Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

•TEATRO FERNÁN GÓMEZ

  Una vida robada, antes titulada La Mala Memoria. La trama real de los bebés robados que sucedió en España entre los años 60 y 90. Utilizando al personaje de Luz como elemento edípico, que busca una verdad cuya revelación será difícil de asimilar, “Una vida robada” explora el tema de la propia identidad, habiendo sido esta violentamente sustraída. ¿Hasta qué punto podríamos bucear en nuestro árbol genealógico sin sufrir un shock? ¿De verdad queremos saber de dónde venimos? ¿Cuál es el precio que paga una persona por saber quién es? ¿Es cierto el dicho que la verdad te lleva a todas partes menos donde tú quieres? ¿Es necesario cerrar las heridas del pasado para poder vivir el presente? “Una vida robada” es un espectáculo heredero de obras como “El Pato Salvaje” de Ibsen, “Edipo Rey” de Sófocles o “Incendies” de Wajdi Mouawad. “Una vida robada” plantea cómo la verdad “de los demás” es irreconciliable con la verdad “individual”.

Descripción

El personaje de Luz (Ruth Gabriel) irrumpe en la residencia del Doctor Nieto (Carlos Álvarez-Novoa) buscando una verdad que terminará alterando el destino de los habitantes de la casa. Olvido (Asunción Balaguer) es la guardiana del misterioso archivo del Doctor y la protectora de su hijo Julio (Liberto Rabal). La inquebrantable voluntad de Luz por descubrir el secreto que esconde la familia del Doctor Nieto provoca un inesperado desenlace entre lo trágico y lo esperanzador. FICHA Autor: Antonio Muñoz de Mesa Director: Julián Fuentes y Antonio Muñoz de Mesa Escenografía: Iván Arroyo Iluminación: Jesús Almendro Espacio Sonoro: Inaki Rubio Reparto: Ruth Gabriel, Carlos Álvarez Novoa, Asunción Balaguer y Liberto Rabal Una producción de Juanjo Seoane Fechas y horarios: Del 11 de ENERO al 2 de MARZO 2014 De martes a domingo a las 19.30h. Domingos 18.30h   TEATRO FERNÁN GÓMEZ    

TEATRO VALLE INCLÁN 

    Las Comedias bárbaras narran el esplendor y la decadencia de una estirpe galaica de altivos y despóticos señores feudales encarnados en la figura de Don Juan Manuel Montenegro. Nuestra versión arranca con las primeras escenas de Romance de lobos cuando el Caballero, atormentado por la culpa y funestos presagios de muerte, decide embarcar hacia Flavia Longa donde acaba de morir su esposa Doña María. Durante la travesía evocará su desenfrenada historia en un recorrido retrospectivo por las más destacadas escenas de Cara de Plata y Águila de Blasón. Escritas bajo los presupuestos de la estética simbolista plantean retos de puesta en escena imposibles para la realidad teatral de su tiempo que aún siguen suscitándose con el controvertido asunto de cómo llevar a las tablas estos textos rebosantes de complejas e irrepresentables acotaciones. Ahora bien, si por un lado don Ramón escribe estas obras fundamentalmente para la ensoñación del lector en sintonía con las tesis idealistas que consideran como mejor representación aquella que cada cual imagina cuando lee, su condición de hombre de teatro confiere a estos textos una  extraordinaria e inspiradora potencialidad escénica que provoca, ¡y de qué modo!, la imaginación creadora de sus eventuales intérpretes. Y es que Valle no sólo es literatura, deslumbrante literatura, sino también uno de los más grandes renovadores de la escena europea del siglo pasado, un dramaturgo genial que logra trascender el estrecho marco del drama psicológico para proponer un teatro de impacto y conmoción con personajes movidos por arrolladoras fuerzas primarias como es el caso de esta trilogía que aquí presentamos: un colosal  monumento dramático que parte de las sagas heroicas de la tragedia griega, se detiene a beber en fuentes lopescas y shakesperianas y, finalmente, tras recoger algunos postulados de la ópera wagneriana, termina prefigurando ese género creado por el propio don Ramón que conocemos como Esperpento. Nuestra apuesta, en fin, ha optado por zambullirse de lleno en este mundo bárbaro y poético renunciando a toda pretensión de traslación  literal –ahí siempre perderíamos la batalla- para, por el contrario, conformar con los actores un lenguaje autónomo y específicamente teatral a partir de la palabra de don Ramón: una palabra que da cuenta del apogeo y la decadencia de un hombre que emprende un viaje expiatorio de arrepentimiento y redención hasta su inmolación junto a un grupo de mendigos: las voces encendidas de los desposeídos confrontadas a las de los herederos del Mayorazgo, lobos degradados de un linaje que renunció a los valores de la épica feudal por una codicia devastadora cuyos aullidos anuncian una nueva era salvaje y banal… “¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años.”  Con esta frase se cierra la trilogía, una frase que el autor de Luces incorporó mucho después de las primeras ediciones, cuando ya el ominoso siglo veinte empezaba a apuntar maneras. “¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años.”  El Esperpento, esa cosa tan nuestra. Ernesto Caballero  

