Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
NAVES DEL MATADERO
Presenta
ECLIPSE : MUNDO
Paz Rojo
desde el jueves 5 abril 2018 hasta el domingo 8 abril
La bailarina y coreógrafa Paz Rojo investiga sobre el encuentro entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía. Comienza su carrera en 1994 con el premio a la bailarina sobresaliente en el VIII Certamen Coreográfico de Madrid, con Rui Horta como presidente del jurado, y los diez años siguientes se traslada a Ámsterdam donde se gradúa en “creación coreográfica” en la School for New Dance Development (SNDO Universidad de las Artes de Ámsterdam) y recibiendo el apoyo del estado holandés. Desde entonces sus piezas están presentes en la escena de vanguardia internacional: Impulstanz Festival Viena (Austria), Festival Contemporâneo de Dança Internacional (São Paulo) y Springdance Festival (Holanda). Para Rojo la danza no es una coreografía a realizar, sino que ha de ser encontrada y creada en el lugar exacto donde ya está. “Se trata de estar a la altura de lo que percibimos en lugar lo que queremos hacer ver. Por eso, la danza, desde la óptica que ofrece un eclipse, solo podría ser percibida como una ausencia de perspectiva a la que sumar miradas para continuarse en algo”, reflexiona. Ha sido la directora artística del Festival ¿qué puede un cuerpo? (La Casa Encendida, Madrid 2014-2015) y ha presentado sus piezas en el Museo Reina Sofía, el CCCB, el Festival Escena Contemporánea de Madrid o el CA2M Móstoles, entre otros lugares nacionales de referencia. En la actualidad realiza su doctorado en la Universidad de las Artes de Estocolmo con la tesis The refusal to choreograph and its movement: the subaltern pathway (El rechazo a la coreografía y su movimiento: el camino subalterno). Esta investigación incluye el laboratorio itinerante coreografía: un problema a practicar realizado desde 2010 en diferentes festivales, instituciones y contextos (Madrid, Barcelona, São Paulo, Moscú, Viena, Estambul, Ámsterdam, Estocolmo, Bruselas y Ciudad de México). Tras una residencia en Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, presenta su última creaciónECLIPSE : MUNDO. “Un agujero se abre en el espacio de la caja negra. Un agujero negro. ECLIPSE : MUNDO es la puesta en práctica de un abismo, un cierto «no saber», un «no hacer ver» que sin embargo es un conocer. El origen griego de la palabra «eclipse» significa, precisamente, «abandono». En este sentido, ECLIPSE : MUNDO ofrece una coreografía dejando de ser coreografía y, simultáneamente, una danza tomando forma, es decir, aprendiendo a ver la posibilidad de (un) mundo en el que todo sigue siendo, pero de otra manera. Danza oscura que desactiva toda intencionalidad por medio de un distraer, un dejar perderse. O más bien, un ignorar, un olvidar. Un danzeo que, aunque no signifique nada, consiga hacer algo. ECLIPSE : MUNDO es una aproximación a la potencialidad de la danza como objeto y experiencia estética. Un paisaje, superficie y refugio a la intemperie habitado por el sonido, la luz, cinco danzantes y diferentes materialidades”, Paz Rojo.Ficha artística
Concepto y dirección: Paz Rojo
Danza: Oihana Altube, Arantxa Martínez, Jaime Llopis, Paz Rojo y Ricardo Santana
Espacio sonoro: Fran MM Cabeza de Vaca
Iluminación: Carlos Marquerie
Vestuario y materiales escena: Jorge Dutor
Asistencia técnica: David Benito
Gestión y producción: Lola Lizzi
Con el apoyo de: UNIARTS (Stockholm University of the Arts) Suecia y Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas
Fechas y horarios: Del jueves 5 abril 2018 hasta el domingo 8 abril . Horario 20.30h en las NAVES DEL MATADERO
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NAVES DEL MATADERO
Presenta
ESTOY PENSANDO EN TORTUGAS
CLAUDIA FACI
desde el viernes 9 marzo
