Histórico

[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

TEATRO ESPAÑOL

 

La compañía La Pavana presenta

IVÁN Y LOS PERROS

de Hattie Naylor dirección de Víctor Sánchez Rodríguez con Nacho Sánchez

Del 25 de mayo al 25 de junio

Estrenada el 8 de diciembre en el Centre Cultural Mario Monreal. IVÁN Y LOS PERROS de la dramaturga londinense Hattie Naylor se podrá ver en el Teatro Español del 25 de mayo al 18 de junio.

IVÁN Y LOS PERROS de Hattie Naylor, en versión de Juan Vicente Martínez Luciano y con dirección de Víctor Sánchez Rodríguez (Premio Max de teatro 2016 a Mejor Autoría Revelación por Nosotros no nos mataremos con pistolas) es una producción de la compañía La Pavana, en el cual se examina la humanidad del individuo y la sociedad.   La obra narra la aventura de un niño moscovita que se vio obligado a dejar su casa con solo 4 años para salvaguardar su vida. Un niño que encuentra la humanidad en los perros que lo salvaron del frío, del hambre y de la peor carencia, que es la carencia del amor. Nacho Sánchez da vida a Iván dirigido por Víctor Sánchez Rodríguez, escenografía y vestuario de Mireia Vila Soriano (Mirre Ina), música de Luis Miguel Cobo, iluminación de Luis Perdiguero y movimiento y ayte de dirección de Cristina Fernandez Pintado.  

SINOPSIS

Iván y los perros, ocurrió. Fue una historia real, La increíble aventura de Iván Mishukov un niño moscovita que con tan solo cuatro años tuvo que escapar de un padrastro que lo maltrataba y de su madre alcohólica que era incapaz de defenderle, y se echó a la dura calle del primer Moscú post-soviético donde la historia de Iván no era la excepción: cientos de niños se guarnecían del frío en las estaciones de metro junto a sus perros callejeros. Los dos años que Iván pasó en la calle estuvo al margen de las drogas, el hambre y el frío gracias a su manada. Cuando las autoridades se hicieron cargo de él, su caso saltó a los medios de comunicación de todo el mundo. Iván había substituido la palabra por el aullido. Al aullido, la manada responde; en cambio, al grito de dolor, la humanidad suele dar la espalda. Iván ve en lo profundo de los ojos de cada perro algo tan grande que sólo puede nombrar a través de la metáfora: como si en los ojos de cada perro estuvieran todos los perros del mundo, conformando una camada global unida en salvaje hermanamiento. Iván encuentra en sus perros el amor que el mundo le niega, por eso el texto es un alegato a encontrar lo humano en otro sitio cuando vemos que en el vecino, o en nosotros mismos, se ha evaporado. Un aullido necesario para estos tiempos.   [caption id="attachment_42329" align="aligncenter" width="725"] IVÁN Y LOS PERROS[/caption]  

FICHA

Autor: Hattie Naylor Versión: Juan Vicente Martínez Luciano y Victor Sánchez Dirección: Víctor Sánchez Rodríguez Escenografía y vestuario: Mireia Vila Soriano (Mirre Ina) Música original: Luis Miguel Cobo Iluminación: Luis Perdiguero Movimiento y ayte de dirección: Cristina Fernandez Pintado. Distribución: Teresa de Juan Producciones Reparto: Nacho Sánchez Una producción de La Pavana Fechas y horarios: Del 25 de mayo al 25 de junio De martes a domingo a las 20.30h (excepto domingo 28 de mayo, a las 19:30h.) en el TEATRO ESPAÑOL › 17 de junio: función con sobretítulos para personas sordas y sobretítulos en inglés   [button link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1020691265" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATROS DEL CANAL

 