REPARTO

Gonzalito/Marinero 4     Fran Antón     Caballero     Ramón Barea     Pichona/Andreíña la sorda/ Doña Moncha     Ester Bellver     Cara de Plata/Manco de Gondar    David Boceta     Farruquiño/Marinero 3     Javier Carramiñana  Pedrito/Patrón de la barca     Bruno Ciordia Molinero/Pobre de San Lázaro     Paco Déniz     Jeromita/Juana la Manchada/Viuda   Silvia Espigado   Rosalva/La mujer del Morcego     Marta Gómez   Andreíña      Carmen León   Mauro/Marinero 2    Toni Márquez   La Roja      Mona Martínez   Sabelita      Rebeca Matellán   Rosendo/Marinero 1     Iñaki Rikarte     El Morcego/Bieto Zagal/Alguacil   José Luis Sendarrubias   Fuso Negro/Capitán de los ladrones  Edu Soto Capellán/El viejo de Cures     Juan Carlos Talavera  Don Galán     Janfri Topera     Abad/Escribano/El manco leonés   Alfonso Torregrosa  Doña María/Dominga de Gómez   Yolanda Ulloa   Liberata/Paula la Reina     Pepa Zaragoza   Músicos: Javier Coble, Kepa Osés   

EQUIPO ARTÍSTICO

 Escenografía:  José Luis Raymond Vestuario y caracterización: Rosa García Andújar Iluminación: Valentín Álvarez  Música: Javier Coble  Ayudante de dirección: Víctor Velasco  Producción: Centro Dramático Nacional   Del 29 de noviembre de 2013 a 19 de enero de 2014 Horarios: Martes a sábados: 19:00 horas. Domingos: 18:00 horas  Teatro Valle-Inclán  
 

[highlight_red] • TEATRO GALILEO [/highlight_red]

  Risas a carcajadas en esta comedia dirigida por Paco Mir e interpretada por dos grandes actores cómicos, Ricard Borràs y Pep Ferrer . La banqueta nos cuenta una historia divertida, refinada. inteligente e inteligible. Dos reconocidísimos concertistas de piano a cuatro manos preparan su próxima gira por Japón en Schlern, un pueblo idílico de los Alpes italianos. Pero los más de veinte años que llevan tocando codo con codo les complica las cosas. La calma y el aire puro de esa localidad no juegan a su favor sino todo lo contrario. La banqueta en la que reposan su anatomía, se hace a cada momento más y más pequeña. Con una gran dosis de humor inteligente pero inteligible veremos como día a día los fantasmas alimentados durante dos décadas salen de su escondite para hacerles la vida imposible. Paco Mir Director Nací en el 57 y enseguida vieron que era varón y que tendrían que llamarme Francisco, que era lo tradicional en la rama Mir de la familia. De pequeño pasé por una etapa de “Currito” (para diferenciarme de mi padre, a quien llamaban Curro) e incluso por una de “Currito de Oro” que años más tarde, todo se aprovecha, utilicé como pseudónimo de un personaje que era torero. Finalmente todo el mundo se puso de acuerdo y me llamaron Paco. Iba para estudiante de Bellas Artes (que en realidad quería dibujar tiras cómicas) cuando tropecé casualmente con el teatro y, hoy en día, después de patear escenarios de todo el mundo durante más de 32 años, de crear ocho obras con TRICICLE, de escribir cuatro, de ganar dos premios Max, de producir varias series de televisión, de crear campañas de publicidad y de adaptar y dirigir (con un cierto éxito) un pequeño montón de teatro, zarzuela y ópera, aún tengo la sensación de que estoy en el mundillo del espectáculo por casualidad. Por si las moscas, nunca he dejado de dibujar. FICHA Autor Gérald Sibleyra Director: Paco Mir Ayudante de dirección: Gilbert Bosch Intérpretes: Richard Borrás y Pep Ferrer Una Producción de: Botarga y Vania En cartel: del 12/11/2013 al 05/01/2014 Fechas y Horarios: Desde el 12 de noviembre de 2013. Miércoles, jueves y viernes 20:30 h., sábados 19:30 y 21:30 h., domingos 19:00 horas.  TEATRO GALILEO  
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[button style="1" caption="+ INFO." link="http://www.gruposmedia.com/cartelera/la-banqueta-paco-mir/"][/button] [button style="1" caption="DOSSIER" link="http://www.gruposmedia.com/wpdf/la-banqueta-paco-mir-smedia-dossier.pdf"][/button] [button style="1" caption="COMPRA ENTRADA" link="http://www.entradas.com/entradas/la-banqueta-evento_1_2_28_77842"][/button]  

