NAVES DEL MATADERO

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THE END

Keiichiro Shibuya + Hatsune Miku

22 ,23 y 24 marzo

 

Una ópera nada convencional que aborda los problemas de realidad e ilusión que tenemos alrededor de nuestra vida y muerte, con un trabajo multifacético que aúna arte tecnológico, cultura pop japonesa y artes escénicas.

 

En El tiempo entre nosotros un hombre abandona su ambiente para ocupar una casa de madera construida en la Nave 10 y convertir en un hecho estético la relación que entabla con desconocidos mientras indaga la posibilidad de ser otro. Durante cinco días seguidos conversará, escribirá y habitará su nuevo lugar ante la presencia de público. Este hombre será el actor Juan Loriente, colaborador y actor fetiche de Rodrigo García desde 1999, en cuya carrera ha trabajado con artistas como La Ribot, Ana Vallés, Carlos Marquerie o La Fura dels Baus. Alfred Hitchcock definió como MacGuffin aquél misterioso objeto de deseo que lleva al personaje a envolverse en diferentes situaciones, sin que en ningún momento quede claro de qué se trata ese objetivo. En ese sentido la decisión y el porqué que lleva al hombre de El tiempo entre nosotros a vivir en esa casa durante cinco días es un misterio al que el espectador se podrá acercar de diferentes maneras. Toda la historia camina en dirección a ese objetivo temporal. Esta performance duracional del director, dramaturgo y artista visual argentino Fernando Rubio se estrenó en 2015 en el Parque de la Memoria de Buenos Aires en el marco de la Bienal de Performances BP15 y también se ha llevado a cabo en el Festival Santiago a Mil de Santiago (Chile), Singapore International Festival of Arts (Singapur) y Festival Theater der Welt (Alemania). Es la segunda parte de la trilogía de obras que comienza con Cuando éramos chicos y finaliza con Y todo lo demás. El artista ruso Ilya Kabakov dijo en una ocasión: “La casa es así un dispositivo de la memoria, evoca recuerdos, convoca entidades fantasmagóricas. También el inconsciente está poblado de fantasmas. No solo los recuerdos, también las cosas que hemos olvidado están ‘almacenadas’ allí. El alma es una morada. Recordando las casas y las habitaciones aprendemos a mirar dentro de nosotros mismos”. Rubio se inspira y profundiza en esta reflexión para llevar a cabo su pieza. “Busco resignificar el espacio en que nos encontramos para establecer nuevas afectividades entre conocidos y desconocidos. La obra indaga sobre nuestras costumbres y transformaciones a través de la acción de dejar el lugar acostumbrado para repensar nuestro vínculo con lo que nos rodea y habitar de una manera siempre cambiante los días, las horas, las relaciones, el espacio. A su vez el objeto espacial, la casa, descentralizada de los lugares comunes de emplazamiento en las ciudades, reflexiona y pone en crisis el lugar físico y simbólico que habitamos”, Fernando Rubio.

 

