Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

LA ESTRELLA DE SEVILLA de Lope de Vega, dirección de Alfonso Zurro COMPAÑÍA: Teatro Clásico de Sevilla

Del 7 al 25 de OCTUBRE | TEATRO FERNÁN GÓMEZ
  Una de las tragedias referenciales de nuestro teatro del Siglo de Oro. El vasallo frente al rey, los límites de la lealtad, del honor y del amor: una obra que cuestiona la legitimidad del poder cuando deja de ser justo.   La Estrella de Sevilla es una de las tragedia contundente que narra unos supuestos sucesos históricos acaecidos en Sevilla. Nos situamos en el siglo XIII. El Rey Sancho el Bravo llega por primera vez a esta ciudad y queda prendado por la belleza de Estrella Tavera. La desea, y todo su fin es conseguirla cuanto antes, pasando por encima de quien se tercie. Es interesante observar, que aunque la acción se sitúa en el siglo XIII, tiene un claro reflejo en la época en la que se escribió, en torno a 1630. El Rey Felipe IV y su valido Olivares visitaron Sevilla en 1624. Por lo que La Estrella sí tiene una clara intencionalidad política para su momento. Es evidente que traslada una serie de consejos sobre los problemas de una monarquía absolutista y caprichosa. La obra no esconde su posición crítica con el soberano en subterfugios ni barroquismos. Es directa, clara, sin ambigüedades. Estamos ante un planteamiento donde frente al poder absoluto medieval aparece la concepción moderna del ciudadano. Porque los súbditos empiezan a exigir sus derechos ante las arbitrariedades despóticas de sus monarcas. Estrella es la luz, de ahí su nombre, que ha permanecido ciega y oscura sin intuir la verdad durante buena parte de la obra. Pero en el último tramo, brilla incandescente y nos ilumina para que gracias a su luminosidad lleguemos al reconocimiento y a la peripecia final. Pasos necesarios para que esta tragedia nos purifique como individuos y nos prevenga ante sucesos parejos con aquellos a los que hemos asistido.     [caption id="attachment_19716" align="aligncenter" width="665"]La Estrella de Sevilla del Teatro Clásico de Sevilla La Estrella de Sevilla del Teatro Clásico de Sevilla[/caption]  

FICHA

Dirección y dramaturgia: Alfonso Zurro Producción: Juan Motilla y Noelia Diez Diseño vestuario y escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE) Diseño de iluminación: Florencio Ortiz Diseño de música: Jasio Velasco Diseño gráfico y fotografía: Luis Castilla Ayudante vestuario y escenografía: Eva Moreno Ayudante dirección y regiduría: Pepa Delgado Técnicos: Carmen Mori, Tito Tenorio, Enrique Galera Distribución y comunicación: Noelia Diez Reparto: Estrella Tavera: Rebeca Torres Rey Don Sancho: Manuel Monteagudo Busto Tavera: Moncho Sánchez-Diezma Don Sancho Ortiz: Pablo Gómez-Pando Don Arias: Antonio Campos Corifeo/ alcalde: Manuel Rodríguez Criada: Alicia Moruno   Nominaciones a los Premios Max: Mejor Escenografía y Mejor Vestuario   Fechas: Del 7 al 25 de OCTUBRE Horas: Martes a Sábado a las 20:00h | Domingos 19:00h  TEATRO FERNÁN GÓMEZ  
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PRECISIONES PARA ENTENDER AQUELLA TARDE

 

NUEVENOVENOS presenta

 

PRECISIONES PARA ENTENDER AQUELLA TARDE

Una obra de Hugo Wirth dirigida por Guillermo Heras. Con Carmen Soler, Denis Gómez y Eva Redondo.

 

 

 

¿Hasta dónde nos puede llevar la vorágine de la supervivencia? ¿En qué punto nos hemos convertido en seres mecanizados incapaces de comunicarnos de frente con el otro? Lo que sucedió aquella tarde en aquella ciudad con estos personajes es lo que pasa en cada rincón del mundo en donde habitan almas que han sido derrotadas.

  Con medio siglo de compromiso teatral, Guillermo Heras dirige a Eva Redondo, Carmen Soler y Denís Gómez en esta tragicomedia de Hugo Wirth ( Premio Nacional de Dramaturgia UAM por esta obra ) que se estrenó el sábado 6 de junio en los Teatros Luchana y que rápidamente obtuvo excelentes críticas. Regresa el 18 de octubre. Domingos a las 19:30h. Precisiones para entender aquella tarde es una producción de Nuevenovenos, productora de 'Topos' que también se puede ver en los Teatros Luchana. Ambas en la Sala Fronteriza.  

NOTA DEL DIRECTOR

Retratar la sociedad actual siempre ha sido una obsesión de los buenos autores de teatro. Sin duda, en el texto de Hugo Abraham Wirth se cumple esa pertinente idea de reflexionar y mostrar los fantasmas interiores y exteriores que nuestros ciudadanos del mundo tienen en cualquier urbe de las llamadas metrópolis. Aquí son tres voces y tres cuerpos, pero podrían ser miles los que expresaran sus flaquezas, desazones y miserias cuando un hecho ajeno a sus vidas estalla sin razón aparente. Creo que el autor, como vive en el DF mexicano, metaforiza a través de un terremoto algo más que un sismo natural. Este infausto hecho de la naturaleza provoca, en cadena, situaciones que dejan aflorar las angustias cotidianas que padecemos los habitantes urbanitas. Y, aquí, no nos salvamos nadie. Todos llevamos encima nuestra mochila de carencias por las que nos es imposible comunicarnos con los demás de una manera más gozosa. El autor huye de toda pedantería y nos ofrece este paisaje con un lenguaje lleno de humor, ironía y desparpajo. Desde luego la risa sigue siendo un arma disuasoria contra toda forma de imposición dominante; y no me cabe duda que encerrarnos en nuestras soledades interiores es un preciado botín para los desalmados de turno.
Guillermo Heras
  PRECISIONES PARA ENTENDER AQUELLA TARDE  

SINOPSIS

¿Hasta dónde nos puede llevar la vorágine de la supervivencia? ¿En qué punto nos hemos convertido en seres mecanizados incapaces de comunicarnos de frente con el otro? Lo que sucedió aquella tarde en aquella ciudad con estos personajes es lo que pasa en cada rincón del mundo en donde habitan almas que han sido derrotadas.  

FICHA

Autor: Hugo Abraham Wirth Dirección: Guillermo Heras Fotografías y teaser: DS Producciones Reparto: Carmen Soler, Denis Gómez y Eva Redondo Una producción de Nuevenovenos  
Precisiones / Teaser from nuevenovenos on Vimeo.