La bailarina, coreógrafa, actriz, directora, docente y autora independiente Claudia Faci es un verso imprescindible en las artes escénicas contemporáneas españolas. “Quizás no exista mejor archivo que la piel de Claudia Faci. Todo lo que, de alguna manera, ha sido relevante durante los últimos treinta años de historia de la danza en España, ha dejado una marca en sus carnes enjutas”, ha dicho de ella Jaime Conde-Salazar. Como nieta e hija de maestras (María de Ávila y Lola de Ávila) las hebras de su ADN conocen bien la profundidad de la danza, pero su necesidad de actualizar constantemente su manera de vivir la escena hace que sus creaciones reten las convenciones, huyan de los lugares comunes y distorsionen la noción de autoría basada en las leyes establecidas por el mercado. Faci desdibuja los límites entre el sujeto y el objeto, entre quien mira y quien recibe la mirada. Desde que en 2006 estrenara Nur Für Dich en el festival Madrid en Danza, bajo el heterónimo Klara von Himmer, concentra su actividad en la creación nutriéndose de su experiencia en la danza, el teatro, la performance y la literatura. Sus piezas han recibido elogios en el Festival de Otoño a Primavera, Temporada Alta de Girona o Escena Contemporánea de Madrid. Decía Miquel Insua que “si Claudia Faci desarrollara su actividad en Berlín formaría parte de la programación habitual de la Schaubühne”. En la última década ha mantenido abierto un diálogo fundamental para el desarrollo de su trabajo con creadores como Jaime Conde-Salazar, Chantal Maillard, Fernando Renjifo, los colectivos MaDam y Terrorismo de Autor y Óscar G. Villegas. "Imaginemos la posibilidad de una escritura que no suceda necesariamente sobre el papel. Una escritura hecha de carne que no conozca otro tiempo sino el “instante-ya”. Imaginemos que el teatro se convierte en una suerte de máquina de producir escritura. Soy un cuerpo en busca de una escritura que se deslice como un lametazo a la superficie del tiempo, que sea puro pasaje, agarrada a la vida hasta confundirse con ella. Me atrevo a decir “yo” y apareces: “tú”. Acarreo la primera persona porque sé que el premio es tu cuerpo al otro lado. Eres la consecuencia inmediata de este (y de cualquier otro) intento de escribir, el precio que con gusto acepto pagar. “Soy el eres-tu”. Yo y tú, rebote de mi existencia. Somos Dos. Dos invitan a otras dos. C y Ó se desdoblan en sus reflejos: dos cuerpos más. Y así sucesivamente. De lo que se trata es de escenificar la distancia que nos separa y que permite la escritura. Pero en este tiempo ahora, este tiempo que se inscribe dentro del instante del deseo, no queda espacio para el mito. O mejor, dicho, no nos queda otra que desterrar ese mito impuesto que nos obliga a entender la distancia que nos separa como una imposibilidad. Entre yo y tú el aire. Entre tú y yo el calor, la luz, la música, y mi voz. Entre los dos la mirada, la razón profunda del deseo: “esa posibilidad de desdoblamiento que engendra del sí mismo al otro, a ese otro especular cuyos ojos deseamos y en cuyos ojos –los ojos deseados- deseamos que su deseo, el de él, el del otro, nos haga existir”, dice J.Á. Valente . Puesto que tú y yo respiramos el mismo aire, la distancia no debe confundirse más con la separación. O y C se multiplican reventando el espacio del mito. El principio que gobierna este aire-ya es el eros. Aquí, la materia busca sin cesar formas de organización transitorias que trasciendan los límites de los cuerpos individuales. Aquí se está llamando a las criaturas. Entre tú y yo, ellas, las criaturas: superficies sobre las que el lenguaje discurre y se escurre, encarnaciones sobre las que se predican palabras que les exceden, bestias que dejan escapar de sus sexos un texto que suena en música. El Amor está aquí para revelar los otros cuerpos, aquellos que fecundan la distancia que ya no nos separa", Claudia Faci.