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GRAND APPLAUSE

Norberto Llopis, Luis Úrculo y Bernhard Willhelm

Del 27 al 29  abril

    Imaginemos por un momento que la ópera Carmen de Bizet fuera una pieza de museo. Ahora imaginemos que esa obra expositiva cobrara vida de la mano de artistas contemporáneos como Luis Úrculo, Norberto Llopis o Bernhard Willhelm. Eso es Grand Applause, una exposición en cuatro actos o una ópera que recorre cuatro salas de una exposición creada por el escenógrafo y performer Jorge Dutor junto al coreógrafo, bailarín y también performer Guillem Mont de Palol. Dutor y Guillem Mont de Palol comenzaron a trabajar juntos en 2008, tras conocerse en Ámsterdam, donde Guillem se graduó en coreografía en la School for New Dance Development (SNDO). Su interés artístico dirige la mirada hacia el lenguaje, la semiótica, significante y significado, cuerpo y movimiento, musicalidad y fisicalidad del sonido. Utilizan el humor como herramienta para cuestionar formas de producción, creación, exhibición, interacción y contaminación de la práctica artística. “Creemos en una cierta dimensión política de nuestro trabajo tratando de expandir el concepto de coreografía trabajando en los límites de fricción con otras disciplinas artísticas”, explican. Por eso, a lo largo de su carrera han colaborado con otros artistas como Sara Manente & Marcos Simões, o María Jerez. Producto de estas relaciones artísticas han surgido las piezas Uuuhhh, yo fui un hombre lobo adolescente inventando horrores (2009), Y por qué John Cage? (2011), #LOSMICRÓFONOS (2013) y la película Thismovie (2013), que han viajado por múltiples espacios y festivales como Festival Panorama de Río de Janeiro, Buda Kunstenzentrum de Kortrijk (Flandes), Short Theatre de Roma, Museo Universitario del Chopo en Ciudad de México, La Casa Encendida de Madrid, Julidans Festival de Amsterdam, Festival AltVigo, Royal Exchange Theater de Manchester o la Alhóndiga en Bilbao, entre otros. Gran Applause se estrenó en el Mercat de Les Flors el Sàlmôn Festival 2016 y se ha presentado en escenarios de México, Manchester o Palma de Mallorca. En palabras de sus creadores: “Proponemos una traslación de un formato expositivo a un formato performático. Es un proyecto curatorial; una coreografía que recorre una arquitectura virtual de escala 1:1 basada en la ficción de la ópera Carmen de Bizet y pone en diálogo el trabajo de tres artistas que comparten la potencia de sugerir ficciones a partir de elementos: Norberto Llopis en el papel de Carmen, Luis Úrculo en el papel de Don José y Bernhard Willhelm como el torero Escamillo. En Grand Applause pasamos de ser los absolutos protagonistas de nuestras piezas a ser un elemento más de todo un ecosistema en el que compartimos, o diluimos, el asunto de la autoría con Merimee, Bizet, The Korgis, Reveriano Soutullo, Juan Vert, Luis Cobos, Héroes del Silencio y Rafael Alberti”.  

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EL MATRIMONIO DEL CIELO Y EL INFIERNO

INSTITUTO STOCOS

Del 14 al 22 de abril

    El núcleo central de Blake es el restablecimiento de la unión de pares opuestos, aparentemente irreconciliables, ya que como afirmaba el poeta “sin contrarios no hay progreso”. Por una lado está la virtuosa claridad del pensamiento racional tecnocientífico (el cielo, el logos) y por otro, las endemoniadas y arrolladoras fuerzas creativas de la imaginación y el instinto, que emergen de la energía corporal (el infierno, el mythos). “La obra original de Blake desafía los géneros combinando de forma orgánica una gran variedad de elementos: desde ilustraciones, poemas, parodias, una mitología original, un canto político o manifiestos religiosos, hasta toda una teoría de la percepción y varios descensos a los infiernos. En nuestra visión escénica, estos elementos emergen del cuerpo de los bailarines en forma de entidades sonoras e imaginería visual desarrolladas mediante alta tecnología: modelos de inteligencia artificial y síntesis de sonido conectadas en tiempo real a los movimientos de los bailarines. El acoplamiento entre los cuerpos en escena y la tecnología digital interactiva amplía la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales como la acústica y la imaginería visual. La obra propuesta tiende un puente entre el pensamiento abstracto tecnocientífico y la experiencia concreta del cuerpo”, explica el Instituto Stocos. La pieza analiza aspectos expresivos del movimiento corporal, como la energía, la fluidez, la simetría o la impulsividad, traduciéndolos (en tiempo real) en abstracciones digitales sonoras y visuales. Instituto Stocos transforma el espacio escénico en un entorno reactivo que brota de la actividad corporal de los bailarines. Explora los límites de la imaginación coreográfica y crea una realidad aumentada de la danza. Este proyecto utiliza tecnología diseñada para el desarrollo de la danza en el Proyecto Europeo WhoLoDancE, del programa de Industria Comunicación y Tecnología (ICT) Horizonte 2020 (H2020), del que Instituto Stocos es socio beneficiario.  

