Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

TEATRO LARA

Histrión Teatro

presenta

LORCA, LA CORRESPONDENCIA PERSONAL

Cartas tristes, burlonas, irónicas, teatrales, surrealistas y de un realismo hiriente y fascinante que muestran lo cotidiano, lo amado y lo temido por Lorca.

Con todo este material, el dramaturgo y director Juan Carlos Rubio (Premio Nacional de Teatro “Antero Guardia” 2015 y Premio Andalucía de la Crítica 2014 en la modalidad de Teatro, Premio Lope de Vega de Teatro 2013, Premio HOLA en Nueva York al Mejor Director 2010) ha construido “un puzzle sin complejos”, tal y como expresa, un homenaje sin fisuras a la poética y la tragedia en la vida y obra de Federico García Lorca. Un montaje para navegar junto al público por la sangre de Federico, “más fresca que nunca 80 años después de haber sido derramada”, con el estilo, la estética y la solidez de Histrión: teatro sin artificio, compromiso, ilusión, un cuerpo a cuerpo entre escena y espectador a través de un camino propio, personal y único de hacer teatro buscando recorridos nuevos, sin ambages ni distancias, desde la emoción y hasta la emoción. Con verdad. Teatro en estado puro.

Son las personas quienes hacen de la Historia momentos únicos. Lorca, el gran desconocido
Un Lorca sin artificios y con el alma desnuda ante el espectador y ante su muerte que durante una hora recuerda su vida artística y también personal. Un Lorca desdoblado que rompió con los cánones establecidos en casi todo. Y sobre todo, un Lorca humano expresado en “el trabajo de Histrión como verdadero metateatro; un bucle de teatro encerrado dentro del teatro de Lorca, quien luchaba para que su corazón no estuviera plasmado fielmente en sus textos. Tal vez sea por esta cuestión personal la que impide que, a día de hoy, Lorca siga siendo un desconocido”.Porque, ¿quién conoce realmente al verdadero García Lorca? El mismo director, Juan Carlos Rubio, lo reconoce: “80 años después de su muerte sigue siendo un gran desconocido. Quizá siempre lo sea, pero tengo claro que adentrarme en sus frustraciones, deseos y miedos me han ayudado enormemente a enfrentarme a los míos”. “La historia siempre se repite; son las personas quienes hacen de ella momentos únicos”. Como estos 60 minutos que despiertan todos los sentidos.  
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Teatro Lara

Jeloudoli

presenta

EL HAMBRE

Un bar. Tres personajes. ¿O no? Un Encuentro entre dos desconocidos que se citan en una tarde de agosto más caluroso de la historia. Un hombre y una mujer de extrema izquierda. Al principio casi podría parecer un encuentro ordinario, y sin embargo, no. Entre ilusión, realidad, el calor, cócteles y aperitivos de la casa, vamos introduciéndonos en la mente y el cuerpo de nuestros héroes al frenético compás de sus palabras y de sus pensamientos, descubriendo que no se trata de un encuentro romántico. O no en el sentido más común de la palabra. Ella le confesará a él conocer su pasión más íntima y perversa. Una pasión secreta, inconfesable, inadmisible, innombrable, inaceptable… Y al mismo tiempo atrevida, admirable y más allá del sistema, que fagocita el sistema desde adentro, que se lo come, que come, que nos come. ¿Será ella finalmente su cómplice o su víctima?
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ARTESPACIO PLOTPOINT

Ayudas a la producción y Turlitava Teatro

presenta

TO BE A WOMAN O NOT TO BE

  Imagina que despiertas una mañana y todo es exactamente igual que siempre, salvo por un pequeñísimo detalle… Las mujeres son la clase dominante, y siempre lo han sido… Vamos, como han sido siempre los hombres, pero al revés… ¿Qué ocurriría? Bueno, no podría ser muy diferente, porque, al fin y al cabo, vivimos en el primer mundo, y ahora ya mujeres y hombres son prácticamente iguales. ¿O no? ¿Te atreves a entrar en nuestra realidad alternativa? To be or not to be a woman: una comedia con perspectiva de género, atravesada por la universal pluma shakespiriana… "To be a woman or not to be" es uno de los proyectos ganadores de la convocatoria de ayuda a la creación “Shakespeare to women” de Plot Point   Comprar entradas
 

