Cirque du Soleil

presenta

TORUK, EL PRIMER VUELO

Basado en la película AVATAR de James Cameron

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TEATRO DE LA ABADÍA

Bella Batalla Producciones y Esto Podría Ser presenta

UN ROBLE

De Tim Crouch

Sala José Luis Alonso Del 23 de junio al 3 de julio, 2020 (de martes a viernes) 20:30h

Un roble es una experiencia para dos actores que ha girado por todo el mundo. Uno de los personajes es un hipnotista que ha perdido su capacidad de sugestionar a los demás. El segundo personaje es interpretado cada noche por un actor o actriz diferente. Se subirá a escena sin conocer nada de la obra que va a interpretar y sin haber leído ni una sola palabra del texto… Solo debe saber que su personaje ha sufrido la pérdida de un hijo.

 

 

TEATRO DEL BARRIO

TANTTAKA TEATRO Y TEATRO DEL TEMPLE

presenta

ABRE LA PUERTA

Del 12 – 15 julio a las 20hrs.

 

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TEATRO DE LA ABADÍA

Zebra Producciones

presenta

LA STRADA de Fellini

Dirección: Mario Gas

Del 22 de noviembre al 30 de diciembre, 2018

  Mario Gas dirige una adaptación teatral de este film lírico y amargo de Federico Fellini –merecedor del Oscar a la mejor película extranjera en 1954–, que firma Gerard Vázquez. Tres vidas en los márgenes del camino, tres personajes enfrentados a un destino precario y vagabundo en la Italia de la Postguerra. Todo comienza cuando una muchacha ingenua y tranquila es vendida por su madre a un forzudo de circo, bravucón y violento para que le ayude en su espectáculo ambulante. En el camino surge entre ellos un atisbo de amor, que no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria, hasta que se cruza en sus vidas la figura de El Loco. Su mundo poético entra en contraste directo con la brutalidad de Zampanó y precipita un aciago desenlace. Alfonso Lara, Verónica Echegui y Alberto Iglesias protagonizan este montaje despojado y fiel al universo felliniano, caracterizado por un aire neorrealista y sentimentalismo a flor de piel.     [caption id="attachment_71575" align="aligncenter" width="472"] LA STRADA en el Teatro de la Abadía[/caption] Sinopsis Cuando Zampanó, un artista ambulante, enviuda, compra a Gelsomina, la hermana de su mujer, sin que la madre de la chica oponga la menor resistencia. Pese al carácter violento y agresivo de Zampanó, la muchacha se siente atraída por el estilo de vida nómada, siempre en la calle (la "strada", en italiano), sobre todo cuando su dueño la incluye en el espectáculo. Aunque varios de los pintorescos personajes que va conociendo en su deambular le proponen que se una a ellos, Gelsomina se mantendrá fiel a Zampanó hasta las últimas consecuencias. [gallery link="file" size="full" ids="71573,71574,71576"]  

• Mario Gas: “Los creadores hemos perdido compromiso ético y estético”
• «La Strada»: tres personajes en busca de un camino
• 'La Strada': Verónica Echegui encarna el espíritu del Fellini más triste
• Mario Gas se adentra en el universo felliniano con la adaptación teatral de 'La Strada'

 

TEATRO DE LA COMEDIA

presenta

EL CASTIGO SIN VENGANZA

Del 6 de nov. al 22 de dic.

El castigo sin venganza está considerada como la culminación de la obra dramática de Lope de Vega. Es de las últimas que escribió y en ella Lope hace un despliegue de toda su técnica, talento y sabiduría. El espectador disfruta dejándose llevar por las peripecias de la historia, tanto como por el encanto de las palabras, que emergen de la lucha interna a la que están sometidos los personajes. Es un lenguaje de enorme belleza poética que nos muestra los espacios más recónditos de la condición humana. En El Castigo sin Venganza no hay ni buenos ni malos comportamientos, no hay injusticias contra las que revelarse, no hay malvados ni tiranos que provoquen situaciones dramáticas. Es una situación en la que , como en nuestras vidas, los personajes tratan de hacer lo correcto, y evitar sufrimientos, y sin embargo eso no impide la tragedia.  