Ficha artística
Creación: Claudia Faci, Óscar Villegas, Luciana Pereyra-Agoff, Lucas Condró, Sandra Gómez, Jaime CondeSalazar y Ana Rovira
En escena: Lucas Condró, Claudia Faci, Luciana Pereyra-Agoff y Óscar Villegas, Sandra Gómez y Jaime Conde-Salazar + invitados
Luz: Ana Rovira
Sonido y música: Óscar Villegas
Texto: C. Faci, L. Pereyra-Agoff y Ó. Villegas, a partir de C. Lispector, H. Michaux y C. Millet
Dramaturgia y dirección: Claudia Faci
Fotografía: Pedro Albornoz
Vídeo: Gonzalo Munilla
Producción: Claudia Faci con la colaboración de Naves Matadero y Patronato Municipal de las Artes escénicas y de la Imagen del Ayuntamiento de Zaragoza
Idioma: Español, inglés, francés
Descarga de imágenes aquí:
NAVES DEL MATADERO
Teatro Praga
Presenta
DESPERTAR DA PRIMAVERA
de Frank Wedekind
2, 3 y 4 marzo
Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto. 125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. Para ello, en la traducción (y traición) del texto, el dramaturgo portugués Vieira Mendes ha creado un lenguaje único, con tinte queer, repleto de palabras de diferentes orígenes. “Una promiscuidad idiomática que, por veces, nos puede recordar que estamos ante una obra de otro siglo, y, por veces, hacernos pensar en una civilización del futuro que maneja una amalgama lingüística”, dice Alfonso Becerra de Becerreá. Este lenguaje “de una generación que crece bajo la luz artificial, ante pantallas de plasma y entre la maraña del universo digital”, nos habla sin titubeos de la invasión del mundo globalizado. Y su mensaje baila a través del universo rosa de lentejuelas, brillos, purpurinas y unicornios hinchables que cubre constantemente la escena cuestionando las identidades de género, las discusiones sexuales y el teatro tradicional. “Por invitación del Centro Cultural de Belém regresamos a un clásico de la literatura dramática para inscribir, en un texto y en el canon teatral, a quienes están excluidos por el teatro representativo. Despertar da Primavera está invadida por una pubertad que engaña a la naturaleza, que rechaza el sometimiento de un cuerpo a otro, la construcción de identidades, y se agarra a un rito de emancipación que busca desafiar los estándares tradicionales. Un lugar donde se requiere que coexistan varios idiomas, donde las referencias se pierden y reconstruyen, donde la desesperación es la vida y el suicidio la victoria. Es una performance que reivindica la necesidad de idear cierta humanidad”, explica la compañía.
SOBRE TEATRO PRAGA
Teatro Praga (en español Teatro Plaga) nació en 1995 y se han convertido en un referente de creación contemporánea portuguesa en el mundo. Sus creaciones han encontrado el apoyo de las instituciones culturales contemporáneas más prestigiosas de Portugal y se han presentado en festivales internacionales como, por ejemplo, Macao Arts Festival de China, Festival Chantiers d’Europe del Théâtre de la Ville de París o el VIE Festival de Módena. Aunque el trabajo que desarrolla Teatro Praga sea aparentemente convencional, su manera de trabajar la escena es excepcional. Ellos se definen como un grupo de artistas, diferentes en cada espectáculo, con un escudo heráldico que nos une. “Nos regocijamos con el orden establecido y encontramos que las variaciones impredecibles de sí mismas son una forma de ampliar el concepto de predictibilidad”, explican. Actualmente su sede es Rua das Gaivotas 6, en Lisboa, donde también ofrecen residencias a jóvenes artistas emergentes portugueses que no tienen cabida en otros lugares.
Ficha artística
Texto: Frank Wedekind
Traducción: José Maria Vieira Mendes
Participan: André E. Teodósio, Cláudia Jardim, Cláudio Fernandes, Diogo Bento, Odete C. Ferreira, João Abreu, Mafalda Banquart, Óscar Silva, Patrícia da Silva, Pedro Penim, Rafaela Jacinto, Sara Leite y Xana Novais
Diseño de luces: Daniel Worm D’Assumpção
Diseño de sonido: Miguel Lucas Mendes
Operador técnico: João Neves
Diseño de escenografía: Bárbara Falcão Fernandes
Vestuario: Joana Barrios
Jefa de sastrería: Rosário Balbi
Producción: Andreia Carneiro
Producción ejecutiva: Bernardo Lacerda
Asistente de producción: Alexandra Baião
Coproducido por: Teatro Praga, Centro Cultural de Belém, Teatro Nacional São João, Teatro Viriato Artistic Residence y ensayo abierto en 23Milhas - Casa Cultura Ílhavo
Idioma: Portugués con subtítulos en español
Fechas y horarios: 2, 3 y 4 marzo a las 20.30h. en LAS NAVES DEL MATADERO
TEATRO DE LA ABADÍA
presenta
TIEMPO DE SILENCIO
Luis Martín-Santos
Dirección: Rafael Sánchez
Del 28 de febrero al 17 de marzo, 2019
Tiempo de silencio, uno de los hitos de nuestra literatura del siglo XX, dibuja un grotesco retrato del Madrid de la posguerra. La obra aúna la línea de escritores como Joyce, Faulkner y Proust, a la tradición picaresca, el lenguaje de Valle-Inclán y el imaginario de Goya. Dos años después de su publicación, su autor, el escritor y psiquiatra Luis Martín-Santos, falleció en un accidente de coche con apenas 40 años de edad.