TEATRO FÍGARO

Arán dramática

presenta

LA RIDÍCULA IDEA DE NO VOLVER A VERTE

 
  • La compañía Arán Dramática presenta en el teatro Fígaro la versión del libro de la novelista, que entrecruza la biografía de la científica Marie Curie con la evocación de la muerte de su pareja y reflexiones sobre la creación artística y las relaciones entre mujeres y hombres.
  • María Luisa Borruel interpreta el papel de la escritora en un monólogo que bucea en recuerdos y memorias como vías que ayudan a superar el dolor que dejan las pérdidas
  • La obra ofrecerá once funciones en el teatro madrileño
  La lectura del diario de la científica Marie Curie y la evocación de la muerte de la que fue pareja de la novelista Rosa Montero, desembocaron en un sentido libro de recuerdos, memorias y biografía. En él, una mujer, la propia novelista, bucea en su intimidad y utiliza las palabras como una vía de sanación. La ridícula idea de no volver a verte, publicado en 2013, pasa ahora de las páginas del libro al escenario de un teatro. La compañía extremeña Arán Dramática estrena el 4 de junio en el teatro Fígaro de Madrid una versión para la escena protagonizada por María Luisa Borruel y dirigida por Eugenio Amaya, autor también de la dramaturgia. Rosa Montero, de larga trayectoria periodística y narrativa, tomó como motivo de su libro la vida de la científica y premio Nobel Marie Curie, quien también perdió a su marido tras diez años de matrimonio. Y establece un paralelismo entre los sentimientos de Curie y su relación con su esposo Pierre y los de la propia novelista a lo largo de la relación que mantuvo con su pareja, que en esta obra aparece bajo el nombre de Carlos. En un único escenario, el personaje de la Escritora recorre momentos de la existencia de la científica francesa, de su sufrimiento y marginación como mujer, cuando, por ejemplo, su marido Pierre recibió el Nobel de Física en 1903 y se negó a aceptarlo si no incluían a Marie como premiada, lo que así ocurrió. Sin embargo, el galardón lo recogió solo él; aunque en su discurso atribuyó a ella el mérito del reconocimiento de la Academia sueca.   En un movimiento entre el pasado de Curie, muerta en 1934 a causa de la radiactividad fruto de sus experimentos, y el presente desde el que evoca momentos de plenitud y tristezas vividos con su pareja, la Escritora va construyendo una narración colectiva y personal, de época, sobre las relaciones entre hombres y mujeres, el esplendor del sexo, sobre la ciencia y la ignorancia, sobre la fuerza salvadora de la literatura y de la sabiduría, de quienes aprenden a vivir con plenitud y con ligereza.  “A mí me sucedió que tomé mi duelo como una enfermedad de la que había que curarse cuanto antes –se escucha a la Escritora en escena-- En nuestra sociedad la muerte es vista como una anomalía y el duelo, como una patología. Yo no quería sentirme avergonzada por mi dolor. Así que procuré plegarme a lo que creía que la sociedad esperaba de mí tras la muerte de Carlos. En los primeros días la gente te dice: “Llora, llora, es muy bueno”, y es como si dijeran: “Ese absceso hay que rajarlo y apretarlo para que salga el pus.” Y precisamente en los primeros momentos es cuando menos ganas tenía de llorar, porque estás en shock, extenuada y fuera del mundo”. El proyecto teatral de Arán Dramática plantea respetar el espíritu y la letra del material original, buceando en lo más esencial del texto escrito por Rosa Montero, sintetizándolo para el buen desarrollo de su adaptación a la escena. Este montaje es, según la compañía extremeña, una oportunidad para explorar la relación entre literatura y teatro. La ridícula idea de no volver a verte muestra la atención que Rosa Montero presta en su literatura a la relevancia de mujeres a lo largo de la historia. Su trayectoria como novelista ha sido paralela a su labor como periodista, especialmente como entrevistadora en el diario El País desde finales de los años 70. Ya entonces empezó a publicar literatura, con la que obtuvo premios como el Primavera, por La hija del caníbal,o el Grinzane Cavoir, por La loca de la casa. Otros títulos de su producción son El corazón del Tártaro, Historia del rey transparente, El peso del corazón, La carne o, el más reciente, Los tiempos del odio. Tour de forcede una actriz La versión teatral de La ridícula idea de no volver a vertesupone un nuevo tour de force para la actriz María Luisa Borruel, que ha demostrado en su trayectoria su ductilidad en papeles interpretados en solitario, como recuerdan los de Tejas verdes, de Fermín Cabal, donde asumía a cinco personajes diferentes, o en el monólogo Mujer rota, de Simone de Beauvoir.   Tras el preestreno en Alburquerque (Badajoz), la obra se estrenará el 4 de junio en el teatro Fígaro de Madrid donde ofrecerá un total de 11 funciones. Dos previas al estreno, el 7 y 21 de mayo, y después del 4 de junio, se representará los días 11, 18 y 25 de junio, y los días 1, 8, 15, 22 y 29 de julio. El espacio escénico, que representa el lugar de creación de la escritora, ha sido diseñado por Claudio Martín y la iluminación por Xavi Mata. La música ha corrido a cargo del compositor Oscar López Plaza y Álex Pachón de las proyecciones de fotografías que van apareciendo durante el relato de la protagonista. La ridícula idea de no volver a vertees el último proyecto hasta hoy de la compañía Arán Dramática. Fundada en 1990 por María Luisa Borruel y Eugenio Amaya, debutó ese año con Estrellas en la madrugada, de Alexander Galin. Desde entonces ha realizado más de veinte montajes sustentados en la reflexión crítica sobre la sociedad actual y un tratamiento moderno del teatro clásico, como refleja su presencia en el Festival de Teatro Clásico de Mérida en cuatro ediciones. La compañía ha sido candidata a los Premios Max en 2014 por Anomia,en coproducción con el Centro Dramático Nacional, en las categoría de Mejor autoría teatral (Eugenio Amaya) y Mejor empresa privada de artes escénicas, y en 2015 por Coriolano, en las categorías de Mejor actriz de reparto (María Luisa Borruel), Mejor actor de reparto (Quino Díez) y Mejor versión teatral (Fermín Cabal). Antes de La ridícula idea de no volver  a verte, había estrenado La torre(2016) y En familia, ambas de Eugenio Amaya (2015). Entre otros montajes del grupo extremeño figuran En casa en el zoo, de Edward Albee (2009); Manual del perfecto trepa,  de Miguel Murillo (2006); La serva padrona, de Goldoni (2004);  Los cañones, de Juan José Marín Torvisco (2003); Agripina, de Fermín Cabal (2002), Medea (1998) y Mujer rota, de Simone de Beauvoir (1996). Comprar entradas

