Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
en gira
SOM produce
presenta
WEST SIDE STORY
de Jerome Robbins
El Clásico Original de Broadway
EL CLÁSICO ORIGINAL DE BROADWAY
Ahora, producido por SOM Produce y coincidiendo con el Centenario de Leonard Bernstein, se estrena por primera vez en España la versión original íntegra con la que éste musical mítico debutó en el Winter Garden Theatre (Broadway, 1957). SOM Produce es la productora de BILLY ELLIOT, PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO o CABARET, entre otros grandes musicales internacionales.
EL CLÁSICO ORIGINAL DE BROADWAY
Desde la primera nota hasta el último suspiro, West Side Story es uno de los musicales más importantes y representativos del teatro universal. La partitura a cargo de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim es unánimemente reconocida como una de las mejores en la historia de los musicales. El texto de Arthur Laurens continúa siendo tan conmovedor y actual como el primer día y las coreografías originales de Jerome Robbins ocupan un lugar de honor en la leyenda del baile contemporáneo. De su mano, la más grande historia de amor toma las calles de Broadway para convertirse en uno de los hitos del teatro musical de todos los tiempos.
En West Side Story, Arthur Laurens transporta el Romeo y Julieta de Shakespeare a la ciudad de Nueva York, en donde dos jóvenes enamorados se ven atrapados por el enfrentamiento entre dos bandas callejeras: los “americanos” Jets y los puertorriqueños Sharks. Su lucha por sobrevivir en un ambiente de odio, violencia y prejuicios da forma a una de las historias más emocionantes, bellas y relevantes del teatro musical.
Ahora, producido por SOM Produce y coincidiendo con el centenario del nacimiento de Leonard Bernstein,
se estrena por primera vez en España la versión original íntegra con la que éste musical mítico debutó en el Winter Garden Theatre (Broadway, 1957).
WEST SIDE STORY es una producción de SOM Produce, bajo licencia exclusiva de Music Theatre International (Europa).
WEST SIDE STORY EN TEATRO
Ofrecemos la versión original con la que se estrenó en Broadway en noviembre de 1957 (Winter Theatre de Nueva York). Texto, partitura y coreografías originales.
Ha sido representado ininterrumpidamente en más de 30 países desde su estreno hace más de 60 años, sobreviviendo largamente a la película a la que dio origen.
El musical ha sido galardonado con todos los premios existentes en el planeta en el ámbito del teatro musical.
Ha sido considerado en 2013 por la revista Times como
El mejor musical de todos los tiempos.
WEST SIDE STORY EN CINE
West Side Story se estrenó en cine en 1961. Fue protagonizada por Natalie Wood, Richard Beymer, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn.
La película fue ganadora en 10 categorías de los premios Óscar, convirtiéndose en la más galardonada en la historia del cine musical.
Además, también recibió 5 nominaciones a los Globos de Oro, ganando tres de ellos, entre ellos “Mejor Película Comedia / Musical.
La Banda Sonora es el disco que más semanas ha permanecido en la historia en la lista de álbumes más vendidos de Billboard y fue ganadora de un Premio Grammy
Tal es la vigencia y actualidad del legado de West Side Story que Steven Spielberg será el director de un remake que Hollywood producirá próximamente.
TEATRO REAL
presenta
AIDA
de Gisueppe Verdi
7 - 25 DE MARZO 2018
Aida vuelve al Teatro Real en una mítica producción que quiere rendir homenaje a su propia historia, rescatando de sus almacenes parte de la escenografía original de 1998, que tanta admiración suscitó en su momento, y que durante mucho tiempo fue imposible reponer por sus complejos requerimientos técnicos y humanos. Aida combina espacios de intimidad, tanto amorosos como conflictos entre personajes, con escenas y sentimientos colectivos, de grandes masas. Esto lo supo cuidar Verdi con extraordinario acierto, especialmente en el estreno del Teatro alla Scala, donde él estuvo presente. En plena celebración del Bicentenario y del vigésimo aniversario de su reapertura, el Teatro Real recupera una de las producciones más monumentales y emblemáticas de su pasado reciente, Aida, de Giuseppe Verdi, estrenada en 1998 con dirección de escena, escenografía y vestuario de Hugo de Ana. El director de escena ofrecerá una versión revisada y actualizada de una de las óperas más populares del compositor de Busseto. El maestro Nicola Luisotti regresa al Teatro Real para ponerse al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y un triple reparto en el que se alternarán las mejores voces de la actualidad: Violeta Urmana, Ekaterina Semenchuk, Daniela Barcellona, Gregory Kunde, Fabio Sartori, Alfred Kim, Liudmyla Monastyrska, Anna Pirozzi y Lianna Haroutounian, entre otros.