Tiempo de silencio (1962) fue traducido enseguida a otros idiomas; en alemán le pusieron como título Silencio sobre Madrid (“Schweigen über Madrid”) y en francés, Las moradas del silencio (“Les demeures du silence”). Nunca ha sido adaptado al teatro, aunque sí al cine (en 1986, por Vicente Aranda). Es considerado un libro sumamente innovador tanto por su forma como por su contenido.
Aunque la trama se desarrolle a finales de la década de 1940, su visión caricaturesca no se aleja mucho de nuestro modelo de sociedad actual, especialmente atribulado en las grandes ciudades. La soledad que se siente en mundos estancos, la disfunción de los lazos familiares, la impotencia y el odio más allá del sentir político, el silencio que envuelve el quehacer cotidiano…
Este descenso a los infiernos urbanos, un infierno al que nos hemos acostumbrado, presenta la historia de un investigador que a través de experimentos con ratas indaga en el aspecto hereditario del cáncer. Ante la falta de ratas de laboratorio, va a buscar nuevos ejemplares en unas chabolas a las afueras de la capital española. Allí descubre la dura realidad vital de los marginados y acaba implicado en una trama que posee la desolación propia del mundo de los cuentos.
En esta historia que rezuma la sordidez de la época franquista, La Abadía ha encontrado el punto de partida idóneo para el debut en nuestro país del joven director Rafael Sánchez. Descendiente de emigrantes españoles, se crio en Suiza y actualmente está vinculado al teatro municipal de Colonia (Schauspiel Köln), siendo una de las figuras más singulares de la escena alemana de nuestros días.
MET Opina: “ Qué gran historia, que elenco tan tan tan equilibrado y una dirección tan acertada, que narran un tiempo de silencio que hizo de la brutalidad, la normalidad
- En el pudridero
- Madrid, 1949: ‘Tiempo de silencio’, de Martín-Santos, me trastornó en mi adolescencia (Elvira Lindo
- 'Tiempo de silencio', tiempo de anestesia, tiempo de miseria moral
- «Tiempo de silencio», un lugar habitado por fantasmas
- ‘Tiempo de silencio’, de Martín-Santos,
Letsgo Company
presenta
EL JOVENCITO FRANKENSTEIN El MUSICAL
De Mel Brooks
Tras alcanzar un gran éxito en Broadway y el West End, llega El jovencito Frankenstein, una comedia musical de Mel Brooks llega al Teatro de la Luz Philips Gran Vía coincidiendo con el bicentenario de la obra Frankenstein, publicada el 1 de enero de 1818.