DRUM TAO presenta

TAO The Samurai of the Drums

Del 21 al 26 de marzo

Cuerpos atléticos tocan gigantescos tambores con un ritmo hipnótico

  Casi 7 millones de espectadores en todo el mundo ya han disfrutado de la experiencia TAO.   TAO The Samurai of the Drums se podrá ver en la Sala Roja de los Teatros del Canal del 16 al 26 de marzo. Cuerpos atléticos, percusión explosiva y ritual eterno, eso es TAO. Con una precisión y energía extraordinarias, tocan sus gigantescos tambores Wadaiko (de hasta 1,7 metros y más de 400 kilos), creando un ritmo hipnótico, una auténtica batalla musical y una coreografía meticulosamente sincronizada.   En 2004, DRUM TAO participó en el mayor festival del mundo de las artes -el Festival Fringe de Edimburgo-, consiguiendo ser el gran éxito de taquilla, siendo nº 1 en ventas a pesar de ser su primera participación. DRUM TAO comenzó a difundir sus espectáculos en el extranjero tras su éxito en el Festival Fringe, con su primera gira mundial durante tres meses en Alemania y Australia. Tras ser invitados a actuar en los Juegos Olímpicos de Vancouver en 2010, se agotaron las entradas en todas y cada una de sus actuaciones en su primera gira norteamericana en la que visitaron 44 ciudades con un total de 50 espectáculos. DRUM TAO ha viajado por todo el mundo actuando en más de 22 países, 400 ciudades con 6,5 millones de espectadores. Con su recorrido por todo el mundo y  sus más de 200 espectáculos al año en Japón, DRUM TAO recibió el  '6º Premio del Comisionado de la Agencia de Turismo en Japón', y el premio a la 'Extraordinaria Contribución Cultural' de la prefectura de Oita. TAO ha redefinido el arte de la Percusión Japonesa Tradicional y sostiene con orgullo el premio de seguir siendo maestros indiscutibles de esta antigua forma de arte japonés.   [caption id="attachment_42324" align="aligncenter" width="700"] TAO The Samurai of the Drums[/caption]   Fechas y horarios: Del 21 al 26 de marzo en los TEATROS DEL CANAL De martes a viernes 20.00 h Sábados   18.30 y 21.30 Domingos 18.30 h   [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=TAOTC2017&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=n3y75_Y2jGs&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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SALA CUARTA PARED

 

Claire Cunningham presenta

GIVE ME A REASON TO LIVE

Del 16 al 18 de febrero de 2017, a las 21.00 horas

El XXXIV Festival de Otoño a Primavera estrena una pieza de danza contemporánea inspirada en El Bosco

 

• ‘Give Me a Reason to Live’ es un solo dancístico bello y descarnado sobre la trascendencia, la lucha y la empatía.
• El espectáculo podrá verse en la Sala Cuarta Pared tres únicas funciones, del 16 al 18 de febrero, a las 21.00 horas.

  La danza sin límites tomará las tablas de la Sala Cuarta Pared de la mano del XXXIV Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid gracias a la coreógrafa y bailarina escocesa Claire Cunningham, que este mes de febrero estrena en Madrid su aclamada pieza Give Me a Reason to Live. Cunningham explora su discapacidad motriz en un solo inspirado en el pintor medieval holandés Hieronymous Bosch (popularmente conocido como El Bosco), poniendo en pie una pieza descarnadamente bella sobre la transcendencia y la lucha. El espectáculo podrá verse en Cuarta Pared tres únicas noches, del jueves 16 al sábado 18 de febrero, a las 21.00 horas. Además, el día 16 tendrá lugar un encuentro de la artista con el público tras finalizar la función, con entrada libre hasta completar aforo. Give Me a Reason to Live investiga la imaginería de las personas con discapacidad en las pinturas apocalípticas de El Bosco, para cuestionar nuestras actuales perspectivas sobre la alteridad y la diferencia. Con una generosidad y una inmediatez brutales, Give Me a Reason to Live  es un solo de danza de 40 minutos envuelto en una bella banda sonora creada por la artista musical Zoë Irvine. Como si se tratase de un devenir de pruebas sobre el cuerpo y la fe, la obra aborda temas como la religión y el arte religioso y afronta cuestiones como el enjuiciamiento del cuerpo y el modo de vida humano. Con un estilo repleto de transcendencia y motivación, Give Me a Reason to Live profundiza en cuestiones como la presencia y la confrontación con el otro y lo diferente con gran fuerza y autenticidad. El resultado es un trabajo de gran impacto para el espectador. Contemplando la fortaleza física de Cunningham a la vez que su total desnudez emocional, el público asiste a un viaje interior y de reflexión sobre la empatía, la simpatía o la indiferencia hacia el otro, en el que la artista se muestra abierta y desgarradamente íntima y generosa. En palabras de la propia Cunningham, “Give Me a Reason to Live es un estudio sobre la noción y la provocación de la empatía inspirado por el trabajo del pintor medieval holandés Hieronymus Bosch, particularmente, por el papel de los mendigos y lisiados en sus obras como posible símbolo del pecado. Se trata de un memorial vivo sobre los discapacitados que fueron víctimas del programa nazi de eutanasia Aktion T4 y también sobre los discapacitados de hoy, víctimas de la reciente reforma del estado de bienestar de Reino Unido”. El solo ha sido tildado por la crítica internacional como “un espectáculo dulcemente inteligente que consigue devastarte y llenarte de dicha a partes iguales” (Bachtrack); “una obra impactante e inmediata” (List); o “una pieza que te dejará sin duda conmovido y ligeramente conmocionado” (Edinburgh Festival's Magazine).   [caption id="attachment_42320" align="aligncenter" width="700"] GIVE ME A REASON TO LIVE Foto: Maria Falconer[/caption]  