TEATROS LUCHANA

 
TEATROS LUCHANA IDEA UN CICLO DE OBRAS CONTADAS POR MUJERES, PARA MUJERES
 
  • FOR SALE, un teatro-cabaret puesto en marcha por mujeres desde el guión hasta la puesta en escena, que sitúa al espectador ante la situación más dramática de la crisis económica.
  • MUJERES DESESPERANTES una comedia desternillante donde las mujeres se pierden, se encuentran, se conocen, se olvidan, se odian y se quieren.
  Teatros Luchana, el espacio multi-escénico recién estrenado en Madrid, apuesta por el público femenino con géneros artísticos que analizan, critican y ensalzan la figura de la mujer desde diferentes ámbitos de la vida. Una de sus iniciativas es For Sale, un teatro-cabaret puesto en marcha por mujeres desde el guión hasta la puesta en escena. Pese a que su director es  Rennier Piñero, cuenta con textos de Alicia Luna, quien ya ganara el Premio Goya por el guión de la película centrada en la violencia de género, Te doy mis ojos. Viernes y sábados a las 23:30h de la noche el escenario se abre al espectador con ‘For Sale’ para que este pueda entrar de lleno en el mundo del cabaret político con Patricia Ladrón de Guevara, Alba Sarrión, Chus Chamorro, Belén Bottarini e Irene Galán. En el escena se convierten en camareras y narran la historia de María Cumplido (Patricia Ladrón de Guevara), una chica que vive en la montaña rusa de la situación actual: sin trabajo, con el temor del desahucio, al acecho y con las expectativas de una vida mejor por los suelos. Muestra un reflejo de la realidad más dura aportando la esencia del género del cabaret, la fina ironía y la extravagancia que hicieron de él uno de los géneros más populares a comienzos del siglo XX. Con otro registro completamente diferente, Teatros Luchana apuesta por la comedia más desternillante. Mujeres Desesperantes aporta al espectador una comedia femenina y plural sobre mujeres que se encuentran, se pierden, se conocen, se olvidan, se odian y se quieren el día que el Papa llega a la ciudad. Viernes y domingos se dan cita Lara de Miguel y Mamen Godoy, dos actrices desesperadas que interpretan a seis mujeres desesperantes. Una ejecutiva sin clase, una repartidora de pizzas sin vocación, una tonadillera desentonada, una limpiadora ilustrada, una virgen y una prostituta que engranan una comedia muy simpática acompañadas de la música en directo de Sergio Medusa.  

FOR SALE

Director: Rennier Piñero Reparto: Patricia Ladrón de Guevara, Belén Bottarini, Chus Chamarro, Irene Galán, Alba Sarrión y Ruinas Planchuelo. Músicos: Raúl Novillo (pianista), Alejandro Porras (baterista) y Mario González (bajísta). Fechas y horarios: Viernes y sábados a las 23:30 h.  

MUJERES DESESPERANTES

Autor: Pepe Macías y Carla Guimarães Reparto: Lara de Miguel, Mamen Godoy y Sergio Medusa Fechas y horarios:  Viernes 20h. Domingos 20:30h.  TEATROS LUCHANA  
 

TEATRO RIALTO

 

Antonio Díaz, EL MAGO POP, se despide de Madrid con su espectáculo 'La gran ilusión'.

 

Antonio Díaz escribe, dirige y protagoniza el espectáculo.

Tras dos temporadas de éxito arrollador, Antonio Díaz regresa al Teatro Rialto para representar por última vez en Madrid su espectáculo La Gran Ilusión.

Únicas funciones en Madrid del 23 de Noviembre al 8 de enero.

- La función especial de NOCHEVIEJA incluye: Entrada, cotillón, uvas y copa de cava -

  La Gran Ilusión es mucho más que un espectáculo de magia. Es un viaje asombroso donde lo imposible no existe y lo inalcanzable se hace realidad. ¡Ven, y creerás! El joven mago debutó en el mundo del espectáculo con 'La asombrosa historia de Mr. Snow'. El artista desarrolla sus números de ilusionismo al hilo de una dramaturgia que en este caso, enlaza con la película El show de Truman, en el que el protagonista vivía una vida aparentemente normal, sin saber que era desde el día de su nacimiento el protagonista de un reality televisivo. En El Mago Pop, Antonio Díaz llevará su magia a la calles e irá conectando con varios rostros conocidos del panorama nacional e internacional que le servirán como pasos intermedios para alcanzar su objetivo final. Con las cámaras de Discovery MAX como testigo y la magia como moneda de cambio, El Mago Pop tejerá una cadena de contactos en la que cada uno de los cinco eslabones le acercará un poco más a su ídolo.  

SINOPSIS

Después de El Show de Truman, una cadena de televisión catalana produce el segundo Reality Show Total de la Historia: Magic Life. El protagonista es el centro involuntario de un programa de televisión que retransmite su vida en directo 24 horas al día. El pueblo donde vive es un set cinematográfico y todos los que le rodean son actores. Desde su infancia vive obsesionado con los juegos de manos. Los actores que interpretan  familia y amigos fingen para hacerle creer que es un ilusionista excepcional. Nada más lejos de la realidad. Su ingenuidad le lleva a convertirse en una estrella internacional hasta que un día descubre que su vida es una gran mentira. Entonces decide ponerse a prueba y abandonar la ficción del programa con un solo objetivo... demostrar a todo el mundo lo que realmente ha llegado a ser: un ilusionista extraordinario!! La Gran Ilusión es el nuevo espectáculo de Antonio Díaz (Premio Nacional de Magia) con el que el joven ilusionista se propone repetir el éxito de su espectáculo anterior "La Asombrosa Historia de Mr Snow".  

¿Quién es El Mago Pop?

No hay esmoquin, ni chisteras. Solo un joven mago con un talento arrollador. A sus 28 años, Antonio Díaz es un apasionado de la magia desde que, con cuatro años, le sacaron una moneda de la oreja. Tras triunfar en teatros de toda España y fundar su propia compañía teatral, este Premio Nacional de Magia se dispone a conquistar la pequeña pantalla con su particular forma de entender la magia y el humor.   [caption id="attachment_22273" align="aligncenter" width="640"]La Gran Ilusión - El Mago Pop El Mago Pop, Antonio Díaz[/caption]   Fechas y horarios: Del 23 de Noviembre de 2016 al 8 de Enero de 2017 De miércoles, jueves y viernes  a las 20.30 horas, los sábados a las 17.30  y las 20.30 h y los domingos a las 17h y las 19.30h. en el TEATRO RIALTO    
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TEATROS LUCHANA

 

IMPROCLAN Presenta

VADEVIP

La exitosa compañía Improclan presenta su 3º espectáculo de producción propia. Con VADEVIP, vuelven a los escenarios proponiendo al público un show divertido e ingenioso, sello de la propia compañía.

¿Te atreves a entrar parte del club más glamuroso de la ciudad?