TEATRO REINA VICTORIA

TALYCUAL en coproducción con La Alegría, Pentación, La Claqueta y Kubelik

presenta

TRIGO SUCIO

del 5 de mayo al 4 de julio

TalyCual produce junto a Pentación, La Alegría, La Claqueta y Kubelik, Trigo sucio, la última comedia de David Mamet, estrenada recientemente en Londres con John Malkovich como protagonista y dirigida por el propio autor, que pone el foco en el escándalo de Harvey Weinstein bajo el prisma del humor.

Del 15 de abril al 28 de junio de 2020

Protagonizada por Nancho Novo, Eva Isanta, Candela Serrat  y Fernando Ramallo, dirigida por Juan Carlos Rubio en versión de Bernabé Rico, Trigo sucio se estrena el 29 de noviembre en el Teatro Guimerá dentro de la programación de Telón 2019, el Festival de Artes Escénicas de Tenerife. Tras este estreno, en enero comenzará su gira por España antes de recalar en Madrid en la primavera de 2020. Más allá del movimiento #MeToo de rechazo a los abusos sexuales a mujeres, el propio Mamet recalca que Trigo sucio es “una comedia”, género del que afirma que “no es más que una tragedia rotada 90 grados”.

Sinopsis En la meca del cine, el jefe de un estudio cinematográfco dedica su tiempo a seducir a artistas guapas, comprar a la prensa y hacer películas de nulo interés cultural. Para él tan sólo importa el sexo, el poder y el dinero. Hasta que una joven aspirante a actriz se resiste a ponerle precio a su carrera, lo que precipitará la caída del magnate hasta lo más hondo del escalafón social. Nota de David Mamet Tolstoy escribió una vez que leemos el periódico por la misma razón que fumamos: por la agradable sensación de aturdimiento que nos provoca. El negocio de la prensa sensacionalista consiste en vender crímenes y sexo. Por desgracia su análoga más elevada opera de forma similar, enalteciendo la gravedad de la noticia en lugar de simplemente comunicarla. Los escándalos en las altas esferas siempre han sido la principal fuente de ingresos de la prensa. Los seres humanos nos deleitamos en el hundimiento del poderoso. La alegría o tristeza que sentimos por la revelación de sus pecados excusan y por lo tanto validan nuestros propios sueños de grandeza. Pero ya lo dice el proverbio británico: “Un hombre puede robar un caballo mientras que a otro no se le deja mirar por encima de la cerca”. Acusados de los mismos delitos, algunos ​​serán absueltos o levemente castigados y otros serán masacrados solo porque "no caen bien". La falta de conciencia, de vergüenza o de cuidado puede llevar a muchos a complacerse en conductas abusivas y delictivas. Los poderosos o favorecidos, que además no suelen preocuparse por ser descubiertos, se exponen sin tapujos ante aquellos que están bajo su poder (o deseando tenerlo). En ningún sector es esto más cierto que en el cine. La inmediata y profunda transformación del poderoso es, naturalmente, la esencia de la Tragedia. Aristóteles en La poética nos enseñó que el protagonista, al final de la Tragedia, debe pasar por la aceptación y el restablecimiento de la situación. Esto, dicen, despierta en nosotros los espectadores lástima y temor. Lástima por el pobre necio, único ser en todo el teatro que no supo discernir el destino que se le venía encima; y temor, al reconocer en lo más profundo de nuestros corazones el mismo grado de ofuscación e ingenuidad. Una Comedia no es más que una Tragedia rotada noventa grados. Otelo podría reescribirse como farsa en una mañana; estructuralmente es una farsa de alcoba. Una Tragedia nos permite experimentar sin riesgo el concepto de que todos somos pecadores; la Comedia, de que todos somos necios. La Tragedia termina con el orden restaurado al reconocer el protagonista su propia culpa. La Comedia tradicionalmente termina en matrimonio, es decir, con un “fueron felices y comieron perdices” donde el Deus Ex Machina nos asegura, mientras rescata al ingenuo héroe, que ya somos libres de volver a intentarlo (y de nuevo fracasar). En la Tragedia el público se siente aliviado por su moraleja; en la Comedia ocurre a través de la liberación fisiológica de la risa. Siempre he sospechado que el teatro está más cercano a las observancias religiosas de las que procede que lo que nos gustaría admitir. Es por eso que todos llegamos igualmente tarde al teatro que a la Iglesia o la Sinagoga; tarde y preocupados por si aún nos dejarán entrar. De modo que el hecho teatral conlleva ansiedad. Quizás esta sea fruto del temor primario causado por la revelación de nuestra propia naturaleza humana. En cualquier caso, la aceptación de esa premisa me ha proveído sustento durante un gran número de años. Trigo sucio es una Comedia.

Nota del director Tradicionalmente, Mamet ha mantenido siempre una especial relación con España. Nominado al Premio Princesa de Asturias de las Letras 2017, no sólo se ha montado en este país la inmensa mayoría de sus obras sino que siempre han sido producciones de primer nivel. Su nueva obra, con temas recurrentes como el abuso de poder y los juicios mediáticos, no es una excepción. Ni tampoco es excepcional que la haya dejado en manos de la misma compañía que ya trajo a estepaís Muñeca de porcelana y La culpa, asegurando de nuevo los mejores teatros y unos elementos artísticos al mismo nivel que las anteriores. Por eso, España será de nuevo el primer país donde se verá Trigo Sucio después de su estreno mundial en Londres protagonizado por John Malkovich. https://twitter.com/TEATROMADRID/status/1391103052275453955?s=20 Comprar entradas
 