FICHA

Coreografía e interpretación: Claire Cunningham Iluminación: Karsten Tinapp Sonido: Zoë Irvine Músicas adicionales: Nesciens Mater de Jean Mouton y Den Tod de J. S. Bach Cello: Matthias Herrmann Vestuario: Shanti Freed Asesoramiento: Kristin De Groot (Bosch Project) y Janice Parker (Escocia) Producción técnica y rediseño de iluminación: Gregor Knüppel Producción ejecutiva: Nadja Dias Asistente de producción: Sheena Khanna Producción ejecutiva y distribución en España: Ana Sala (IKEBANAH Artes Escénicas) Producción: Claire Cunningham Con el apoyo de: Bosch 500 Foundation, Dance Umbrella, Comune di Bassano del Grappa, La Briqueterie / CDC du Val de Marne, D.ID Dance Identity, Festival CEMENT (NL), Dansateliers Rotterdam, The Work Room (Glasgow), Dance House (Glasgow) y //Buzzcut// Prensa: The Office Comunicación Fechas y horarios: Del 16 al 18 de febrero de 2017, a las 21.00 horas en la CUARTA PARED   [button link="http://bit.ly/2lbaPCh" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=ThmMMgcpS-U&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO KAMIKAZE

 

El Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid y El Pavón Teatro Kamikaze presentan

 

BLACKBIRD

de David Harrower Traducción: José Manuel Mora Dirección: Carlota Ferrer

BLACKBIRD reflexiona sobre los límites del amor, cuestionándose el concepto de amor en sí mismo y el papel que en él juegan la sociedad, la familia, la ley y la moral.

 

• Bajo la batuta de la directora Carlota Ferrer, la obra,  se estrenó  dentro del marco del Festival de Otoño a Primavera del 2017 y regresa al Pavón  del 18 Jun al  7 Jul 2019.
• Carlota Ferrer guía  la puesta en escena de uno de los textos más controvertidos de los últimos años, Blackbird, de David Harrower. Un thriller que narra el atormentado reencuentro entre dos amantes a quienes dan vida Irene Escolar y José Luis Torrijo.

 

Regresa al Pavón  del 18 Jun al  7 Jul 2019 BLACKBIRD, traducción de José Manuel Mora, dirección de Carlota Ferrer y un reparto formado por Irene Escolar y José Luis Torrijo.

  Sobre la puesta en escena, la directora Carlota Ferrer afirma: “Blackbird es una tragedia contemporánea a modo de thriller. El conflicto real traspasa la escena, se desplaza al patio de butacas y obliga al espectador a identificarse en lugares incómodos y a vivir emociones difíciles de nombrar”. Y añade: “En una habitación de un área de descanso, los protagonistas están siendo vigilados por el orden establecido: la moral del público. La poética plástica eleva el realismo a una zona no vinculada a lo racional, sino a lo sensorial y a lo emocional”.  Así, la función transcurre en único espacio escénico donde conviven diferentes lenguajes: el teatral, el cinematográfico y el performativo, lo cual permite a la narración escénica viajar entre lo real, lo vivido y las heridas del pasado. El mirlo o pájaro negro que le da título a la obra simboliza la tensión entre el alma y el cuerpo, lo espiritual y lo terrenal.   BLACKBIRD se estrenó en 2005 en el Albery Theatre de Londres. En 2016 fue llevada al cine bajo el título de 'Una' con guion del propio David Harrower.   “Blackbird”: mirlo. “Black”, negro, representa la muerte, el mal y el descenso a la tumba, mientras que “bird”, pájaro, simboliza la vida eterna y el ascenso a los cielos. El “blackbird” simboliza la tensión entre el alma y el cuerpo, lo espiritual y lo terrenal.   [caption id="attachment_44848" align="aligncenter" width="750"] BLACKBIRD[/caption]   Por primera vez, el Festival de Otoño a Primavera encarga a una de nuestras más jóvenes y brillantes directoras de escena, Carlota Ferrer, la puesta en escena de uno de los textos más controvertidos y polémicos de los últimos años: BLACKBIRD, una tragedia contemporánea de David Harrower en la que el autor escocés tensa los límites de lo moralmente aceptable para sacar a escena una relación amorosa entre un hombre mayor y una chica joven. El autor escocés, valiente y provocador, retuerce los límites del amor, sacudiendo nuestra conciencia a través de un reencuentro que intenta curar una herida fruto de un amor imposible que aún hoy sigue abierta. David Harrower revisita la vieja historia de un amor prohibido estrechando los límites del espacio y sirviéndose de personajes en cuyo interior aún palpita una vieja historia de amor no resuelta. Pero, ¿quién de nosotros no ha tenido un viejo amor al que aún hoy rendirle cuentas? El espectador se convierte en juez implacable, quien debe ir recomponiendo a través del diálogo un puzzle al que le faltan piezas. El verdadero conflicto no sucede en la escena sino entre la escena y el patio de butacas. Y eso significa ser capaz de reconocerse en lugares incómodos, donde una cosa es lo que sucede en el texto y otra lo que sucede en el interior de quienes asistimos a la representación. ¿Ha venido ella a pedirle cuentas tras tantos años? No. Solo que eso es justo lo que piensa tu cabeza. Lo que quizá necesita pensar. ¿Quién pensaría que en realidad ella ha vuelto para saber por qué él la abandonó? ¿Quién pensaría que el amor imposible del que trata la obra no es entre ellos, sino entre ellos y la sociedad?   El latido de ese encuentro entre un honbre y una niña llega hasta nuestros días como un eco que no cesa de ser actualizado. Ese eco es el de un juego entre lo real y una poética soterrada, subterránea, que sobrecoge al espectador y entra en contradicción con lo moralmente aceptable y la anagnórisis. La integración del cine y las cámaras como elemento escénico pone el foco en dos ratoncillos dentro de una habitación vigilados por el orden social externo, como experimento humano bajo un control de seguridad. La poética plástica eleva el realismo a una zona que ya no está vinculada a lo racional, sino a lo sensorial y lo emocional. Amor versus delito. Ley versus Naturaleza. El deseo en el rechazo. La añoranza en la venganza. Un teatro que recuerda que las heridas están para ser cuidadas, pero también acariciadas.   [caption id="attachment_44851" align="aligncenter" width="729"] BLACKBIRD[/caption]

