Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
TEATRO KAMIKAZE
presenta
SIEMPREVIVAS
«Dime de dónde me arranco este dolor, dónde lo ubico, en los ojos de qué asesinada lo poso, adónde podemos ir a gritar».
Escribo Siemprevivas estando muerta. Un día, de repente, escupimos como el empiece de un hilo de carácter infinito que nos estaba ahogando y lo enhebramos –como siempre enhebramos las mujeres– delicadamente, con cuidado, y tiramos de él, de nuestra boca al mundo, y pasa que por fin, reconocimos tener voz. Un día pareció que todas nos fuéramos a deshacer por la boca, como un ovillo soltándose, como si el silencio huyera a un lugar en el que no estuviera prohibido el ruido, esta hostia en la mesa, yo. Esta obra es un alivio. Una manera de manifestar que no queremos que ser rebelde para una mujer sea igual que ser valiente para un hombre. No deberíamos tener que alzarnos por algo que nos pertenece tanto como vosotros inclinaros para devolvérnoslo. Ahora, el patriarcado es ese libro que dejas prestado y nunca vuelve: léeme. Dividida en varias cartas, Siemprevivas lanza mensajes como misiles en sobres a cualquiera que no nos deje salir a la calle como si cada día fuera 8 de marzo, pudiera prenderme flores en el pelo o me quisieras viva. El disparador es Nora, harta de ser muñeca. La muñeca somos todas. La jaula, el cómplice. El disparador es Nora, harta de ser muñeca y agarrando fuerte la mano de una mujer de Federico García Lorca muriéndose de risa al escuchar que la hija menor de Bernarda Alba ha muerto virgen. El disparador es Nora, harta de ser muñeca y agarrando fuerte la mano de una mujer de Federico García Lorca que se quita de luto para encarar a Dios. El disparador es Nora harta de ser muñeca, el coño de la Bernarda de su mano, Dios arrinconando de a poco al estado, para que no seas feliz. El Estado no quiere que seas feliz, el Estado no quiere que seas feliz, el Estado… El disparador es Nora harta de ser muñeca, un hombre encima de un caballo que huye por lo alto de la alameda y una mujer colgada para siempre, nosotras somos Eva la primera feminazi de la historia. La disparada es Nora. ¿Sabes qué te digo? ¡Y un ramo de siemprevivas en alto! [Si este uso del lenguaje te molesta, no es mi guerra. No, es tu guerra.] Este bombardeo de palabras, mi rechazo a la mano camuflada que me tiendes y me levantas, tiene más que ver con construirnos la trinchera que con que os atrincheréis. Cuando una guerra estalla con las muertas de un solo bando sobre la mesa, podemos llamarla injusticia o terrorismo, podemos llamarla desigualdad, podemos preguntar a las otras. No hay nada más bélico que la escucha, y hemos venido a hablar. Solo pretendemos que nuestra palabra no se confunda con la sangre aunque pueda alcanzar el mismo espesor. Siemprevivas únicamente pretende poder amar la vida de la misma manera que lo hacen los hombres: en libertad. Hay en esta atmosfera nueva un tejido inquebrantable de todo aquel hilo que llevamos épocas enhebrando y que un día tuvimos la arcada necesaria para poder escupir, dejar de sostener, sacar la culpa, guiñar un ojo, soltar. Ahora todo está cubierto por otro cielo, tus manos ya no pueden taparlo, no quiero recordar ni recuerdo cómo era ser aquel ovillo que no puede respirar. Todo esto que vais a ver, lo parió la injusticia, es su hijo. Pero esta vez no. Esta vez es Yerma, se ha follado a Víctor, le salió niña y se llamará Lucha.
TEATRO BELLAS ARTES
presenta
KATANA
GANADOR DEL VII CERTAMEN JESÚS CAMPOS PARA TEXTOS TEATRALES
13,14, 20 y 27 de septiembre a las 20h.