  SOBRE INSTITUTO STOCOS La inteligencia artificial, la biología, las matemáticas y la psicología experimental se pueden bailar. La expansión de la energía corporal de la danza a otras modalidades sensoriales, gracias a la tecnología, es el campo de investigación de la coreógrafa y bailarina Muriel Romero y el compositor Pablo Palacio. Romero, que comenzó su trayectoria con coreógrafos como Forsythe o Jiří Kylián, se unió a Pablo Palacio para fundar el Instituto Stocos, desde el que analizan y desarrollan la interacción entre gestos, sonidos e imaginería visual. Se sirven de la tecnología para evolucionar la danza. Investigan el movimiento en una escena tridimensional donde los cuerpos interactúan con entes sonoros y visuales. Fruto de su imaginario, el Instituto Stocos ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una diseminación artística de su investigación. Piezas suyas como Acusmatrix, Catexis, Stocos, Double Bind, Neural Narratives1: Phantom Limb, Neural Narratives2: Polytopya o Piano & Dancer hablan este nuevo idioma inventado por ellos. El cuerpo teórico que generan Muriel Romero y Pablo Palacio es objeto de estudio en conservatorios y Universidades de todo el mundo. Han participado en proyectos europeos pioneros de investigación como WhoLoDancE, Metabody y D.A.N.C.E. Y, desde 2010, colaboran en el desarrollo del Motion Composer, una tecnología orientada a la interacción entre cuerpo y sonido para personas con discapacidad.

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ECLIPSE : MUNDO

Paz Rojo

desde el jueves 5 abril 2018 hasta el domingo 8 abril

  La bailarina y coreógrafa Paz Rojo investiga sobre el encuentro entre las prácticas artísticas, la coreografía y la filosofía. Comienza su carrera en 1994 con el premio a la bailarina sobresaliente en el VIII Certamen Coreográfico de Madrid, con Rui Horta como presidente del jurado, y los diez años siguientes se traslada a Ámsterdam donde se gradúa en “creación coreográfica” en la School for New Dance Development (SNDO Universidad de las Artes de Ámsterdam) y recibiendo el apoyo del estado holandés. Desde entonces sus piezas están presentes en la escena de vanguardia internacional: Impulstanz Festival Viena (Austria), Festival Contemporâneo de Dança Internacional (São Paulo) y Springdance Festival (Holanda). Para Rojo la danza no es una coreografía a realizar, sino que ha de ser encontrada y creada en el lugar exacto donde ya está. “Se trata de estar a la altura de lo que percibimos en lugar lo que queremos hacer ver. Por eso, la danza, desde la óptica que ofrece un eclipse, solo podría ser percibida como una ausencia de perspectiva a la que sumar miradas para continuarse en algo”, reflexiona. Ha sido la directora artística del Festival ¿qué puede un cuerpo? (La Casa Encendida, Madrid 2014-2015) y ha presentado sus piezas en el Museo Reina Sofía, el CCCB, el Festival Escena Contemporánea de Madrid o el CA2M Móstoles, entre otros lugares nacionales de referencia. En la actualidad realiza su doctorado en la Universidad de las Artes de Estocolmo con la tesis The refusal to choreograph and its movement: the subaltern pathway (El rechazo a la coreografía y su movimiento: el camino subalterno). Esta investigación incluye el laboratorio itinerante coreografía: un problema a practicar realizado desde 2010 en diferentes festivales, instituciones y contextos (Madrid, Barcelona, São Paulo, Moscú, Viena, Estambul, Ámsterdam, Estocolmo, Bruselas y Ciudad de México). Tras una residencia en Naves Matadero – Centro Internacional de Artes Vivas, presenta su última creaciónECLIPSE : MUNDO. “Un agujero se abre en el espacio de la caja negra. Un agujero negro. ECLIPSE : MUNDO es la puesta en práctica de un abismo, un cierto «no saber», un «no hacer ver» que sin embargo es un conocer. El origen griego de la palabra «eclipse» significa, precisamente, «abandono». En este sentido, ECLIPSE : MUNDO ofrece una coreografía dejando de ser coreografía y, simultáneamente, una danza tomando forma, es decir, aprendiendo a ver la posibilidad de (un) mundo en el que todo sigue siendo, pero de otra manera. Danza oscura que desactiva toda intencionalidad por medio de un distraer, un dejar perderse. O más bien, un ignorar, un olvidar. Un danzeo que, aunque no signifique nada, consiga hacer algo. ECLIPSE : MUNDO es una aproximación a la potencialidad de la danza como objeto y experiencia estética. Un paisaje, superficie y refugio a la intemperie habitado por el sonido, la luz, cinco danzantes y diferentes materialidades”, Paz Rojo.

