, Alfredo Sanzol, Andrés Lima)
- Carmen Machi da vida a Creonte, convertido aquí en mujer, en una versión de la tragedia griega que adapta y dirige Miguel del Arco y en la que se enfrenta a Antígona, interpretada por Manuela Paso.
- Completan el reparto Ángela Cremonte, Raúl Prieto, Cristóbal Suárez, José Luis Martínez, Silvia Álvarez y Yon González, este último en su debut sobre las tablas.
"A nadie podremos decir que conocemos hasta no verle en el ejercicio del poder" CreonteEn la tragedia de Antígona, el conflicto de la guerra tiene la palabra e impera lo que Miguel del Arco denomina la necesidad vital de aniquilar al adversario con la esperanza de que es la única forma de que la guerra acabe de una vez por todas, para que los enemigos desaparezcan. Agitación, miedo, terror, euforia, tensión, alegría... Estamos experimentando sobre la degradación de la guerra y la emoción de la victoria... El grito de Antígona… “En cierta forma invencibles, saboreamos el aroma de la guerra y de las batallas, sentimos el sabor de la sangre en nuestras bocas, pero ya estamos sintiendo el sabor de la victoria, el sabor del vino, el éxtasis que nos ofrece la victoria, en definitiva, la alegría del final de la guerra, la llegada de años de paz. Lo que ocurre es que todos los expresan de forma diferente al intentar barrer al enemigo”, explica Miguel del Arco. [caption id="attachment_12388" align="aligncenter" width="800"]
ANTÍGONA[/caption]
Coro: "Con mucho, la sensatez es la primera condición de la felicidad"
SINOPSIS
"De la suerte que el destino tiene asignada a los mortales, no hay quien pueda evadirse" Creonte y Antígona. Tío y sobrina. Una muchacha enfrentada a la máxima representación del estado. Un momento de desequilibrio en el que un ser humano «debe aferrarse de la manera más estrecha a sí mismo», atenerse a su identidad con la máxima firmeza. «Ni Antígona ni Creonte pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón... Ambos creen tenerla. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extremos... Los demás, sobrecogidos, al comprobar "cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso"» Miguel del Arco [caption id="attachment_12387" align="aligncenter" width="800"] ANTÍGONA Foto: Luis Castilla[/caption]
FICHA
Texto Sófocles Dirección y versión Miguel del Arco Música Arnau Vilà Diseño de escenografía Eduardo Moreno, Alejandro Andújar y Beatriz San Juan Auxiliar de escenografía Elisa Cano Diseño de iluminación Juanjo Llorens Diseño de sonido Sandra Vicente y Enrique Mingo Diseño de vestuario Beatriz San Juan Ayudante de vestuario Almudena Bautista Vídeo Eduardo Moreno Coreografía Antonio Ruz Equipo técnico Javier Almela (sonido), Francisco Manuel Ruiz (iluminación) y Juanma Pérez (maquinaria) Ayudante de dirección Israel Elejalde Auxiliar de dirección Cynthia Miranda Diseño de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó Producción ejecutiva Elisa Fernández Ayudante de producción Léa Béguin Coordinación técnica Eduardo Moreno y Pau Fullana Construcción de escenografía Scenik, Cledin, Sfumato, Mekitron, Stonex/ETC Producción: Teatro de la Ciudad en coproducción con Teatro de La Abadía Reparto: Manuela Paso (Antígona), Ángela Cremonte (Ismene), Carmen Machi (Creonte), Yon González (Corifeo), Silvia Álvarez (Corifeo), José Luis Martínez (Guardia), Raúl Prieto (Hemón) y Cristóbal Suárez (Tiresias) Fechas y horarios: Del 9 de agosto al 3 de septiembre de 2017 en el TEATRO KAMIKAZE Miércoles 9 agosto, 20:30 horas (reestreno) De miércoles a sábado, 20:30 horas Domingos, 20 horas [button link="http://bit.ly/2tPI3eF" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]- No es un día cualquiera - "Es posible buscar otra forma de relacionarnos desde la sinceridad"
- Guía didáctica
- Hincarle el diente a los mitos griegos - Liz Perales
https://www.youtube.com/watch?v=YNMvSIEo164&w=640&h=360
TEATRO RIALTO
TRENCADÍS PRODUCCIONS presenta
PINOCHO, UN MUSICAL PARA SOÑAR
Llega a la Gran Vía, "Pinocho, un musical para soñar". Un espectáculo dirigido a toda la familia, en el Teatro Rialto del 27 de febrero al 5 de abril.