 

SINOPSIS

El club nocturno más cool de la ciudad abre cada domingo de julio su sesión más exclusiva. A causa de su imparable éxito entre las personalidades más destacadas del panorama nacional, el aforo está prácticamente completo y sólo podrá entrar una persona más. El encargado de seleccionar al elegido será Román, un portero con cara de pocos amigos y una lista de invitados infranqueable. Serán cuatro los candidatos que cada noche intentarán acceder al glorioso VADEVIP, sedientos de postureo y glamour harán lo posible por ser los elegidos. Ellos tendrán que medir sus fuerzas a base de ingenio y rapidez mental en la mismísima cola del preciado local, a través de diferentes pruebas que el propio portero les propondrá. Tendrán que luchar y dejarse las neuronas pues solo de este modo podrán conseguir la ÚLTIMA PULSERA VIP TODO INCLUIDO.  

LA COMPAÑÍA

Improclan nace un 8 de enero de 2012 fundada por 4 actores profesionales curtidos en teatro, cine y televisión. Gracias a la necesidad de impulsar un proyecto personal y de libre creación. El impulsor del proyecto fue Edu Ferrés que junto con Juan Dávila, María Hervás y Juan Carlos Librado formaron la compañía. Actualmente el elenco artístico son Edu Ferrés, Juan Dávila, Juan Vinuesa y Natalia Mateo y el equipo técnico: Area Martínez como técnica improvisadora y Víctor Serrano como jefe de producción. En el mismo año la compañía crea dos espectáculos, IMPROVISA TÍO!! que inicia su andadura en diferentes salas alternativas de Madrid hasta convertirse en una de las pocas compañía residentes en el Teatro Alfil gestionado por YLLANA. IMPROMOVIE su segundo espectáculo rinde homenaje al mundo del cine y sus entresijos, creado especialmente para la sala Microteatro Por Dinero. Compaginando sus temporadas en el templo de la comedia, Improclan inicia una pequeña gira por la comunidad de Madrid y Valencia así como la creación y ejecución de eventos empresariales para grandes marcas como Freixenet, Omnicom, Ayunt. Elche, Comunidad de Madrid, Grupo Inmark entre otras.  

FICHA

Idea original: Edu Ferrés Un espectáculo de: Improclan Intérpretes: Víctor Serrano, Juan Vinuesa, Juan Dávila, Edu Ferrés y Natalia Mateo Covers: Alicia Ledesma, Álvaro Lafora, Virginia Riezu y Quim Ramos. Producción: Edu Ferrés y Víctor Serrano. Luz y sonido: Area Martínez. Diseño gráfico: Daniel Castro. Distribución: Yllana Fechas y horarios:en LOS TEATROS LUCHANA

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TEATROS DEL CANAL

 

¡La viuda alegre convertido en un gran musical! Picardía, belleza y glamour

Del 18 de diciembre al 17 de enero de 2016 en los Teatros del Canal
  Producida por el Teatro Arriaga y dirigida por Emilio Sagi, La viuda alegre fue estrenada en Bilbao el pasado mes de mayo, y se podrá ver en la Sala Roja de los Teatros del Canal del 18 de diciembre al 17 de enero de 2016. La viuda alegre es probablemente la opereta más famosa de todas, un verdadero paradigma del teatro musical. Con música de Franz Léhar y libreto de Victor Léon y Leo Stein basado en la comedia L´attache d´ambassade, de Henri Meilhac, se estrenó en Viena en 1905. Se trata de una producción del Teatro Arriaga de Bilbao de este gran clásico de la opereta al que le da un giro y lo convierte en un gran musical en castellano, con música interpretada en directo por una orquesta de 12 músicos. Esta espectacular producción del Teatro Arriaga, que cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinista a cargo de Renata Schussheim, afinadísima con el vestuario. También captará la atención del público la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. Bajo la dirección musical de Jordi López y la dirección escénica de Emilio Sagi, ayudados por Carlos Roo como asistente de dirección, cuenta con Natalia Millán a la cabeza de un magnífico reparto. Natalia Millán ha sido Sally Bowles(Cabaret) y Velma Kelly(Chicago), Carmen Sotillo(Cinco horas con Mario) o recientemente Doña Ana de Alvarado(Donde Hay Agravios No Hay Celos). Musical, drama o comedia, televisión y teatro. Es igual, Natalia domina todos los géneros. (Aunque ella asegura sentir predilección por el musical) Completan el reparto el barítono Antonio Torres, la actriz, cantante y bailarina Silvia Luchetti, el joven Guido Balzaretti que nos conquistó en Los Miserables, el tenor Enrique Viana y el barítono José Manuel Díaz.   Llevada al cine en tres ocasiones: en 1925 Erich von Stroheim, en 1934 por Ernst Lubitsch y en 1952 por Curtis Bernhardt.  

SINOPSIS

Pesa sobre los servicios diplomáticos la injuriosa especie de que sus titulares no han de tener más virtudes que un hígado resistente y la habilidad de sonreír mientras parlotean sobre naderías, de recepción a fiesta de embajada y de baile de legación a cena de gala. Quizá obras como la que hoy presentamos hayan alimentado esa calumnia. En ella Danilo, su protagonista, se enfrenta a la patriótica tarea de seducir y desposar a Hanna, una joven viuda acaudalada, para que su fortuna no salga del pequeño principado de opereta, ¡nunca mejor dicho!, de cuya embajada en Paris es Danilo primer secretario. La tarea parece sencilla porque el mozo es apuesto y el uniforme le queda como un guante, pero no lo es porque hay entre ellos una vieja historia de amor despechado, porque otros pretendientes con iguales méritos se han fijado el mismo objetivo, ¡chacales arribistas!, y porque la viuda, ya lo dice el título, es alegre y no le pone mala cara a nadie. Mientras, la orquesta encadena valses y el champagne y la alegría se derraman a raudales. ¿Existió alguna vez un mundo así o todo esto es el delirio de un publicista de vinos espumosos? No, es el argumento aproximado de la opereta probablemente más famosa de todas, un verdadero paradigma del teatro musical. “La viuda alegre” se estrenó en Viena, ¿dónde, si no?, en 1905 con música de Franz Lehár y libreto de Victor Léon y Leo Stein, basado en la comedia “L’attaché d’ambassade” de Henri Meilhac y fue recibida con un entusiasmo que dura hasta hoy. El Teatro Arriaga les ofrece hoy una producción propia de este gran clásico de la opereta dándole un giro y convirtiendo en un gran musical, para abrirlo más a todo el mundo, para que todo el mundo pueda reír y disfrutar con él. Si desean conocer el significado exacto de la palabra “glamour”, vengan a ver “La viuda alegre”. La picardía de su argumento, la belleza de sus melodías, el encanto de su mundo irreal le dibujarán una sonrisa en la cara que durará varias horas más que la representación.     [caption id="attachment_14410" align="aligncenter" width="626"]La viuda alegre ©E.Moreno Esquibel La viuda alegre ©E.Moreno Esquibel[/caption]  

