Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
TEATRO AMAYA
Showtime producciones
presenta
VIVA BROADWAY 3
Desde 25 julio
¡5 únicas semanas !
Tras los éxitos de VIVA BROADWAY y NINE EL MUSICAL, Showtime producciones se lanza a producir VIVA BROADWAY 3, nuevo recorrido por los musicales y sus canciones más conocidas de la historia.
tributo al género musical a través de los ojos de la mujer
Marcela Paoli, nueva maestra de ceremonias para un show que va desde Chicago hasta Mamma mía! pasando por 18 títulos imprescindibles
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VIVA BROADWAY 3 en el Teatro Amaya[/caption]
Viva Broadway 3, el Musical es un recorrido por los “Musicales” más exitosos de la historia que han sido representados en Broadway.
Vive la magia de 25 números musicales en los que recorrerás más de un siglo y medio de historia. Todo ello bajo la visión de la protagonista del primer musical moderno: Mrs. Lawrence, un hilarante personaje que no te dejará indiferente.
Más de 200 piezas de vestuario, pantallas, shows de luces y elementos aéreos, enmarcarán a las más famosas canciones del teatro musical, interpretadas con voces en directo a través de coreografías espectaculares.
Cantantes, bailarines, actores y acróbatas te harán vibrar en este viaje musical, que estará al mando por la recordada y espectacular protagonista del musical “Chicago”: Marcela Paoli.
Fechas y horarios: Desde 25 de julio. Jueves y viernes 20h., sábado 19h. y 21.30h., y domingo 19.30h. en el TEATRO AMAYA
Espectáculo Recomendado para toda la Familia - Duración 90 minutos sin descanso.
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VIVA BROADWAY 3 en el Teatro Amaya[/caption]
White Kite Producciones, liderada por Felipe García Quirós, será la encargada de producir el musical. Además, contará con el apoyo de Pinama Inversiones y de Fluge.
presentan
33 EL MUSICAL
La historia de Jesús como nunca nadie te la ha contado.
Un espectáculo que impactará todos tus sentidos.
‘33, EL MUSICAL’ cuenta la vida de Jesús de Nazaret como nunca nadie te la ha c@ntado. Es una historia que todos conocemos porque la hemos oído pero contada de una manera innovadora que impactará tus sentidos a través de la emoción, la espectacularidad, el drama, la magia y el humor. Con una escenografía impactante y un vestuario atemporal que te transportarán a un lugar único. Se trata de un espectáculo inmersivo en el que por primera vez en la historia del teatro-musical de nuestro país, se suben a escena 25 actores al mismo tiempo. La escenografía, creada en el Espacio 33 romperá con todo lo que se ha realizado en la historia de los musicales presentados en España. ’33, El Musical’ nace con vocación de convertirse en el mejor musical original escrito en castellano y referente del panorama español, tanto por la calidad de las canciones como por la puesta en escena y espectacularidad del Espacio 33. Se trata de un musical que no dejará a nadie indiferente. ‘33, El Musical’ y queremos que lo hagas a lo grande. Contamos con la carpa más grande de Europa, con capacidad para 1.500 espectadores y una platea con una profundidad de 14 metros para la representación del musical. Un espacio único y espectacular, creado especialmente para la ocasión, que permite la presencia de 25 actores en escena al mismo tiempo por primera vez en España y que te harán vivir una experiencia increíble. Además, podrás interactuar con los actores en diversos del espectáculo, convirtiendo el Musical en una experiencia llena de emoción y muy personal. [gallery link="file" size="full" columns="2" ids="68292,68293"]
TEATRO VALLE INCLÁN
Una mirada al mundo
presenta
BESTIAS DE ESCENA
Del 13 al 17 de junio de 2018