Ópera en cuatro actos
Música de Giuseppe Verdi (1813-1901)
Libreto de Antonio Ghislanzoni, basado en un guión (1869) de Auguste Mariette
Estrenada en el Teatro de la Ópera de El Cairo, el 24 de diciembre de 1871
Estrenada en el Teatro Real el 12 de diciembre de 1874
Producción del Teatro Real, en coproducción con la Lyric Opera de Chicago y el Teatro Municipal de Santiago de Chile, basada en la original del Teatro Real de 1998.
Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)
Sinopsis
En Aida conviven, como en pocas óperas, lo grandioso y lo íntimo: al sanguinolento enfrentamiento entre etíopes y egipcios se yuxtapone el amor de Radames, jefe militar de estos, por Aida, esclava de aquellos. El suyo es un amor más poderoso que el odio entre ambos pueblos, las diferencias sociales y las convicciones incompatibles; un amor tan sólido como el muro que impide su consumación.
Verdi eligió esta historia tras rechazar una amplia gama de alternativas que iban desde tramas cómicas hasta temáticas a partir de las cuales hubiera podido componer una grand opéra. Se implicó intensamente en el proceso de redacción del libreto que firmaría Antonio Ghislanzoni, con quien ya había colaborado en la revisión de La forza del destino, y su estreno en una Ópera de El Cairo inaugurada solo dos años antes resultó todo un éxito. Como parte de la celebración de su bicentenario, el Teatro Real ha querido rendir homenaje a su propia tradición, rescatando de sus almacenes parte de la escenografía de la producción de 1998 que tanta admiración levantó en su momento, y que durante mucho tiempo fue imposible reponer por sus complejos requerimientos técnicos y humanos. Aida vuelve al Teatro Real.Ficha Artística
- Dirección musical:Nicola Luisotti
- Dirección de escena, escenografía y figurines:Hugo de Ana
- Iluminación:Vinicio Cheli
- Coreografía:Leda Lojodice
- Dirección del coro:Andrés Máspero
- El rey:Soloman Howard
- Amneris:Violeta Urmana (Mar. 7, 10, 13, 16, 22, 24, 25) Ekaterina Semenchuk (Mar. 8, 11, 14, 17, 19, 21) Daniela Barcellona (Mar. 9, 15, 20, 23)
- Aida:Liudmyla Monastyrska (Mar. 7, 10, 13, 16, 19, 22, 25) Anna Pirozzi (Mar. 8, 11, 14, 17, 21, 24) Lianna Haroutounian (Mar. 9, 15, 20, 23)
- Radames:Gregory Kunde (Mar. 7, 10, 13, 16, 19, 22, 25) Alfred Kim (Mar. 8, 11, 14, 17, 21, 24) Fabio Sartori (Mar. 9, 15, 20, 23)
- Ramfis:Roberto Tagliavini (Mar. 7, 9, 10, 13, 15, 16, 19, 22, 23, 25) Rafal Siwek (Mar. 8, 11, 14, 17, 20, 21, 24)
- Amonasro:Gabriele Viviani (Mar. 7, 11, 14, 16) George Gagnidze (Mar. 8, 10, 13, 17, 19, 21, 22, 24) Àngel Òdena (Mar. 9, 15, 20, 23, 25)
- Gran sacerdotisa:Sandra Pastrana
- Un mensajero:Fabián Lara
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RISA O PLOMO
Un espectáculo formado por los cómicos José Campoy y Raúl Fervé, reconocidos imitadores que dan forma a la parodia de la serie “Narcos” donde sus personajes principales son el hilo conductor de un show cargado de imitaciones, monólogos individuales, sketches y música interpretada por ellos mismos con su particular toque de humor.