FICHA

Música: Franz Lehár Libreto: Victor Léon y Leo Stein, basado en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac Director musical: Jordi López Director escénico: Emilio Sagi Escenografía: Daniel Bianco Figurinista: Renata Schussheim Iluminación: Eduardo Bravo Coreografía: Nuria Castejón Asistente Dirección: Carlos Roo Director del coro: Carlos Imaz REPARTO Hanna Glawari: Natalia Millán Conde Danilo: Antonio Torres Valencienne: Silvia Luchetti Camille: Guido Balzaretti Njegus: Enrique Viana Barón Mirko Zeta: Jose Manuel Díaz Al sexteto principal, se suma el coro de 'La Viuda Alegre', formado por 16 personas, bajo la dirección de Carlos Imaz. Este coro de voces y bailarines está integrado por: Begoña Álvarez, Ylenia Baglietto, Sandra Fdez. Aguirre, Itxaso Quintana, Loreto Mauleón, Ana Sagastizabal, Lara Sagastizabal, Karmele Larrinaga, Alberto Ferrero, Rafa Higuera, Antonio Hurtado, Iñaki Maruri, Alberto Núñez, Aritza Rodríguez, Egoitz Sánchez y Mitxel Santamarina. Fechas y horarios: Del 18 de diciembre y el 17 de enero de 2016. De martes a sábados 20.30 h. Domingos 18.00 h en los TEATROS DEL CANAL  
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Producciones Teatrales Contemporaneas
presenta

BAJO TERAPIA

de Matías Del Federico
Dirección de Daniel Veronese

(más…)
 
El Teatro Real estrena Goyescas, de Enrique Granados, y Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini, junto con un concierto de Plácido Domingo
 

UNA VELADA ESPECIAL CLAUSURA LA TEMPORADA 2014-2015 DEL TEATRO REAL

    Entre los días 30 de junio y 12 de julio se ofrecerán cinco funciones en las que Plácido Domingo, junto con Maite Alberola, Luis Cansino y Bruno Praticò, ofrecerá un concierto entre las óperas Goyescas y Gianni Schicchi. La obra de Granados, protagonizada por María Bayo y Andeka Gorrotxategi, será ofrecida en versión de concierto y dirigida por Guillermo García Calvo, que debuta en el Teatro Real. El papel titular de Gianni Schicchi, con puesta en escena de Woody Allen, será interpretado por los barítonos Nicola Alaimo y Lucio Gallo, en sustitución de Plácido Domingo, quien cancela por motivos personales. Giuliano Carella, que en el Real ha dirigido Don Pasquale, será el responsable de la dirección musical de la ópera de Puccini y del concierto de Plácido Domingo. Gianni Schicchi será retransmitida en directo el día 12 de julio por La 2, de Televisión Española, y en streaming por Palco Digital del Teatro Real  Goyescas, en su versión original para piano, será interpretada por Luis Fernando Pérez, junto con otras obras de Granados, en un concierto integrado en los Domingos de Cámara, el día 28 de junio, a las 12 horas. Dentro del ciclo “Ópera en cine” se proyectará Tosca, de Puccini, producción del Teatro Real dirigida por Nuria Espert en 2004.       El próximo 30 de junio el Teatro Real estrenará Goyescas, de Enrique Granados (1867-1916), última incursión del compositor catalán en este género lírico, en el que no pudo seguir profundizando por su prematura y trágica muerte antes de cumplir los 50 años.   Después de asistir al estreno mundial de su ópera en la Metropolitan Opera House de Nueva York en 1916 y de ser recibido días después por el presidente de Estados Unidos en una fiesta en su honor, Granados emprendió, junto con su mujer, el viaje de vuelta a España a bordo de un navío inglés que sería bombardeado por la armada alemana en el Canal de la Mancha en el auge de la Primera Guerra Mundial.   La ópera, cuya elaboración tuvo la peculiaridad de partir de la orquestación de una suite original para piano a la que se fue después encajando la letra, contiene una música de gran belleza, en la que afloran la madurez creativa del compositor y sus virtudes en la articulación fluida e inspirada de la tradición musical española con el refinado y rico lenguaje armónico de la música centroeuropea a finales del siglo XIX.   La ópera se ofrecerá en versión de concierto, encabezada por la soprano María Bayo, el tenor Andeka Gorrotxategui y el barítono César San Martín, que actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real bajo la dirección de Guillermo García Calvo, que debutará en el Real.     En la segunda parte de la función se podrá ver, en versión escenificada, la fantástica y divertida ópera de Giacomo Puccini (1858-1924) Gianni Schicchi, estrenada en 1918, dos años después de Goyescas. Al igual que su antecesora, se presentó en la Metropolitan Opera House, aunque en esta ocasión sin la presencia de su compositor, que no se atrevió a cruzar el Atlántico en un período tan turbulento pese al enorme interés que tenía en presenciar el estreno mundial de su única ópera cómica. Gianni Schicchi se convertiría además en la última ópera acabada de Puccini, ya que Turandot, a la cual se dedicó con ahínco y entusiasmo en el último período de su vida, quedaría inconclusa.   Gianni Schicchi parte de un episodio de la vida del personaje del mismo nombre retratado en el Canto XXX del Infierno de Dante, con el que Puccini ponía fin a su célebre Trittico basado en la Divina Comedia, del que se habían estrenado ya, con distinta repercusión, Il tabarro y Suor Angelica.   Esta delirante ópera cómica llegará al Teatro Real en una producción procedente de la Los Angeles Opera, con puesta en escena de Woody Allen, al que Plácido Domingo encargó el proyecto dramático en su afán de que la ópera participe del mundo cinematográfico que inunda la ciudad estadounidense.   Allen, con la complicidad de su fiel colaborador Santo Loquasto —autor de la escenografía y figurines de la ópera—, traslada el enredo de la comedia a la Italia de los años sesenta, dejando su impronta, con guiños al mundo del cine, desde antes del inicio de la ópera, a la que otorga un final sorprendente, con una evocadora atmósfera del neorrealismo italiano de Vittorio De Sica.   Gianni Schicchi será protagonizada por los barítonos Nicola Alaimo y Lucio Gallo, que se alternarán en la interpretación del papel titular. Estarán acompañados por un elenco coral mayoritariamente español y por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Giuliano Carella.

 ***

  Tal como se anunció la semana pasada, Plácido Domingo no interpretará el papel titular de Gianni Schicchi, de Giacomo Puccini, debido al reciente fallecimiento de su hermana, a la que se sentía muy unido, y que le impide interpretar, con intensidad y entrega, una ópera de carácter cómico.   No obstante, por deferencia con el público de Madrid y con el Teatro Real, ofrecerá un concierto entre las óperas Goyescas y Gianni Schicchi en las cinco funciones previstas, junto a la soprano Maite Alberola, al barítono Luis Cansino y al bajo-barítono Bruno Praticò, que actuarán con la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Giuliano Carella.    