TEATRO COFIDIS

  El protagonista de este divertidísimo vodevil  Locos por el té nunca se ha subido a un escenario, a diferencia de la actriz protagonista que tiene muchísimas tablas. La directora, tan inglesa como el vodevil, tratará de poner orden a las disparatadas situaciones. La sorpresa llegará cuando el día del caótico estreno, el espectáculo se convierta en una bomba de relojería que divertirá y sorprenderá a todos.   DESCRIPCIÓN “Locos por el té” es una comedia original francesa, escrita por los autores Patrick Haudecoeur y Danielle Navarro, que se estrenó en Francia por primera vez en 1990. En cuanto la obra sube a escena ese año, se convierte en un éxito inmediato, superando 700 representaciones en el Café de la Gare de París y permaneciendo en cartel durante tres años consecutivos, de 1991 a 1993, en el Théâtre des Variétés, también en París, además de la fructífera gira que la compañía realiza por toda Francia. Patrick Haudecoeur, su autor y actor protagonista, decide volver a montar la obra en 2010, por petición expresa del director del prestigioso Théâtre Fontaine de París: de manera inmediata la comedia se coloca en el puesto número uno del box office parisino, permaneciendo en cartel hasta la fecha de hoy y superando más de 1000 representaciones. Se podría pensar que este maravilloso vodevil es solo un culto al divertimento, pero además de su éxito de público, la obra goza de manera privilegiada del éxito de la crítica y de la profesión teatral. Tanto es así, que termina siendo finalista a los Premios Molière en 2010, para coronar su trayectoria en 2011 recibiendo el PREMIO MOLIÈRE A LA MEJOR COMEDIA.   FICHA Autor: Patrick Haudecoeur y Danielle Navarro. Versión: Julián Quintanilla Dirección: Quino Falero Aydte. dirección Rocío Vidal Escenografía y vestuario Elisa Sanz Iluminación Alfonso Ramos Vestuario Ángeles Marín y Gabriel Besa Ayudante de escenografía y vestuario: Mónica Boromello Espacio Sonoro Ana Villa y Juanjo Valmorisco Diseño Gráfico y fotos Javier Naval Prensa y comunicación Truc Comunicación Realización escenografía Mambo Decorados, Cledin, Gerriets Distribución Clara Pérez Dirección de producción Nadia Corral Producción ejecutiva Elisa Fernández Una producción de LAZONA, Flower Power, Bitó Produccions, Cow Events, TRUC Comunicación, Qué arte! y Verteatro.   REPARTO Mª Luisa Merlo es Sofía Juan Antonio Lumbreras es Juan José Luis Santos es Arturo Esperanza Elipe es Claire Ángel Burgos es Curro Óscar de la Fuente es Domingo Rocío Calvo es Chusa   Fechas y Horarios: Desde el 16 de enero al 1 de junio Miércoles, jueves y viernes 20:30 h., sábados 19:00 y 21:30 h., domingos 19:00 h  TEATRO COFIDIS Facebook: locosxte María Luisa Merlo, en su mejor momento - 31/01/14 (Entrevista en 'Déjate de Historias') CRÍTICAS  
   

 TEATRO MARQUINA 

 
  • El día 30 de noviembre llegará al Teatro Marquina “El Principito” de Antoine de Saint-Exupéry adaptada y dirigida por Sergio Sáldez.
  El Principito la obra más famosa del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, se sube a los escenarios del teatro Marquina para entretener a pequeños y mayores. Escrita en 1943 por el piloto francés Antoine de Saint-Exupéry, este personaje ha traspasado generaciones recordando a los humanos que “no se ve bien con el corazón, porque lo esencial es invisible a los ojos”. El Principito es en apariencia un cuento para niños aunque en realidad es una historia de un niño escrita para adultos; o si se quiere, es una vuelta atrás, un retorno a la infancia: ese gran territorio de donde todos hemos salido. Porque todos los mayores han sido primero niños, pero pocos lo recuerdan… Esta función de teatro va destinada especialmente a todos los niños; y también a todos esos adultos que ya han olvidado el niño que fueron, y que sigue durmiendo dentro de ellos. Es un verdadero canto al AMOR Y A LA AMISTAD y rescata los mejores sentimientos humanos olvidados.   FICHA Autor: Saint-Exupéry Dirección y adaptación: Sergio Sáldez Reparto: Alberto Arcos, Jesús Amate, Ana José Bóveda, Kiko Gutiérrez y Mónica Bilbao Producción de “How are you” y “Tercio Sentido Producciones”. FECHAS Y HORARIOS: 30/11/2013 - 06/01/2014 sábados a las 17.00h y domingos a las 12.00 y 16.00h.  TEATRO MARQUINA Facebook: El-Principito-en-Teatro-Marquina  

1941.BODAS DE SANGRE

 

Producción Tejido Abierto Teatro presenta

 

1941.BODAS DE SANGRE

de Federico García Lorca Dramaturgia y Dirección Jorge Eines

  El Centro Dramático Nacional presenta "1941.  Bodas de sangre" de Federico García Lorca.  Dramaturgia y Dirección de Jorge Eines. A partir del 5 de diciembre de 2014 en el TEATRO VALLE-INCLÁN.  

SINOPSIS

Bodas de sangre es, junto con La Casa de Bernarda Alba y Yerma, la obra más significativas y representadas del teatro de Federico García Lorca. Esta Bodas de Sangre es una apuesta por la poesía lorquiana inmersa en las raíces flamencas donde la tragedia andaluza se convierte en teatro. Para su puesta en escena se proponen dos universos: en uno, los actores que protagonizan esta obra hablan, cantan, construyen el mundo particular, cerrado y profundo de la malograda boda; y en otro, construyen la realidad de la época en la que se representa este ensayo de la obra lorquiana. Estamos en el año 1941. García Lorca vetado como autor subsiste en la voluntad creadora de nueve personas. Una escenografía austera y elocuente a un tiempo, es el puente escogido para que nuestra versión de esta joya de la dramaturgia del siglo XX pueda desarrollarse y abrir las dos tragedias que se muestran: una calurosa y densa tarde de muerte y una fría y temerosa época de censura. "Teatro dentro del teatro. Muñecas rusas infinitas. Nuestro juego favorito. Así, nos presenta Jorge Eines Bodas de Sangre, con un punto de partida similar al de sus anteriores lecturas de Shakespeare (Ricardo III) y Beckett (Tejido Beckett), jugando muy en serio al juego de jugar. La compañía nos entrega su nueva pieza dentro de una caja en la que pone “Teatro” en el exterior y que contiene exactamente eso: puro teatro. La acción se sitúa en 1941, en el epicentro de nuestra memoria (histórica) con un grupo de actores interpretando la obra en un universo reprimido, tal y como sucedió en la vida real. Actores de lo prohibido. Actores con un pie en la caja y otro fuera. En este caso, el envoltorio no podría ser más coherente, puesto que Lorca también fingió, practicando peligrosamente un teatro que no le permitieron hacer y explotando cada minuto de una vida minúscula que tampoco le permitieron vivir. Por desgracia, su caja no contenía teatro. De hecho, su caja no contiene nada. A día de hoy, sigue vacía. Como ven, la mirada poliédrica de Tejido Abierto, enseguida, nos lleva a terrenos verdaderamente interesantes que se repliegan sobre sí mismos para cuestionarse y cuestionarlo todo.” Fernando Epelde  