El próximo 13 de junio se estrena Bestias de escena, dentro del festival Una mirada al mundo, un espectáculo creado y dirigido por la siciliana Emma Dante. Un proyecto en el que un grupo de intérpretes se quita sus ropas para dar forma a una serie de juegos que posibilitarán reconocer no sólo la potencialidad del actor en un ámbito sumamente despojado sino, además, reflexionar sobre la esencia del ser contemporáneo. "Bestias de escena llegó a su verdadero significado en el momento en que renuncié al tema que quería tratar originalmente. En un inicio, quería contar el trabajo del actor, su cansancio, su necesidad, su abandono total llegando a la pérdida de la vergüenza y, finalmente, me encontré delante de una pequeña comunidad de seres primitivos, desorientados, frágiles, un grupo de idiotas que como gesto extremo ofrecen sus ropas sudorosas al espectador, renunciando a todo lo demás. En Bestias de escena hay una comunidad que huye, expulsada del paraíso al igual que Adán y Eva, llegando a un lugar del pecado, el mundo terrenal, lleno de trampas y tentaciones. Se engañan a sí mismos para vivir, encontrando en ese escenario todo lo que necesitan: el odio, el amor, el camino, el miedo, el mar, el naufragio, la zanja, la tumba donde llorar a los muertos, los restos de una catástrofe..." Emma Dante Ficha: Idea y dirección Emma Dante Producción Piccolo Teatro di Milano y Teatro d’Europa, Atto Unico / Compagnia Sud Costa Occidentale en coproducción con Teatro Biondo di Palermo y Festival d’Avignon Con la colaboración de Istituto Italiano di Cultura di Madrid Fechas y horarios: Del 13 al 17 de junio de 2018[button title="Comprar entrada" link="https://www.entradasinaem.es" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
TEATROS LUCHANA
Turlitava Teatro
presenta
LA MUJER QUE SIEMPRE ESTUVO ALLÍ
El nuevo trabajo de TURLITAVA TEATRO que, recuerden, ya pasó por el OFF de la Latina con CAMILLE
¿Os habéis despertado alguna vez atados a una silla en un sótano oscuro? La protagonista de La Mujer que Siempre Estuvo Allí, sí. No podía dejar de pensar en las pelis de Brian de Palma o de Tarantino. En ese sótano oscuro lo aprendió casi todo sobre la violencia y el miedo. Descubre su historia en OFF de La Latina.
La protagonista despierta atada de pies y manos, en lo que parece un sótano abandonado. Una mujer de extraña mirada la ha llevado hasta allí mientras dormía. Una mujer que lo sabe todo sobre ella. Y sobre el miedo. Y sobre la violencia. Una mujer que, definitivamente, sabe demasiado
TEATRO PAVÓN
NUEVE DE NUEVE
presenta
CON LO BIEN QUE ESTÁBAMOS
(Ferretería Esteban)
del 24 al 29 de octubre
(más…)TEATRO ESPAÑOL
Teatro Español y Traspasos Kulture
ROJO
con Juan Echanove y Ricardo Gómez
UN ARTISTA SE ENFRENTA A SU MAYOR RETO PROFESIONAL Y A SU PEOR DILEMA ÉTICO
DEL 29 DE NOVIEMBRE AL 30 DE DICIEMBRE DE 2018
Mark Rothko, uno de los grandes representantes del llamado Expresionismo Abstracto, se enfrenta al que quizá es su mayor reto profesional y su peor dilema ético: pintar una serie de murales, extraordinariamente bien pagados, que deberán decorar el elitista restaurante Four Seasons de Nueva York. Es el principio de la decadencia, pero el tormentoso creador se niega a aceptar que un nuevo movimiento, el Pop Art, acecha dispuesto a pisotear su legado tal y como su generación hizo con los cubistas que la precedieron. Bajo la incisiva mirada de su joven ayudante, y disparando palabras como dardos, Rothko pinta un certero retrato de su visión del arte, de la vida y de la muerte a la que no quiso esperar. Galardonada con seis premios Tony (incluido el de Mejor Obra) y representada en medio mundo desde Chile hasta Japón, Rojo constituye el mayor éxito teatral del dramaturgo y guionista John Logan (Gladiator, El aviador, Skyfall). Es la primera vez que se representa en escenarios españoles. ¿Quién es Mark Rothko?(Daugavpils, Letonia, 1903 - Nueva York, 1970) Pintor estadounidense de origen letón. Emigró a Estados Unidos cuando todavía era un niño. Cursó estudios universitarios y su formación artística fue esencialmente autodidacta.