EN GIRA POR ESPAÑA
Llega a Madrid El jovencito Frankenstein, la comedia musical de Broadway que triunfa actualmente en el West End de Londres. El espectáculo llega al Teatro de la Luz Philips Gran Vía coincidiendo con el bicentenario de la obraFrankenstein, publicada el 1 de enero de 1818. La comedia musical está producida por LETSGO, que tras el éxito de Dirty Dancing, la saga The Hole y La Familia Addams continúa su puesta en escena con este show terroríficamente divertido. Para trasladarlo a las tablas del teatro, confía una vez más en la dirección de Esteve Ferrer, como ya lo hiciera con La Familia Addams. Con libreto del reconocido cineasta y comediante Mel Brooks en colaboración con Thomas Meehan, la comedia musical está basada en la delirante película homónima que Brooks dirigió en 1974 y cuenta con la colaboración musical especial de la directora y coreógrafa, Susan Stroman. La obra comenzó su andadura en los escenarios en 2007 en el Paramount Theatre en Seattle, Washington, hasta estrenarse en Broadway y continuar posteriormente su gira por Estados Unidos. En 2017 llegó al West End de Londres, donde continúa en cartel en la actualidad con un rotundo éxito de público. [gallery columns="6" link="file" size="full" ids="72091,72092,72093,72094,72095,72096"] La película de Mel Brooks es un homenaje a las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, Frankenstein, y más concretamente a las producidas por Universal en los años 1930. En el film se utilizan incluso las mismas piezas de laboratorio usadas en la película Frankenstein de 1931. Esta adaptación electrizante de la película monstruosamente divertida de Mel Brooks incorpora el estilo de la gran pantalla sumando además características teatrales que convierten a la obra en una brillante creación artística. El show está compuesto por melodías memorables como The Transylvania Mania, He Vas My Boyfriend y el mítico Puttin’ On The Ritz. Twitter: @jovenfrankens[button title="Comprar entradas" link="https://www.entradas.com/noapp/tickets.html?fun=erdetail&affiliate=GRH&doc=erdetaila&erid=2483326&utm_source=GRH&utm_medium=dp&utm_campaign=met" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
EL JOVENCITO FRANKENSTEIN confirma el magnífico estado de salud de los musicales en Madrid, ofreciendo ese "más allá" que necesitaba el género...DIVERSIÓN!MADRIDESTEATRO.COM
TEATROS DEL CANAL
Colectivo FANGO
presentan
F.O.M.O (Fear of Missing Out) CONSENTIMIENTO
Del 23 al 27 de noviembre de 2022
(más…)TEATRO VALLE INCLÁN
Centro Dramático Nacional presentan
CONSENTIMIENTO
Nina Raine (Texto), Lucas Criado (Traducción)
Del 9 marzo a 29 abril de 2018. De martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas
Sin consentimiento se viola un cuerpo, se viola una confianza.
¿Se viola una ley? ¿Es violada una mujer cada vez que consiente en hacer sexo con su pareja ignorando que le está siendo infiel?
Consentimiento. Palabra poderosa que en manos de abogados corta como un cuchillo nuestras verdades y decide los castigos.
Las palabras no son de fiar, la memoria nos falla, pero la justicia decide.
Consentimiento deja desnuda la verdad para que cada cual la vista según su conciencia, su ética o su conveniencia.
Nina Raine, mujer, 34 años, autora británica, en su última obra abre un fuego salvaje. Trenza con maestría un humor hilarante con enfrentamientos violentos y emociones extremas... Es capaz de mostrar el dolor moral y físico al que lleva a sus personajes atravesando un bosque de contradicciones. Cuatro mujeres. La abogada, la editora, la actriz, la violada. Y tres hombres, los tres abogados. Siete seres humanos incoherentes, pero que se buscan y se aman irremediablemente.
Hacer justicia es buscar los argumentos a favor de tu adversario como los buscarías en tu propio favor. Aristóteles S. IV a.C.
Eso es empatía, y sin empatía no hay justicia.
FICHA
Nina Raine (Texto), Lucas Criado (Traducción) y Magüi Mira (Versión y dirección) Curt Allen Wilmer (AAPEE) con estudio deDos (Escenografía), José Manuel Guerra (Iluminación), Ana López Cobos (AAPEE) (Vestuario), Bruno Tambascio (Música), Toni Espinosa (Movimiento) y Juanma Romero (Ayudante de dirección).
