Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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TEATRO LA ABADÍA

 

Teatro de La Abadía presenta

ENTREMESES

de Miguel de Cervantes Dirección José Luis Gómez

Del 23 al 31 de marzo de 2017

Somos y seremos, lo sepamos o no, criaturas cervantinas

  Desde su vocación de ser un teatro con repertorio, La Abadía presenta de nuevo, por pocos días, uno de sus espectáculos de referencia, Entremeses. Un espectáculo de marcado carácter festivo donde la lucidez, compasión y humor se funden con la palabra de Cervantes en una síntesis irrepetible. Las tramas de estas tres historias, el lenguaje cervantino y la forma escénica que les ha otorgado el montaje conectan de una manera inmediata e intensa con aquel que las vea, o vuelva a verlas. La palabra de Cervantes vuelven a cobrar vida en estas tres célebres historias que componen 'Entremeses': Tres piezas (La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas) cuya fuerza vital e ingenio nunca envejecen.  

'Hasta el morir, ¡todo es vida!' Cervantes

 

ENTREMESES es un alegato a favor de la tolerancia, reivindicando lo mejor del ser humano. Algo que, en los tiempos que corren, no viene mal que nos lo recuerden.

"Un reencuentro con la vida y con el teatro" Uno de los primeros espectáculos que se han inscrito en la memoria de La Abadía y del público fue Entremeses, fruto de un largo proceso de formación e investigación con una serie de jóvenes actores, muchos de los cuales siguen vinculados a La Abadía y todos ellos asimismo muy requeridos por los teatros públicos y privados, cine y televisión. Con ocasión de su XX aniversario, La Abadía se reencuentra con los Entremeses -La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas-, interpretados por un grupo de actores que incluye a varios miembros del reparto original. Con la escenografía del recién fallecido pintor José Hernández, las luces de Juan Gómez Cornejo, la música de Luis Delgado y la dirección de José Luis Gómez, el encanto popular y la fuerza de la palabra de Cervantes vuelven a cobrar vida en estas tres célebres historias cómicas, situadas en un ámbito rural. Cervantes lanza una mirad aparentemente compasiva pero implacable sobre las grandes mentiras de su tiempo: la religiosidad y la beatería, el honor de las mujeres y la lujuriosa ansia de vivir, la pretendida limpieza de sangre de los cristianos viejos en un país profundamente amestizado.  

SINOPSIS

En La cueva de Salamanca, Cervantes nos presenta al esposo cornudo y contento, a cuyo engaño asiste regocijado el espectador, liberado por un momento del código moral. Pancracio, el marido, es un personaje caracterizado por la credulidad extrema y recuerda a la figura del bobo presente en el teatro de Lope de Rueda. Su mujer, Leonarda, y el estudiante son los principales creadores del engaño al que se le somete. Esto es posible en parte gracias a la desmedida afición de Pancracio por las artes ocultas y por su falta de juicio. Por esto, en la obra se advierte que él es también culpable de los engaños de su esposa. En este entremés Cervantes, a través de la comicidad, critica la superstición y la falta de confianza en la razón. En El viejo celoso, dramatiza la trama de la “novela ejemplar” El celoso extremeño. Cañizares, viejo desposado con una mujer joven, está dominado por la pasión de los celos, monstruosamente sentida. Su esposa, que vive encerrada bajo siete llaves, maldiciendo a su marido y al momento en que se dejó casar, le engañará en la primera ocasión que se le presente. La escena del engaño de este célebre entremés es una de las más irónicas del teatro de la España del siglo XVII y sucede ante el esposo cornudo. El retablo de las maravillas, cuya trama guarda cierta similitud con el cuento del nuevo traje del emperador y otras tradiciones populares, es protagonizado por dos pícaros que presentan ante las “fuerzas vivas” de una aldea un retablo muy especial: sus imágenes solo pueden ser vistas por personas de “sangre pura”, no por hijos bastardos o descendentes de moros o judíos. Así, Cervantes se burla de los estatutos de limpieza de sangre de la época.   [caption id="attachment_14602" align="aligncenter" width="717"]ENTREMESES ENTREMESES[/caption]  