"Pinocho, un musical para soñar", una aventura con todos los ingredientes para asegurar la diversión, un emotivo musical del clásico italiano de Carlo Collodi con el que podrá disfrutar toda la familia. El espectáculo cuenta las fascinantes aventuras del travieso títere de madera empeñado en convertirse en un niño de verdad. Su curiosidad por conocer el mundo que lo rodea lo apartará del camino de la escuela y lo llevará al teatro de marionetas de Stromboli, a la feria, al fondo del mar e incluso al estómago de una ballena glotona. Un sinfín de peripecias en las que Pinocho contará con la ayuda de sus amigos Grillo y Hada, aunque tendrá que esquivar las trampas de los malvados Zorro y Gata. Una aventura musical, con todos los ingredientes para asegurar la diversión. Un espectáculo didáctico y pedagógico que conseguirá estimular a los más pequeños. Después del premiado "Aladín, un musical genial", Trencadís produccions pone sobre las tablas del Teatro Rialto de Madrid esta nueva apuesta: "Pinocho, un musical para soñar" . La productora valenciana vuelve a hacer un viejo camino de sobra conocido por su equipo creativo, el de convertir un cuento clásico en espectáculo musical. Y es que el concepto de "espectáculo" parece ser una de las metas principales de este nuevo montaje. Una forma de hacer espectáculo que amplia considerablemente la edad del espectador pontencial de esta propuesta de Pinocho, ya que sus creadores aseguran que, en su reciente estreno en Valencia, asistieron a las representaciones desde familias con niños hasta parejas o grupos de adultos que se acercaban a disfrutar del musical sin niños. Según Josep Mollà, autor de las letras y del texto, uno de los puntos originales de esta propuesta reside en desmitificación de algunos de los valores que se le presuponen al cuento: "Hemos querido actualizar el mensaje o los mensajes que transmite la historia de Pinocho para adaptarlos a nuestro tiempo. Se ha descartado la idea de la soledad o la soltería de Gepeto como algo negativo, la paternidad por imposición, los peligros explícitos a los que se somete el Pinocho original... Y por otra parte se ha potenciado la idea de que cualquiera puede conseguir lo que quiera en la vida si lo desea de verdad. En definitiva, se ha mantenido la esencia del cuento adaptada al lenguaje de nuestro tiempo".FICHA
Autor : Josep Mollá Reparto: Edgar Moreno, Enric Juezas, Paula Espinosa, Hugo ruiz, María José Capel. Dirección Escénica: José Tomás Chafer. Dirección Musical: Víctor Lucas. Producción: Trencadís Produccions. Coreografía: Pachi G. Fenoallar. Vestuario: Trencadís Produccions. Diseño de Iluminación: Ximo Rojo / Mabi Benavent Asistente Vocal: Mavi Lorente Asistente de dirección: Mamen Mengó Caracterización y Peluquería: Inma Fuentes Escenografía: Dora Piles / Amadeu Vives. Diseño Gráfico y Audiovisual: Jaume G. Doria.
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TEASER "TRAGALA, TRAGALA..." from NUEVO APOLO on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO NUEVO APOLO
TRÁGALA, TRÁGALA
Tras su estreno el 25 de marzo de 2015 en el Teatro Español, regresa a los escenarios madrileños la obra que pone a prueba tu capacidad para reirte de ti mismo: TRÁGALA, TRÁGALA. Una comedia musical de Íñigo Ramírez de Haro, dirigida por Juan Ramos Toro de Yllana y protagonizada por Fernando Albizu, Ramón Merlo, Balbino Lacosta, Luis Mottola, Ana Cerdeidiña, Joshean Mauleón, Paula Iwasaki, Jorge Machín y Fael García. Todas las canciones y la música original corren a cargo de Ron Lalá.
SINOPSIS
"Y al tercer siglo Fernando VII resucitó. Trágala, Trágala…es una farsa contemporánea llena de guiños donde el humor y la capacidad de reírse de uno mismo son el medio más directo para comprender tanto la historia de España como su realidad actual, social, política y cultural, que nos afecta dramáticamente a todos los ciudadanos. Fernando VII resucita hoy y se encuentra con ‘la Hacienda en crisis; la corrupción generalizada; Cataluña independizándose; la revolución social amenazantes; el ateísmo creciente; la Monarquía tambaleándose… En fin, lo de siempre, la ingobernabilidad de España’…Afortunadamente tenemos a nuestros políticos, tanto gobernantes como de la oposición (incluido Pablo Iglesias, que sube por primera vez a los escenarios como personaje de ficción) para resolverlo todo. ¿Tiene España solución? Nadie debería ignorar que la historia siempre se repite (sobre todo cuando se olvida). No te desesperes, porque España no es una tragedia; es un sainete. Antes de que votes en las próximas elecciones y tomes una decisión importante para tu país, afila tu sentido crítico y tus ganas de reír con Trágala, Trágala….”
NOTA DEL DIRECTOR