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  Esta crepuscular tragedia de honor oculta una profunda reflexión sobre el poder, la justicia, la responsabilidad, el amor y el deseo, ambientada en el contexto político de las ciudades-estado enfrentadas en la convulsa Italia de nales del quattrocento. Atrapados en la tela de araña de un palacio de susurros, espejos y secretos, los personajes se enfrentan a su conciencia con una intensidad secreta y desconocida; la belleza de los versos se alía con la aspereza brutal de los con ictos y con un delicado ritmo casi cinematográfico en que las escenas se entrelazan y yuxtaponen. De fondo, la fama como eje de unas vidas abocadas a la mentira va gobernando una trama que desemboca en un desenlace sangriento sin resquicio de esperanza. Desoladora, hermosa, magistral, El castigo sin venganza nos ofrece un espejo trágico de la condición humana. Obra maestra de la senectud del Fénix, re ejo de su desencanto por la sociedad y el dolor de sus circunstancias personales y familiares pero, a la vez, audaz superación de un arte destilado y preciso ante la irrupción de los poetas y dramaturgos jóvenes que se van adueñando de la primacía escénica, este canto de cisne lopesco mantiene hoy la implacable vigencia del arte de la tragedia: un lúcido viaje a las sombras de nosotros mismos.  

 

TEATRO DE LA COMEDIA

presenta

EL AUTO DE LOS INOCENTES

Incluye Auto de los Reyes Magos (Anónimo S. XII) y textos de varios autores barrocos

Dirigido por José Carlos Plaza y producido por la CNTC y Faraute, la pieza incluye el Auto de los Reyes Magos, dos romances y un fragmento del Auto del Hospital de los Locos y otro del Auto de La vida es sueño de Calderón

Del 21 de septiembre al 21 de Octubre de 2018

   

LA TRIBUNA DE TOLEDO

Ideado, este reseñable proyecto, por Celestino Aranda -un productor imprescindible de la escena nacional- y refrendado por la Compañía Nacional de Teatro Clásico, este ‘Auto de los inocentes’ nace de la necesidad de ofrecer «un imprescindible bálsamo para el dolor». José Carlos Plaza se ha puesto al frente de una propuesta que invita a recuperar «la esperanza de alcanzar algo de respeto, de aliento o al menos de calor humano». Bajo esta concepción y afrontando el reto en la dramaturgia con Pedro Víllora, la obra -que estrena su especial gira por catedrales y mezquitas del país en Toledo el próximo 4 de enero- incluye «la joya perfecta» del Auto de los Reyes Magos - un anónimo del siglo XII basado en el Evangelio según San Mateo que es considerado como la primera obra teatral castellana-, el romancero del prisionero y el del alcaide de Alhama, y dos fragmentos del Auto del Hospital de los Locos de José de Valdivieso y del Auto de La vida es sueño de Calderón. Con estos textos y gracias al esfuerzo y estudio de Víllora y de Plaza, se ha gestado una obra de «gran ambición artística», apreció el dramaturgo, «de extrema contemporaneidad que trabaja, a la vez, sobre los orígenes de la literatura dramática». De ahí que invite a «un espacio imaginado pero apegado a al realidad» ubicando este Auto en el peor de los ambientes posibles que, vergonzosamente, aún existe en pleno siglo XXI: un campo de refugiados. Campo hipotético -localizado en algún punto del sur de este país- pero profundamente real donde la desesperanza y la injusticia destrozan la inocencia de unos seres que desde un pasado desolador viven un presente mísero esperando un futuro oscuro y desconocido. Así lo escribe José Carlos Plaza y así se representará en el Trascoro de la Catedral de Toledo porque, indicó Víllora, «esta obra habla de las personas a las que, desde la caridad, debemos ofrecer solidaridad y amparo». Conceptos asumidos por la Iglesia y que, por ello, cuentan con la total «implicación» de la Catedral, espacio que en tiempos oscuros, recordó el director de teatro, «sirvió de refugio a los refugiados». Con este doble sentido tan bien gestado, quiso destacar el deán de la Seo «el gusto» de acoger una iniciativa que «es una semilla maravillosa de lo más antiguo de nuestro teatro insertado en una unión armónica con obras posteriores y dotado de plena actualidad». En este sentido, José Carlos Plaza no evitó hablar de un Auto, el de los Reyes Magos, dotado de un argumento cándido y de escaso desarrollo «que muestra una ingenuidad y una delicadeza extraordinarias», pero que «ya plantea los temas del poder, y se entremezclan ciencia, magia y diversas interpretaciones que se dan a las anomalías de la naturaleza». Un texto, en definitiva, «que cuenta con una belleza técnica que roza la perfección», cualidades que proporcionan «el placer de ir descubriendo cómo el lenguaje va desarrollándose» lo que, en estos tiempos, «ya es de por sí una razón inapelable». Porque esta pieza, además, «representa la ilusión y mantiene que, sea cual sea la circunstancia existe, la esperanza de poder creer en un futuro mejor». No en vano, ‘El Auto de los inocentes’, en el que el de los Reyes Magos tiene lugar, se acerca a los refugiados con el deseo de «estar con ellos y darles un mínimo de amor para tratar, al menos, de despertar un atisbo de ilusión». Esa es, sentencia el director, «la raíz» de este montaje. Espacios de culto. Una apuesta escénica que, por cierto, ha sido la elegida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico para abrir su temporada en el Teatro de la Comedia de Madrid -el próximo 21 de septiembre hasta octubre- y que cuenta con un equipo técnico reconocido. Porque Pedro Moreno viste a los 13 actores y a los dos músicos, Francisco Leal se encarga de la escenografía y la iluminación, y Eduardo Aguirre de Cárcer se responsabiliza de la música. Y es que aunque esta es la cita de inicio en sala, los presentes reiteraron que será la Catedral de Toledo el espacio de estreno nacional en la gira que llevará el Auto por distintas catedrales y mezquitas del país. Entre ellas, destaca la de Burgos o la de Cuenca y, claro está, la Mezquita de Córdoba. Espacios que, por sus peculiaridades y circunstancias, requieren de tratamientos individualizados en los que la apuesta se centra en la adaptación. En este punto, avanzó José Carlos Plaza su intención de «experimentar con la duración» de la representación -que en Toledo rozará las dos horas- en torno a una suerte de «obra plegable». Estructura que le permita jugar, «dependiendo de las necesidades» de cada entorno, con el tiempo a través de la elaboración de «estamentos que podrían eliminarse sin que ello interfiriera en el resultado» final del montaje.   Fechas y horarios: Del 21 de septiembre al 21 de Octubre de 2018 en el TEATRO DE LA COMEDIA