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ESTOY PENSANDO EN TORTUGAS

CLAUDIA FACI

desde el viernes 9 marzo

    La bailarina, coreógrafa, actriz, directora, docente y autora independiente Claudia Faci es un verso imprescindible en las artes escénicas contemporáneas españolas. “Quizás no exista mejor archivo que la piel de Claudia Faci. Todo lo que, de alguna manera, ha sido relevante durante los últimos treinta años de historia de la danza en España, ha dejado una marca en sus carnes enjutas”, ha dicho de ella Jaime Conde-Salazar. Como nieta e hija de maestras (María de Ávila y Lola de Ávila) las hebras de su ADN conocen bien la profundidad de la danza, pero su necesidad de actualizar constantemente su manera de vivir la escena hace que sus creaciones reten las convenciones, huyan de los lugares comunes y distorsionen la noción de autoría basada en las leyes establecidas por el mercado. Faci desdibuja los límites entre el sujeto y el objeto, entre quien mira y quien recibe la mirada. Desde que en 2006 estrenara Nur Für Dich en el festival Madrid en Danza, bajo el heterónimo Klara von Himmer, concentra su actividad en la creación nutriéndose de su experiencia en la danza, el teatro, la performance y la literatura. Sus piezas han recibido elogios en el Festival de Otoño a Primavera, Temporada Alta de Girona o Escena Contemporánea de Madrid. Decía Miquel Insua que “si Claudia Faci desarrollara su actividad en Berlín formaría parte de la programación habitual de la Schaubühne”. En la última década ha mantenido abierto un diálogo fundamental para el desarrollo de su trabajo con creadores como Jaime Conde-Salazar, Chantal Maillard, Fernando Renjifo, los colectivos MaDam y Terrorismo de Autor y Óscar G. Villegas. "Imaginemos la posibilidad de una escritura que no suceda necesariamente sobre el papel. Una escritura hecha de carne que no conozca otro tiempo sino el “instante-ya”. Imaginemos que el teatro se convierte en una suerte de máquina de producir escritura. Soy un cuerpo en busca de una escritura que se deslice como un lametazo a la superficie del tiempo, que sea puro pasaje, agarrada a la vida hasta confundirse con ella. Me atrevo a decir “yo” y apareces: “tú”. Acarreo la primera persona porque sé que el premio es tu cuerpo al otro lado. Eres la consecuencia inmediata de este (y de cualquier otro) intento de escribir, el precio que con gusto acepto pagar. “Soy el eres-tu”. Yo y tú, rebote de mi existencia. Somos Dos. Dos invitan a otras dos. C y Ó se desdoblan en sus reflejos: dos cuerpos más. Y así sucesivamente. De lo que se trata es de escenificar la distancia que nos separa y que permite la escritura. Pero en este tiempo ahora, este tiempo que se inscribe dentro del instante del deseo, no queda espacio para el mito. O mejor, dicho, no nos queda otra que desterrar ese mito impuesto que nos obliga a entender la distancia que nos separa como una imposibilidad. Entre yo y tú el aire. Entre tú y yo el calor, la luz, la música, y mi voz. Entre los dos la mirada, la razón profunda del deseo: “esa posibilidad de desdoblamiento que engendra del sí mismo al otro, a ese otro especular cuyos ojos deseamos y en cuyos ojos –los ojos deseados- deseamos que su deseo, el de él, el del otro, nos haga existir”, dice J.Á. Valente . Puesto que tú y yo respiramos el mismo aire, la distancia no debe confundirse más con la separación. O y C se multiplican reventando el espacio del mito. El principio que gobierna este aire-ya es el eros. Aquí, la materia busca sin cesar formas de organización transitorias que trasciendan los límites de los cuerpos individuales. Aquí se está llamando a las criaturas. Entre tú y yo, ellas, las criaturas: superficies sobre las que el lenguaje discurre y se escurre, encarnaciones sobre las que se predican palabras que les exceden, bestias que dejan escapar de sus sexos un texto que suena en música. El Amor está aquí para revelar los otros cuerpos, aquellos que fecundan la distancia que ya no nos separa", Claudia Faci.