TEATROS LUCHANA

Verano y humo

presenta

NO FUCKING WAY

Sábados de Mayo y Junio a las 22:15h

El azar llega a los Teatros Luchana con la obra NO FUCKING WAY

El público “decidirá” el orden de las tres escenas en cada función

La compañía Verano y Humo Producciones

  nos trae la nueva obra de teatro “NO FUCKING WAY” interpretada por Judit García, Hugo Alejo y Carlota Baró. Los Teatros Luchana serán los encargados de acoger su estreno el próximo sábado 4 de mayo bajo la dirección de Laura Ortega y deLorena Paz como dramaturga. Una propuesta en la que el público y el azar tendrán un papel fundamental para el sentido y orden de las tres escenas que se desarrollan en cada función. La obra es un recorrido por las vidas de aquellos hombres y mujeres que nos entretienen con sus aventuras en películas de sesión vespertina, pero a los que nunca se les concede una oportunidad para dejar ese juego de azar en el que se ha convertido su camino. “Un camino que no pueden abandonar. Un juego en el que no suele ganar nadie”. Se trata de un viaje por esas ‘road movies’ del cine americano con ambientes sórdidos, muchos secretos, vidas difíciles, burdeles de mala muerte y demasiada colonia barata. Escenarios poco propicios para llevar vidas apacibles. En No Fucking Way casi todos necesitan escapar y para conseguirlo juegan sus últimas y mejores cartas.
“El azar deja pocos ganadores y muchas víctimas”. El azar como escaleta: Cada espectador recibe con su entrada tres pegatinas con tres símbolos de juegos de azar que deben pegar en la entrada en el orden de la importancia que tienen para ellos o aleatoriamente y deberán entregarla al entrar en la sala.
Cuando salen a escena, los actores no saben cómo van a contar su historia. No hasta que Jack, uno de los personajes, elija al azar una de las entradas. Cada símbolo representa una de las tres escenas, así que el orden de los símbolos de la entrada seleccionada será el orden de representación de las escenas en esa función. Sinopsis: Tras un crimen cometido en un prostíbulo asoman ocho personajes que se encuentran atados a situaciones sin salida: Lena, Maggie y Jack acaban enredados en un crimen, Pevensey y Forbes intentan resolverlo, Robert pasaba por allí y preferiría que Barbara no se enterase, Anna está dispuesta a publicarlo todo. El crimen, la policía, la periodista, el peor cliente... y su propia jukebox emocional. Son tres historias conectadas y que se presentan al público en un orden aleatorio, diferente en cada función. Porque todos los juegos deben tener su riesgo y todo puede cambiar en un segundo.  
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Octubre, Come y Calla, Barco Pirata y producciones Rocambolescas

presentan

CONDUCTAS ALTERADAS

 

Una comedia ácida y divertida en el seno de una familia que busca solucionar sus problemas del día a día

 
Una familia necesita, a cualquier precio, arreglar sus problemas acumulados. La pareja ha asumido que solos ya no pueden y hará todo lo que sea necesario para que alguien venga y los resuelva. No tienen dinero para psicólogos, ni trabajo, ni tiempo, ni energía, ni herramientas para arreglar los líos que han acumulado con los años y los hijos. Pero sus hijos necesitan ayuda y ellos ya no saben que hacer. A la desesperada llaman a la Super Nanny de la tele, sólo falta que venga con su varita mágica.
Conductas alteradas” es una divertida comedia tan loca como realista. Parte de una situación casi normal que se va de las manos, Cande (Ana Morgade) y Sebas (Canco Rodriguez) llevan demasiados años guardando debajo de la alfombra sus problemas y estos no hacen mas que crecer y con ellos el caos en el que se ven inmersos.. La necesidad de poner solución a sus caóticas vidas y de arreglar los “problemillas” familiares les hace sacar la versión de ellos mismos más vergonzosa.    
 