REPARTO

Mariano Venancio Jesús Noguero Carmen Vals Beatriz Melgares Luis Miguel Lucas Inma González Carlos Enri Daniel Méndez Danai Querol  

FICHA ARTÍSTICA

Autor: Federico García Lorca Dirección y Dramaturgia: Jorge Eines Ayudante de Dirección: Eider Elorza Escenografía: Carlos Higinio Esteban Vestuario: Kristina González Iluminación: Rubén Martín Fotografía: Iván Rodríguez Espacio Sonoro: Luis Miguel Lucas Producción Tejido Abierto Teatro En el Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva) del 5 de diciembre de 2013 al 12 de enero de 2014.  

 TEATRO INFANTA ISABEL

 
  • Tras su paso por el Teatro Español se instala en el Teatro Infanta Isabel durante  12 semanas. Desde el 31 de enero al 30 de marzo
  • Fue Irene Escolar quien al leer el texto se lo llevó con entusiasmo a Gerardo Vera.
  Gerardo Vera dirige El cojo de Inishmaan, coproducción del Teatro Español y la nueva productora teatral Grey Garden, con versión de José Luis Collado y con Irene Escolar , Marisa Paredes y Terele Pávez encabezando un reparto de extraordinarios actores, que darán vida a los personajes de esta historia entrañable y sorprendente por su insólita fuerza dramática, capaz de emocionar a todos los públicos. Personajes reconocibles con resonancias de antiguas leyendas celtas (atmósferas muy cercanas al mejor Valle-Inclán) y, gracias al talento de Martin McDonagh, de una absoluta contemporaneidad. Juan Gómez Cornejo, Alejandro Andújar, Luis Delgado y Álvaro Luna completan el equipo ya habitual en las producciones dirigidas por Gerardo Vera. THE CRIPPLE OF INISHMAAN fue representado por primera vez por el Royal National Theatre en el Cottesloe Theatre de Londres el 7 de enero de 1997. El pasado mes de agosto de 2013 se estuvo representando en el West End con Daniel Radcliffe como protagonista. El Teatro Español ofrece una revista pedagógica (La Diabla), donde se hace un análisis de la obra. Descargar   Martin McDonagh, autor de origen irlandés apenas representado en España (La reina de la belleza de Leenane) y heredero de los grandes textos teatrales de Sean O’Casey y John M. Synge, en la mejor tradición clásica, dibuja en esta comedia negrísima un complejo paisaje humano en el que da una extraordinaria vuelta de tuerca a los estereotipos irlandeses: el alcahuete interesado, su nonagenaria madre, la guapa y belicosa amada de Billy, la tía que habla con las piedras de pura preocupación, el adolescente obsesionado con los telescopios, el viudo sensible... Nadie es lo que parece y Billy, el cojo del pueblo, es el espejo que refleja lo mejor y lo peor de cada uno de los integrantes de esa comunidad. Cuando Billy descubre que Robert Flaherty, el famoso documentalista de los años 30, con todo su equipo procedente de Hollywood va a rodar una película en las islas de Arán (Man of Aran, 1934), no tiene ninguna duda de que al fin ha llegado la oportunidad que ha estado esperando toda su vida. Por fin podrá salir de esa cruel Irlanda profunda donde nunca será más que el tullido del pueblo, el huérfano del pueblo, el hazmerreír de todos, para convertirse en una estrella de cine... Más o menos. REPARTO Kate Marisa Paredes Eileen Terele Pávez Jonhypateenmike Enric Benavent Billy Ferran Vilajosana Bartley Adam Jezierski Helen Irene Escolar Babbybobby Marcial Álvarez Doctor Ricardo Joven Mammy Teresa Lozano FICHA ARTÍSTICA Dirección Gerardo Vera Autor Martin McDonagh Versión y traducción José Luis Collado Escenografía y vestuario Alejandro Andújar Iluminación Juan Gómez Cornejo Música Original Luis Delgado (con la colaboración de Garret Wall) Vídeoescena Álvaro Luna Jefe Técnico David Hortelano Ayudante de dirección José Luis Arellano Jefe de producción Jair Souza-Ferreira Prensa José Luis Collado Fotografía y diseño: Javier Naval Construcción decorado: Alfonso Cogollo Carretero Realización vestuario Ángel Domingo Producción ejecutiva Víctor Fernández Guerra Producción Teatro Español y Grey Garden FECHAS Y HORARIOS: Desde el 31 de enero al 30 de marzo. De miércoles a viernes, a las 20.30; sábados, a las 19.00 y 21.30 y domingos, a las 19.00. En el TEATRO INFANTA ISABEL desde el 31 de enero  
https://www.youtube.com/watch?v=FTKAB7FuOHg
   

[highlight_red] • TEATROS DEL CANAL [/highlight_red]

 

Los Teatros del Canal invitan a un maratón de 12 horas de música española y mucho más.