Días 14 de abril y 25 de mayo de 2018
Fechas y horarios:Días 14 de abril y 25 de mayo de 2018 Viernes 23:00 horas. Sábado 23:30 horas. en el TEATRO COFIDIS ALCÁZAR
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NAVES DEL MATADERO
Presenta
THE END
Keiichiro Shibuya + Hatsune Miku
22 ,23 y 24 marzo
Una ópera nada convencional que aborda los problemas de realidad e ilusión que tenemos alrededor de nuestra vida y muerte, con un trabajo multifacético que aúna arte tecnológico, cultura pop japonesa y artes escénicas.
Una ópera sin orquesta, sin actores, sin escenario. Una ópera que no emerge de la cuerdas vocales de ningún intérprete humano sino que se compone demúsica electrónica producida por ordenador e imágenes proyectadas en seis pantallas. The End es una ópera llena de vida y de muerte, y la primera ópera Vocaloid (aplicación software de síntesis de voz capaz de cantar) de la historia.
Con “el final” como tema, los artistas Keiichiro Shibuya, YKBX y evala abordan los problemas de realidad e ilusión que tenemos alrededor de nuestra vida y muerte, con un trabajo multifacético que aúna arte tecnológico, cultura pop japonesa y artes escénicas.
La protagonista de The End es la estrella mundial del pop nipón Hatsune Miku cuyo nombre significa “primer sonido del futuro”. Ha sido telonera en varias ocasiones de Lady Gaga y, tanto en su voz como su imagen (en The Endsu vestuario lo firma el exdirector artístico de Louis Vuitton, Marc Jacobs), Miku es una creación digital cuyas canciones acumulan millones de visitas en internet, una estrella sin carne ni huesos, pero con miles de fans, que realiza un viaje iniciático en la pantalla con un futuro incierto.
Desde los primeros instantes de la ópera The End, su protagonista virtual plantea cuestiones sobre la vida y la muerte introduciéndonos en su preocupación existencial en torno a la pregunta “¿Voy a morir?”. Con la última tecnología de mapeo de proyección, y el escenario convertido en una fortaleza electrónica, Hatsune seduce al espectador para que reflexione sobre el último proceso del final de la vida. El último y definitivo instante eterno. Cuestiones como cuál es la percepción actual de la muerte en relación con el fin del mundo o qué será exactamente el final, asaltarán la mente de quien se deje llevar por los efectos visuales e historia de The End, en un viaje onírico con tintes espirituales.
Representada en el Théâtre du Châtelet de París, el Theatre of the National Opera & Ballet de Ámsterdam, el K6 de Hamburgo o el Bunkaramura Opera Hall de Tokio, ha sido alabada en medios internacionales como “una obra única, exigente y contemporánea, llena de visiones surrealistas”.
Keiichiro Shibuya es un músico japonés, fundador de ATAK, una discográfica musical que ha lanzado CDs de obras electroacústicas de vanguardia de varios artistas de todo el mundo. YKBX es director, director de arte y creativo en otros géneros como ilustración y diseño gráfico. Y el tercer artista de The End es evala, músico y artista del sonido cuyas obras de electrónica e instalaciones han recibido premios en el Festival Internacional de Creatividad Cannes o en el Japan Media Arts Festival. evala desarrolla un fenómeno por el cual los sonidos en la oscuridad actúan como seres vivos, creando una nueva experiencia auditiva de "ver con los oídos". Sus obras representan nuevos hitos en la historia del arte sonoro.