FICHA

Texto Miguel de Cervantes Dirección José Luis Gómez Música Luis Delgado Escenografía A partir del diseño original de José Hernández Vestuario María Luisa Engel Iluminación Juan Gómez Cornejo Ayudante de dirección Carlota Ferrer Arreglos de coplas y refranes Jesús Domínguez Realización de vestuario Sastrería Cornejo Realización de escenografía Utilería-Atrezzo SL y equipo de La Abadía  

REPARTO

La cueva de Salamanca Barbero Julio Cortázar Estudiante Miguel Cubero   Cristina (criada de Leonarda) Palmira Ferrer Reponce (sacristán) Javier Lara   Leoniso (compadre de Pancracio) Luis Moreno   Leonarda Inma Nieto Pancracio (marido de Leonarda) José Luis Torrijo El viejo celoso Compadre de Cañizares Julio Cortázar   Alguacil Miguel Cubero   Sra. Ortigosa (vecina de Lorenza) Palmira Ferrer   Doña Lorenza Elisabet Gelabert Galán y bailarín Javier Lara Cañizares (marido de Ortigosa) Luis Moreno Cristina (criada de Lorenza) Inma Nieto   El retablo de las maravillas Furrier Eduardo Aguirre de Cárcer Juana Castrada (labradora) Diana Bernedo Gobernador Julio Cortázar Chanfalla Miguel Cubero   Teresa Repolla (labradora) Palmira Ferrer Chirinos Elisabet Gelabert Juan Castrado (regidor) Javier Lara Pedro Capacho (escribano) Luis Moreno   Rabelín Inma Nieto Benito Repollo (alcalde) José Luis Torrijo   Canciones Todos Músico Eduardo Aguirre de Cárcer Producción: Teatro de La Abadía en coproducción con Clásicos en Alcalá, Teatro Calderón de Valladolid y Teatro Principal de Zaragoza Duración apróximada: 1 h. y 50 min. Fechas y horarios: Del 23 al 31 de marzo de 2017 Sábado 25 y domingo 26 a las 19:30h Funciones escolares los días 23, 24, 29, 30 y 31 en el  TEATRO DE LA ABADÍA   [button link="http://bit.ly/2jwx3xC" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]    
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[highlight_red] •TEATROS DEL CANAL [/highlight_red]

    El asno de Oro es un relato sorprendente. Su autor, Lucio Apuleyo junto con Petronio está considerado como uno de los padres de la novela en Roma. Natural de Madaura (en la actual Argelia) donde se descubrió en 1918 una estatua erigida en su nombre, Apuleyo pertenece al grupo de los llamados "neosofistas" que ejercían como oradores ambulantes. Filósofo, mago, narrador.., paseó su facundia alrededor de aquel mundo mediterráneo durante años. La influencia de su obra es inmensa en la posteridad, sobre todo a partir del Renacimiento. Desde San Agustín, Marlowe o Milton pasando por Shakespeare, Gracián, Cervantes o Lope de Vega hasta Ionesco y kafka, o Ruleus, Goya y Rodin, su huella es constante en la creación artística occidental. Se le considera un puente en la mentalidad y la cultura oriental y su lengua está cargada de simbolismo, ritmo, belleza e intenciones polisémicas. El protagonista, Lucio, convertido en un asno, vive con su alma humana en el interior de un cuerpo animal un largo espacio de tiempo hasta recobrar su forma humana otra vez con la luz ahora de un nuevo nacimiento. Es una historia de caída y redención, de crisis y conversión. Se ha relacionado el relato con los rituales procesos psicológicos vinculados con los antiguos misterios, especialmente los mitos de Isis y Osiris. Más allá de todas estas consideraciones, la peripecia está llena de acción y dinamismo, humor, ironía y una llamativa excentricidad. Lucio convertido en asno tiene ocasión de mostrarnos la corrupción y la crueldad, la superstición y las tensiones del mundo mediterráneo de la época a través de un viaje que recuerda al Lazarillo de Tormes pasando calamidades. De hecho la novela se considera un antecedente clarísimo de la picaresca. Por todos estos motivos he considerado el texto de relevante interés para presentar un espectáculo en Mérida dentro de la línea que vengo explorando desde hace tiempo. Grandes textos de la cultura mediterránea que vienen de la tradición oral y paseando por la literatura vuelven otra vez a esa misma tradición a través del teatro. El asno de oro no se ha representado nunca bajo ninguna forma, lo que añade un valor especial a su caso. El estreno mundial de un clásico latino. La música, la prosodia específica para este tipo de textos, el humor y el sentido de fiesta priman en su adaptación. Más allá del entretenimiento y la diversión que son esenciales en un espectáculo, El asno de oro añade la visión de la universalidad de los valores y los significados de las grandes obras: en el Siglo II después de Cristo los paganos cultos, sensibles y piadosos buscaban la realización del espíritu a través del sincretismo religioso y filosófico más variado, mientras el Cristianismo derramaba ya su luz por el mundo. ¿Sería posible un teatro vivo, que conecte con el público de hoy, hablando del mundo de hoy, y al mismo tiempo de una vida grande contra la que nada puede la muerte, ya que esa VIDA incluye la vida misma y la muerte? Al menos merece la pena intentarlo. Rafael Álvarez   FICHA Autor: Lucio Apuleyo Dirección e interpretación: Rafael Álvarez, “El Brujo” Músicos: Daniel Suárez “Sena”, Kevin Robb y Javier Alejano Dirección musica y música original: Javier Alejano Diseño de iluminación: Miguel Ángel Camacho Fechas y horarios: Entre el 15 de enero y el 8 de febrero de 2015 De martes a sábados a las 20.30 h. Domingos a las 19.30 h. Sala verde de los TEATROS DEL CANAL Web: elbrujo.es  
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OFF LA LATINA