CONCIERTO EXTRAORDINARIO PROTAGONIZADO POR PLÁCIDO DOMINGO

  PROGRAMA
Umberto Giordano (1867-1948) Andrea Chénier: “Nemico della patria” [Plácido Domingo] Gioachino Rossini (1792-1868) La Cenerentola: “Sia qualunque delle figlie” [Bruno Praticò] Giuseppe Verdi (1813-1901) La traviata: “Madamigella Valery” [Maite Alberola y Plácido Domingo] Giuseppe Verdi (1813-1901) Falstaff: “L’Onore” [Luis Cansino] Giuseppe Verdi (1813-1901) Macbeth: “Pietà, rispetto, amore” [Plácido Domingo]
  Giuliano Carella, dirección musical Orquesta Titular del Teatro Real    

ACTIVIDADES PARALELAS

  ACTIVIDAD PARALELA A GOYESCAS, DE ENRIQUE GRANADOS   Ciclo Domingos de cámara Concierto dedicado a Enrique Granados 28 de junio de 2015, 12.00 horas. Sala principal  
Luis Fernando Pérez, piano Leticia Moreno, violín Margarita Sikoeva, violín David Tena, violín Ewelina Bielarczyk, viola Dragos Balan, violoncello
Miembros de la Orquesta Titular del Teatro Real
I PARTE Enrique Granados – Tres danzas españolas Enrique Granados – Sonata para violín y piano Enrique Granados – Quinteto para piano y cuerda en sol menor op. 49
II PARTE Enrique Granados – Goyescas I. Los Requiebros II. Coloquio en la reja III. El Fandango de Candil IV. Quejas o La Maja y el Ruiseñor Intermezzo 'de la ópera Goyescas' V. Balada. El Amor y la muerte VI. Epílogo. Serenata del espectro
    ACTIVIDAD PARALELA A GIANNI SCHICCHI, DE GIACOMO PUCCINI   Ciclo Ópera en cine Proyección de Tosca de Giacomo Puccini 11 de julio de 2015, 18.00 y 21.00 horas. Sala principal  
Producción del Teatro Real, 2004
Director musical: Maurizio Benini Director de escena: Nuria Espert
Escenógrafo: Ezio Frigerio
Figurinista: Franca Squarciapino Reparto: Daniella Dessì, Fabio Armiliato, Ruggero Raimondi, Miguel Sola,
Emilio Sánchez, Josep Miguel Ribot, Francisco Santiago, Eliana Bayón
 
 
 

TRES HERMANAS

 

TEATRO GUINDALERA presenta

TRES HERMANAS

de Chéjov con versión y dirección de Juan Pastor

 

“La esperanza de una mejor vida y una profunda fe en el futuro”

VÁMONOS A MOSCÚ

  El Teatro Guindalera, actual Premio Max Mejor Producción Privada, presenta Tres Hermanas de A. Chéjov con versión y dirección de Juan Pastor. El reparto lo forman: Victoria Dal Vera (Olga), María Pastor (Masha), Ariana Martínez (Irina), Raúl Fernández (Andrei), Susana Hernáiz (Natacha), Juan Pastor (Chebutikin) , José Bustos (Tusenbach), José Troncoso (Soliony), José Maya (Kuliguin), Carles Moreu (Vershinin) y Aurora Herrero (Anfisa).   En Enero un grupo de doce actores y actrices vinculados a GUINDALERA iniciaban un taller de investigación impartido por Juan Pastor en torno a 'Tres hermanas' de Antón Chéjov. En los tiempos que corren pensar en montar 'Tres hermanas', con doce actores suena a suicidio colectivo. Pero si fuera fácil, no sería un proyecto de Guindalera. Acostumbrada a vivir ajena al ruido y a las modas. Montando solo obras en las que creen, olvidándose del beneficio.  

SINOPSIS

Tres hermanas de Chéjov tiene como núcleo la vida desdichada de las hermanas huérfanas en una pequeña ciudad rusa de provincia, en la que está de guarnición una brigada de artillería, que es el único estímulo vital de esa ciudad amodorrada. Sin ellos todo sería languidez, desgana y tedio sin más diversión que el chismorreo, la embriaguez o la intriga amorosa. En ese ambiente inerte y apático, que elimina el anhelo de cualquier vida más plena y humana se ven atrapadas las tres hermanas. Su única esperanza, que acabará también por perderse, es huir de allí e instalarse en Moscú, su antigua ciudad y que se ha convertido en un imperante objetivo que a su vez recuerdan con una diaria nostalgia. La retraída y pusilánime cuñada, Natacha, se irá adueñando poco a poco de la casa y sus ocupantes y acabará por imponerse despóticamente a ellos. Las hermanas no se percatan, o no quieren enterarse de que el causante real de la ruina de sus esperanzas es su hermano Andrei, marido de esa mujer.    

LA OBRA

Juan Pastor presenta una nueva lectura de la obra partiendo de nuestra realidad más presente. Chéjov nos alerta sobre la estupidez humana y la necesidad de un cambio, una renovación espiritual que nos lleve a un futuro mejor. Una compañía de teatro decide cumplir el sueño de montar Tres hermanas. La obra nos dice que es necesario el cambio y que sus personajes son incapaces de leer lo que sucede. La falta de habilidad para abrazar esos cambios que los tiempos traen es lo que les impide alcanzar sus metas. En el espectáculo hay una reflexión sobre el presente. Vemos cómo el mundo está cambiando; el que una vez conocimos desaparece. Un mundo se acaba y otro empieza. Pero la crisis provocada por esa necesidad no solo es económica y política, sino que también afecta al sistema de valores y con ello existe el riesgo de perder lo válido… Una fuerza vital y un desmesurado deseo por vivir hace que el comportamiento de los personajes en Tres Hermanas nos parezca distorsionado o cómicamente trágico.     [caption id="attachment_37019" align="aligncenter" width="800"]TRES HERMANAS TRES HERMANAS[/caption]  