Espectáculo resultado de la III Residencia Artística El Pavón Teatro Kamikaze
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TEATRO MARÍA GUERRERO
Centro Dramático Nacional, Sociedad Cervantina y Celia Freijeiro
presentan
TAXI GIRL
XXXV Premis Literaris Ciutat de València
El título no responde a un capricho anglosajón: Taxi Girl es una expresión sin traducción directa en nuestro contexto lingüístico que se refiere a las compañeras de baile de pago que se popularizaron a comienzos del siglo XX. La obra se fija en un triángulo amoroso histórico, protagonizado por una taxi girl y dos pesos pesados de la literatura universal, Henry Miller y Anaïs Nin. Ambos escritores utilizaron la obscenidad y el erotismo para introducir un caos delicioso en las mentes bien pensantes. Esta ficción es fruto de la fascinación por aquellos y aquellas artistas que lucharon contra la censura, pero también de las mujeres que lo hicieron con su propia savia vital. ¿Cuál era el nombre de la chica taxi? ¿Cómo sonaba la voz de esa hembra de dudosa reputación que se rebelaba contra su condición de fetiche y comparsa? Es lastimoso comprobar que tanto ella como Anaïs, de la cual fue amante en el invierno de 1931, no solo fueron mujeres adelantadas a su tiempo… sino también al nuestro.
María Velasco
El triángulo de Henry Miller, June Manfield y Anaïs Nin sube a escena
Javier Giner dirige 'Taxi Girl', un texto de María Velasco
Henry Miller, Anaïs Nin y June Mansfield: sexo envarado
La obra teatral que recrea el famoso triángulo amoroso no escamotea besos ni desnudos, pero no por ello resulta creíble
TEATRO VALLE INCLÁN
Sala Beckett y Grec 2018 Festival de Barcelona
presenta
COMO UNA PERRA EN UN DESCAMPADO
Estaba embarazada de cinco meses cuando perdí mi hijo. La decisión de escribir la obra fue una necesidad. Como cuando tienes sed y bebes. Todos tenemos nuestro descampado. Un lugar árido que hemos tenido que atravesar en algún momento de nuestra vida. Escribiendo he revisitado este descampado mío y le he encontrado una luz más bonita. Como cuando vuelves a un lugar donde estuviste de noche. Y ahora es el atardecer y la luz del sol cae tan bonita sobre los objetos, que les otorga una belleza extraordinaria. Y tú estás allí, plantada, sin entender porque no habías visto esa belleza la primera vez que estuviste. Para mí, ha sido un grito a la vida, una manera de rendir homenaje a esta criatura que no ha podido tener la vida que yo le había imaginado. Mi manera de explicar lo que sentí, de compartirlo, y de darme cuenta de lo mismo que la protagonista descubre en la obra: que incluso las sombras más oscuras no hacen tanto miedo cuando se las ilumina.Clàudia Cedó
Clàudia Cedó | Directora i Dramaturga teatral
TEATRO VALLE INCLÁN
Centro Dramático Nacional, Teatre Romea y Grec 2019 Festival de Barcelona
presenta
JERUSALEM
Jerusalem es una obra enorme. Arrolladora. Como un gigante. Como un ejército de gigantes. Como una noche de fiesta memorable. Un cuento punk con danzas Morris y reinas de mayo, y drogas y versos y risas y cantos, que contiene la energía necesaria para mover una montaña y luego despega, ligera, ingrávida, como la última nota que desafina un borracho atravesando la noche. Y también es, como suelen serlo las grandes obras, misteriosa, escurridiza e inalcanzable. Como un truco de magia, como un hada que desaparece en medio del bosque. El bosque frondoso, exuberante y mágico de Inglaterra. El paisaje mítico, ancestral, de los bosques de Inglaterra. El bosque de Sherwood. El bosque de Arden. Todos los bosques. El sitio donde se pierden las almas antes de volverse a encontrar. Jerusalem es el bosque y el bosque es “el Gallo”. Johnny Byron “el Gallo”. El antihéroe romántico. El “prota” de la fiesta. Un astro sol. Un borracho. Un pirata loco. Un ogro, un visionario, un camello detestable. Un gitano chulo y alocado inventándose el mundo desde una caravana. Una vez y otra. El puto flautista de Hamelín pasado de vuelta. Y William Blake y Jez Butterworth y Sir John Falstaff. Un troll okupa, un insumiso, un monarca.Julio Manriquehttps://www.facebook.com/MadridEsTeatro/videos/633505967412885/
TEATRO DE LA ABADÍA
seXpeare
presenta
RONEJO
Del 17 junio al 4 de julio, 2021
¿Qué ocurriría si un día descubriéramos que no soñamos libremente? ¿Que alguien controla nuestros sueños y los llena de publicidad?