 
  • El domingo 24 de noviembre, Suspiros de España, de 11:00 a 23:00h, entrada libre por todos los espacios de Teatros del Canal.
  • Entrada libre a más de 50 actividades y para todos los públicos.
  • Recitales de cuplés,  zarzuela, tonadilla y la integral de Suite Iberia.
  • La Orquesta de la Comunidad de Madrid ofrecerá el concierto Suspiros de España, con obras de Boccherini, Guridi y Turina, entre otros.
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Suspiros de España, un maratón de 12 horas de música, danza, circo, teatro y cine como homenaje a los compositores españoles de todas las épocas. Con más de 50 actividades de entrada libre para todos los públicos, tendrá lugar el próximo domingo 24 de noviembre, desde las 11:00 hasta las 23:00 horas. Y el broche de oro lo pondrá la Orquesta de la Comunidad con el concierto Suspiros de España, que bajo la dirección del Maestro Manuel Coves, interpretará obras de Aracil, Granados, Del Puerto, Guridi, Colomer, Turina y Álvarez Alonso/Bernaola. Este concierto, que será a las 20.30h en la Sala Roja, tiene un precio de 12€. Un “caos lúdico” con sabor español en el que tienen cabida todas las artes La música sonará de forma ininterrumpida en las dos salas y en los vestíbulos de los Teatros del Canal. La jornada contará con la participación de los Alumnos de la Escuela Superior de Canto de Madrid con un recital de canciones gallegas dedicadas al crítico musical Antonio Fernández-Cid. La polifonía española del Siglo de Oro también estará presente a cargo del Ensemble Sancti Jacobi que cantarán a capella obras de Cristobal de Morales, Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria. El género español por excelencia, la zarzuela, estará representada con un original espectáculo denominado Zarzuelópolis, un musical castizo en el que se convocan unas peculiares audiciones en la Sala Verde donde se repasarán una colección de fragmentos de zarzuela, cuplé e incluso revista. Las tonadillas estarán presentes a cargo del grupo instrumental Del Prado a Lavapiés, con un repertorio de tonadillas, género musical del teatro, con la soprano Cecilia Lavilla y el tenor Miguel Mediano bajo la dirección musical de Alicia Lázaro. Arantxa Armentia y la pianista Teresa Vilaplana forman el Dúo AmaLur de Berlín, dedicado al Lied y a la canción en su variedad de estilos y épocas, ofrecerá un recital en la Sala Verde bajo el título Música y Literatura con una variedad de compositores españoles y escritores que abarcan los S.XVI al XX con la presencia de textos en catalán, gallego, euskera y castellano. Este mismo dúo clausurará la jornada musical con un recital de cuplés en uno de los vestíbulos del Teatro. En la Sala Roja habrá otro recital, este de violoncello y bayán (acordeón) a cargo del Dúo Klimt, compuesto por Angel Luis Quintana y Jesús Mozo Colmenero, que deleitarán al público con obras de Cassadó, D.Mora, J.Rueda, J.Tamasco y Falla. En una cita con un sabor español como esta no podía faltar uno de los hitos de la música española para piano más importante, la integral de la Suite Iberia de Albéniz, que estará interpretada por el pianista Miguel Ituarte en la Sala Roja. En esta edición y por vez primera, alumnos de todos los Conservatorios Profesionales de Música de Madrid (Adolfo Salazar, Amaniel, Arturo Soria, Joaquín Turina, Teresa Berganza, Victoria de los Ángeles y el Superior de Música de Madrid) van a participar con pequeños recitales en los espacios del Centro Danza Canal y en los vestíbulos del teatro en los que se podrá disfrutar de la interpretación de sus más excelentes alumnos. Danza, teatro y circo a cargo de los jóvenes Respecto a la danza, los conservatorios profesionales de danza Fortea, Carmen Amaya, Mariemma y el Superior María de Ávila ofrecerán pequeñas piezas que tendrán como nexo común la música española. Los jóvenes actores de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (Resad) inundarán de teatro los vestíbulos de las Salas Roja y Verde así como las taquillas de los Teatros con diversas interpretaciones de monólogos de autores españoles. Igualmente, habrá una sucesión de números de circo a cargo de la escuela de circo Carampa, y dos actuaciones en la Sala Verde. El Estudio 5 del Centro Danza Canal estará dedicado al cine, primero se visionará el largometraje de Albert Boadella, ¡Buen viaje, excelencia! previa presentación a cargo del propio Albert Boadella y del autor de la banda sonora de la película, Ángel Illarramendi. El público también podrá disfrutar con la proyección de una selección de cortometrajes del certamen Madrid en corto que hará llegar algunas historias en las que la composición y la música son en gran parte protagonistas: El ruido del mundo, Fábrica de muñecas,Cuadrilátero, Inertial Love, y Dicen. A cargo de Ana Benavidez habrá una singular conferencia: El piano en la España del XIX. Escenarios, protagonistas y repertorio, La autora de la antología en dos volúmenes Piano inédito español del siglo XIX  ha recibido el Premio a la Mejor Edición de Música Clásica de la Academia de la Música . Después de Chopinissimo, TempoLiszt y Contrapunto Juvenil, los Teatros del Canal hacen un homenaje a nuestros compositores de todas las épocas, una oportunidad para niños, jóvenes y mayores de deambular libremente por las instalaciones de los Teatros del Canal, donde cada espacio acogerá las más variopintas formas de expresión artística con aire español. - Programa del concierto Suspiros de España interpretado por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid bajo la dirección de Manuel Coves  (Sala Roja a las 20.30h 12€)
  DOMENICO SCARLATTI (1685 - 1757):  Sonata Nº  4 (Arr. Aracil) ENRIQUE GRANADOS (1867 - 1916):   Goyescas (intermedio) LUIGI BOCCHERINI (1743 - 1805):   Variaciones sobre la Ritirata Notturna di Madrid (Arr. Del Puerto) JESÚS GURIDI (1886 - 1961):  El Caserío (Intermedio 2º Acto) JUAN JOSÉ COLOMER (1966): Nazarenos Salamanca Galicia JOAQUÍN TURINA (1882 - 1949):   Danzas Fantásticas ANTONIO ÁLVAREZ ALONSO (1867 - 1903):  Suspiros de España (Arr. Bernaola)
[video id="7KOypHHl3eY" type="youtube" width="560" height="315"]
[button style="1" caption="+ INFO." link="http://www.teatroscanal.com/espectaculo/suspiros-de-espana-musica/"][/button] [button style="1" caption="COMPRA ENTRADA" link="https://entradas.ibercaja.es/teatrosdelcanal/public/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=SUSPIROS"][/button] [button style="1" caption="PROGRAMACIÓN COMPLETA DEL FESTIVAL" link="http://www.teatroscanal.com/wp-content/uploads/2013/11/Programa_suspiros_espana.pdf"][/button]  