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WiZink Center

presenta

The World of Hans Zimmer

3 de diciembre a las 20.00 hrs.

  Hans Zimmer, ganador de Oscars, Grammy y Globos de Oro, es sin duda uno de los más conocidos e influyentes compositores de bandas sonoras de nuestro tiempo. Sus poderosos paisajes sonoros han definido el estilo del cine contemporáneo como ningún otro compositor. Sus bandas sonoras han dotado de drama y de una enorme profundidad emocional a una lista casi interminable de producciones taquilleras: El Rey León, Gladiator, Los Piratas del Caribe, El Código Da Vinci, Batman, El Caballero Oscuro, Origen o Interstellar, son solo algunas de las películas más famosas. Este mismo año, Hans Zimmer recibió su undécima nominación a los Oscars por la impresionante banda sonora de Dunkerque. Tras el enorme éxito obtenido en su gira internacional, “The World of Hans Zimmer – A Symphonic Celebration” llega por fin a España en su formato espectacular para arenas, con más de 100 músicos y solistas en escena, y una impresionante producción de video, iluminación y sonido.     El público también podrá disfrutar de impresionantes proyecciones visuales con secuencias de las películas cuya música se interpreta. Zimmer dio instrucciones precisas a la dirección artística sobre qué escenas eran importantes para él y como deberían usarse en las proyecciones. Hans Zimmer es el director musical y creador del show, en el que participan grandes amigos y compañeros del compositor, pero es el gran director Gavin Greenaway, colaborador de Hans Zimmer durante los últimos 25, quien se encarga de la dirección de la orquesta, el coro, banda y solistas. The World of Hans Zimmer está presentado en España por Sold Out y Universal Music, en asociación con Semmel Concerts, RCI Global y Tomek Productions.      

   

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

presenta

VIENTOS QUE NOS BARREN

de Cristina Redondo, dirige, Laura Ortega

Del 17 de octubre al 4 de noviembre

Una polifonía donde las distancias geográficas y las personas pierden sus coordenadas habituales: no existe el tiempo para narrar esta historia, y escenas de aquí, del presente, se entremezclan con momentos vividos. ¿Qué pasaría si un día cualquiera recibes la llamada de tu padre diciéndote que tu madre se ha ido de casa?