Ficha artística
Protagonistas: Keiichiro Shibuya, Hatsune Miku
Concepto y música: Keiichiro Shibuya
Dirección: Keiichiro Shibuya, YKBX
Visuales: YKBX
Diseño de escenografía: Shohei Shigematsu
Diseño de espacio sonoro: evala
Programación Vocaloid: PinocchioP
Ingeniero de sonido: Yoshiyuki Kanamori, Yu Kudo
Iluminación: Masakazu Ito
Sistema de vídeo: Masato Tsutsui
Programador de sistemas: Satoshi Hama (YCAM)
Dirección escénica: So Ozaki
Subtitulación en inglés: Alfred Birnbaum, David d'Heilly
Traducción y sobretitulado al español: Antonio Portela y www.36caracteres.com
Comisariado y supervisión: Kazunao Abe
Asesoramiento: Aya Soejima
Diseño de personajes: YKBX
CGI (Imágenes Generadas por Ordenador): A4A Inc. Shingo Abe / Tsutomu Miyajima / Naoki Takano. Keita Matsuda / Naoto Ogura / Ryota Miki / Yuki Watanabe. Shinichi Mizushima. Nobuyuki Suchi / Tomonari Nakajima. Yasuhiro Kobari. Tetsuto Takahashi. Yoshinori Aoki / Saki Katsume / Baku Hashimoto / Akinori Yamakawa / Yoshiteru Yamakawa
Vestuario: Louis Vuitton
Organiza: The Japan Foundation
Dirección de producción: Naomi Ohki, Tamami Kanda, Momoko Nakamura, Rina Watanabe
Producción: A4A Inc., Shigeru Ogawa, Organizing Committee for The End
Colaboración especial: Crypton Future Media, INC.
Instrumentos musicales: KORG
Con la colaboración de: ATAK
Por encargo de: Yamaguchi Center for Arts and Media [YCAM] 2012
“Vocaloid” es una marca registrada por Yamaha Corporation
© Crypton Future Media, INC. www.piapro.net
Con la colaboración de: Embajada de Japón en España
Teatre Nacional de Catalunya i Factoria Escènica Internacional
presenta
FRANKENSTEIN
de Guillem Morales, basado en la novela de Mary Shelley
El clásico de Mary Shelley sobre uno de los monstruós más famosos de la historia que muestra las tinieblas de una sociedad incapaz de asumir la diferencia.
En 1818, Mary Shelley dotó de una vida perdurable a su célebre monstruo, que con su multiplicidad orgánica acabaría convirtiéndose en un mito fundamental de la nueva sociedad contemporánea, abocada a un replanteamiento profundo de las construcciones de identidad en el nuevo mundo marcado por la industrialización y la reorganización de los poderes fácticos. Doscientos años después de la primera publicación de la novela, la directora Carme Portaceli lleva a escena la historia de este Prometeo moderno con una dramaturgia de Guillem Morales (director y guionista de la premiada película Los ojos de Julia) que indaga en los territorios más tenebrosos de la humanidad herida del mito.