Tras unos inicios en que se acercó al surrealismo y el expresionismo, llegó a un estilo absolutamente personal que lo convirtió en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto, siendo a menudo encuadrado, junto con Barnett Newman o Sam Francis, en la corriente denominada del campo de color.
Sus obras, normalmente de grandes dimensiones y agrupadas en series, presentan muy poca variación compositiva y consisten básicamente en rectángulos de varios colores que se suceden paralelamente de arriba abajo, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de separación tonal.
La intención del artista fue siempre aprehender el absoluto por medio de una aproximación contemplativa y sensibilista. Su paleta cromática fue oscureciéndose con el paso de los años, se especula que en correspondencia con un estado depresivo que lo llevaría al suicidio.
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Untitled Canvas 1964 - Mark Rothko[/caption]
Ficha:
Dirección: Juan Echanove
Autor: John Logan
Traducción: José Luis Collado
Intérpretes: Juan Echanove y Ricardo Gómez
Diseño de escenografía: Alejandro Andújar y Gerardo Vera
Diseño de Iluminación: Juan Gómez-Cornejo (A.A.I.)
Diseño de vestuario: Alejandro Andújar
Producción: Mikel Gómez de Segura y Zuriñe Santamaría
Juan Echanove dirige e interpreta, junto a Ricardo Gómez, ‘Rojo’, el texto de John Logan sobre el pintor Rothko
Juan Echanove: "El arte contemporáneo tiene que doler"
Fechas y Horarios: del 29 de noviembre al 30 de diciembre de 2018 . De martes a sábado 20h. Domingo 19h. en el TEATRO ESPAÑOLUNA APROXIMACIÓN ACADÉMICA: ¿QUÉ ES EL ARTE Y CÓMO DEBE SER UN ARTISTA?
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K PRODUCCIONES
presenta
LA SOLEDAD DEL ÁNGEL DE LA GUARDIA
La soledad del ángel de la guarda, de Raúl Guerra Garrido
“En un lugar indeterminado de cuyo nombre no quisiera olvidarme”. Así podría haber empezado esta obra. A través de un vibrante y dinámico monólogo interior, armado en una trama sin concesiones a la simplicidad narrativa, el autor nos cuenta la historia de un ángel de la guarda, de un guardaespaldas en un lugar indeterminado. El relato nos sumerge por los vericuetos psicológicos de un hombre al que las circunstancias de la vida le llevan a ser sombra permanente de un profesor amenazado por el terrorismo. La peculiar relación con su protegido, marcada por las diferencias culturales, se enlaza con sus dudas vitales, los gratos recuerdos de los suyos y las ingratas diferencias para sobrevivir en una sociedad ajena.
TEATRO LA LATINA
Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Focus e Yllana
presentan
BEN HUR
del 28 de marzo al 2 de junio
Ben-Hur es la puesta en escena de la novela creada Lewis Wallace.
En un teatro romano, una compañía del siglo I anuncia que va a representar “La Verdadera y Nunca contada historia de Ben-Hur”.
Fieles al contenido de la novela, la obra viaja por todos los lugares comunes del imaginario colectivo: el comienzo con los Magos de Oriente siguiendo una estrella que les guiará al Portal de Belén, la teja que se cae hiriendo al prefecto romano y cuyas consecuencias arrastrarán a Ben–Hur a una fabulosa
aventura. La aparición de Cristo, que paraliza con su mirada hasta a los legionarios romanos, la memorable batalla naval, la carrera de cuadrigas… y, sobre todo, la acérrima rivalidad entre Judá Ben-Hur y su amigo del alma Messala. Un encono que les llevará a competir hasta la muerte.