NOTA DE JUAN PASTOR

¿Por qué Tres hermanas de Chéjov? La desesperación ante el presente y la esperanza de un cambio positivo en el futuro que permita la realización de sus más altas aspiraciones como artistas en un país que no ofrece alternativas, lleva a una compañía de actores españoles a montar TRES HERMANAS de Chéjov, porque en ella creen descubrir como ante un espejo ciertas claves que les ayuden a comprender la realidad de su entorno más cercano. De esta forma, y a pesar de su falta de medios, el colectivo inicia un viaje a su Moscú más deseado, permitiendo que su realidad circundante y la de la ficción de la obra se retroalimenten en un espectáculo final (ciñéndose solo al texto de Chéjov). Según una reflexión de Lee Trepanier, el estado de decadencia espiritual y material que caracteriza a las hermanas de la obra de Chéjov y más concretamente a la sociedad aristocrática rusa de finales del siglo XIX, se puede comprender por una lectura de Musil “sobre la estupidez”. El novelista austríaco afirma que “la causa de la decadencia de las sociedades cultas y su eventual colapso es la estupidez, que más que una deficiencia es una falta de comprensión.” Naturalmente, esto podría aplicarse también perfectamente a nuestra sociedad europea actual en la que, como consecuencia de la falta de comprensión o incapacidad de sus líderes de lo que está sucediendo, ante la tan mencionada crisis, estúpidamente se están perdiendo una serie de valores, en nuestra “sociedad del bienestar”, mientras estúpidamente aparecen otros aspectos negativos con la insistencia de asumir una responsabilidad necesaria para mantener precisamente ese sistema. Así, nuestra compañía de actores interpreta que el desposeimiento espiritual y material de la casa de los Prozorov en TRES HERMANAS se puede comprender como resultado del estúpido comportamiento de sus protagonistas porque son incapaces de defender y preservar los valores aristocráticos de su condición, como el de belleza, sacrificio compartido y ocio, valores que los actores creen que defienden los nuevos colectivos que están apareciendo en nuestro país y que intentan preservar la llamada sociedad del bienestar europeo frente a la tan demandada y necesaria responsabilidad que reclaman estúpidamente muchos de nuestros líderes, insistiendo en el pragmatismo y la utilización de las personas como medio, para conseguir la riqueza que permita igualmente preservar esa misma sociedad del bienestar. Solidaridad frente a responsabilidad. De esta forma, en TRES HERMANAS, el colectivo de actores que va a montar la obra encuentra en el estudio de sus personajes dos tipos diferentes de estupidez, una franca y honorable encarnada por las hermanas, entre otras cosas por la falta de comprensión y por lo tanto incapaces para enfrentarse ante las fuerza que les destruirán y otra encarnada por Natacha, paradójicamente con un signo de inteligencia, porque consigue su propósito, pero que trae consigo la vulgaridad y el egoísmo burgués incapaz de empatizar con el sufrimiento ajeno. Así, acudimos a una confrontación entre dos grupos de gente ante los problemas que plantea la vida en esa casa común. Natacha y Protopópov son representantes de una clase que sabe exactamente lo que quiere y que logra alcanzar, cosa que los Prozorov son incapaces, porque tienden a minar toda iniciativa personal. Son encantadores pero ineficaces. La vulgaridad de Natacha, sin embargo, representante de valores burgueses con un comportamiento responsable, rechaza la sensibilidad de los Prozorov sobre sus altos propósitos de solidaridad en la búsqueda inmediata de soluciones a sus asuntos prácticos, a su estatus y a sus inclinaciones sexuales. Las discusiones sobre ideas impracticables se sustituyen por el pragmatismo y el cálculo. Las cosas funcionarán en la casa según los deseos de la gente como Natacha y los valores defendidos por las hermanas se perderán. Teniendo como fondo este panorama, nuestra compañía de actores va a vivenciar la experiencia de este drama lleno de ironías amargas, pero con muchos momentos dramáticamente cómicos, porque se ven a sí mismos como sus personajes, perdidos y sobrellevando sus fallos con fantasías de futuros felices. Pero también como ellos, en los momentos más bajos, encuentran la fuerza para levantarse al nivel de sus sueños sobre el futuro feliz de la humanidad. En nuestro montaje tanto los actores como los personajes de la ficción, ¡quieren vivir! Y aunque a veces lo hacen agónicamente, desperdiciando su energía en juegos o actitudes triviales, ¡quieren vivir! Con una fuerza vital y fe en el futuro. “La esperanza de una mejor vida y una profunda fe en el futuro” Pero a pesar de actuar con esa energía hacen sus vidas inútiles porque rechazan actuar para conseguir sus verdaderos objetivos, no hacen nada verdaderamente adecuado para construir sus vidas deseadas y eso además de trágico genera situaciones cómicas. Como decía una crítica americana después de ver la obra: “No encuentro sentido a que tres adultas gasten cuatro actos para no ir a Moscú cuando todo el tiempo tienen la posibilidad de comprar un billete de tren fácilmente.” De esta forma los personajes, como los actores que participan en la obra no se sumergen en sus tristezas, sino todo lo contrario, buscan la vida, la alegría y el coraje. Quieren vivir y ser activos emocionalmente, se levantan para vencer el duro e insoportable punto muerto en el que la vida les ha sumergido, aunque sus comportamientos triviales les impidan las acciones pertinentes que precisarían para sus diseños como personas. La obra contiene una crítica al comportamiento de los personajes a los que se llega a amar porque se les comprende, como nosotros los actores amamos esa realidad a la que pertenecemos. Esperamos que todo eso induzca al público a criticar pero comprender esas vidas enfermizamente triviales. Chéjov no solamente tenía cierta simpatía por sus personajes a los que amaba porque los comprendía y aunque pareciera juzgarlos con dureza, sus juicios no eran explícitos, no perdía su objetividad. Esperamos que el público reflexione sobre el comportamiento de sus personajes, los comprenda y por lo tanto llegue a amarlos a ellos como a nosotros los actores del intento. TRES HERMANAS contiene una exploración constante entre la esperanza y la desolación, habla sobre la desesperación ante el presente y la esperanza de un futuro mejor. La carga de la pena y el fracaso está equilibrada e incluso trascendida por el anhelo de la felicidad y realización. Los actores de la compañía ante un cambio inminente y necesario en nuestra sociedad buscamos desesperadamente el equilibrio entre responsabilidad y solidaridad. Aquellos tiempos de la obra de Chéjov son un eco de lo que posiblemente hoy, a principios del siglo XXI se percibe, la visión de un futuro en el que muchas cosas van a cambiar en un sentido u otro, todo depende de nosotros, pero queramos o no el cambio será de gran dimensión.
Juan Pastor
   

Tres hermanas en los Teatros del Canal

 

FICHA

Dramaturgia, espacio escénico y dirección: Juan Pastor Iluminación: Sergio Balsera Ayudante de dirección: Aurora Herrero Adjuntos a la dirección: Maria Pastor,  José Bustos  y José Troncoso Ayudante de producción: José Troncoso Espacio sonoro: José Bustos,  Escuela de Nuevas Músicas Sastra: Noemi Loiti Asesora de coro: Sonia Herrero Coordiación técnica: Sergio Balsera y David Benito Comunicación prensa y redes: Manuel Benito, Raquel Berini y Alba Quintas Producción y ambientación: Teresa Valentín-Gamazo Fotografía: David Benito Distribución: Fran Avila Reparto: Victoria Dal Vera, María Pastor, Ariana Martínez, Raúl Fernández, Susana Hernáiz, Juan Pastor, José Bustos, José Troncoso, José Maya, Carles Moreu y Aurora Herrero.        
 