FICHA
Autoría de Guillem Morales, basado en la novela de Mary Shelley Dirección Carme Portaceli Adaptación Guillem Morales Reparto Joel Joan, Àngel Llàcer, Lluís Marco, Magda Puig, Albert Triola, Pere Vallribera, Alba De la Cruz Una Producción Teatre Nacional de Catalunya i Factoria Escènica Internacional
SALA MIRADOR
JuanCallate producciones
Presenta
UN LEÑADOR NO ES UN DISEÑADOR
Disfunción:No es una obra teatral, no es una conferencia, no es un monólogo, no es una exposición, pero tiene un poco de todo eso…y algo más. Un leñador no es un diseñador es una dis-función creativa donde Joan Estrader con su peculiar visión absurda y delirante, nos sumerge en el mundo de la creatividad y el diseño para mostrarnos que la necesidad y la curiosidad pueden desembocar en objetos creativos, sugerentes, originales, humorísticos y sencillos. Después de quince años con su compañía Pezenraya con multitud de premios y excelente críticas, Joan Estrader (Mr. Kebab) se desvincula de Pezenraya y crea su propia marca: Juancallate Producciones, dando rienda suelta a su humor absurdo, desde su particular visión de una realidad que él mismo crea. En Un leñador no es un diseñador nos invita a hacer una reflexión sobre el mundo de los objetos, y a través de su mirada reflexiva e inteligente disecciona el particular universo de la creatividad y el diseño. Proyectamos nuestra personalidad a través de los objetos que nos rodean.Philippe Starck, el diseñador entre diseñadores, el rey Midas del objeto, es una marca en sí mismo. Su Juicy Salif, por ejemplo, el emblemático exprimidor que creó para la firma italiana Alessi, se ha convertido en icono del diseño industrial del siglo XX. Con sus 29 centímetros de altura y sus aladas patas, Starck lo concibió como un limón exprimido sobre un calamar, pero para la mayoría de la gente lo que había tras aquella forma era una simple araña. Dicen que el creador no se cansaba de repetir tras presentarlo que “el exprimidor no fue creado para exprimir limones, sino para iniciar conversaciones”. Ahí posiblemente se encierre el quid de la cuestión: la complicada relación entre forma y función. Todos los objetos tienen tres valores. El de cambio, el precio que se ésta dispuesto a pagar por ese objeto. El valor de uso, cuando el objeto tefunciona o no. Y el valor de signo. Es decir, que representa ese objeto para ti, y como te verán los demás y tú mismo como poseedor de ese objeto, por eso hoy en día la funcionalidad del objeto va más allá de la estética, sin romperse aquella frágil línea que los une y los transforma en una belleza. A partir de estas reflexiones Joan Estrader, con su peculiar humor absurdo, junto a la directora de Arte y diseñadora Carlota Marquina y el diseñador Juan Cardosa proponen un viaje creativo desde una mirada contemporánea, visual, irónica y surrealista con el fin de investigar sobre la relación entre la forma y la función de los objetos que nos rodean.
- f. Desarreglo en el funcionamiento de algo o en la función que le corresponde.
- f. Biol. Alteración cuantitativa o cualitativa de una función orgánica.
Ficha
Idea, creación e intérprete: Joan Estrader
Con la colaboración de los diseñadores: Carlota Marquina y Juan Cardosa
Vídeo: Alcides Taleb
Producción:JuanCallate producciones
Horario: Jueves de Marzo a las 20h. en la SALA MIRADOR
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un leñador no es un diseñador from Juancallate on Vimeo.
TEATRO LARA
SERIE TEATRO
presenta
CAPULLOS QUE VUELAN
de Lluis Mosquera
A Partir del 9 de enero, domingos 20:15h.
(más…)TEATRO RIALTO
GOLDEN APPLE QUARTET presenta
SIN TON NI SON
30 años de GOLDEN APPLE QUARTET
Viernes de marzo y abril a las 23:00 h.
El grupo humorístico, teatral y musical fundado en 1986 en San Sebastián, regresa a Madrid con su nuevo espectáculo SIN TON NI SON, durante los viernes de marzo y abril a las 23:00 h. en el Teatro Rialto, en la Gran Vía madrileña.
Loyola Garmendia, Eduardo Errondosoro, Manuel Romano y Mikel Urreizti prometen un espectáculo fiel a su estilo característico de canto a Capella, seña de identidad del grupo, pero que en momentos precisos deja de ser a Capella para hacer temas de cualquier género.
SIN TON NI SON …ni opsis (SIN OPSIS)
El diccionario de la RAE jura por sus muertos más frescos que hacer algo "sin ton ni son" es hacer algo de manera irracional, disparatada y absurda.
Búsquelo y comprobará que junto a ésta definición aparece la foto de GOLDEN APPLE QUARTET, ya que es una descripción que se ajusta perfectamente a la filosofía de ésta agrupación a lo largo de 30 años de música y humor encima de los escenarios.