 TEATROS DEL CANAL 

 

Los Teatros del Canal y Noism1 presentan Nameless Hands, una joya de la danza japonesa basada en los “kurogo”

   
  • Dirigido por Jo Kanamori e interpretado por la compañía Noism1, galardonados con el Performing Arts Award 2008.
  • Los “Kurogo” son personajes del teatro tradicional japonés que guían la obra.
 
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en Europa de Nameless hands, un espectáculo dirigido por Jo Kanamori e interpretado por la compañía Noism1, que recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’. Este montaje, que le valió a la compañía Noism el prestigio Asahi Performing Arts Award en 2008, el año de su estreno, estará en Madrid tres únicas funciones los días 28, 29 y 30 de noviembre en la Sala Roja de los Teatros del Canal.
En el escenario, y vestidos completamente de negro como si no existieran, se encuentran los “Kurogo”, personajes del teatro tradicional japonés que guían los dos actos de los que consta la obra. Se muestran como Nameless Hands, una metáfora del tiempo, la imaginación, el deseo o la ambición, que manipula las vidas de las muñecas, de los objetos y del drama en sí mismo.
La obra cuenta con música conocida por todos, que el director Jo Kanamori ha escogido no con la intención de usarla de un modo diferente, sino para utilizar las imágenes ya arraigadas en la mente del público. Del mismo modo, el decorado se compone de mobiliario de segunda mano, como una reivindicación del significado de su existencia, en contra de la rápida evolución tecnológica que ha acelerado las necesidades de consumo.
Este trabajo recurre al origen de su director, y a sus días como alumno de Bejart, convirtiéndose en un homenaje a su antiguo maestro.

FICHA

Dirección, coreografía e iluminación: Jo Kanamori Vestuario: Yuichi Nakashima (artburt) Diseño máscaras: Hidemi Ishihashi Compañía: Noism Company 28, 29 y 30 de noviembre a las 20.00 h en la Sala Roja de los TEATROS DEL CANAL
 

TEATROS DEL CANAL 

 
  • Alfredo Sanzol, el autor de Risas y destrucción [2006], Sí, pero no lo soy [2008], Días estupendos [2010], Delicadas [2010] y En la luna [2011] (Max como mejor autor por estas tres últimas) es uno de los mejores defensores del HUMOR. Como queda claro en cada una de sus obras y en sus declaraciones. "La crítica y los estudiosos de la cultura dejan en un segundo plano todo lo que tengan que ver con el humor."
  Alfredo Sanzol y T de Teatre, el tándem que hizo posible el gran éxito Delicadas, vuelve a unirse para estrenar Aventura!, la historia de seis socios que reciben una oferta de compra por una empresa china y que, en lugar de vender su empresa… acaban vendiendo a una socia.   Aventura! cuenta la historia de seis socios de Barcelona que tienen una empresa que no va mal pero que, al recibir una oferta de compra por parte de una empresa china, deciden dejarse de tonterías y vende, por lo que pueda pasar. El problema es que no venden la empresa, sino que acaban vendiendo a una de sus socias. Aventura!, escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, está interpretada por Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Jordi Rico y Àgata Roca. El espectáculo se estrenó el 16 de noviembre de 2012 en el Teatro Municipal de Girona, dentro del marco del Festival Temporada Alta. Posteriormente se presentó durante un mes en el Teatre Lliure de Barcelona. El 8 de mayo llega a la Sala Verde de los Teatros del Canal.  