CIRCO PRICE

presenta

MISS MARA

el 9 al 12 de mayo

  “Es muy duro nuestro trabajo, requiere una gran riqueza de espíritu. Tenemos que darlo siempre todo, sin quitar nada, esté el circo lleno o vacío. Es un sacrificio constante. Quien se reserva, no es artista”. Miss Mara (San Fernando, 1933-Madrid, 2013). En la pista de circo, dos trapecistas y una actriz se reúnen para acercarse a la fascinante biografía de María del Pino Papadopoulos, más conocida como Miss Mara, una de las artistas españolas del trapecio con mayor reconocimiento internacional. A través  de los acontecimientos y decisiones de Miss Mara, las voces del pasado vienen al presente para iluminar, cuestionar e inspirar a tres mujeres que, como Miss Mara, han dedicado sus vidas al mundo del espectáculo. Un equipo de excepción, formado por artistas de diferentes generaciones y disciplinas escénicas, se lanza al reto de esta escritura híbrida, entre el circo y el teatro, entre lo íntimo y lo histórico, por y para Miss Mara. Dirigido por Teatro en Vilo- Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez-, encarnado por las trapecistas Sabrina Catalán y Graziella Galán, la actriz Fátima Baeza y la músico Lise Belperron.
CARTA DE LAS DIRECTORAS
“Llegamos a esta mujer y a este proyecto de la mano de la actriz Fátima Baeza, apasionada investigadora de Miss Mara. Fátima no ha conocido a Miss Mara pero desde que descubrió su figura y sus proezas encima del trapecio, no ha cejado en su empeño por conocer a la mujer detrás de la artista. A esta devoción y a los esfuerzos de la dirección de Teatro Circo Price por rescatar el legado histórico circense debemos nuestra colaboración en este hermoso proyecto. En nuestro intento de acercarnos y acercar la vida de Mara al público, nos hemos visto atrapadas por una historia fascinante, que nos lleva desde su nacimiento en 1933 en el camerino de un circo en San Fernando, hasta su muerte en Madrid en 2013. Es la de Mara una biografía llena de éxitos y proezas, logros impensables, triunfos internacionales e infinitos premios. Pero ¿quién es la mujer detrás de esta “diosa del aire”?  ¿Qué lleva a alguien a arriesgar su vida sobre un escenario?  ¿De dónde nace la extraña fuerza que sostiene a alguien cada noche sobre un trapecio sin seguridad a 14 metros de altura? ¿Qué sacrificios se esconden detrás de quienes trabajan por el aplauso del público? ¿Hasta dónde estamos dispuestas a llegar para rozar la grandeza? Y ¿qué pasa cuando, después de tocar el cielo, el cuerpo ya no aguanta más? A través de esta pieza, queremos entender mejor a Mara, sus anhelos, sus sueños, sus renuncias; pero también entender más sobre el increíble mundo del circo y del espectáculo en general. Lo haremos desde la mirada de tres mujeres que se han sentido profundamente conmovidas e inspiradas por la personalidad y la biografía de Miss Mara, y que son a su vez artistas en activo: ellas son la actriz Fátima Baeza y las trapecistas Sabrina Catalán y Graziella Galán, que serán acompañadas en escena por la músico francesa Lise Belperron”.   Dedicamos un agradecimiento muy especial a las personas que han contribuido al proceso de investigación: Nuria Moreno, Isabel Laso, Gonzalo Arias, Fernando Sánchez-Cabezudo, Elena Ros, Aránzazu Riosalido, Natalia Mateo, Pepe Palacio, Pedro Rocamora y María Díaz   Comprar entradas
 