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Teatro Praga

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DESPERTAR DA PRIMAVERA

de Frank Wedekind

2, 3 y 4 marzo

  Despertar de Primavera, escrita en 1891 por el dramaturgo alemán Frank Wedekind, escandalizó en su época por abordar escenas con temática homoerótica, masturbación, sado-masoquismo, violación, suicidio y referencias al aborto. 125 años después, la compañía portuguesa Teatro Praga rescata este texto de Wedekind, sobre un grupo de adolescentes en conflicto con una sociedad conservadora y moralista, para cuestionar algunas dictaduras invisibles actuales como las identidades duales o establecidas socialmente (hombre y mujer, homosexual y heterosexual) y la identidad de la lengua. Para ello, en la traducción (y traición) del texto, el dramaturgo portugués Vieira Mendes ha creado un lenguaje único, con tinte queer, repleto de palabras de diferentes orígenes. “Una promiscuidad idiomática que, por veces, nos puede recordar que estamos ante una obra de otro siglo, y, por veces, hacernos pensar en una civilización del futuro que maneja una amalgama lingüística”, dice Alfonso Becerra de Becerreá. Este lenguaje “de una generación que crece bajo la luz artificial, ante pantallas de plasma y entre la maraña del universo digital”, nos habla sin titubeos de la invasión del mundo globalizado. Y su mensaje baila a través del universo rosa de lentejuelas, brillos, purpurinas y unicornios hinchables que cubre constantemente la escena cuestionando las identidades de género, las discusiones sexuales y el teatro tradicional. “Por invitación del Centro Cultural de Belém regresamos a un clásico de la literatura dramática para inscribir, en un texto y en el canon teatral, a quienes están excluidos por el teatro representativo. Despertar da Primavera está invadida por una pubertad que engaña a la naturaleza, que rechaza el sometimiento de un cuerpo a otro, la construcción de identidades, y se agarra a un rito de emancipación que busca desafiar los estándares tradicionales. Un lugar donde se requiere que coexistan varios idiomas, donde las referencias se pierden y reconstruyen, donde la desesperación es la vida y el suicidio la victoria. Es una performance que reivindica la necesidad de idear cierta humanidad”, explica la compañía.  

  SOBRE TEATRO PRAGA Teatro Praga (en español Teatro Plaga) nació en 1995 y se han convertido en un referente de creación contemporánea portuguesa en el mundo. Sus creaciones han encontrado el apoyo de las instituciones culturales contemporáneas más prestigiosas de Portugal y se han presentado en festivales internacionales como, por ejemplo, Macao Arts Festival de China, Festival Chantiers d’Europe del Théâtre de la Ville de París o el VIE Festival de Módena. Aunque el trabajo que desarrolla Teatro Praga sea aparentemente convencional, su manera de trabajar la escena es excepcional. Ellos se definen como un grupo de artistas, diferentes en cada espectáculo, con un escudo heráldico que nos une. “Nos regocijamos con el orden establecido y encontramos que las variaciones impredecibles de sí mismas son una forma de ampliar el concepto de predictibilidad”, explican. Actualmente su sede es Rua das Gaivotas 6, en Lisboa, donde también ofrecen residencias a jóvenes artistas emergentes portugueses que no tienen cabida en otros lugares.