Después de casi veinticinco años sin utilizar la palabra en los escenarios de todo el mundo, por fin un magnifico texto cae en mis manos y deciden unos “locos” que me ponga al frente de su dirección. Con más de 500 políticos imputados en España, 250.000 jóvenes teniendo que marcharse al extranjero para encontrar un trabajo y 5.000.000 de parados, es imposible escapar de este asfixiante entorno, que hace de mi país y mi patria, un auténtico basurero. A veces necesito disfrazar mis pensamientos e intentar por todos los medios ser lo más hipócrita posible y mirar para otra parte, de eso además sabemos un montón los directores y actores. Y pronto caigo en la cuenta de lo bien que lo están haciendo los poderes fácticos en España, ¡hay que felicitarles porque son descaradamente eficientes en pro de sus propios intereses!!! Y además, no tienen enemigo que se le enfrente, bueno, sí lo tienen, aunque está amordazada y muy bien manipulada "la democracia". Las soluciones, dicen las malas lenguas, las encontramos muchas veces en la historia, porque dicen estas mismas lenguas, que se repite. Por eso me ha parecido tan interesante resucitar a Fernando VII y esa parte de nuestra historia que nos ofrece un espejo en el que mirar nuestro presente. ¿Hasta qué punto nosotros mismos no somos culpables de todo esto y absolutamente responsables de haber dejado hacer a los poderosos lo que les ha dado la real gana? incluso aunque algunos lleguen a pagar sus atropellos con la cárcel, deberíamos recapacitar sobre el hecho de haberles dejado hacer lo que han querido de esta forma tan grosera. También me atrevo a decirles a los vigilantes de la izquierda: “lo habéis hecho muy mal, compañeros y compañeras”. Estoy tan indignado que desearía ver a todo el mundo metido en la cárcel, incluidos a los que se llaman librepensadores, a la gente que votó a los que nos han traído hasta aquí, a los que nunca han votado porque “pasan de la política”… Pero claro, ¿quién quedaría en la calle? Pues ya lo vemos todos los días, quedarían los que saben cómo nadar en aguas turbias porque pueden y porque tienen lo necesario para encontrar las rendijas por las que escapar: los banqueros, los ricos, los grandes asesores de las grandes empresas… Bueno y también quedaría mi madre que es una sabia y como dice ella: "qué crisis si a los de siempre les está saliendo bien, les salen las cuentas”. El enemigo de la dignidad está mucho más cerca de nosotros de lo que pensamos. Mírate al espejo y hoy mismo lo encontrarás casi con toda seguridad. Todos ven lo que aparentas y pocos ven lo que eres. Quizás deberíamos empezar a cuestionar el modelo en el que vivimos y refundar una nueva forma de vivir en el ser y no en el tener.Juan Ramos Toro (Yllana)
FICHA
Reparto Fernando Albizu Fernando VII Jorge Machín Regidor Ramón Merlo Carlos IV / Napoleón / Alagón Luis Mottola Tanatista Balbino Lacosta Reina María Luisa / Inquisidor Mier / Fray Juan / Saperes Joshean Mauleón Goya / Obispo de León / Martínez de la Rosa / Arzobispo Manuel Maestro Godoy / Riego / Reina María Carolina Ana Cerdeiriña María Antonia / Doña Carlota / Locutora Paula Iwasaki Pepa la Malagueña / Reina Josefa Amalia / Reina María Cristina Ficha artística Colaborador de dirección escénica y Movimiento escénico Rolando San Martín Composición, Dirección musical y Letras Yayo Cáceres, Juan Cañas, Miguel Magdalena, Álvaro Tato (RON LALÁ) Escenografía Miguel Brayda Diseño de Luces Toño M. Camacho (AAI) Diseño de Vestuario Tatiana de Sarabia Diseño de Espacio sonoro Luis López de Segovia Diseño de Efectos de sonido Alberto Fernández Roda Diseño de audiovisuales Javier de Prado Ayudante de escenografía Ascensión López, Carlos Brayda Ayudante de vestuario Matias Zanotti Asistente de gestión artística Ana Fernández de Cosa Asistente musical Mario Quiñones Fotografía y diseño de cartel Javier Naval Construcción de escenografía Readest Vestuario Sastrería Cornejo Confección vestuario Fernando VII Maribel Rodríguez Una producción del Teatro Español Fechas y horarios: Desde el 4 de Noviembre en el TEATRO NUEVO APOLO DESCARGAR DOSSIERTEASER "TRAGALA, TRAGALA..." from NUEVO APOLO on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
La Cantera exploraciones teatrales y Matraka S.L. y la Sala Cuarta Pared
presentan
LÍBRATE DE LAS COSAS HERMOSAS QUE TE DESEO
¿SOMOS CAPACES DE IMAGINAR AL OTRO?
El 26 de febrero se estrenaba en la Sala Cuarta Pared LÍBRATE DE LAS COSAS HERMOSAS QUE TE DESEO de María Velasco
María Velasco, colaboradora habitual de ETC, es una de las jovenes dramaturgas con mayor proyección. Entre sus obras de teatro figuran ‘Günter, un destripador en Viena‘, ‘Perros en danza‘ (Accésit Marqués de Bradomín 2010), ‘Nómadas no amados‘ (Finalista del Premi Born y del Premio Calderón) , ‘Tratado para saber vivir‘, ‘La cermonia de la confusión‘ (Autores en el Centro- CDN) y 'Manlet'.https://youtu.be/eQ5KKENcMTwVER OBRA COMPLETA
LA CANTERA
El dramaturgo y director argentino Jorge Sanchez funda en 2003 la Compañía LA CANTERA ('Comunidad', 'Raices trenzas', 'Famélica'), un equipo de profesionales de diversas nacionalidades y áreas de las artes escénicas que bajo la forma legal de Asociación Cultural sin Fines de Lucro con sede en Madrid, tiene como objetivo prioritario la realización de actividades teatrales pedagógico-creativas dirigidas a profesionales, estudiantes y a toda persona interesada en las artes escénicas. Sus propuestas siempre están orientadas a la investigación del arte de la actuación, por medio del cual también se intenta llegar a nuevas propuestas dramatúrgicas y a la reformulación e innovación de estéticasescénicas. Se hace hincapié en el proceso mismo de creación sin plantearse previamente resultados determinados pues se entiende que esta metodología es la herramienta más idónea para arribar a materiales genuinos, personales, propios…SINOPSIS