NOTA DEL AUTOR

He escrito Aventura! porque estoy enamorado de mi mujer y de mi hijo, y de mis amigos y de mi familia, y de la gente con la que trabajo, y de mis vecinos, y de los camareros y de las funcionarias del Ayuntamiento de Madrid con las que me río de todo cuando voy a pagar las multas que me llegan por no haber pagado el impuesto de la basura. No quiero emigrar ahora, porque mi hijo empieza la guardería el lunes que viene. Ahora no. He escrito Aventura! para poner en el escenario los fantasmas que me produce esta crisis. Aventura! cuenta la historia de seis socios de Barcelona que tienen una empresa que no va mal pero que al recibir una oferta de compra por parte de una empresa china deciden dejarse de tonterías y vender por lo que pueda pasar. El problema es que no venden la empresa, sino que acaban vendiendo a una de sus socias. La crisis me preocupa como a todos, pero lo que realmente me preocupa es si tendremos la inteligencia colectiva y la capacidad comunitaria de gestionar esta crisis. El problema no es solo económico. Es sobre todo ético-ideológico-político. El problema es la pérdida de soberanía. El secuestro que se está haciendo de la democracia. La cobardía que se está apoderando de nosotros. El problema es el “sálvese quien pueda” y la desorganización. Y Aventura! trata de eso. En Aventura! he volcado los fantasmas y la angustia que me produce la realidad social que estamos viviendo. Lo he hecho a través de un grupo de socios que también son amigos. Y aunque son solo seis, como en los experimentos de laboratorio lo que pasa a escala pequeña se puede extrapolar a toda la sociedad. Este proyecto ha nacido junto a T de Teatre. Con Delicadas nos encontramos y Aventura! es nuestra segunda aventura. Espero que mucha gente diga que hemos hecho una comedia y otros una tragedia, y otros una tragicomedia. Espero que esta obra sirva para que la gente hable mucho después de la función. Que sirva para abrir las vías de la comunicación y el sentido de comunidad. En Aventura! los personajes están atenazados por el miedo y acaban haciendo algo que “nunca harían”. Creo que nuestra mayor fragilidad es el miedo, y esta obra intenta reducirlo poniendo delante de los ojos un fantasma colectivo: “el de convertirnos en esclavos”. Alfredo Sanzol   FICHA Autor y director:   Alfredo Sanzol Escenografía:  Alejandro Andújar Música original:  Fernando Velázquez Iluminación:  Carlos Lucena Sonido: Roc Mateu Vestuario: Alejandro Andújar y Adriana Parra Producción ejecutiva:  Daniel López-Orós Jefa de producción: Carmen Álvarez Jefe técnico: Carles Borras Ayudante escenografía :  Adriana Parra Ayudante sonido: Roger Ábalos Maquinista:  Jordi Fuster Assistente dirección: Carolina Morro Auxiliar producción:  Marta Aguilar Fotografía: David Ruano Diseño gráfico: Enric Jardí Prensa: Sandra Costa Intérpretes:  Mamen Duch, Marta Pérez, Carme Pla, Albert Ribalta, Jordi Rico, Àgata Roca Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas Una producción de T de Teatre con la colaboración del Teatre-Auditori Sant Cugat y el apoyo del ICEC. Fechas y horarios: De martes a sábados (expecto 24 de mayo) 20.30 h. Sábado 24 de mayo 19.00 y 21.30 h. Domingos 19.30 h. Del 8 al 25 de mayo    TEATROS DEL CANAL    
https://www.youtube.com/watch?v=rba90F9lTjM   https://www.youtube.com/watch?v=IkluvaIRrpU
   
Misántropo, en el Teatro Español

MISÁNTROPO

Kamikaze Producciones presenta

MISÁNTROPO

adaptación libre a partir del original de Molière Dirección Miguel del Arco

‘Misántropo’, en versión y dirección de Miguel del Arco, regresa a Madrid al Teatro Kamikaze

Un callejón oscuro. El rumor de la música, el eco vibrante, eléctrico y bullicioso de los cuerpos que bailan, las manos que brindan, las miradas que juzgan, las lenguas que murmuran. Ellos y ellas. Enredados en amores y miedos, en vanidades y euforias. Él. Un hombre solo.

¿Qué es la verdad? ¿Nos conviene conocerla si amenaza nuestro confort y placer? ¿Pueden convivir la política y la honestidad? ¿Necesitamos la hipocresía para sobrevivir? ¿Se puede luchar contra la iniquidad de la naturaleza humana? Alcestes pone en peligro su integridad por defender la verdad al tiempo que lucha contra la tentación de dejarse vencer por el derrotismo. Porque no se acomoda a la ficción imperante y porque está dispuesto a perderlo todo por defender aquello en lo que cree. La crítica y el humor más ácidos están en el germen de Misántropo, la aplaudida versión que Miguel del Arco firma a partir del original de Molière y que, tras agotar entradas hace tres años, regresa este mes de marzo a Madrid. Israel Elejalde abandona Hamlet y retoma su papel de Alcestes. Sobre el escenario le acompañan Ángela Cremonte como Celimena y José Luis Martínez, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez.