¡¡O quizás no!!!
Porque en esta historia las cosas no son lo que parecen.
Mejor dicho, en esta historia las cosas sí son lo que parecen…
Ideada y dirigida por Yllana, y escrita por Nancho Novo, Ben Hur es una nueva y original mirada sobre el mítico personaje, desde la perspectiva del humor. Con un ritmo trepidante y un ingenio visual que ellos han definido como: TEATROMASCOPE, una propuesta que permite un juego constante entre el lenguaje cinematográfico y el teatral, y que acerca tan épica historia al espectador de hoy sin perder un ápice de su grandiosidad. Un auténtico espectáculo en 3D sin necesidad de usar gafas.
La obra está plagada de ingeniosos gags, mordaces y absurdos diálogos y una curiosa reflexión sobre la verdad, el amor y la lucha de género. Cuatro actores y dos actrices en estado de gracia, dan vida a multitud de personajes para volver a mostrarnos, esta vez sin cortapisas, lo que nadie se atrevió a contar sobre Ben Hur….”NUNCA SERAN IGUALES LAS NAVIDADES”
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TEATRO MARÍA GUERRERO
Festival de Teatro Clásico de Mérida, Teatre Romea y Grec 2017 Festival de Barcelona
presentan
CALÍGULA
de Albert Camus
MARIO GAS , tras la magnífica INCENDIOS y la poderosa EL CONCIERTO DE SAN OVIDIO, DIRIGE UNA DE LAS GRANDES OBRAS DE ALBERT CAMUS
Del 4 al 30 de diciembre de 2018
Enviar a su amigo Helicon para encontrarla, verla flotando en la superficie de un lago y dragarlo fuera del agua es absurdo. Sabe que está pidiendo lo imposible. Sería igualmente imposible, en su mente, enviar a Helicon a buscar en el universo un significado, una justificación para vivir la propia vida de una manera o de otra. Mario Gas dirige esta obra, que cuenta con Pablo Derqui para el papel protagonista (ya trabajó con Gas en La muerte de un viajante). El absurdo existencial, la enajenación metafísica, el sufrimiento y la lógica del poder se muestran en escena en este montaje basado en Calígula, una de las grandes piezas dramáticas de Albert Camus.
Sinopsis
Los caminos erróneos del poder, la escritura torcida, los caracteres que se quiebran, la honestidad aparente contra la locura destructora cobran vida como expresión de la nada, del helor que produce existir sabiéndose finito e infeliz; el sufrimiento incomprensible, el abismo existencial, la arbitrariedad más brutal contra una casta corrupta, el disolvente feroz de un monarca castigador que persigue hasta las últimas consecuencias lo imposible, la luna... Y la búsqueda implacable del verdugo, verdugo que deberá acabar con su vida.
El amor y su imposibilidad, el paso del tiempo, el asesinato, todo un mundo de atroces y convulsas acciones que desembocan en la autodestrucción están presentes en este extraño y atrayente texto teatral.
“¡Todavía estoy vivo!”, última frase, último estertor del protagonista, es al mismo tiempo una afirmación vital y una advertencia que aún puede provocar terror.
El resto es silencio.