      Julia no tiene Alzheimer, no tiene una enfermedad terminal, tampoco ha ganado un premio millonario, ni siente la necesidad de huir por algo o por alguien.  Lo asombroso de su desaparición es que no existen motivos conocidos que la hayan empujado a disolverse.  Sin embargo lo ha hecho. Sin avisar, sin dejar rastro alguno.  Sólo unos tuppers de comida cocinada por ella misma colocados estratégicamente en la nevera son la prueba definitiva de que su marcha ha sido voluntaria.  Ha dejado preparados los platos favoritos de su familia como si con la liturgia de comerlos se acercaran un poco más al tiempo de su regreso o todo lo contrario, al de su desaparición definitiva.  Julia sabe que su marcha hará volver a su hija a la casa familiar donde los recuerdos esperan.  Allí, quizás, se esconden todas las pistas que una vez fueron.  Sólo hay que saber mirar. ¿Dónde está la madre?¿Dónde está la esposa? ¿Quién era realmente Julia?
La búsqueda de alguien comienza con el ejercicio–a veces inútil–, de intentar entender quién era realmente.  Así, como si se tratara del esbozo de una biografía llena de recovecos, Pablo y Tita, marido e hija, inician una búsqueda que profundiza en la intimidad de la desaparecida.  Contemplan con precisión de espías álbumes familiares, fotografías del pasado llenas de personajes secundarios que adquieren relevancia inesperada, reinterpretan los años dichosos y los dolorosos, chequean sus emails, sus cuentas en las redes sociales, sus cartas…pervierten su intimidad hasta llegar al límite para encontrar la clave de su paradero. ¿Qué pasaría si un día cualquiera recibes la llamada de tu padre diciéndote que tu madre se ha ido de casa?

Vientos que nos barrerán es una polifonía donde las distancias geográficas y las personas pierden sus coordenadas habituales: no existe el tiempo para narrar esta historia, y escenas de aquí, del presente, se entremezclan con momentos vividos.
La madre se vuelve tangible y protagoniza situaciones olvidadas ofreciendo a sus testigos nuevos datos que reinterpretar. Tita habla con el espectador, se convierte en una analista que dirige la búsqueda incansable de su madre.

  Fechas y horarios: Del 17 de octubre al 4 de noviembre. Martes a sábado - 20:30h Domingos - 19:30h, en el TEATRO FERNÁN GÓMEZ  

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TEATRO CALDERÓN

 La Dalia Films y Adaptaciones Teatrales 2018, A.I.E.

presentan

ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO

Una obra de Dale Wasserman, basada en la novela de Ken Kesey. Dirección, Monica Vic;  traducción, Jaroslaw Bielski.

Del 5 al 29 SEPTIEMBRE 2019

 

“Somos la psicocerámica humana, la vajilla rota de la humanidad” (Dale Harding).
Una corrosiva metáfora de la sociedad que pretende aislar, transformar y finalmente aniquilar a las personas cuya imaginación y razón son tan poderosas que hacen ignorar a los sentidos cuando éstos se enfrentan a ellas.