NOTA DEL DIRECTOR

“Cuando pintáis héroes, hacéis lo que se os antoja. Son retratos a placer, en los que no se busca parecido, y no tenéis más que seguir los rasgos de una imaginación que levanta el vuelo y que abandona, con frecuencia, lo cierto para apresar lo maravilloso. Mas, cuando pintáis a los hombres, hay que hacerlo del natural. Se desea que esos retratos tengan parecido, y no habréis hecho nada si no lográis que se reconozca en ellos a las gentes de vuestro siglo”. (La crítica de la escuela de las mujeres) Eso hemos intentado Alcestes, nuestro protagonista, quiere, anhela vivir en la verdad. Quiere ser honesto y sincero y que los demás lo sean con él. Pero como cualquier ser humano está lleno de contradicciones. Son estas contradicciones y su incapacidad para encontrar el término medio que le permita vivir lo que le lleva a retirarse al desierto por el que clama desde la primera conversación con su amigo Filinto. Alcestes libra una lucha desesperada que me emociona profundamente. Tal vez la pasión de sus actos en unos tiempos laxos como los nuestros en los que parece que se impone el “todo vale”. Donde cada vez cuesta más trabajo distinguir lo que está bien de lo que está mal y por tanto se difumina la idea de lo que es la libertad. Donde a fuerza de no querer que las cosas sean blancas o negras todo se ha vuelto gris.   Alcestes pone en peligro su integridad por defender la verdad. Porque no se acomoda a la ficción imperante y porque está dispuesto a perderlo todo en defensa de lo que cree. Puede que tenga razón o puede que no. De lo que estoy seguro, desgraciadamente, es de que no conozco muchos hombres como él.”.
Miguel del Arco

SINOPSIS

"Tal vez encuentre en la soledad la libertad necesaria para ser un hombre decente". Alcestes siente que no puede soportar ni un día más la hipocresía social que el género humano parece haber asumido como única forma posible de relacionarse. Así se lo comunica a su amigo Filinto. Lo único capaz de hacerle replantear su decisión de alejarse definitivamente y vivir en soledad es su amor por Celimena. Filinto se extraña de que su amigo haya elegido como objeto de su amor a una mujer famosa por comportarse siguiendo todos los parámetros sociales de los que abomina y que le han llevado a decidir separarse del mundo. Un mundo que también enreda a Alcestes en casos judiciales que ponen de manifiesto la falsedad de la sociedad y las leyes que rigen la convivencia de los seres humanos. Alcestes lanza embestidas a su alrededor mientras espera impaciente a que Celimena le confirme su amor y se decida a acompañarlo en su retiro. La respuesta se convierte en la gota que colma el vaso de la impotencia de Alcestes. “¿Quieres que nos vayamos al campo y vivamos incomunicados?”, pregunta incrédula ella. “Si en efecto me amas como yo te amo, ¿qué te importa el resto del mundo?”, replica él. Alcestes, el protagonista de Misántropo, anhela vivir en la verdad. Quiere ser honesto y sincero y que los demás lo sean con él. Pero sus contradicciones y su incapacidad para encontrar el término medio que le permita vivir le llevan a retirarse al desierto por el que clama desde la primera conversación con su amigo Filinto. Alcestes pone en peligro su integridad por defender la verdad. Porque no se acomoda a la ficción imperante y porque está dispuesto a perderlo todo en defensa de lo que cree. El callejón de atrás de una sala de fiestas, oscuro, sucio y con el rumor de la música de fondo, es el escenario donde se desarrolla Misántropo, adaptación libre a partir del original de Molière en la que Miguel del Arco traslada los personajes del autor francés hasta nuestro siglo XXI, con la ayuda de otros genios como Michel Montaigne, Michel Foucault o Luis Cernuda.
“Un Misántropo que sacude, que divierte y conmueve, que tiene la intensidad y el ritmo de un gran partido con un gran equipo. Uno de los mejores montajes de la temporada”. Marcos Ordónez, El País
[caption id="attachment_1328" align="aligncenter" width="697"]Misántropo © Eduardo Moreno Misántropo © Eduardo Moreno[/caption]

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos.

presentan

HÉCUBA

José Carlos Plaza, Juan Mayorga y Concha Velasco encabezan el brillante montaje de 'Hécuba'.

Hécuba es, con más derecho que cualquier otra jamás escrita,la tragedia de la venganza. A diferencia del vacilante Hamlet,y con más determinación que ningún otro vengador que hayapisado la escena, Hécuba no vacilará, erigiéndose a un tiempo en acusador, juez y verdugo. Qué enorme personaje esta anciana que nació en un palacio, esposa de rey y madre de hombres llamados a ser reyes, y que hoy solo espera la hora de ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. y qué paradoja que precisamente entonces, cuando parecía más débil, esta madre desdichada se revuelva –con furia animal, pero también cargada de razones– y devuelva un golpe tan irreparable como el que ella recibió. Ha sido un privilegio dar de nuevo palabra y acción a la vieja Hécuba y a los otros extraordinarios personajes de la tragedia de Eurípides. Como ha sido un honor trabajar otra vez para el Festival de Mérida junto a mi admirado José Carlos Plaza, y hacerlo para la enorme actriz Concha Velasco. Cómo deseo que llegue la noche en que Concha haga resonar, sobre las piedras de Mérida, la voz vengadora de Hécuba. Juan Mayorga

SINOPSIS

La obra se abre en un espacio desolado: el campo después de la batalla. La derrota de unos que sirve de poso para la victoria de los otros. Nos movemos entre despojos, no entre seres humanos... Esos seres que vemos deambular a la orilla del mar son las mujeres prisioneras, cautivas y aniquiladas, enloquecidas e inermes, que recorren las ruinas de lo que fue su vida, buscando que no se sabe qué... Hécuba camina entre cadáveres, entre los cadáveres de sus hijos... Una vez asumida la derrota, las pérdidas irreparables, solo la queda esperar bañada en dolor. Tanto es así que cuenta la leyenda, Hécuba estremeció a los propios dioses con su sufrimiento, hasta tal punto que la convirtieron en una perra aullando su dolor durante la eternidad. Y eso es Hécuba: un aullido, un llanto interminable, perpetuo e inmortal.