Un viaje emocional y reflexivo hacia el ‘sur’ de la personalidad, pues ¿qué sucede cuando una mujer blanca se enamora de un hombre negro?, ¿qué fronteras hay que atravesar en lo individual? ¿Y en lo familiar? Podría tratarse de un aprendizaje como el que hay que emprender en toda relación amorosa pero también es la posibilidad de desandar ciertos prejuicios… ¿quién conquista a quién?, ¿dónde empieza o termina un continente?, ¿qué es lo verdaderamente originario, primitivo? Abordado con la particular estética del argentino JORGE SÁNCHEZ y su habitual apuesta por un refinado trabajo actoral, este íntimo, agudo y personal texto de la joven dramaturga MARÍA VELASCO, desarrolla una propuesta escénica que se apoya en cuidadosos recursos audiovisuales donde lo seudo-documental se entrecruza con lo poético y en una atmósfera musical diseñada y ejecutada en vivo. Según su autora, una referencia esencial de LIBRATE DE LAS COSAS HERMOSAS QUE TE DESEO es la literatura autobiográfica de Juan Goytisolo que establece una correspondencia entre “el marroquí que, huyendo de la miseria, sube hasta Suecia en busca de trabajo” y el europeo “que escapando de la creciente enajenación de la sociedad de consumo en la que vive, va a darse un baño de humanidad en el desierto de Marruecos”.NOTA DE LA AUTORA
“El drama es “el encuentro catastrófico con el otro”. Esa es la mejor definición que he oído. La catástrofe amenaza ser mayor cuando a la alteridad se añade la alteridad cultural. La reciente matanza en la redacción de Charlie Hebdo (el terrorismo islámico) y las esvásticas pintarrajeadas en Dresde (la extrema derecha xenófoba en Europa) dan muestra de ello. Barthes describió al pequeño burgués como “un hombre incapaz de imaginar al otro”, al que contempla como “un escándalo que amenaza su existencia”. Esta obra nace de mi negación a convertirme en esa pequeña burguesa; asimismo, de la experimentación de mi cuerpo y de la escena como campo de batalla para la lucha de civilizaciones y la guerra santa. La conclusión es que no existe un ellos sino un nosotros…yo soy otro.” María VelascoTEATRO NUEVO APOLO
Regresan los VIVANCOS: AETERNUM, del 13 al 17 de Mayo, al Teatro Nuevo Apolo
Flamenco, ballet, danza contemporánea, folklore, artes marciales, acrobacias, magia, circo, tap dance, una elaborada puesta en escena, un vestuario de diseño, grandes estructuras escenográficas y una espectacular banda sonora son algunos de los ingredientes que forman AETERNUM, una obra de vanguardia que según la crítica internacional, ha roto moldes. Revolucionaria, Innovadora, Incomparable, Impactante, Extraordinaria, son algunos de los adjetivos con los que críticos por todo el mundo han intentado describir esta obra coral, que muchos dicen indescriptible.SINOPSIS La inmortalidad que el arte le brinda al hombre. Lo paranormal. Lo imposible hecho posible. Esa es la idea presentada en la metáfora de lo Eterno. Cualquier hombre vulgar puede rozar lo divino a través del arte… Ya que el arte hace realidad la fábula sin desvirtuar los límites de la lógica. El arte cumple la paradoja de que se haga lo que no puede hacerse. Y el arte hace lo mortal, inmortal. Música, Danza, Lucha, Magia… Ángeles, Demonios, Vampiros… Una historia narrada en nueve cuadros escénicos, cuatro vertientes del arte y un hilo conductor; lo fantástico, forma un espectáculo que explorando los límites de lo Sobrenatural hace de lo Imposible, Arte.
De la misma manera que en su anterior espectáculo, Aeternum está coreografiado y dirigido por Los Vivancos. Además han contado para esta vez con un equipo creativo internacional de primer nivel: Fernando Velázquez, compositor de importantes bandas musicales como “El Orfanato” o “Lo imposible” se ha encargado de la música, con la asesoría artística de Daniele Fienzi, director y creador de ‘Corteo’ del Circo del sol.
Un espectáculo con todas la letras: innovador, atrevido, fresco, energético… Los Vivancos: Aeternum.
"Este espectáculo irradia tanta energía que hay peligro de que se incendie el escenario" New York Daily News (EE.UU.)
FICHA DEL ESPECTÁCULO Titulo: AETERNUM Género: Espectáculo de danza/musical Calificación: Para todos los públicos Duración de la obra: 90 minutos, sin descanso
EQUIPO ARTÍSTICO Asesoría Artística: Daniel Finzi Pasca y Julie Hamelin Producción Musical: Fernando Velázquez Diseño de Iluminación: Los Vivancos Diseño y confección de Vestuario: Rafael Solis Diseño Grafico: Pako Lopez, La Soberbia Diseño y Comunicación
Los Vivancos son: Elias VIVANCOS (violonchelo) Judah VIVANCOS (violonchelo 5 cuerdas) Josua VIVANCOS (percusión) Cristo VIVANCOS (saxofón) Israel VIVANCOS (flauta travesera) Aarón VIVANCOS (violín) Josué VIVANCOS (teclado)
Grabación Orquestal: Orquesta Sinfónica de Budapest. Dirigida por Fernando Velazquez Voz: Sonia Perez Cortes Guitarra flamenca: Daniel Yagüe Flauta: Omar Acosta Cajón: Franco Bianco Percusión: Johannes Vogel Trompetas: Roqui Albero y Jaime Gutierrez Bateria: Borja Barrueta Guitarra Eléctrica: Kike Fuentes Creación, Coreografía, Composición y Dirección: Los Vivancos
ENRIQUE VIII Y LA CISMA DE INGLATERRA
Del 27 de FEBRERO al 26 de ABRIL - TEATRO PAVÓN
¿Qué responsabilidad tiene un monarca frente al pueblo que gobierna? ¿Qué sucede cuando la máxima institución del Estado antepone sus deseos o intereses a los de su nación?
La Compañía Nacional de Teatro Clásico continúa con su excelente programación donde pasado y presente se dan la mano, y el verso eleva la palabra hasta lugares inalcanzables. Después de un Don Juan Tenorio inolvidable, le toca el turno a Calderón de la Barca con Enrique VIII y la cisma de Inglaterra.
Un magnífico reparto en la nueva producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que protagoniza Sergio Peris-Mencheta. Ambición, relaciones de poder, contradicciones del ser humano, la responsabilidad de los gobernantes y sus consecuencias... donde reina la afilada palabra de Calderón de la Barca.