• Los amantes dañados - El País
• «Blackbird»: cuentas pendientes - ABC
• Entrevista a Irene Escolar por la obra Blackbird - esRadio

 

LAS TABLAS

Flamenco en Directo en Las Tablas

TABLAO FLAMENCO LAS TABLAS

Cena + Espectáculo
De lunes a domingo

Espectáculo de Flamenco en vivo con una cuidadosa puesta en escena

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TEATROS DEL CANAL

 

MOMA TEATRE presenta

LA VIDA ES SUEÑO vv.105-106

O

¿QUÉ DELITO COMETÍ CONTRA VOSOTROS NACIENDO?

Adaptación de La vida es sueño, de Calderón de la Barca Dirección Carles Alfaro

Del 19 de abril al 14 de mayo

Carles Alfaro se atreve a revisitar uno de los grandes clásicos del teatro español, La vida es sueño, de Calderón de la Barca.

Tras la magnífica versión del 'Tío Vania' de Chéjov de la pasada temporada 'VANIA', los Teatros del Canal y Moma Teatre coproducen LA VIDA ES SUEÑO vv.105-106. La versión de La vida es sueño, de Calderón de la Barca llegará el 19 de abril a la Sala Verde de los Teatros del Canal. La adaptación corre a cargo de Carles Alfaro y Eva Alarte, quienes ajustan el clásico de Calderón de la Barca a tan solo cuatro personajes. Vicente Fuentes, Alejandro Saá, Enric Benavent y Rebeca Valls forman el reparto.   ¿Quién es dueño de sus sueños? ¿Quién elige su destino? ¿Puede un hombre decidir, a su albedrío, el camino? ¿Es deseo o es razón, lo que nos guía y orienta? ¿Es amor o es ambición, lo que a nuestro ser alienta? ¿Qué nos distingue de la bestia que encarna nuestras pasiones? ¿Cómo la gobernamos? ¿Es la razón una represión que nos permite vivir en sociedad? ¿Puede un ser abandonado a su propio raciocinio no engendrar el monstruo? ¿Hay algo más contemporáneo que un hombre que se cuestiona la injusticia que le oprime, la libertad a la que aspira, la belleza a la que desea pertenecer? En un contexto en el que se imponen los intereses de estado, optamos por investigar la trascendencia del perpetuo enfrentamiento de lo individual frente a lo público, focalizando en la mirada de cada uno de nuestros cuatro personajes interdependientes (en concatenación circular: -Segismundo-Rosaura-Clotaldo-Basilio-), en sus relaciones cruzadas, en su tragedia personal y en el modo en que éstas determinan sus actuaciones sociales. Sumergirse en el universo de La vida es sueño supone, pues, desprenderse de los prejuicios imperantes, para sentir, en primera persona, el latir de los seres que nos habitan. Quizás así lleguemos a entender a nuestros “otros”, esos seres que nos poseen por un instante, que nos hacen vivir plenamente otra realidad, que no es más que nuestra propia y descarnada realidad… ¿soñada? ¿inventada? ¿deseada? ¿vivida? Esta es la belleza y la actualidad de nuestro clásico. Un aliento, un grito, un interrogante, un apasionante viaje al centro de nuestra emoción más íntima. Carles Alfaro y Eva Alarte  

SINOPSIS

Un rey, trastornado por la muerte de su esposa el mismo día en que da a luz a su primogénito, da crédito a la interpretación de las ciencias astrales que determinan la fiereza del recién nacido y la consecuente debacle que su reinado comportaría. Aterrado, oculta su existencia aislándolo en un encierro del que solo se ocupa su más fiel cortesano. Sin embargo, treinta años más tarde, llegada la hora de nombrar un heredero a su corona, se cuestiona si cometió un error y decide salir de dudas poniendo a prueba al monstruo que ha estado alimentando en la oscuridad… Mientras, accidentalmente, alguien irrumpe en la celda alterando el hermetismo establecido.  