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TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

 

EL NOMBRE Teatro Cofidis Alcázar A partir del 10 de septiembre

  EL NOMBRE', de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliêre. Versión española de Jordi Galcerán , con dirección de Gabriel Olivares y con un reparto de lujo: Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, Cesar Camino y Kira Miró. A partir del 10 de septiembre, de miércoles a domingo en el Teatro Cofidis Alcázar.     LE PRENOM de Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliêre: Estrenada en el Teatro Edouard VII de París en septiembre de 2010, se convierte en uno de los mayores éxitos de la cartelera parisina. Después de  permanecer durante  toda  la  temporada  y  tras  finalizar  sus representaciones en junio del año siguiente, se encargan de la adaptación y dirección de la película 'Le Prénom', que también supone un enorme éxito en toda Europa, siendo nominada a cinco premios Cesar y obteniendo dos de ellos. La pieza es muy fiel al estilo francés, recordando en muchos momentos a obras de autores de la talla de Jaoui, Bacrí, Thiery,  Sibleyras  y  especialmente  Yasmina Reza.  UN DIOS SALVAJE,  producida  en  sus  versiones castellana y catalana por el mismo equipo,  llevó  un  recorrido teatral y cinematográfico muy similar en nuestro continente.  Con el mismo éxito se han realizado versiones en diferentes países del mundo.   Parte de un primer conflicto con una importancia relativa, cuyas consecuencias pronto  irán agrandándose y aflorando los verdaderos problemas entre sus protagonistas. Todo ello con un lenguaje especialmente mordaz y con esa habilidad de hacernos sentir que, las situaciones que plantea, en algún momento de nuestra vida nos han podido ocurrir a todos. La identificación con los personajes es inmediata. Es cercana. Cualquier familiar, amigo, marido o esposa nos ha podido poner en esa situación. La de un viejo rencor guardado,  la de tomar partido por algo o por alguien.  Y ojalá siempre todos los conflictos pudieran tratarse en la vida real con el mismo sentido del humor que lo hace esta obra. Creemos que se trata de un texto enriquecedor para el público que lo escuche.  

SINOPSIS

Vicente, que va a ser padre por primera vez, acude invitado a cenar a casa de su hermana Isabel y su marido Pedro, donde también está su amigo de la infancia Carlos. Más tarde aparece Ana, su embarazada mujer, que como siempre viene con retraso. Se trata de celebrar la próxima llegada del bebé. Le plantean todo tipo de cuestiones sobre su futura paternidad y los cambios que suponen en la vida de una pareja, sin perder nunca el sentido del humor. Cuando le preguntan si ya ha escogido un nombre para el futuro niño, su respuesta deja a todos boquiabiertos… desde luego, no es para menos. A partir de ahí se genera un debate que va a crear un conflicto detrás de otro, cada cual más sorprendente e hilarante, y que cuestionará el carácter de cada uno y la relación entre todos los personajes.     [caption id="attachment_14276" align="aligncenter" width="724"]EL NOMBRE © Sergio Parra EL NOMBRE © Sergio Parra[/caption]    

FICHA

Autores: MATHIEU DELAPORTE Y ALEXANDRE DE LA PATELLIÈRE Versión: JORDI GALCERÁN Escenografía: JOAN SABATÉ Iluminación: TXEMA ORRIOLS Caracterización: TONI SANTOS Sonido: DAMIEN BAZIN Estilismo: ROSA SOLANO Fotografía: SERGIO PARRA Diseño gráfico: JAVIER FRANCO Y DIEGO MARTÍN Dirección Técnica: DAVID GONZÁLEZ Aydte. Dirección: VENCI KOSTOV Producción: CARLOS LARRAÑAGA FRANCO, NICOLÁS BELMONTE, ALICIA ÁLVAREZ Dirección: GABRIEL OLIVARES Distribución: DISTRIBUCIÓN Y GIRAS Reparto: AMPARO LARRAÑAGA, ANTONIO MOLERO, JORGE BOSCH, CESAR CAMINO Y KIRA MIRÓ. Fechas y horarios: A partir del 10 de septiembre. Miércoles a viernes 20:30 horas, sábados 19 y 21:15 horas, domingos 19:00 horas TEATRO COFIDIS ALCÁZAR 

Descargar DOSSIER EL NOMBRE  
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TEATRO ESPAÑOL

Del 18 de diciembre de 2015 al 10 de enero de 2016

El 1 de JULIO abria el Festival de Mérida MEDEA. Con dirección de José Carlos Plaza y dramaturgia de Vicente Molina Foix a partir de textos de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas. 

Ana Belén da vida a una hechicera y vengativa Medea. La actriz vuelve a meterse en la piel de un personaje mítico del mundo clásico y lo vuelve a hacer a las órdenes de José Carlos Plaza. Ambos culminan así una trilogía de mujeres trágicas: Fedra (2007), Electra (2012) y esta Medea. Acompañada en escena por un elenco de grandes actores: Adolfo Fernández, Consuelo Trujillo, Luis Rallo, Poika Matute, Alberto Berzal, Olga Rodríguez, Leticia Etala y Horacio Colomé.

La versión libre de Vicente Molina Foix, dirigida por José Carlos Plaza, enfatiza las razones por las que Medea se comporta de la manera en que se comporta, alejándose de juicios paralelos que puedan irrumpir en la trama.

Más de 8.000 espectadores y dos llenos absolutos dejan constancia de que Medea es una de esas historias que agarran el corazón y confirman que la sangre puede ser a la vez el detonante de una nueva vida.  

Medea es doblemente legendaria desde la antigüedad, porque a la suya le precede otra leyenda no menos poderosa: la del viaje en busca del Vellocino de oro emprendido por los Argonautas al mando de Jasón. Nuestra ‘Medea’ refleja el mundo propio de Medea y los antecedentes de la conquista del sagrado trofeo, fundiendo, como así debió de suceder en algún remoto día, la persona y las artes de la princesa hechicera con la figura del marino desposeído de su reino y su orgullo guerrero. La obra que he escrito también se mueve en dos frentes: el sueño heroico y la crudeza intemporal de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado. Eurípides y Séneca fueron los precursores, pero también, entre otros, nos inspiró la gran novela en verso de Apolonio de Rodas y los maravillosos relatos poemáticos de Ovidio. El molde argumental y ciertos pensamientos y palabras son de ellos, pero, siguiendo la estela de los escritores de todos los tiempos que fueron a los clásicos para abastecerse y revalidar su lección, hemos querido ser fervientes infieles, introduciendo elementos nuevos y dando a tres personajes aquí muy libremente recreados (la Nodriza, el Preceptor y Creonte) los perfiles cómicos y grotescos que no faltaron en la tragedia grecolatina.

‘Medea’ es, no sólo en ese sentido, una vuelta a la feliz experiencia que supuso en este mismo escenario la ‘Electra’ del 2012, en la que coincidíamos buena parte del equipo artístico y de la producción actual. A José Carlos Plaza, Pedro Moreno y Mariano Díaz me unen muchas experiencias teatrales, y es la quinta vez que como escritor trabajo con mi admirada Ana Belén, desde su inolvidable Ofelia del ‘Hamlet’ de 1989 interpretado por José Luis Gómez y dirigido en el CDN por Plaza. Son ahora, con los nuevos y magníficos nombres que se incorporan, los compañeros ideales en una aventura que nos lleva a la tierra en la que aún nos movemos: la de las pasiones imperecederas.
Vicente Molina Foix
 