NOTA DEL DIRECTOR ¿Qué responsabilidad tiene un monarca frente al pueblo que gobierna? ¿Qué sucede cuando la máxima institución del Estado antepone sus deseos o intereses a los de su nación? ¿O cuando está mal asesorado por sus consejeros? ¿Qué espiral de caos, de violencia y de desorientación puede proyectar la corona sobre la Corte y el Estado entero? ¿Cuántas víctimas pueden quedar como rastro de un infame reinado? Estas, a pesar de su elocuente actualidad, son algunas de las preguntas que Calderón plantea en este drama. La cisma de Inglaterra es una obra de juventud de Calderón pero en la que ya residen muchos de sus temas capitales. La determinación del destino propia del neoestoicismo frente al libre albedrío que defiende Calderón, la responsabilidad de un monarca ante su pueblo, y la importancia de obrar bien más allá de los intereses individuales son algunos de esos motivos constantes en su obra. Bajo el aspecto de un conflicto teológico sobre la ruptura de la iglesia anglicana y con la aparente forma de un drama histórico, adecuadamente adulterado por Calderón para sus propósitos propagandísticos, lo que aflora es un drama humano de dimensiones titánicas. Un hombre en constante huida hacia adelante de sus propias contradicciones y dudas, una víctima de su pasión y su lujuria, provoca un cataclismo político, religioso y humano en una corte que se desnorta con su pérdida. Enrique es víctima y verdugo de su reino. La cisma de Inglaterra es un texto prolijamente estudiado en su aspecto literario pero olvidado, como tantos, fuera del canon y del repertorio habitual, condenado al destierro de los escenarios. Gracias al CNTC y a su coraje vuelve ahora al territorio que le pertenece.Ignacio García
FICHA Versión: Jose Gabriel López Antuñano Dirección: Ignacio García Asesor de verso: Vicente Fuentes Coreografía: Manuel Segovia Vestuario: Pedro Moreno Iluminación: Paco Ariza Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso Reparto: (Rey Enrique VIII) Sergio Peris-Mencheta, (Cardenal Volseo) Joaquín Notario, (Carlos, embajador de Francia) Sergio Otegui, (Tomás Boleno) Chema de Miguel, (Dionis, capitán) Pedro Almagro, (Pasquín) Emilio Gavira, (Reina Doña Catalina) Pepa Pedroche, (Infanta María) Natalia Huarte, (Ana Bolena) Mamen Camacho, (Margarita Polo) María José Alfonso, (Juana Semeira) Anabel Maurin, (Soldado) Alejandro Navamuel Músicos: Anna Margules (Flauta de pico), Calia Álvarez (Viola de Gamba)- Calderón impone su métrica a Enrique VIII - elcultural.es
- «La cisma de Inglaterra» - Julio Bravo
- Atención obras - Ignacio García: "Enrique VIII y la cisma de Inglaterra" de Calderón de la Barca
TEATRO FERNÁN GÓMEZ
Regresa el 18 de febrero al Teatro Fernán Gómez A VUELTAS CON LA VIDA de Jose Luis Iborra y Antonio Albert protagonizada por Beatriz Carvajal.
Del 18 de Febrero al 7 de marzo
La emblemática actriz Beatriz Carvajal celebró su 50 aniversario sobre las tablas el pasado 10 de enero y quiere seguir celebrándolo con el público con el mismo montaje y en el mismo escenario. Beatriz Carvajal interpretará a Mari Carmen en la obra de teatro A vueltas con la vida, de Juan Luis Iborra y Antonio Albert y dirigida por Iborra, que podrá verse en la Sala Dos del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa desde el próximo 18 de febrero y hasta el 7 de marzo.
En 2006 Juan Luis Iborra colabora con Antonio Albert como guionista de la película "Enloquecidas", una comedia con Verónica Forqué, Silvia Abascal y Concha Velasco. Dos años más tarde realizaban su primer trabajo juntos en teatro escribiendo la obra 'Mentiras, Incienso y Mirra' dirigida por Juan Luis Iborra. En 2009 'Confidencias muy íntimas', en 2010 'Historias de un Karaoke', 2011 'Querida Matilde', 2013 'Sofocos' y 2014 'A vueltas con la vida'.
Una obra que no te dejará indiferente. El paso de la oscuridad a la luz es un viaje lleno de matices, de sonrisas y humor. Una apuesta firme por la calidad de los textos y una Beatriz Carvajal en uno de los mejores papeles de su exitosa carrera. SINOPSIS La vida de Mari Carmen no ha sido un camino de rosas. Una familia humilde, un marido cruel y una soledad tremenda han sido su única compañía hasta que, gracias a los libros, descubre a cuatro heroínas que le enseñan el valor de la libertad: Marilyn Monroe, Chavela Vargas, Santa Teresa de Jesús y Cleopatra. A través de estas amigas que le revelan sus secretos más íntimos, Mari Carmen aprende a quererse. Atrapada en un quinto piso sin ascensor al que llega la música de un vecino pianista, una música que se convierte en su banda sonora, MariCarmen se pasa el día a vueltas con la vida: sus recuerdos, sus miedos, sus complejos, todo aflora con humor y nostalgia en las alocadas conversaciones que mantiene con esas mujeres sabias, generosas, valientes. Con ellas y el recuerdo amable de su madre, Mari Carmen llena su vida de luz y color, dejando atrás los días oscuros. FICHA Autor: Juan Luis Iborra y Antonio Albert Dirección: Juan Luis Iborra Ayudante de dirección: Ana Pascual Iluminación: Juanjo Llorens Escenografía: Asier Sancho Senosian Vestuario: Antonio Belart Foto y Cartel: Sergio Parra Compañía: De Juan Luis Iborra y Antonio Albert Producción: PyX producción y distribución, S. L. Al piano: Jerónimo Maesso Reparto: Beatriz Carvajal Fechas y horarios: De martes a sábados - 20:30 horas. Domingos 19:30 horas. Los días 20 y 27 de febrero y 6 de marzo NO HAY FUNCIÓN. TEATRO FERNÁN GÓMEZ Web: avueltasconlavida- Beatriz Carvajal se mete en la piel de cuatro mujeres libres en 'A vueltas con la vida' - Las mañanas de RNE
A Vueltas con la Vida from Es otro mundo on Vimeo.