  Alejandro Tous encabeza un reparto renovado en el que también podremos disfrutar del talento de Jesús Vidal (Goya al Mejor Actor Revelación 2018 por Campeones), Sonia Castelo (Hay alguien ahí) y Quim Ramos (Traición). Buscando su libertad, Randle McMurphy se las ingenia para huir de la cárcel y ser trasladado a una institución mental, donde se encontrará con los pacientes de la Gran Enfermera Ratched, un grupo de enfermos que, incapaces de soportar la presión de la vida moderna y encerrados por voluntad propia, sobreviven felizmente entre juegos de mesa y descargas eléctricas. Pero la libertad que buscan los pacientes junto al recién llegado y revolucionario McMurphy, no tiene nada que ver con la libertad que representan los médicos y enfermeros de la “sociedad libre”. Es entonces cuando surge la tragedia, cuando la institución o Máquina Oscura, como dice el Jefe Bromden, decide sacrificar al individuo en nombre del bien común. Sobre la obra: ¿Qué queda de aquella época que describe Ken Kesey en su estremecedora novela? ¿Por qué merece la pena volver a ella hoy? Nuestro montaje es una idea propuesta por una productora de cine, La Dalia Films, que ve una gran oportunidad en fusionar la experiencia del mundo de la imagen del cine con el mundo de la emoción del teatro en un espectáculo próximo al espectador de hoy. La novela de Kesey y la versión escénica de Wasserman sitúan la acción en un hospital psiquiátrico, que en nuestro montaje no deja de ser una gran metáfora del mundo actual controlado por la televisión, internet y los teléfonos móviles, como una especie de chatarrería, cementerio de automóviles humanos, un zoológico de unos personajes incapaces de encontrarse en un mundo exterior, enloquecido por el despiadado dominio de unos sobre los otros.  Pero incluso en ese mundo de aparente paz y sosiego, hay unos pocos que controlan y manipulan la situación y otros que se dejan controlar y manipular, porque no saben o no quieren pensar por ellos mismos, convirtiéndose voluntariamente en los súbditos de la máquina del poder. McMurphy es un rebelde, un disidente, sin causa, o con causas más que suficientes, pero incomprendidas por esos súbditos, cómodos en su esclavitud e inconscientes de las devastadoras consecuencias de esta. Él se rebela, reivindicando su libertad. Una actitud, tal vez, ingenua, estúpida, olvidada ya en este “nuestro” mundo del bienestar adormecido por los fármacos de la globalización. Una actitud que crea el peligro de poder contaminar a otras mentes. Por tanto, debe ser aniquilada, tiene que desaparecer de la sociedad. Desaparecer o, tal vez, volar libremente sobre el inexistente nido del cuco. Jaroslaw Bielski

Jaroslaw Bielski escribe en MADRIDESTEATRO acerca de la obra

TEATRO KAMIKAZE

Projecte Ingenu y Teatre Akadèmia presenta

YERMA

De Federico García Lorca, dirección Marc Chornet

Del 8 – 23 Feb 2020

Más de 80 años después del asesinato de Federico García Lorca y coincidiendo con el 120 aniversario de su nacimiento, el Teatre Akadèmia y Projecte Ingenu revisitan una de las más míticas obras del poeta y dramaturgo para contrastar su vigencia y contemporaneidad. Lorca es un clásico y, por eso, la tragedia de Yerma se convierte en un espejo capaz de dialogar y cuestionarnos el sentido de nuestro presente.

Nota del director

“Pronto nos preguntamos si Yerma era realmente un clásico… Si lo era, tendríamos que ser capaces de imaginarla caminando entre nosotros, respondiendo con sus palabras nuestras dudas, miedos, incertidumbres… Su actitud nos molestaría tanto como nos atraería: a veces, la encontraríamos reaccionaria; otras, demasiado moderna. La amaríamos y la odiaríamos al mismo tiempo. Cada situación, cada personaje, cada frase nos resonaría como si nos la dijera nuestra pareja, nuestro amante, una amiga o una madre. Nos encontraríamos a Juan en la oficina, a Víctor en el bar, A María empujando el cochecito. Los viejos nos darían consejos que no entendemos y la sonrisa de un par de jovencitas nos haría gracia cuando menos nos lo esperáramos. Lo que nos produciría más dolor de cabeza sería descubrir que el trabajo nos roba tiempo y energía en busca de unos beneficios poco claros, mientras la gente que queremos se aleja de nosotros sin ser demasiado conscientes de ello. Y la desazón. La desazón permanente que lo gobierna todo… Poco a poco, Yerma nos resulta muy próxima. Muy adentro de nosotros vive Yerma. Una Yerma que tiene nuestra edad, que lucha por las mismas ilusiones que todos nosotros, día a día, que se avergüenza de los mismos miedos… Y una duda. Grande. Enorme. ¿Estamos nosotros secos? ¿Está seco el mundo donde vivimos? ¿Existe aún una remota posibilidad de convertir en fecundo nuestro tiempo y lugar? Y, si existe, ¿sabemos querer lo suficientemente bien como para que nada bueno pueda germinar?” Marc Chornet

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TEATRO KAMIKAZE

 

La Caja Negro Teatro presenta

MONTA AL TORO BLANCO

Texto y dirección: Iñigo Guadarmino,

que ya nos deja todos muy muy asombrados con

ESTE ES UN PAÍS LIBRE Y SI NO TE GUSTA VETE A COREA DEL NORTE

 A partir del 20 Sep 2018

Inmigración, populismo, caída del Euro, terrorismo… La Unión Europea está en plena crisis existencial, atacada de los nervios. Monta al toro blancoquiere reflejar este estado de ánimo fragmentado en una comedia con historias delirantes de amor, sexo y muerte que hablan de cómo el sueño europeo se está convirtiendo en pesadilla. ¿Podremos despertar antes de que sea demasiado tarde? Escrita y dirigida por Íñigo Guardamino.