FICHA

Autor: Calderón de la Barca Adaptación: Carles Alfaro y Eva Alarte Dirección, espacio escénico e iluminación: Carles Alfaro Escenografía: Carles Alfaro y Felype de Lima Vestuario: Felype de Lima Música Original y Espacio Sonoro: Joan Cerveró Diseño de sonido: Luis López de Segovia Fotografía: Jordi Plà Caracterización: Inma Fuentes Ayudantes de Dirección: Eva Alarte y Ferran Català Asistente de Dirección: Pablo Ricart Ayudante de Producción: Maribel Pérez Coordinador Técnico: Rubén Zamorano Producción Ejecutiva: Ferran Català Reparto: Basilio (Vicente Fuentes); Segismundo (Alejandro Saá); Clotaldo (Enric Benavent); Rosaura (Rebeca Valls) Coproducción: Teatros del Canal y Moma Teatre Con la colaboración del Centro de Investigación de la Voz, Palabra y Verso: Fuentes de la voz Fechas y horarios: Del 19 de abril al 14 de mayo de 2017 De miércoles a viernes 20.30 h. Sábados 18.30 y 21.00 h. Domingos 18h. en los TEATROS DEL CANAL    

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TEATROS DEL CANAL

NEW ADVENTURES presenta

EARLY ADVENTURES

Coreografía y dirección: Matthew Bourne

Del 15 al 18 de marzo a las 20h.

El 15 de marzo se estrena en la Sala Roja de los Teatros del Canal EARLY ADVENTURES, el espectáculo que lanzó la carrera del exitoso coreógrafo británico Matthew Bourne. Con diseños de Lez Brotherston, el estreno en España de Early Adventures forma parte de las celebraciones del trigésimo aniversario de la compañía.

New Adventures cuenta con el apoyo del Arts Council de Inglaterra y el British Council en España.   Matthew Bourne está considerado como uno de los coreógrafos y directores con más éxito del Reino Unido. Es el creador de la producción de ballet de más larga duración del mundo, cinco veces ganador del Premio Olivier, y el único director británico que ha ganado el premio Tony a la Mejor Coreografía y a Mejor Dirección.  

SINOPSIS

En Early Adventures, Bourne apuesta por un programa que incluye las obras que lanzaron su carrera, deslumbrando con su estilo, ingenio e imaginación. - The Infernal Galop es un retrato de la Francia tradicional desde la visión conservadora inglesa. - Town and Country es una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos. - Watch with Mother – Seen but not heard? está basado en las famosas parodias de guardaría de Joyce Grenfell, con música de Percy Grainger, Bach y Faure.   [caption id="attachment_42211" align="aligncenter" width="700"] EARLY ADVENTURES © Roy Tan[/caption]  

FICHA

Coreografía y dirección: Matthew Bourne Escenografía y vestuario: Lez Brotherston Diseño de iluminación: Andrew Murrell Diseño de sonido: Paul Groothuis Foto: Roy Tan Compañía New Adventures Duración: 2h. Elenco: Joao Carolino, Reece Causton, Tom Clark, Daniel Collins, Paris Fitzpatrick, Sophia Hurley, Mari Kamata, Jamie McDonald y Edwin Ray Fechas y horarios: Del 15 al 18 de marzo a las 20h. en los TEATROS DEL CANAL › 16 de marzo: encuentro con el público tras finalizar la función.    [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=EARLYTC2017&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=5htOCk2RWzk&w=640&h=360 [/et_pb_text][et_pb_gallery admin_label="Galería" gallery_ids="42210,42211,42218,42219,42220,42221,42222" fullwidth="on" show_title_and_caption="on" show_pagination="on" background_layout="light" auto="off" hover_overlay_color="rgba(255,255,255,0.9)" caption_all_caps="off" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] [/et_pb_gallery][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATROS DEL CANAL

 

Los Teatros del Canal y el Palau de les Arts Reina Sofía presentan

LA MALQUERIDA

Música y libreto de Manuel Penella basado en la obra de Jacinto Benavente

Del 28 de febrero al 5 marzo

Los Teatros del Canal y el Palau de les Arts Reina Sofía recuperan LA MALQUERIDA, con una nueva edición de la partitura de la zarzuela escrita por Manuel Penella, basada en la obra teatral de Jacinto Benavente.

LA MALQUERIDA se podrá ver del 28 de febrero al 5 marzo en la Sala Roja de los Teatros del Canal.