NUEVO TEATRO ALCALÁ
presenta
VENIDOS A MENOS
de Pablo Puyol y David Ordinas
Del 1 de Febrero al 8 de Marzo de 2019 en el Nuevo Teatro Alcalá
Del 1 de Febrero al 8 de Marzo de 2019, regresa el show VENIDOS A MENOS, un espectáculo de música y risas en el que el público escuchará las canciones más bestias que se hayan escuchado hasta el momento encima de un escenario, pero con una gran dosis de ritmo. Todo ello sin ser un concierto ni un monólogo.
VENIDOS A MENOS está protagonizado por Pablo Puyol y David Ordinas, dos artistas consagrados que han creado un show con canciones y letras originales compuestas e interpretadas por ellos mismos. Ambos artistas muestran su cara más cómica en un espectáculo de humor con las canciones más pegadizas y descaradas. Ambos pretenden liarla con algo gamberro y provocador e involucrar al espectador para que la risa sea la auténtica protagonista; todo ello en un show NO recomendado para todos los públicos.SINOPSIS
¿Qué es VENIDOS A MENOS? No puede decirse que sea un musical ni una obra de teatro pero tampoco un monólogo. Es un espectáculo completo que aúna música original (compuesta por Ordinas y letra escrita entre Puyol y Ordinas), parte de monólogos y, sobre todo, mucho humor. Eso sí, no es apto para todos los públicos. Temas ácidos, políticamente incorrectos, atrevidos, punzantes... Un espectáculo en el que ambos artistas se ríen de todo, incluso de ellos mismos. Una sátira constante a la política, la religión y al amor…..o se refieren al sexo? Protagonizado por el televisivo Pablo Puyol y David Ordinas. Ambos se toman la vida con mucho, mucho humor. Hartos de oír hablar de crisis, que si las cosas están mal y que irán peor, Pablo Puyol y David Ordinas, se pusieron manos a la obra y crearon el espectáculo Venidos a Menos con el que suman más de tres año de éxitos por España.TEATROS LUCHANA
TEATRO DEL LABERINTO presenta EL VALLE DE LOS CAUTIVOS
Jueves de noviembre a las 20h.
EL VALLE DE LOS CAUTIVOS de Pedro Martín Cedillo es una versión moderna del mito de Prometeo, dirigida por Francisco Vidal . Se estrenó en octubre de 2014 en la Sala TÚ manteniéndose en cartel 7 meses . En septiembre pasaron por el Teatro del Barrio, y en noviembre llegan a los Teatros Luchana. Los jueves a las 20h. El texto de Pedro Martín Cedillo será editado dentro de la colección "Teatro Autor Exprés" de la SGAE.SINOPSIS
Javier es el hombre del siglo XXI que debe volver la vista atrás para encontrarse a sí mismo. Necesita entender la historia de sus antepasados para construir la suya propia. Necesita enterrar a sus muertos (cual “Antígono”) para seguir adelante. El destino le lleva de la mano hasta el anciano Saturio Soriano, preso que compartió trabajos forzados en Cuelgamuros con su abuelo, Lázaro Cedillo. El suicidio de Saturio lleva a Javier a comprender que nuestros muertos no siempre descansan en paz. La necesidad de conocer cómo murió su abuelo, la amistad que entabló con Saturio en la construcción del Valle de los caídos… pondrá rostro a tantas historias de sobremesa contadas durante su infancia. Por encima de la represión, El valle de los caídos cuenta la historia de una amistad, la historia de sueños rotos, la historia de nuevas oportunidades y, sobre todo, la historia de la búsqueda de la verdad.NOTA DEL AUTOR
Para mí, la labor del dramaturgo no es otra que poner voz a tantos que son silenciados. Nuestros días están repletos de “Medeos” capaces de asesinar a sus hijos por venganza, “Bernardas” inquisidoras de toda una nación, “Ricardos terceros” corruptos de poder, “Noras” asfixiadas por maridos impotentes, “Antígonos” que necesitan enterrar a sus muertos… Hoy, más que nunca, estamos necesitados de “Fuenteovejunos” que salgan a la calle a gritar. Hoy, más que nunca, nuestra escena debe llevar la voz de tantos y tantos que no pueden hablar. El valle de los cautivos pretende ser la voz de esos hombres y mujeres que no pudieron expresarse libremente en su momento por una fuerte y terrorífica dictadura. Hombres y mujeres que han transmitido su voz silenciada en la sangre, sangre de la que somos herederos. Porque fueron nuestros padres, nuestros abuelos, nosotros mismos… los que crecimos con sus silencios. Fuera de cualquier ideal político, El valle de los cautivos quiere hablar del hombre. Porque por encima de cualquier política, está la humanidad. ¿Qué importa una guerra cuando un hombre está enamorado? ¿Acaso tiene más fuerza un país que la mirada de una mujer para su amante? Pedro Martín Cedillo [caption id="attachment_11501" align="aligncenter" width="600"]
EL VALLE DE LOS CAUTIVOS - Foto: Antonio Castro[/caption]
FICHA
Autor: Pedro Martín Cedillo Dirección: Francisco Vidal Ayudante de dirección: Fran Cantos Espacio escénico: Ion Aníbal Escenografía: Francisco Vidal Técnico de sonido: Diego Conesa Diseño gráfico y vídeo: Corvitec Reparto: Fernando Escudero, Fran Cantos, Marcos Toro, Noelia Tejerina, Francisco Vidal, Sato Díaz. Una producción de Teatro Laberinto Fechas y horarios: Jueves de noviembre a las 20h. en los TEATROS LUCHANA- Rastreando las huellas de la memoria - Cuartopoder
- Segismundo en Cuelgamuros - El País
- ‘El valle de los cautivos’. El silencio tiene un por qué - Hoy en la city
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NAVES DEL ESPAÑOL
Del 26 de febrero 2015 al 22 de marzo 2015 llega al MATADERO de Madrid la obra 'El lenguaje de tus ojos o el príncipe travestido' una versión de Amelia Ochandiano de un texto de P. de Marivaux, "Le Prince travesti o L´Ilustre aventurier", de 1724. La propia Ochandiano se encarga también de la dirección.