   

Nota del director

Todo empezó hace muchos, muchos años, cuando una ninfa fue raptada por Zeus con forma de toro blanco en una playa mediterránea. Mientras Europa cabalgaba sobre los lomos de un dios ciego de deseo, ¿sabía qué deparaba el futuro? Monta al toro blanco es una comedia negra como el fondo del mediterráneo, una obra que habla del final de esta escapada, del momento en el que la Unión Europea se encuentra en una encrucijada, el instante decisivo, y lo hacemos con historias que forman un estado de ánimo, un intento de juntar los cristales rotos del espejo que era Europa: La Alta Representante para asuntos Exteriores y Política de seguridad de la Unión Europea prepara una reunión importante para tratar la alarma que ha surgido ante un nuevo grupo terrorista antiinmigrantes, los autodenominados Patriotas Europeos; en Roma, una pareja en crisis disfruta de una escapada de fin de semana cuando se oyen gritos y ráfagas de disparos; un granjero austríaco presta ayuda a una familia siria de refugiados en las inmediaciones de Viena; una multinacional ve peligrar su inversión cuando descubre restos arqueológicos de valor incalculable mientras construía en Grecia un gran parque de atracciones para celebrar la idea de Europa; dos adolescentes en Rotterdam, que se aman y quieren lo mejor para cada uno, van a decir no al deseo y sumarse a La Renuncia, un nuevo movimiento adolescente que recorre el continente… Y, como nexo de unión, las amenazas que ha sufrido Europa a lo largo de su historia: Carlos Martel, el asedio turco y la nueva invasión gentrificadora. Historias que reflejan una realidad europea llena de oscuridad. Los muertos que flotan boca arriba en las aguas del Mediterráneo son la cara de un tremendo fracaso, pero no tendría que ser así. Al principio todo era hermoso, se nos vendía la idea de que la Unión Europea no era solamente una unión económica sino algo más, con unos ideales detrás, unas ideas que representaban lo mejor de nosotros mismos…. Ay, ay, ay. ¿Qué es Europa? ¿Hacia dónde va? ¿Qué nos ha pasado? ¿Se puede hacer algo para arreglar esto? Más vale que alguien encuentre las respuestas adecuadas pronto antes de que los fantasmas del pasado se hagan de carne y hueso otra vez.

FICHA

Texto y dirección: Iñigo Guadarmino Sonido: Jordi Bonet Vestuario: Pierpaoloalvaro Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE) Iluminación: Pedro Guerrero Música: David Ordinas Canciones: David Ordinas (música) e Iñigo Guardamino (letra) Espacio sonoro:  María José Pazos Elenco: Sara Moraleda, Rodrigo Sáenz de Heredia, Fernando Sainz de la Maza, Gemma Solé Fechas y horarios:20 Sep – 6 Oct 2018 Jueves 20 Sep, 18:30 h. (estreno absoluto)

Martes a Sábado, 18:30 h. Domingos, 21:00 h.

en el  TEATRO KAMIKAZE

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CUARTA PARED

LAVIEBEL TEATRO

presenta

VUELA

Vuela, último espectáculo de Laviebel (Andalucía) y Emilio Goyanes. Dos magníficas actrices hacen uso de distintos lenguajes y registros para mostrar aquellas evidencias por las que una mujer tiene que huir de cierto tipo de hombres antes de que sea demasiado tarde.

  FICHA LAVIEBEL TEATRO Guión y dirección: Emilio Goyanes  Colaboración puesta en escena: Piñaki Gómez  Actrices: Larisa ramos e Isabel Veiga Técnico y diseño de iluminación: Miguel Miñambres  Vestuario: Isabel Veiga y Asunción Berrio Fotos: Juan José Palenzuela Una Producción de LAVIEBEL TEATRO Fechas y horarios: Del 13 al 15 de julio, viernes y sábado a las 21h, domingo a las 19h. en la sala CUARTA PARED

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