Sobre Medea

Medea llega a nosotros como un mito. El mito del desequilibrio. En Medea se rompe el equilibrio que los valores occidentales plantean entre el mundo femenino y el masculino. Medea existe en un mundo primitivo donde las grandes respuestas cuyas preguntas aun ni siquieran han sido formuladas; donde el humano vive entre sus instintos y sus pasiones: nacer, engendrar y morir. Un mundo que cree y se sustenta en rituales, la mayoría sangrientos -que suplen la ausencia del pensamiento, amparan al miedo que produce el desconocimiento y la ignorancia sobre tantos y tantos porqués. ¿Por qué la noche?, ¿Y el firmamento? o la muerte... El mundo de Medea es un mundo oscuro, esotérico, mágico donde la sangre es el elemento generador de vida. De ahí los rituales cruentos de jóvenes cuyo sacrifico, cuya sangre sirva de alimento a la tierra que creará los frutos que alimentaran a otros jóvenes: Un ciclo vital y en ese ciclo Medea es la hechicera, el sacerdote oficiador en este mundo oscuro de la Colquida. Otro mundo aparece, el mundo viril de Jasón. El contacto se produce y Medea –dejando salir esa dimensión de mujer, encubierta y reprimida por occidente y apropiándose de los derechos sexuales y la acción agresiva y violenta que siempre ha ocupado el hombre– renuncia a su raíces, a su familia y hasta a ella misma. Sucumbe ante el Hombre. Y todo su instinto le empuja a no mirar atrás, a cortar, incluso con impiedad los vínculos sacros de tierra y familia. Expatriada a un lugar extraño, a un mundo más avanzado, menos puro, más racional, Medea es traicionada. A partir de ese momento Medea trasgrede la norma de ese orden masculino. Actúa realizándose como ser. Corta la estirpe del hombre y amputa su esencia como madre, como cortó la de hija y hermana, y así equilibrar su propio entidad de ser. La sangre del hijo regará la tierra y creará nuevos seres no contaminados por la mentira y la traición. Dos mundos encontrados incapaces de entenderse. Y se produce el desorden , el quebrantamiento de un status por quien no tolera ni siquiera comprende la traición y mucho menos las mezquinas razones a ella conducen.
José Carlos Plaza
    [caption id="attachment_14630" align="aligncenter" width="705"]MEDEA - Foto : Jero Morales MEDEA - Foto : Jero Morales[/caption]  

FICHA

Reparto Ana Belén: Medea Adolfo Fernández: Jasón Consuelo Trujillo: Nodriza Luis Rallo: Preceptor Poika: Creonte Alberto Berzal: Corifeo Olga Rodríguez: Corifea Leticia Etala: Creusa Horacio Colomé: Jasón joven   Equipo Artístico Y Técnico Escenografía: Francisco Leal Vestuario: Pedro Moreno Ayudante de vestuario: Beatriz Robledo Musica original: Mariano Díaz Iluminación: Toño Camacho Audiovisual: Álvaro Luna Jefe de producción: Raúl Fraile Ayudante de dirección: Jorge Torres Dramaturgia: Vicente Molina Foix, a partir de Eurípides, Séneca y Apolonio de Rodas Dirección: José Carlos Plaza Producción: Jesús Cimarro Una producción del Festival de Mérida y Pentación Fechas y horarios: Del 18 de diciembre de 2015 al 10 de enero de 2016 De martes a sábado 20h. Domingos 19h en el TEATRO ESPAÑOL DESCARGAR DOSSIER  
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MICROTEATRO POR DINERO

      Una caravana en medio del bosque. Un hombre que recoge a una chica que parece perdida. Esta es la premisa de ‘SHE MOVES’, un thriller psicológico escrito por Carlos Crespo que indaga en los límites éticos de las relaciones humanas. Martín (Edu Díaz) y Lara (Lidia Amanda Montiel) escenifican un extraño y bizarro ritual en el que nada es lo que parece. ‘SHE MOVES’ pondrá a prueba al público de ‘Microteatro por Dinero’ que vivirá muy de cerca esta obra que cuenta con efectos lumínicos y visuales no habituales en este tipo de formato teatral.   Se representa semanalmente a partir del próximo martes 30 de junio a partir de las 20.30 horas. Con una duración en torno a los 15 minutos, se mostrará en siete pases cada martes.  

EL DIRECTOR

Manuel M. Velasco es guionista y director de cine y televisión. Cuenta en su filmografía como director con algunos cortometrajes multi premiados en festivales nacionales e internacionales, como "Cambio de Agujas" y "Los Niños del Jardín". Realizador también de varios videoclips y spots publicitarios, es autor de guiones de series de televisión para productoras como Europroducciones o BocaaBoca. También participó en el guion y en la dirección de los Premios Goya en su XX Aniversario. En teatro ha escrito y dirigido varias micro obras en Madrid y Málaga. ‘SHE MOVES’ es su última incursión teatral como director. Como experto en cine, colabora en varios medios de comunicación y es autor de uno de los blogs de cine más leídos de Antena3.com.  

LOS ACTORES

Lidia Amanda Montiel se ha formado en escuelas como Nancy Tuñón y Eòlia, es diplomada en interpretación por El Plató de Cinema (Barcelona) y ha hecho cursos de Técnica Meisner. Tiene experiencia en teatro, como locutora de radio y de publicidad. También ha participado en videoclips como  ‘Culpable’ de David Bisbal y en cortometrajes como ‘Algo Temporal’, finalista en la última edición del Notodofilmfest. ‘SHE MOVES’ es para Lidia su primera incursión en la escena teatral madrileña.  Edu Díaz es actor y productor teatral. Es experto en marketing y comunicación, actividad que ejerció en el Grupo PRISA (Diario El País). En el terreno artístico se ha formado en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Madrid (EMAD) y ha realizado talleres en la Escuela de Cristina Rota y en la Central de Cine con Raquel Pérez y Natalia Mateo. Como productor, es responsable junto al colectivo ‘Los Zurdos’ de la obra ‘Amores Minúsculos’, actualmente en cartel en el Teatro Lara. ‘SHE MOVES’ supone su vuelta a la interpretación tras años dedicado a la producción.  

EL AUTOR

Carlos Crespo es director y guionista. Se ha formado en ‘La Factoría del Guion’ de la mano de Pedro Loeb, Javier Fonseca, Daniel Tubau, Sonia Gómez y Carlos Bianchi, entre otros y ha cursado el ‘Máster de Guion para Cine y Televisión’ de la Universidad Pontificia de Salamanca. Ha escrito y dirigido varias piezas para teatro, como ‘Mario y Kara’ y ‘Somos’. Es autor de dos cortometrajes: ‘Cosas que no recordarás mañana’ y ‘Por no morir nada más vernos’, éste último actualmente en distribución y seleccionado en el Festival de Cine de L'Alfàs del Pí. Escribe ‘SHE MOVES’ en ‘3 Disciplinas’, curso dirigido por Natalia Mateo en la Central de Cine destinado a guionistas, directores y actores en el que los alumnos experimentan con el proceso de creación teatral.   She Moves   Texto: Carlitos Crespo Dirección: Manuel M. Velasco Intérpretes: Lidia Amanda Montiel, Edu Díaz Fechas y horarios: Todos los martes del 30 de junio al 21 de julio a partir de las 20:30h. MICROTEATRO POR DINERO