Sin orden pero con concierto, con pies pero sin cabeza, la formación agrupa en su nuevo espectáculo titulado Sin Ton ni Son, un amplio y selecto repertorio que aúna tanto sus ya clásicas e inolvidables versiones de canciones como El Menú, Only You, o María de la O, como canciones de nueva creación que, con un poco de mala suerte, se convertirán en futuros clásicos de su repertorio y del género.
Fechas y horarios: Viernes de marzo y abril a las 23:00 h. en el TEATRO RIALTO
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Búsquelo y comprobará que junto a ésta definición aparece la foto de GOLDEN APPLE QUARTET, ya que es una descripción que se ajusta perfectamente a la filosofía de ésta agrupación a lo largo de 30 años de música y humor encima de los escenarios.
Sin orden pero con concierto, con pies pero sin cabeza, la formación agrupa en su nuevo espectáculo titulado Sin Ton ni Son, un amplio y selecto repertorio que aúna tanto sus ya clásicas e inolvidables versiones de canciones como El Menú, Only You, o María de la O, como canciones de nueva creación que, con un poco de mala suerte, se convertirán en futuros clásicos de su repertorio y del género.
Fechas y horarios: Viernes de marzo y abril a las 23:00 h. en el TEATRO RIALTO
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TEATROS LUCHANA
Fortknox Audiovisual presenta
LA LÍNEA DEL HORIZONTE
de Carlos Atanes, que dirige Joaquín Hinojosa quien, a su vez la interpreta junto a Beatriz Arjona.
Los Viernes a las 20.30H.
El transatlántico Île de France surca la noche oceánica rumbo al país donde se realizan los sueños pero...¿En qué quedan los sueños? ¿Cuál es la cruda realidad? Ven a descubrirlo con La línea del horizonte en Teatros Luchana y disfruta de esta obra Carlos Atanes, dirigida por Joaquín Hinojosa e interpretada por Beatriz Arjona y Joaquín Hinojosa. Verano de 1927. El transatlántico Île de France parte rumbo a Nueva York. Un viaje de placer, de lujo, de derroche, de alegría. Entre los pasajeros, una mujer. Es su viaje personal: el camino hacia el triunfo. Por fin, su talento ha sido descubierto. Despegándose de la música del salón de fiesta, sale a la noche de la cubierta. Allí está él, su acompañante en este camino hacia el éxito. Todo es incredulidad, anhelo, deseo, entusiasmo. Él es un hombre taciturno. Parece compartir con ella su alegría. Pero quizás su visión sea otra. Quizás no todo sea belleza. Quizás en esa cubierta del Île de France se digan cosas que no debieron ser expresadas.
El director (Joaquín Hinojosa)
Como director teatral ha puesto en escena Poeta en Nueva York, de García Lorca, Una llamada para Pirandello, de Tabucchi, Atardecer en Santa Elena, de Torrente Ballester, La cantante calva y La lección, de Ionesco, Alicia, sobre textos de Lewis Carroll, Brecht en el Botánico, sobre textos de B. Brecht, el Cronicón de Oña, y Voces Póstumas, de Pedro Atienza.
Ha sido Director Adjunto del Teatro de La Abadía de Madrid, donde dirigió su versión de El libertino, de Eric-Emmanuel Schmitt, Director Artístico de Teatres de la Generalitat Valenciana y Director Delegado del Corral de Comedias de Alcalá de Henares.