SINOPSIS
La Princesa de Barcelona se ha enamorado de Lelio, un hombre misterioso a la cabeza de su ejército, pero temerosa de no cumplir con su deber de casarse con un príncipe, insta a Hortensia (amiga suya y confidente) a que investigue los orígenes de su amado y de paso le insinué los sentimientos que tiene hacia él para que éste se anime a declararle su amor. Pero cuando Hortensia se encuentra con Lelio, reconoce en él al hombre que le había salvado de unos ladrones y del que no ha podido olvidarse. El sentimiento es mutuo, pero Hortensia no querrá traicionar a su amiga. Por otro lado, el príncipe de Castilla ha pedido la mano de la princesa de Barcelona para poder unir ambos reinos y así aliviar las tensiones que durante años mantienen estos dos reinos. Este conflicto querrá ser utilizado por Federico (cortesano al servicio de la Princesa) para trepar en la corte y eliminar a Lelio, al que considera su rival. Las intrigas, sobornos y pasiones de unos y de otros, buscando conseguir sus deseos más ocultos, se irán desarrollando en un brillante juego escénico donde las miradas toman la palabra cuando las palabras son insuficientes.PALABRAS DE AMELIA OCHADIANO
Este texto me ha parecido bello, ingenioso, sorprendente y sobre todo oportuno. Bello porque tiene un lenguaje elaborado pero se trata de una prosa sencilla, una prosa directa a los sentidos, a la inteligencia y al corazón. Un auténtico placer escrito para ser dicho, sentido y escuchado. Porque en esta función no se habla de amor sino que los personajes se enamoran, no se habla de corruptelas sino que vemos como los personajes caen rendidos en las tentaciones materiales y pasionales. Y cuando digo sorprendente es porque parecería que los personajes de la función aún sometidos a un texto, a un proceso escrito por el autor tuviesen voluntad de saltárselo, de dar la vuelta al camino trazado y hacer su santa voluntad provocándonos una sensación de modernidad y sorpresa continuas. Mi intención, tarea nada simple, sería poder trasmitir ese escalofrío que te provocan los clásicos cuando, a pesar del tiempo trascurrido desde que fueron concebidos, siguen hablando al hombre contemporáneo, trascienden en el tiempo y nos hablan de nuestro día a día, de nuestra esencia, de lo que perdura y perdurará a través de los tiempos. Una crítica feroz y divertida llena de comprensión hacia nosotros mismos.AMELIA OCHANDIANO
FICHA
Coreografía y dirección Amelia Ochandiano Reparto (por orden alfabético): HORTENSIA Itziar Atienza PRINCESA Cristina Castaño ARLEQUÍN Juanjo Cucalón LUISITA Mariola Fuentes FEDERICO Juan Gea LELIO Iker LastraFicha artística
Dirección y versión: Amelia Ochandiano Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda Vestuario María Luisa Engel y Rosa Engel Iluminación Felipe Ramos Producción: Teatro de la Danza de Madrid[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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ESCENOGRAFÍA DE PALOMA CANSECO[/caption]
La música será otro aspecto importante en la obra. "La inclusión que Olmo hace en sus acotaciones sobre las músicas nos inspiró a considerar ese trozo de realidad como un bailable entre dos compases, permitiéndonos afrontar el montaje con ilustraciones musicales que quitarán melodrama a lo que es, desgraciadamente, un pequeño trozo de vida. La música que usará en este baile será el foxtrot, que el autor menciona constantemente en la obra." afirma Manuel Canseco.
Nuria Herrero y María Garralón en La pechuga de la sardina[/caption]
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TEATRO VALLE INCLÁN
LA PECHUGA DE LA SARDINA. Del 25 de febrero al 29 de marzo en el Teatro Valle Inclán El Centro Dramático Nacional recupera la figura de Lauro Olmo, un autor imprescindible de la dramaturgia española perteneciente a la llamada generación realista.
En esta obra he procurado que la fuerza de las situaciones dramáticas surja de de los contrastes y que el ritmo de éstos, lento en los interiores o rápido en la calle según las exigencias del drama, vaya creando el gran personaje que condiciona todo lo demás. Ese personaje es el ambiente: un ambiente que adquiere un poder asfixiante, desvitalizador. Todo va conduciendo a unas patéticas campanadas finales.Lauro Olmo
Y para crear ese ambiente ha sido clave la escenografía de Paloma Canseco y del director. Para crear ese ambiente asfixiante, el escenario se trasformará en un antiguo anfiteatro romano. Se elevaran tres bandas de gradas rodeando las tarimas que forman el escenario. Con el objetivo también de convertir al público en un fisgón, observando lo que pasa en cada habitación en cada momento. [caption id="attachment_10782" align="aligncenter" width="500"] ESCENOGRAFÍA DE PALOMA CANSECO[/caption]
La música será otro aspecto importante en la obra. "La inclusión que Olmo hace en sus acotaciones sobre las músicas nos inspiró a considerar ese trozo de realidad como un bailable entre dos compases, permitiéndonos afrontar el montaje con ilustraciones musicales que quitarán melodrama a lo que es, desgraciadamente, un pequeño trozo de vida. La música que usará en este baile será el foxtrot, que el autor menciona constantemente en la obra." afirma Manuel Canseco.