Con dirección de escena de Emilio López y con dirección musical de Manuel Coves. El elenco está formado por la mezzosoprano Cristina Faus (Raimunda), la soprano Sonia de Munck (Acacia), el barítono  César San Martín (Esteban); el tenor Alejandro González del Cerro (Norberto); el tenor Gerardo López (Rufino); la soprano Sandra Ferrández (Benita); las actrices Elena Lombao (Jualiana) y Cristina Bernal (Milagros) y el actor Pedro Bachura (El Rubio).   LA MALQUERIDA, es la última obra del autor valenciano Manuel Penella. Fue estrenada en 1935 en el Teatro Victoria de Barcelona y realizó una pequeña gira por España. Penella viajó después a México, donde falleció al poco tiempo y la obra no se volvió a representar más. La obra teatral de Jacinto Benavente se convirtió durante la posguerra española en un éxito en México, que ha durado hasta nuestros días, en forma de telenovela. Por ello, en esta propuesta el drama rural se sitúa en aquel país, con una ambientación basada en el cine mexicano de los años treinta.  

SINOPSIS

En la hacienda de El Soto viven Raimunda y su hija Acacia. Al quedar viuda, Raimunda se casa con Esteban. Aunque esta vive en un engaño constante al desconocer el amor que sienten el uno por el otro Acacia y Esteban, el cual esconden en público con muestras de hostilidad mutua. Pero la situación se va complicando cuando el pretendiente de Acacia, Faustino, es asesinado.  

FICHA

Música y libreto de Manuel Penella, basado en la obra de Jacinto Benavente Director musical: Manuel Coves Director de escena: Emilio López Escenógrafa: Nathalie Deana Vestuario: Gabriela Salaverri Iluminación: Sergio Gracia Elenco: Raimunda (Cristina Faus); Esteban (César San Martín); Acacia (Sonia de Munck); Norberto (Alejandro del Cerro); Rufino (Gerardo López); Benita (Sandra Ferrández); El Rubio (Pedro Bachura); Jualiana (Elena Lombao); Milagros (Cristina Bernal). Una Coproducción de los Teatros del Canal y el Palau de les Arts Reina Sofía Fechas y horarios: Del 28 de febrero al 5 marzo de 2017 en los TEATROS DEL CANAL 28 de febrero,1, 3 y 4 de marzo a las 20.30h. 5 de marzo a las 18.00h.   [button link="http://bit.ly/2k3Uprm" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATROS DEL CANAL

Los Teatros del Canal y el Teatro Marquina presentan

EL SERMÓN DEL BUFÓN

de Albert Boadella

La libertad, el humor y la osadía de Boadella interpretándose a sí mismo

    EL SERMÓN DEL BUFÓN es un monólogo didáctico-humorístico escrito, interpretado y dirigido por Albert Boadella. En este show, el veterano actor realiza una conferencia cómica sobre los hechos más importantes de su vida y carrera profesional. La función está dividida en cuatro secciones: La belleza, génesis de libertad, El enemigo como inspiración, Modernidad, un vocablo tóxico y Muera la fantasía, viva la realidad.  

SINOPSIS

El Sermón del Bufón es un acto insólito en la historia de nuestro teatro. No se trata de ficción como siempre sucede sobre una escena. Es el relato directo y real de un artista expresando sus pensamientos y representando situaciones auténticas de su propia vida. Sin perder nunca el sentido del humor, Albert Boadella desdobla su personalidad entre el niño y el viejo artista, entre el indómito y el cívico, entre el histriónico y el reflexivo. Interpretándose a sí mismo, realiza un repaso mordaz al oficio de comediante y una mirada irónica a su agitada vida con Els Joglars de fondo. Las proyecciones de los fragmentos más relevantes de sus obras se entremezclan con osadas reflexiones sobre la belleza y la transgresión, los tabús de la modernidad, el estímulo que ejercen los enemigos o la realidad como supremo objetivo del arte.   [caption id="attachment_44711" align="aligncenter" width="700"] El Sermón del Bufón[/caption]  

• "El Sermón del Bufón" en Atención Obras
• Albert Boadella en La hora cultural de RTVE
• Entrevista a Albert Boadella en Atención Obras
• Albert Boadella, el bufón ante el espejo - ABC

 

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TEATRO GALILEO

 

MAUI presenta SOY UNA FERIA

Del 24 de febrero al 24 de marzo

• Maui presenta en el Teatro Galileo 'Soy una feria', un ciclo de cinco conciertos únicos en los meses de febrero y marzo en los que estará acompañada por artistas de la talla de Rosario, Martirio, Jorge Pardo, Antílopez, Mary de Chambao… entre otros destacados intérpretes.
• La artista utrerana, amadrinada por Martirio, celebra sus 14 años de carrera haciendo un recorrido por los temas más clásicos de su repertorio y además nos adelanta en primicia algunas canciones de su próximo disco.