FICHA
Director JOAQUÍN HINOJOSA Iluminación JUAN MIGUEL ALCARRIA Música de MARC ÁLVAREZ Fotografías de JACOBO MEDRANO Regiduría y dirección técnica JUAN MIGUEL ALCARRIA Producción escénica MARTA T. H. Una producción de Fortknox Audiovisual Fechas y horarios: Los Viernes a las 20.30H.en los TEATROS LUCHANA[button title="Comprar Entradas" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fentradas%2Fla-linea-del-horizonte_e4812952%2F" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
NAVES DEL MATADERO
Presenta
EL TIEMPO ENTRE NOSOTROS
de Fernando Rubio
18, 19, 20, 21, 22 abril
Ficha artística
Dirección, autoría y diseño: Fernando Rubio
Actor: Juan Loriente
Producción general: Cecilia Kuska
Asistente de dirección en Buenos Aires: Nicolás Rodríguez
Asistente de dirección, producción y distribución: Carlota Guivernau
NAVES DEL MATADERO
Presenta
GRAND APPLAUSE
Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm
Del 27 al 29 abril
Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esa obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applause, una exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición creada por el escenógrafo y performer Jorge Dutor junto al coreógrafo, bailarín y también performer Guillem Mont de Palol. Dutor y Guillem Mont de Palol comenzaron a trabajar juntos en 2008, tras conocerse en Ámsterdam, donde Guillem se graduó en coreografía en la School for New Dance Development (SNDO). Su interés artístico dirige la mirada hacia el lenguaje, la semiótica, significante y significado, cuerpo y movimiento, musicalidad y fisicalidad del sonido. Utilizan el humor como herramienta para cuestionar formas de producción, creación, exhibición, interacción y contaminación de la práctica artística. “Creemos en una cierta dimensión política de nuestro trabajo tratando de expandir el concepto de coreografía trabajando en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas”, explican. Por eso, a lo largo de su carrera han colaborado con otros artistas como Sara Manente & Marcos Simões, o María Jerez. Producto de estas relaciones artísticas han surgido las piezas Uuuhhh, yo fui un hombre lobo adolescente inventando horrores (2009), Y por qué John Cage? (2011), #LOSMICRÓFONOS (2013) y la película Thismovie (2013), que han viajado por múltiples espacios y festivales como Festival Panorama de Río de Janeiro, Buda Kunstenzentrum de Kortrijk (Flandes), Short Theatre de Roma, Museo Universitario del Chopo en Ciudad de México, La Casa Encendida de Madrid, Julidans Festival de Amsterdam, Festival AltVigo, Royal Exchange Theater de Manchester o la Alhóndiga en Bilbao, entre otros. Gran Applause se estrenó en el Mercat de Les Flors el Sàlmôn Festival 2016 y se ha presentado en escenarios de México, Manchester o Palma de Mallorca. En palabras de sus creadores: “Proponemos una traslación de un formato expositivo a un formato performático. Es un proyecto curatorial; una coreografía que recorre una arquitectura virtual de escala 1:1 basada en la ficción de la ópera Carmen de Bizet y pone en diálogo el trabajo de tres artistas que comparten la potencia de sugerir ficciones a partir de elementos: Norberto Llopis en el papel de Carmen, Luis Úrculo en el papel de Don José y Bernhard Willhelm como el torero Escamillo. En Grand Applause pasamos de ser los absolutos protagonistas de nuestras piezas a ser un elemento más de todo un ecosistema en el que compartimos, o diluimos, el asunto de la autoría con Merimee, Bizet, The Korgis, Reveriano Soutullo, Juan Vert, Luis Cobos, Héroes del Silencio y Rafael Alberti”.
Ficha artística
Performance de: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol
Con obra de: Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm
Coordinación técnica y regiduría: Carmelo Fernández
Sonido: Carlos Parra y Marcelo Lastra
Tramoya: Almudena Sancho
Confección de telones: Paloma Martínez López
Diseño gráfico: Miguel Marques
Con la colaboración de: Coro GAC de Barcelona y Coro de El Molino
Producida por: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol
Con la colaboración de: Graner/SÂLMON< Festival, del Museo Universitario del Chopo, de Estiu en Obres de Las Naves Espai d’Innovació i Creació
Con el apoyo de: Beques a la Recerca i la Creació en els ámbits de les Arts Visuals, dels Nous Sectors Creatius, de les Arts Escèniques, de la Música i el Pensament de la Generalitat de Catalunya
fotos aquí.