EL UMBAL DE PRIMAVERA

Surge Madrid

presenta

HAY UN AGUJERO DE GUSANO DENTRO DE TÍ

  "Los otros pueden ser mis fantasmas, una madre que quiere operarse la cabeza en otro planeta, una película protagonizada por Nicole Kidman e incluso el tema de una conferencia antropológica a dos voces. Los otros son los ingenieros aeroespaciales que diseñan naves para lanzar almas al espacio cósmico con tal de no ser olvidados. Todas estas posibilidades están dentro del agujero de gusano, un fenómeno igual de especulativo que dedicarse al teatro. Esto es un intento por hablar de los otros para acabar hablando de nosOTROS. "  Este espectáculo ha sido seleccionado en la VI Muestra de Creación Escénica Surge Madrid en residencia con El Umbral de Primavera.  
Nota del director
Es una pieza que nos habla sobre lo hemos perdido en el tiempo. Dentro de esta pérdida hablamos de nuestra infancia, del lenguaje, del amor, el contacto humano, la música o personas que nunca llegaron a pasar a la Historia a pesar de haber hecho cosas importantes.  Para hablar de todo esto utilizamos el fenómeno del agujero de gusano como puente espacio temporal porque nos permite hacer un viaje en el tiempo para ver cómo SOMOS y qué es lo que hemos PERDIDO. También se aborda está temática a través de otras disciplinas como, por ejemplo; la antropología o un idioma extranjero; como el polaco. El equipo está formado por cinco intérpretes que realizan un trabajo visual, poético y dancístico dentro del mundo de la obra. Además, lo acompañan con momentos musicales en directo tocando al piano y contando con la participación del público.  También se utilizan proyecciones para trasmitir dos universos completamente distintos que podría ser el real y el imaginado. La dramaturgia corre a cargo de todo el equipo.  Los intérpretes se han hecho cargo de crear sus propios textos con el objetivo de incluir el punto de vista personal de cada uno.  
La Compañía
Malala Producciones nace en el año 2014 con motivo del festival Talent Madrid con "Labels, desahogo social" en los Teatros del Canal (Sala Verde). En los siguientes trabajos el objetivo de la cía ha sido fusionar el lenguaje del texto con el del cuerpo para potenciar un estilo propio y reconocible. Y el resultado fue "#noLUGAR". Una pieza de danza-teatro que fue seleccionada en el festival IMPARABLES 2016 de nave 73. Posteriormente también estuvo programada en el Umbral de Primavera. Y consiguió el premio a “mejor obra, mejores actrices de reparto y mejor técnico” en el festival MUTIS de teatro independiente de Barcelona (2017). ​ También trabajan obras cuya base es el texto, como por ejemplo "En La Capital" escrita y dirigida por Tomás Cabané en Espacio Labruc (2016) y en Espacio DT (2018). Otro de los proyectos de la cía es "El viento hace la veleta" del dramaturgo alemán Philipp Löhle que se estrenó en nave 73 en Julio. Recientemente se estrenó “En La Capital” en la ciudad de Lima, Perú gracias al colectivo escénico Las Crías.
El director
Tomás Cabané es Egresado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Actualmente trabaja como profesor de interpretación para adolescentes en Primera Toma Coach. Entre sus últimos trabajos ha dirigido una lectura dramatizada de un texto de Paco Gámez en el Pavón Teatro Kamikaze y participa en Guerrilla del Conde de Torrefiel en los teatros del Canal.  Lo último que ha dirigido ha sido El viento hace la veleta, del dramaturgo alemán Philipp Löhle en nave 73 que estuvo cuatro meses en cartel. Hizo sus prácticas en el teatro de la Abadía con Alfredo Sanzol con La ternura y ha trabajado como asistente de dirección en PeepBox 350, una creación de Mey Ling-Bisogno. Ha recibido tres premios con su pieza de danza-teatro #noLUGAR en el festival Mutis de teatro independiente de Barcelona. También escribe y dirige sus propias obras como, por ejemplo; Costa da Morte, En la Capital y Labels. Completa su formación con profesionales como Sergio Blanco, Guillermo Cacace, Pau Aran y Laia Santanach.     Comprar entradas
 