Un magnífico texto con diálogos realmente brillantes. Muy buenos actores, sobresalen Candela Peña y David Lorente... y Bravo por el trabajo de Magüi Mira que consigue sorprender, alertar y aleccionar con CONSENTIMIENTO
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‘Consentimiento’: una violación con el público del teatro como juez
TEATRO DEL BARRRIO
Compañía de Rosario Pardo
presenta
LOS DÍAS DE LA NIEVE
De Alberto Conejero
30 agosto – 28 septiembre
Una costurera está a punto de terminar su último encargo: un vestido azul de mar. La persona que se lo encargó presencia estos últimos retoques. Entre puntada y puntada, la costurera rememora su vida, la evoca, la vuelve a vivir. Recuerdos de poesía, de amor y de días de sufrimiento. Una pasión histórica que murió en la cárcel, un padre fusilado en la guerra, una garganta que encierra secretos. Esa costurera se llama Josefina Manresa y, su amor, Miguel Hernández. ¿Quién espera el vestido? Aquí y ahora. Lo contrario de un teatro arqueológico. El teatro como reflejo de la época en la que nos toca vivir. Textos sin desenterrar. Historias nacidas de la experiencia de tus compañeros de asiento en los viaje low cost. Tu vida representada. El escenario como el espejo de tu ascensor. Los autores son los padres de los compañeros de clase de tus hijos. Teatro contemporáneo.
Los días de la nieve no existiría sin Josefina Manresa, viuda de Miguel Hernández. El sustrato principal de este texto son efectivamente sus memorias y también su correspondencia con Miguel y la poesía del poeta oriolano. Y, sin embargo, no he pretendido reconstruir su vida ni convertirla en relato, sino –gracias a la capacidad que tiene el teatro y la ficción de suspender la muerte- atender al misterio de su existencia, convertirla en nuestra contemporánea y a nosotros en sus contemporáneos. Que, durante la representación, Josefina sea presente, que podamos reconocernos en ella y también ella en nosotros. Durante la escritura descubrí la sencilla fuerza de una superviviente de las peores tristezas, que aprendió a amar en las palabras y por las palabras. De su mano, me he acercado también a mi madre, a mis abuelas, y a todas las mujeres que atravesaron, con una fortaleza infinita, los años oscuros de nuestra historia reciente. Con dignidad, con luz, con esperanza aún en los días de la nieve. A todas ellas y, especialmente a mi madre (también andaluza de Jaén) está dedicada esta obra.
Alberto Conejero
Ficha ROSARIO PARDO es Josefina Manresa Autor: ALBERTO CONEJERO Director: CHEMA DEL BARCO Ayudante de Dirección: JUAN VINUESA Diseño Vestuario: PIER PAOLO ÁLVARO Fechas y horarios. Del 30 agosto – 28 septiembre, jueves y viernes 20hr. en el TEATRO DEL BARRIO[button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroDelBarrio/Productions/0440/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
Aquella mujer: El dramaturgo Alberto Conejero tiene la capacidad en ‘Los días de la nieve’ la nueva obra de atrapar y devolver voces
TEATRO AZARTE
La compañía del Krisol presenta
CONTRA EL AMOR
La obra culmina la trilogía de Esteve Soler
Sábados de marzo a las 23h.
Contra el amor, la nueva obra de La Compañía del Krisol, está basada en parte de la trilogía de Esteve Soler; Contra la democracia y Contra el progreso.Cierren los ojos y traten de trasladarse a ese lugar de ensueño donde se sitúan los cuentos de hadas y películas románticas. ¿Qué ven? ¿Príncipes azules a lomo de su caballo blanco? ¿Princesas a la espera de un beso de amor verdadero? ¿Islas paradisíacas ideales para perderse con la persona amada?. Contra el amor se presenta como un "experimento macabro donde todos los ideales del amor romántico se despedazan violenta y salvajemente" dejando ver una realidad informe y cruenta, cercana al delirio y la pesadilla, pero dolorosamente reconocible. Esteve Soler nos presenta en estos textos breves un mundo sin ápice de humanidad y unos personajes afectivamente deshumanizados a los que se les ha arrebatado su capacidad de amar, condenándoles a vivir encerrados en los efectos más denigrantes de lo que llaman “amor”: la posesión, la dependencia, el deseo irrefrenable de cambiar al otro… El mito radiante del amor romántico se derrumba ante estas siete obritas que combinan humor, ironía y veneno. Todas ellas vienen a demostrar cómo el sistema ha pervertido el concepto de amor convirtiéndolo en algo prácticamente monstruoso.
El grupo de teatro de La Compañía del Krisol nace en el madrileño barrio de Canillejas en septiembre de 2015 con el objetivo de fomentar y desarrollar la actividad teatral dentro del marco de opciones artístico-culturales de la asociación La Compañía del Krisol, referente desde el año 1997 en el desarrollo cultural de los vecinos y las vecinas del Distrito.