NAVES DEL MATADERO
Presenta
EL MATRIMONIO DEL CIELO Y EL INFIERNO
INSTITUTO STOCOS
Del 14 al 22 de abril
El núcleo central de Blake es el restablecimiento de la unión de pares opuestos, aparentemente irreconciliables, ya que como afirmaba el poeta “sin contrarios no hay progreso”. Por una lado está la virtuosa claridad del pensamiento racional tecnocientífico (el cielo, el logos) y por otro, las endemoniadas y arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación y el instinto, que emergen de la energía corporal (el infierno, el mythos). “La obra original de Blake desafía los géneros combinando de forma orgánica una gran variedad de elementos: desde ilustraciones, poemas, parodias, una mitología original, un canto político o manifiestos religiosos, hasta toda una teoría de la percepción y varios descensos a los infiernos. En nuestra visión escénica, estos elementos emergen del cuerpo de los bailarines en forma de entidades sonoras e imaginería visual desarrolladas mediante alta tecnología: modelos de inteligencia artificial y síntesis de sonido conectadas en tiempo real a los movimientos de los bailarines. El acoplamiento entre los cuerpos en escena y la tecnología digital interactiva amplía la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales como la acústica y la imaginería visual. La obra propuesta tiende un puente entre el pensamiento abstracto tecnocientífico y la experiencia concreta del cuerpo”, explica el Instituto Stocos. La pieza analiza aspectos expresivos del movimiento corporal, como la energía, la fluidez, la simetría o la impulsividad, traduciéndolos (en tiempo real) en abstracciones digitales sonoras y visuales. Instituto Stocos transforma el espacio escénico en un entorno reactivo que brota de la actividad corporal de los bailarines. Explora los límites de la imaginación coreográfica y crea una realidad aumentada de la danza. Este proyecto utiliza tecnología diseñada para el desarrollo de la danza en el Proyecto Europeo WhoLoDancE, del programa de Industria Comunicación y Tecnología (ICT) Horizonte 2020 (H2020), del que Instituto Stocos es socio beneficiario.
SOBRE INSTITUTO STOCOS
La inteligencia artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental se pueden bailar. La expansión de la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales, gracias a la tecnología, es el campo de investigación de la coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio. Romero, que comenzó su trayectoria con coreógrafos como Forsythe o Jiří Kylián, se unió a Pablo Palacio para fundar el Instituto Stocos, desde el que analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales. Fruto de su imaginario, el Instituto Stocos ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una diseminación artística de su investigación. Piezas suyas como Acusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural Narratives1: Phantom Limb, Neural Narratives2: Polytopya o Piano & Dancer hablan este nuevo idioma inventado por ellos.
El cuerpo teórico que generan Muriel Romero y Pablo Palacio es objeto de estudio en conservatorios y Universidades de todo el mundo. Han participado en proyectos europeos pioneros de investigación como WhoLoDancE, Metabody y D.A.N.C.E. Y, desde 2010, colaboran en el desarrollo del Motion Composer, una tecnología orientada a la interacción entre cuerpo y sonido para personas con discapacidad.
Ficha artística
Dirección: Pablo Palacio y Muriel Romero
Coreografía: Muriel Romero
Composición de música: Pablo Palacio
Simulación visual interactiva: Daniel Bisig
Diseño de sistemas láser: Daniel Bisig
Interpretación y colaboración coreográfica: Clyde Emmanuel Archer, Frabrice Edelman, Kateryna Hummenyuk, Arnau Pérez, Lucía Almenzar, Gabriela de Alteriis, Teresa Garzón y Aina Canela.
Simulación visual interactiva: Daniel Bisig
Software y tecnología interactiva: Daniel Bisig, Pablo Palacio e Infomus Casa Paganini
Iluminación: Juan Carlos Gallardo
Vestuario: Instituto Stocos
Producción: Pablo Palacio
Coproducción: Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, Teatro Museo Universidad de Navarra
Apoyos: Comunidad de Madrid, EU ICT H2020, Compañía Nacional de Danza, Teatros del Canal, Hebel Halle (Heidelberg, Alemania), Infomus-Casa Paganini- University de Genova (Génova, Italia) e Institute for Computer Music and Sound Technology of Zurich
Idioma: Español e inglés
fotos aquí.