El Proyecto Ronejo fue creado por el gobierno junto con varias multinacionales, para hacer que sigamos consumiendo allí donde nadie pudo llegar. Eduardo Martín Felguera descubre un día que tiene un pequeño conejo miniaturizado dentro de la cabeza que le envía publicidad mientras duerme. El conejo le informa que tiene tres días para destruir todo el sistema, pues el nuevo virus mundial que está por llegar hará que los conejos sean sustituidos por chips y controlados por máquinas.
Ronejo habla de una fantasía del consumo, de robótica, de manipulación genética para el deleite de los de siempre, de la ambición, el poder, la emoción y la amistad. Ronejo es una comedia existencialista sobre el futuro de la humanidad. Es la historia de amistad y superación entre una persona y un conejo.
La idea de Ronejo surge por mirar con perspectiva este nuevo mundo sumergido en la velocidad y la inmediatez; de ahí las preguntas: ¿Cuál es el único lugar en el que permanecer a salvo? ¿Dónde está la madriguera que nos oculte antes este Goliat de nuestro tiempo llamado “Consumo”?
La respuesta la encontramos en el descanso, el sueño. En su libro “24/7” John Crary nos habla de este tipo de actos, (experimentos realizados con soldados durante la guerra de Vietnam. Métodos de tortura para hacer hablar al enemigo, etc…) y de ahí surgió la idea para esta historia.
Ronejo habla de una fantasía de consumo (porque esperamos que nadie lleve a terreno real lo que contamos aquí), habla dela robótica desde un punto de vista de la emoción de ser robot. Habla de la manipulación genética para el deleite de los de siempre. De la ambición, el poder, la emoción y la amistad. Porque Ronejo, como toda buena historia de Ciencia Ficción (Ciencia y Ficción) tiene héroes, besos, conejos miniaturizados, llantos, corazones rotos, manos biónicas, una música de infarto y un reparto de ensueño.
Por lo tanto, Ronejo es la olla perfecta donde mezclar humor, crítica social, emoción, acción y que cada cucharada contenga un exquisito saber para la conciencia.
Rulo Pardo
TEATRO DE LA ABADÍA
presenta
INVENTARIO. MEMORIAS DE UNA ASPIRADORA
20 Y 27 JUNIO _ 20:00 h
TEATRO DE LA ABADÍA
Producciones Rokamboleskas en coproducción con Hugo Alvarez y Teatro de la Abadía.
presentan
CADA ÁTOMO DE MI CUERPO ES UN VIBROSCOPIO
Del 16 de septiembre al 3 de octubre, 2021.
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TEATRO DE LA ABADÍA
Noviembre Teatro
presenta
CARSI. UNA COMEDIA DE CÓMICOS CLÁSICOS
Del 4 al 28 de febrero, 2021.
Carsi fue uno de los grandes secundarios del teatro español. Trabajó a caballo entre el siglo XIX y el XX. Fue testigo de cambios extraordinarios en la escena de su tiempo. Contempló el ascenso y la caída de dramaturgos petulantes, de grandes plumas que parecían inagotables y de escritores prolíficos que lograron numerosos éxitos. Tuvo a su lado a inmensas figuras que marcaron época y se convirtieron en leyenda, recién llegados que llegaron a ser indiscutibles y sobre todo gentes del oficio, de las que componen el grueso de la profesión y cuyos nombres desaparecieron en el océano del devenir teatral.
En sus más de setenta años de profesión se ganó un discreto lugar en el parnaso de su tiempo y fue afortunado; disfrutó de una vejez dentro del propio oficio, acogido y respetado por los que en aquel momento gozaban del aplauso del público. Esos cómicos que seguramente se iniciaron en las tablas a su lado tuvieron la decencia de arropar sus últimas intervenciones, de darle un sentido a sus últimos años de profesión con papeles discretos de carácter anciano.
Su figura fue el punto de partida para esta comedia que reflexiona sobre el teatro como un arte en continua transformación. Sobre la fugacidad de todo lo que rodea al escenario y la frustración que genera no asumirlo. Y finalmente sobre la ambición y esa sensación de nacer cada día que Talía nos dejó como herencia y que es la peor y la mejor parte del oficio.