TEATRO FERNÁN GÓMEZ

Kendosan Producciones

presenta

EL HOMBRE Y EL LIENZO

del 9 de enero al 2 de febrero

“Un artista que dibuja y habla. Un hombre que trata de descubrir quién es. Con sus pinceles, con sus palabras, nos atrapa en su mundo y nos invita a reflexionar sobre el arte y la vida. Comparte con nosotros sus fobias, sus miedos, sus fantasmas. Nos hace ver que arte y vida son, en ocasiones, células del mismo embrión creativo”.

   
En ocasiones, no muchas, los textos parecen desarrollarse al margen de la mano del autor. Partía de una idea: escribir sobre un artista que pinta un autorretrato. Y sabía que para poner en escena este texto necesitaba un actor que, además de poseer una curtida experiencia sobre las tablas, tuviera la habilidad del pintor, porque EL HOMBRE Y EL LIENZO tenía que ser una combinación de teatro y pintura. Quería investigar sobre el proceso creativo del artista, ahondar en sus miedos, sus dudas, sus deseos, sus obsesiones. Quería escucharlo y quería verlo trabajar. Surge de pronto la historia de un hombre –podría ha- ber sido una mujer- que arrastra consigo una ausencia po- derosa, una pérdida que le ha dejado una herencia llena de incógnitas. Este artista vive, desarrolla su arte, siendo una in- cógnita para sí mismo. Se busca a través de los trazos, de los colores, de las formas que imprime en el lienzo y, mientras indaga, a medida que el lienzo toma forma, comparte con nosotros, espectadores, sus ideas sobre el arte y los descu- brimientos sobre su propia vida, haciendo que nos pregun- temos si arte y vida no son, en ocasiones, células del mismo embrión creativo. Llevo pintando autorretratos toda mi vida, Le he respondido. Contundente. Con aplomo. Sincero. Una respuesta sincera. Un regalo para el crítico de arte. Y he continuado. Llevo toda la vida intentando autorretratarme. Para saber quién soy. Para poder mirarme cuando observe el lienzo. De verdad. Para poder mirarme de verdad.  
  Para poner en escena este texto necesitaba un actor que, además de poseer una curtida experiencia sobre las tablas –un monólogo es siempre un reto-, tuviera la habilidad del pintor. AUTORRETRATO es teatro y es pintura. No quería un actor que hiciera como que pintara, sino un actor que realmente fuera un artista plástico. Cada representación dará origen a una nueva obra pictórica, a un nuevo autorretrato, diferente cada vez. Tengo la gran suerte de contar con esa persona, con ese artista bicéfalo que domina ambas disciplinas. Pese a esa ventaja inicial soy conscientede que la dificultad de la puesta en escena es maridar laacción base de la obra –un hombre que pinta- con el texto –un hombre que habla-. Encontrar la armonía entre ambas acciones –partamos de la base de que la palabra es acción- es el objetivo y el objeto de este futuro espectáculo. He empezado diciendo que hay cosasque no se pueden definir. Que el arte es una de esas cosas. Que si el misterio tuviera forma el arte sería un misterio polimorfo. Que la propia naturaleza del arte es plurivalente. Que cualquier intento de definir algoque no comprendemos, siempre nos conduce a la ambigüedad, a la abstracción.