  La polifacética artista Maui, cantautora casi inclasificable, presenta un ciclo de cinco conciertos consecutivos para celebrar sus 14 años de carrera y en los que presentará temas inéditos de su próximo disco. Durante el ciclo estará acompañada de otros artistas y amigos como: Rosario, Martirio, Jorge Pardo, Carmen Paris, Fernando Tejero o el bailaor Nino de los Reyes entre otros. El ciclo ‘Soy una feria’ arranca el 24 de febrero y cada viernes será único. Cinco oportunidades únicas para disfrutar con el talento de esta artista amadrinada por Martirio que dice de ella: “Tiene mucha personalidad, es optimista, original, con mucho desparpajo y se nota esa vocación grande que tiene, que alimenta el futuro y vence los inconvenientes. En lo suyo, es única! y sigue creciendo en cada paso que da.” Maui se encuentra preparando ya su segundo disco en solitario pero no ha dudado en ir compartiéndolo con el público y amigos y por ello nos presenta una fiesta de color, donde conviven el flamenco, el humor, un pellizco de danza, la estética, el arte del monólogo, la poesía y matices de teatro, y todo envuelto por la reina de este show sin precedentes: La Música. ¿Flamenco? ¿Jazz? ¿Teatro? ¿Canciones de buena pluma? Todo ello lo encontramos cuando escuchamos a Maui, pero hay algo más, los conciertos de Maui están llenos de personalidad, teatralidad y altas dosis de humor, por eso resulta inclasificable. Una voz femenina llena de magia y duende que se ha forjado con el flamenco más puro con el que creció en su Utrera natal. Poco a poco se ha ido llenando además de matices y colores tras vivir 12 años en Granada e impregnarse de otras influencias procedentes del jazz, el pop o la música cubana. En la actualidad, Madrid le ha dotado de ese carácter contemporáneo, ecléctico y universal que la convierten casi en una artista única. Este ciclo de conciertos toma el nombre de 'Soy una feria' como homenaje a esa vida nómada explorando tantos territorios musicales y que le ha permitido conocer y aprender de los mejores artistas. Cinco veladas cargadas de sorpresas irrepetibles, de contrastes inverosímiles, magia y compañeros de viaje inmejorables donde el espectador vivirá un vaivén de emociones a través del arte más puro. Una feria donde Maui ofrecerá lo mejor de sí misma, una muestra de ese corazón musical que late en ella desde cría. Por todo ello, Maui se ha convertido en una de las voces femeninas imprescindibles dentro del panorama musical de nuestro país y durante estos años ha logrado reconocimientos como: Premio Mejor Canción 2012 para El País por 'Y soy tan feliz', Premio al Mejor Álbum Flamenco por los Premios de la Música 2009 a su segundo disco 'Un ratito mas', imagen de Puro Cuatro en Cuatro TV con su Videoclip 'Para no pensar en nada' entre otros galardones.   FECHAS E INVITADOS ESPECIALES - 24  febrero Rosario Flores / Jorge Pardo y el bailaor Nino de los Reyes - 3 marzo Martirio/ Raúl Rodríguez y la bailaora Guadalupe Torres. - 10 de marzo Ernesto Alterio / Fernando Tejero / Antílopez  y el bailaor Carlos Chamorro  

FICHA

Voz y chelo: Maui Guitarra flamenca: Daniel Jiménez “Melón” Contrabajo: Yelsy Heredia Percusión: Manu Masaedo Técnico luz y sonido: Marino Zabaleta Diseño gráfico: Antonio Ledesma Escenografía: Juan Manuel 'Seis dedos' de Harina de otro Costal Promoción y comunicación: Lemon Press Producción: Mayda Álvarez / Sneo mestizaje Distribución: Elena Santonja/ ES Management Espectáculo patrocinado por Radio Gladys Palmera Fechas y horarios: Del 24 de febrero al 24 de marzo. Viernes a las 23:00 horas. en el TEATRO GALILEO   [button link="http://bit.ly/2kQHxZs" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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Teatro de La Abadía e Ignacio Fumero Ayo presentan

HE NACIDO PARA VERTE SONREÍR

de Santiago Loza Dirección: Pablo Messiez

VER OBRA COMPLETA

https://www.youtube.com/watch?v=z0wf291acwg&feature=youtu.be&fbclid=IwAR0eW58pfodjsDwJ8IBWdvmFoP73eigyCw9XZcRFYznZ54LtWk-eYUuiHiI HE NACIDO PARA VERTE SONREÍR es un texto delicado y feroz. Un melodrama contemporáneo escrito por Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica. Con dirección de Pablo Messiez, flamante ganador de varios Premios Max por La piedra oscura, dramaturgo también, que lleva años siguiendo, con admiración, la trayectoria de Loza. Isabel Ordaz y Fernando Delgado-Hierro forman el reparto de esta producción que regresa al Teatro de la Abadía el 11 de enero de 2018. La pieza pone de relieve el misterio que anida en cada uno de nosotros y la complejidad de las relaciones humanas.