Ficha:
REPARTO: Pablo Derqui, Borja Espinosa, Mònica López, Bernat Quintana. Resto de reparto por determinar
Traducción: Borja Sitjà
Escenografía: Paco Azorín
Iluminación: Quico Gutiérrez
Figurinista: Antonio Belart
Dirección de producción: Amparo Martínez
Jefe de producción: Maite Pijuan
Producción ejecutiva: Marina Vilardell
Dramaturgia y dirección: Mario Gas
Figurinista: Antonio Belart
Espacio sonoro: Oreste Gas
Coproducción de Festival de Teatro Clásico de Mérida, Teatre Romea y Grec 2017 Festival de Barcelona
Fechas y Horarios: Del 4 al 30 de diciembre de 2018, de martes a domingo a las 20:00 horas en el TEATRO MARÍA GUERRERO
ESTUDIO 1, CALÍGULA (obra completa)Calígula, el hombre que quiso tocar la luna
Destruir, dijo él
TEATRO Fernán Gómez
AY teatro
presenta
MESTIZA
de Julieta Soria
El punto de partida de la obra lo constituye una curiosa entrevista entre dos peculiares personajes: Tirso de Molina, que con 19 años se encuentra en los comienzos de su carrera dramatúrgica, y la ya anciana Francisca Pizarro Yupanqui, primera mestiza del Perú, hija de Francisco Pizarro y de la princesa inca Quispe Sisa, que vive como dama española en el Madrid de finales del siglo XVI. Con el pretexto de la escritura de una futura Trilogía de los Pizarro, Tirso trata de convencer a Doña Francisca, que lleva un año recluida en su extraño jardín, de que dé rienda suelta a sus recuerdos y experiencias. El diálogo entre ambos supone la confrontación de dos visiones muy diferentes del mundo (hombre y mujer, joven y anciana, español y mestiza) y, sobre todo, es el origen de algo inesperado para Doña Francisca: un viaje personal y crítico por la historia española de aquellos años, que desemboca en un reencuentro con su pasado, con su marido, Hernando Pizarro, con su padre, y con su madre y hermanos indígenas y en la necesidad de mirarlos cara a cara. ¿Quién es, entonces, Francisca Pizarro? ¿Es española? ¿Es inca? ¿Sobre qué ha erigido su vida y su fortuna? ¿Es vivir otra cosa que recordar algo que se había olvidado? ¿Puede de tierra negra nacer flor blanca?
Mestiza está escrito por la dramaturga Julieta Soria y parte de un encuentro entre un joven Tirso de Molina y Francisca Pizarro Yupanqui, primera mestiza del Perú e hija del conquistador Francisco Pizarro. Con el pretexto de la escritura de una futura Trilogía de los Pizarro, Tirso trata de convencer a Doña Francisca, que lleva un año recluida en su extraño jardín, de que dé rienda suelta a sus recuerdos y experiencias.
El diálogo entre ambos supone la confrontación de dos visiones muy diferentes del mundo (hombre y mujer, joven y anciana, español y mestiza) y, sobre todo, es el origen de algo inesperado para Doña Francisca: un viaje personal y crítico por la historia española de aquellos años, que desemboca en un reencuentro con su pasado, con su marido, Hernando Pizarro, con su padre, y con su madre y hermanos indígenas y en la necesidad de mirarlos cara a cara. El elenco está encabezado por una dama de la escena española como es Gloria Muñoz, acompañada de uno de los jóvenes talentos de la escena, Julián Ortega. El cuadro lo completan el músico Manuel Lavandera y la cantante Silvina Tabbush.
El Proyecto teatral:
Ay Teatro es un nuevo proyecto teatral compuesto por el director de escena y música Yayo Cáceres, el poeta y dramaturgo Álvaro Tato y la productora y distribuidora Emilia Yagüe. La carta de presentación de Ay Teatro es el ciclo Miradas al Siglo de Oro con los dos montajes que se estrenan en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa: Mestiza y Todas hieren y una mata.
La nueva compañía se centrará en dos vertientes: la producción de nuevas obras y la formación. En la primera faceta, los montajes vendrán marcados por la dirección de Yayo Cáceres con dramaturgia de Álvaro Tato y de otros jóvenes dramaturgos invitados. Las obras se caracterizarán por reunir un equipo artístico de gran calidad y elencos abiertos que aúnen grandes figuras de la interpretación con nuevos descubrimientos, experiencia con riesgo, veteranía con nombres emergentes. Y la segunda, el plano formativo, se pondrá a disposición de profesionales del sector una oferta permanente a través de cursos, talleres, conferencias y encuentros.