«ASPIRO A QUE MI AUTORRETRATO SEA EL AUTORRETRATO DE MUCHOS»

Met Opina: Una auténtica delicatessen, un texto que hipnotiza y enamora. EL HOMBRE Y EL LIENZO en el Teatro del Barrio; dolor y gloria de un pintor, artista, hombre, hijo... #joya #teatroMadrid. Más que una sorpresa, un gustazo  
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TEATRO NUEVO APOLO

CANTAJUEGO EN CONCIERTO,

presenta su nuevo espectáculo

“SuperÉxitos – TOUR 2019 – 2020“

29 y 30 de junio

 

CantaJuego cumple 15 años y lo celebra por todo lo alto con un nuevo producto y una gira que despliega lo mejor de su extenso repertorio.

“SuperÉxitos”, al igual que el nuevo trabajo “libro + dvd + cd”, es un espectáculo en donde el grupo EnCanto reafirma los valores de su proyecto: la colaboración, el trabajo en equipo, la empatía, pero sobre todo la importancia del respeto a los demás, que siguen siendo los temas centrales de un show para toda la familia, por supuesto, utilizando la música y el movimiento como herramientas para la estimulación y el entretenimiento.

Acompañan en esta aventura los infaltables Coco, Pepe y Buby, además de los múltiples personajes que aportan color y calidez al show, para hacer las delicias de pequeños y mayores.

La propuesta: cantar, bailar y disfrutar en familia, un viaje a través de los hits que ya son parte del cancionero inolvidable, que es legado de “los CantaJuegos”.

Y AHORA: Cantajuego presenta Elena ¿Sabías qué?

¿Sabías qué…? Elena nos presenta un nuevo espectáculo de la mano de CantaJuego. Puedes verlo en el Teatro Reina Victoria.

Un show más cercano en el que también participarán sus amigos de siempre Coco, Pepe y Buby junto a muchos otros personajes.

Una fiesta familiar donde aprenderemos nuevas y sorprendentes historias para que los más peques de la casa dejen volar su imaginación al ritmo de las canciones más conocidas de CantaJuego
Sábados y domingo 12.30 horas

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TEATRO MARÍA GUERRERO

presenta

METÁLICA  [Escritos en la escena III]

Íñigo Guardamino (Texto y dirección)

 
El futuro no es lo que nos habían vendido el siglo pasado: no vemos coches surcando el cielo, abonos de teletransportación o un menú del día en una pastilla; paradójicamente el mayor cambio que ha producido la tecnología ha sido en nosotros mismos. Manteniendo la apariencia de comunicación nos estamos aislando poco a poco los unos de los otros, y esa futura epidemia de soledad será aliviada también por medio de la tecnología: robots que nos cuiden y nos follen bien rico, una extensión de nuestro ego hipertrofiado, el accesorio definitivo, eliminando la necesidad de “el otro” en nuestras vidas. Metálica será una comedia simpática sobre ese siguiente paso en nuestra espasmódica “evolución”, la historia de una familia que integra a esos seres moldeables, ni de carne ni de hueso, en sus vidas, una obra sobre la agonía festiva de la empatía y la intimidad y el riesgo de que acabemos siendo como esos mismos robots suministradores de compañía y orgasmos: una conciencia o alma muerta, fría como el metal, debajo de una apariencia humana.
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