La actividad teatral en La Compañía del Krisol se centra en la formación y la investigación dentro de los distintos campos del teatro (interpretación, voz, movimiento, dramaturgia…) y se abre tanto para aficionados como para estudiantes de arte dramático. Es, en esencia, una compañía joven, integrada por estudiantes de entre 18 y 30 años que conforman una entidad de investigación teatral que abarca todos los ámbitos del espectro teatral.
Aunque La Compañía del Krisol es un grupo de teatro aficionado, su estructura de trabajo imita a la profesional, fundamentando siempre toda tarea en el trabajo del actor: la asimilación de los procesos psicológicos que conducen a la acción, los impulsos orgánicos estimulados por la situación dramática… En suma, La Compañía del Krisol trabaja, dentro del teatro aficionado, abanderando el concepto de la verdad y la organicidad en el trabajo actoral.
En junio de 2016 se produjo el estreno de la primera producción teatral de la compañía, Autodestrucción, dirigida por Manuel Campos.
En la actualidad, se centra en el trabajo de investigación escénica a través de sus talleres, así como en la distribución de los montajes Autodestrucción, El principio de Arquímedes y Fango, estrenada ésta última en la sala madrileña La Escalera de Jacob.
FICHA
Autor: Esteve Soler Directora: Manuel Campos Reparto: Jesús Redondo, María Rivas, Jorge Amor, Sara Ruiz Sardón, Horacio Colomé y Pepa Hernández. Una producción de LA COMPAÑÍA KRISOL Fechas y horarios: Sábados de marzo a las 23h. en la SALA AZARTE [button title="Comprar entrada" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fbusqueda%2F%3Fpg%3Dbuscar%26redirect%3D1%26keyword%3Dazarte" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
EL UMBRAL DE PRIMAVERA
presenta
MIRONA
Llega al Umbral de Primavera la obra de teatro Mirona, en la que la actriz Ángela Chica da vida a Dolores, exploradora desde los tejados de cuanto ocurre a su alrededor y de lo que sucede en su interior, que deberá enfrentarse a decisiones imposibles que le depara la vida.
En MIRONA los espectadores son testigos de un atardecer en el tejado donde Dolores pasa los días en una misantropía salpicada de psicosis, que no deja de ser una ácida crítica social en tiempos de hiperconexión. Como una metáfora del crepúsculo, MIRONA es una comedia que se transforma en drama a lo largo de sus sesenta minutos de duración e invita a una reflexión sobre la sociedad y el individualismo. Sinopsis Un día, una chica que vive en un tejado, descubre que se entiende mejor con una mosca que con cualquier ser humano. En este ágil y delicioso monólogo interpretado por Ángela Chica, los espectadores son testigos de un atardecer en el tejado desde el que Dolores pasa los días odiando a la gente. ¿Qué pasa si uno elige el camino de la misantropía? ¿Y si un día decimos: no voy a hacer daño a nadie pero voy a odiar a todo el mundo? MIRONA habla de la libertad en nuestra forma de vida, pero también de los límites de la normalidad. NOTAS DEL DIRECTOR, Juan Vinuesa "MIRONA es un texto de Paco Bernal que lanza cuestiones sobre los límites de la normalidad y sobre quién los establece. Lo hace a través de un personaje que no busca moralizar, sino animar a ver la vida desde diferentes perspectivas. Cazadora de nubes, nuestra MIRONA, desde el tejado como hábitat natural, observa la realidad en la que vive y se cuestiona sobre los asuntos que esta sociedad define como normales. ¿Qué límites tiene el individualismo? ¿Quién etiqueta lo que la ciudadanía considera como corriente? ¿Cómo afectan los vínculos o diferencias a las relaciones humanas?"TEATRO ESPAÑOL
El Teatro Españo / 3D / Dramaturgos contemporáneos vivos presentan
EL LUGAR DONDE REZAN LAS PUTAS
Texto y dirección José Sanchis-Sinisterra
Del 24 de marzo y 7 abril de 2018 en el Teatro Español
Teatro en tiempos de rabia
¿Qué teatro hacer en este aciago siglo XXI?
¿Espectáculos de puro entretenimiento, que aumenten todavía más “la modorra política de nuestra sociedad consumista y cibermema”?