Uno de los aciertos del texto de Loza es hacer de la madre, un personaje absolutamente contradictorio. Hasta su modo de hablar es fiel reflejo de su paradoja: pasa de lo cotidiano, de las costumbres del hogar, a lo misterioso y arcaico, convirtiéndose en un personaje de tragedia que de repente decide alejar a lo que más quiere de su lado. De lo más conservador se mueve a lo ideológicamente cuestionable, porque lo inesperado es otra de las claves de la pieza. Todos tenemos nuestros monstruos, esas cosas que solo nosotros sabemos qué hacemos. Todos somos un misterio enorme, pero vivimos fingiendo normalidad para funcionar en sociedad. El texto cuestiona la locura y sus límites, profundizando en la complejidad de las relaciones humanas.

El espacio escénico también habla sobre la contradicción de los personajes. Superposición de dos mundos: el ama de casa, la cocina y el orden doméstico, en contraposición a las ramas, lo boscoso, las sombras que expresan lo inaprensible, el misterio, lo que no se sabe…Dos mundos y dos discursos que dialogan.

NOTA DEL DIRECTOR

Siempre me resultaron fascinantes esos casos en los que la música popular expresa de un modo claro y sencillo ideas muy complejas. Esos momentos en los que ritmo, melodía y letras se encuentran de un modo fulgurante, haciendo brillar el concepto, dando de lleno en la diana. Creo que los tangos de Discépolo, las canciones de Cole Porter o los boleros de Agustín Lara, son tres buenos ejemplos. Hay algo en las obras de Santiago Loza que me recuerda a estas composiciones musicales. Como un testigo minucioso y prudente, Loza reconstruye universos íntimos sirviéndose de la cultura popular y de una escucha alerta de sus modos de habla. Su mirada estratégicamente ubicada en una esquina, termina siempre por revelarnos la extrañeza, la maravilla y el horror cotidiano. Desde la primera vez que vi en escena un texto suyo, quedé cautivado por el modo de señalar el misterio que habita en cada intimidad. Amor y horror conviven en sus obras, encarnados generalmente en mujeres. Mujeres que no pueden dejar de hablar para intentar comprender de qué se tratan sus vidas. He nacido para verte sonreír es una perlita a la vez delicada y feroz. Un "melodrama de madre" contemporáneo. Un gran bolero. Un encuentro con la necesidad de estar cerca, de entender qué hay antes o después de las palabras. En dónde está el gesto que haga algo parecido a acercarnos desde la distancia esta de ser siempre otros. Me siento afortunado de poder con esta pieza dar a conocer al público de La Abadía el teatro de Santiago Loza, uno de los autores argentinos vivos más representados en Buenos Aires. Una voz singular, que toca el cuerpo, como aquellas canciones populares. Pablo Messiez [caption id="attachment_54984" align="aligncenter" width="700"] HE NACIDO PARA VERTE SONREÍR Foto: Sergio Parra[/caption]

SINOPSIS

Soy otra cosa que no sé Una madre se despide de su hijo, mientras esperan al padre que vendrá a buscarlos en coche; enseguida partirán para un viaje largo, aunque de alguna manera el hijo ya se alejó hace tiempo. El padre ha de llevarlo a un hospital y dejarlo internado para que se cure de su trastorno mental. Ahora, la madre busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna de parte del joven. Los recuerdos le golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, una mujer que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo, quien no solo no lo hace jamás, sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo que para los demás humanos nos es inaccesible. Al buscar palabras para despedirse, la mujer va desvelando las relaciones paterno-filiales, y de pareja, que van más allá de su historia personal. “Exquisito texto sobre una madre y su hijo, y un vínculo que recrudece hasta el límite”, “una dramaturgia fuerte, pensada, poética”, según la crítica argentina. Esta será la primera vez que se presente en España una obra teatral de Santiago Loza, figura clave de la dramaturgia actual en Latinoamérica, además de cineasta. Es un maestro en retratar a personajes femeninos, con misterio, delicadeza y horror. [caption id="attachment_54985" align="aligncenter" width="700"] HE NACIDO PARA VERTE SONREÍR Foto: Sergio Parra[/caption]

FICHA

Autor Santiago Loza Dirección: Pablo Messiez Escenografía y vestuario  Elisa Sanz Iluminación  Paloma Parra Reparto Isabel Ordaz, Fernando Delgado-Hierro Una producción del Teatro de La Abadía e Ignacio Fumero Ayo Con la colaboración de Iberescena

El amor y el dolor todo lo pueden, incluso crear este hermosísimo texto donde Isabel Ordaz esta tan maravillosa,  humana y "madre", que eriza la piel. 

PRENSA

• Atención Obras - Pablo Messiez dirige "He nacido para verte sonreír"
• Pablo Messiez, Isabel Ordaz y Nacho Sánchez en Hoy por Hoy Madrid - Cadena Ser
• He nacido para verte sonreír. Abadía - David García Vázquez (Desde el patio)

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