Carsi pretende ser un divertido grito a favor del tiempo y del susurro, y en contra de la velocidad, del fuego de artificio, de la devaluación de la palabra y del grito. Necesitamos comenzar a entender la diferencia entre información y discurso, entre cultura y entretenimiento. En forma de comedia, la historia de Carsi pretende situarnos en un contexto en el que no nos queda más remedio que tomar partido para decidir dónde queremos estar.
Noviembre Teatro
Sinopsis
Cinco actores preparan un montaje para salir del difícil momento profesional que viven. Tienen una obra estupenda; una obra clásica de éxito innegable, pero necesitan una cabeza de cartel. Carsi, el anciano actor, es el único que puede servir como estimulo comercial al proyecto. Todos han conocido a Carsi en algún momento de sus carreras y contar con él no es una idea atractiva pero no hay más opciones. Tras hacer la propuesta a Carsi, su contratación les conduce a un callejón sin salida. Esto les lleva a tomar una decisión radical: obligarle a memorizar, ensayar y estrenar. Todo parece ir bien hasta que las fuerzas de Carsi comienzan a flaquear. Entonces deciden medicar al veterano actor por su cuenta y comienzan a tener problemas que van desde la aceleración a las alucinaciones. Finalmente el actor revienta, muere, se deshacen del cadáver y los “compañeros” ensalzan al fallecido. Paradójicamente la función sobre los hechos les proporciona los ingresos que el proyecto original les había negado.
TEATRO DE LA ABADÍA
Kulunka Teatro
presenta
QUITAMIEDOS
Tras maravillas como ANDRÉ Y DORINE , SOLITUDES Y EDITH PIAF, TAXIDERMIA DE UNA GORRIÓN;
KULUNKA TEATRO nos trae este QUITAMIEDOS
Del 18 de febrero al 14 de marzo, 2021.
QuitamiedoS plantea que desde que una persona muere hasta que su cuerpo se enfría y se funde con la temperatura ambiente, se está produciendo un encuentro: el del fallecido con su ángel de la guarda. La función tiene la duración de ese encuentro, donde el tiempo se mide en grados centígrados. Una curva de una carretera comarcal, con un quitamiedos roto después de un accidente de tráfico, es el contexto para descubrir una visión singular de la muerte, poética y desacralizada, y los datos de una biografía (la del accidentado) cuyas piezas no acaban de encajar en la versión oficial del accidente. El contexto es trágico y fantástico al mismo tiempo. En él, esa especie de purgatorio donde el tiempo se mide en grados centígrados es más bien una excusa, una manera de salir de la vida para poder observarla con perspectiva. QuitamiedoSno pretende en absoluto ser un espectáculo solemne. Tiene un perfume de auto sacramental y, al mismo tiempo, trazas de fábula de serie B. Aspira, por encima de todo, a ser un espectáculo poético, divertido y emocionante que aluda a cuestiones trascendentales de nuestra existencia: la vida, la muerte, el amor y sus contradicciones, la paternidad, el suicidio… pero siempre desde la anécdota más sencilla, desde el juego teatral y desde la metáfora.
TEATRO DE LA ABADÍA
presenta
KAPOW
KAPOW nace del empeño de Patricia Ruz y Alberto Jiménez por cristalizar en rito sus vidas atravesadas por un acontecimiento: el espacio que se abre entre la conciencia de la muerte y su presente implacable. Durante el proceso de esta convalecencia artística han transitado lugares como la polaridad ancestral del género, el miedo, el paso del tiempo, el dolor, lo chamánico, la felicidad, pero sobre todo han practicado el asombro que nace por variar hasta el infinito materiales escritos con su cuerpo en esos lugares.
La cita nacerá de una tirada del I Ching, ya que la propia naturaleza de la pieza es un libro compuesto por elementos que mutarán cada día delante de cada grupo de espectadores.
Los espectadores serán invitados a participar como cómplices en la improvisación expandida, y tendrán la posibilidad de constatar las concordancias, las oposiciones, lo inquietante de la combinación de ese misterioso libro de materiales puestos en riesgo, o… vaya usted a saber.
KAPOW quizá sea sólo eso, un instante. Sí, quizá sea solo eso, una búsqueda desesperada de ALGO que justifique tanta cáscara de huevo, tanto pasar el aspirador cotidiano. Una pieza al filo del cuerpo y de la nada. Dedicada a ViVi(R).