¿Obras de denuncia-políticamente-correcta, que ilustren la actualidad, ya tan aireada y cacareada por los medios de comunicación (sic)?
Esta es la encrucijada en que se encuentran nuestros dos personajes: Rómulo y Patri. Una pareja de jóvenes actores que, en un galpón casi abandonado, cedido al efecto por el tío Roque (¿?), se afanan por crear un espectáculo a la medida de sus aptitudes artísticas y de sus posibilidades económicas.
La vida misma, vamos…
Ocurre, sin embargo, que oscilan entre dos temas “descomunales”: la Alejandría del siglo IV, con la filósofa Hipatia y su discípulo Sinesio como protagonistas, y el trágico destino del comunismo, con Lise y Arthur London zarandeados por las turbulencias revolucionarias y reaccionarias del siglo XX.
Y, por añadidura, resulta que ese anodino lugar de trabajo y creación, además de ser frecuentado por algunas de las mujeres que “trabajan” en el mal famado barrio, parece ser también vía de acceso a un misterioso mundo subterráneo en el que se agitan los olvidados, los vencidos, los barridos y borrados por la Historia, con mayúscula.
“Los de abajo”, sí, que -bastante cabreados- pronto empezarán a reclamar a nuestros dos saltimbanquis biomecánicos una segunda oportunidad…
¿Es eso posible? ¿Puede el teatro usar de sus poderes de evocación e invocación para reescribir la Historia, para resarcir a los perdedores, para recuperar lo que pudo ser y no fue?
La obra, desde luego, no pretende responder a estas preguntas. Más bien susciarlas, junto con otras muchas, y dejarlas revoloteando por ahí.
En un intempestivo retorno a su época de “el teatro en el teatro” (Ñaque, ¡Ay, Carmela!, Pervertimento, El cerco de Leningrado, Los figurantes…), el autor ha querido abordar cuál podría ser un “teatro en tiempos de rabia”, aquel que una pareja de jóvenes actores de hoy, Patri y Rómulo, pretenden crear y representar.
Entrelazando el humor, lo fantástico y lo político, la obra despliega una serie de enigmas que aspiran a suscitar otras tantas preguntas en la mente del espectador.
José Sanchis Sinisterra
FICHA
Texto y dirección:José Sanchis-Sinisterra
Con Paula Iwasaki Guillermo Serrano
Escenografía Juan Sanz
Iluminación Juan Gómez-Cornejo (A.A.I)
Vestuario Helena Sanchis y Tania Tajadura
Espacio sonoro y composición musical Pablo Despeyrpux
Video Daniel Ramírez
Ayudante de dirección Eva Redondo
Sanchís Sinisterra vuelve a "rescatar del olvido a los vencidos" hasta el 14 de abril en el Teatro Español
«El lugar donde rezan las putas», dos actores con voz de vencidos
TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA
Iria Producciones presentan
MISS CUARENTA
El show de Paula Arcila con el que afrontar la llegada a los 40 desde el humor y la madurez de los años
Miss Cuarenta es un relato de las experiencias de una mujer que llega a esa edad con toda la lucidez que dan los años y desde un gran sentido del humor.
Iria Producciones, responsables de traer a España la producción de éxito internacional, El Cavernícola, continúan con la gestión del Teatro Arlequín Gran Vía de Madrid, ofreciendo una programación variada, muy entretenida y de gran calidad. Dentro de estos parámetros se sitúa Miss Cuarenta, el show creado por Paula Arcilla y que desembarca en España tras un gran éxito de taquilla en Estados Unidos. Paula Arcila, presentadora de radio y actriz colombiana, protagoniza un fenómeno taquillero en Estados Unidos, que llega por primera vez al Teatro Arlequín Gran Vía de Madrid. En clave de comedia, Paula retrata las experiencias de una mujer que llega a tan “temida” edad con toda la lucidez que da la experiencia. Vivencias como noviazgos, matrimonios fallidos, divorcios, soltería, la decisión de no tener hijos y la desmitificación de los cuerpos con “medidas perfectas”, hacen parte de esta creación de Paula Arcila, que ha transformado su historia personal en un divertido espectáculo unipersonal donde los asistentes de cualquier generación pueden identificarse.