SINOPSIS
La pechuga de la sardina es la historia de varias mujeres que conviven en una pensión. Los personajes principales tienen distintas edades, distinto pasado y distintas formas de ver la vida. A partir de esta disparidad el autor presenta la mentalidad de la época. Por un lado la moralidad estricta, la mujer que debe parecer honrada y no entregarse a ninguna debilidad, y por otro los personajes más jóvenes en los que se entrevé el cambio hacia la apertura de pensamiento y la liberación de la presión social sobre la mujer. La obra consta de tres actos. El tema de la obra es la situación de la mujer en los años 60. Denuncia su opresión en el terreno económico y también en el ambiente social; el encasillamiento en ciertos roles y actitudes vitales que la mujer debía cumplir. La obra, estrenada en 1963 supuso una revolución al ser de las primeras en tratar la problemática de la mujer. Los personajes principales de la obra son las mujeres que viven en la pensión. Alrededor de ellas pululan los personajes masculinos, que son secundarios. [caption id="attachment_10783" align="aligncenter" width="600"] Nuria Herrero y María Garralón en La pechuga de la sardina[/caption]
NOTA DEL DIRECTOR
Hay una apreciable nómina de dramaturgos que merece la pena rescatar de ese período difícil de la vida y la sociedad española que va desde nuestra Guerra Civil hasta la democracia; y, entre ellos, no podía faltar la figura de Lauro Olmo, uno de los grandes olvidados. La pechuga de la sardina es claramente una de las obras más representativas del autor y de ese teatro que dio en etiquetarse como realista. Es una de esas obras que la crítica no acogió nada bien en el momento de su estreno, aunque con los años se ha ido situando en el lugar que yo creo que le corresponde: a la altura de La camisa, obra emblemática de Olmo, cuyo estreno sí supuso un gran acontecimiento. Se han buscado influencias dispares en el teatro de Olmo: Arniches, Valle-Inclán, Lorca e, incluso, Benavente. Todos ellos, si nos fijamos, son fieles recreadores de la realidad que los circunda, pero con diferentes estéticas. Yo, al menos en lo referente a esta obra, añadiría a Chéjov, porque La pechuga de la sardina no es ni más ni menos que un trozo de vida, de una vida que pesa inexorable e inevitablemente sobre los personajes. El ambiente y el conjunto de mujeres que habita los estrechos márgenes de una casa asfixiante es el protagonista del drama. Cada uno de los personajes femeninos sirve para definir a los otros, al tiempo que se define a sí mismo. Si quitáramos a alguno de ellos se perdería su reflejo en los demás, con lo que, sin duda, la situación quedaría incompleta. Los hombres, por el contrario, son más prototípicos. Su misión fundamental es ayudarnos a definir el ambiente que rodea –y yo diría que cerca– a la casa. Esa ha sido la base de esta obligada adecuación de la obra original de Olmo a un determinado espacio de representación y a un reparto acorde con los tiempos. El espectador no sólo ha de convertirse en fisgón de lo que acontece en la casa, sino también del cinturón que la rodea, que la cerca. El ambiente exterior de voces y las músicas acaban de definir esa época, en ocasiones atrasada en el tiempo de la época en la que la situamos, como atrasada era aquella sociedad. Gran acierto del autor al reflejar el mundo de aquella época a través de la mujer, figura históricamente más desvalida que el hombre, lo que se traduce en una facilidad para el director, ya que este país es pródigo en actrices de enorme nivel. Por eso hemos procurado un elenco –en muchos casos en papeles por debajo de su categoría interpretativa– capaz de conformar y trasladar al espectador ese difícil personaje protagonista de la obra: el ambiente, el conjunto. Creo que, gracias a ellos, a todo el equipo, lo conseguiremos. De no ser así, no cabe duda de que la culpa será mía. Si algo hemos pretendido remarcar en este trabajo es la idea que nos lanza el propio Olmo al entregarnos la obra: “No. La vida no puede caminar llevando en los tobillos unos prejuicios, unos pequeños seudodogmas que, como grilletes, le dificultan el devenir”. Estoy seguro de que el espectador de hoy no se quedará en la anécdota, y puede entresacar consecuencias que siguen haciendo actual –a veces, por desgracia– este texto. Gracias a todos por su entusiasmo, y al CDN, especialmente a su director, Ernesto Caballero, por el rescate de tan significativo autor.Manuel Canseco
FICHA
Texto : Lauro Olmo Versión escénica y dirección:Manuel Canseco Escenografía: Paloma Canseco Vestuario: José Miguel Ligero Iluminación: Pedro Yagüe Espacio sonoro: Javier Almela, Roberto Cerdá Movimiento : Eduardo Ruiz Ayudante de dirección: Raquel Berini Fotos: marcosGpunto Cartel: Isidro Ferrer Producción Centro Dramático Nacional Reparto: Manuel Brun, Marta Calvó, Jesús Cisneros, Víctor Elías, María Garralón, Nuria Herrero, Marisol Membrillo, Cristina Palomo, Amparo Pamplona, Natalia Sánchez, Juan Carlos Talavera, Alejandra Torray. Fechas y horarios: Del 25 de febrero al 29 de marzo de 2015 De martes a sábados, a las 19 h. Domingos, a las 18 h en el TEATRO VALLE INCLÁN → CUADERNO PEDAGÓGICO- España, años 60: mujeres “en un país donde se nace con miedo” - Horacio Otheguy Riveira
- Manuel Canseco en Déjate de Historias
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