TEATRO DE LA COMEDIA
CNTC / Euroscena / Universidad de Salamanca presenta
LA CUEVA DE SALAMANCA
Basado en la obra de Juan Ruiz de Alarcón y en textos de otros autores
Del 7 de junio al 17 de junio
Cuando me sugirieron estructurar un espectáculo con motivo del VIII Centenario de la Universidad de Salamanca pensé enseguida qué obra podía reflejar mejor aquella Salamanca del siglo XVII llena de estudiantes, sopistas, truhanes, sabios y nobles. Una ciudad motor de cultura y referente para aquella España obsesivamente volcada hacia las Indias pero que seguía estando en una Europa asolada por guerras continuas y continuas incomprensiones.
De los textos que revisé, uno se me antojó el más idóneo para acercar aquella ciudad al espectador de hoy: La cueva de Salamanca, pero no la celebérrima pieza cervantina, afortunadamente conocida y celebrada desde que Don Miguel la escribiera, sino su homónima de Juan Ruiz de Alarcón, que reflejaba a la perfección la vida cotidiana de aquella sociedad, incluyendo textos de otros autores.
Todo el mérito que en ella se halle corresponderá a quienes escribieron las escenas que incluyo en esta versión. Permítanme creer que la labor de un director no es fundamental en muchos casos y que una buena dosis de humildad es siempre conveniente cuando se trata de acercar el talento de otros a estos tiempos inciertos que vivimos.
La cueva de Salamanca brilla por sí sola al estar llena de apuestas inteligentes como la magia, el humor, el amor… Deseo que el disfrute de lo que se dice y se hace les cautive. Así sea.
Emilio Gutiérrez Caba
La cueva de Salamanca es una referencia obligada en el esoterismo español y aparece con frecuencia en las antologas de la literatura del barroco. Fue incluida en un clásico de la demonologa de España, el tratado De disquisitionum magicarum de Martín del Río, de 1600. La cueva era centro de peregrinación de los viajeros que visitaban Salamanca y es referida en el entremés de Cervantes La cueva de Salamanca, y también en un poema de Walter Scott. Se cree que en la antigüedad fue lugar de culto de adoradores del sol. El mito de la cueva est asociado a la figura del marqués don Enrique de Villena, quien siendo inquilino del Diablo logr engaarle y huir de su influjo.
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NAVE 73
El Experimento Producciones
presenta
EL POTLACH
Sábado 2, 9, 16 y 23 de junio, 22:30h
Unos jóvenes ejecutivos acuden a una formación muy particular. En ella, siguiendo ejemplos de la vida cotidiana, les inocularán los verdaderos valores para ser grandes dirigentes de empresas y naciones. ¿Se los imaginan? El Potlatch, culmen de la formación, está basado en una antigua ceremonia de los pueblos amerindios. Un festín en el que observar las relaciones jerárquicas, y el modelo de prestigio para la supremacía de las tribus: el prestigio por encima del ser. El espectador asistirá a una transformación cargada de acción, cinismo, humor negro y reflexión sobre la situación actual de la sociedad de consumo. Una suerte de cabaret laboral construido como un puzzle en el que nos podemos ver identificados.
Ficha:
TEXTO Y DIRECCIÓN Coral Igualador
INTÉRPRETES Susana Álvarez, Yeyo Bayeyo, Fernando Bodega, Marta Fuenar, Luis Turpín, Fran Valcarce
MÚSICA EN DIRECTO Yeyo Bayeyo
AUDIOVISUALES Coral Igualador
PRODUCCIÓN El Experimento Producciones
DISEÑO DE LUCES Tim Verardi
AYUDANTE DE DIRECCIÓN Jennifer Rubio
Fechas y horas: Sábado 2, 9, 16 y 23 de junio, 22:30h en NAVE 73