presenta

NOVECENTO

 

VUELVE NOVECENTO con Miguel Rellán, en marzo al OFF LA LATINA

Una fábula inolvidable, divertida y conmovedora, que indaga en los rincones del ser humano y su incesante persecución de los sueños.

El 13 de mayo se estrenó en el Teatro Español 'NOVECENTO, El pianista del océano', un monólogo teatral de Alessandro Baricco, dirigido por Raúl Fuentes y protagonizado por Miguel Rellán. En septiembre se pudo volver a ver en la SALA TÚ y en la Sala Off del Teatro Lara. Luego en el Maravillas.... y ahora en el Off La Latina. Llega un momento en la vida en el que elegimos cómo queremos vivirla. Novecento nos presenta y narra la historia de un artista inmenso, un creador de esa belleza inasible que es la música, un genio capaz de cualquier cosa, menos de lidiar con la vida, enfrentarse a la vida. Y no la vida como un concepto abstracto e intangible, sino la vida en su aterradora cotidianeidad. Porque la vida es aterradora, dura, terrible de encarar y sobre todo, de elegir. Elegir. Al final, todo este breve cuento que es vivir va de elegir. Que no nos engañen. Nos pasamos la vida eligiendo. Elegimos a cada segundo. Y uno de los grandes males del hombre contemporáneo es la propia paradoja de la elección: decidirse por algo, entre la incalculable oferta, y no disfrutar de lo elegido, sino dirigir la mirada y el deseo hacia todo lo que hemos desechado en el propio acto de elegir. De ahí que, para el propio Novecento, el gran héroe sea el hombre común, aquel que toma decisiones todos los días, a todas horas, el que encara ese viaje terrible y hermoso que es vivir. Vivir y elegir. Elegir vivir la vida, sus riesgos, sus emociones, sus miedos, sus éxitos y sus fracasos; o elegir quedarse en un barco viviendo una vida imaginaria y soñada a través de las teclas de un piano. Eso sí, un piano del que saldrá la música más extraordinaria jamás oída. Como decía, todos nos salvamos como podemos. Y para contar esta fábula contemporánea, nada mejor que el complejo mecanismo a través del cual el teatro cobra su verdadero sentido, potencia artística y capacidad emocional: la Imaginación. La imaginación en la palabra. A través de la palabra, no sólo como portadora de sentido sino como convocadora de imágenes, buscaremos una relación íntima con el espectador y su imaginario, devolviendo a la escena la inherente capacidad del lenguaje de generar imágenes a través de la interpretación. Así, estimulando la imaginación del público y su recepción activa, conseguiremos que la potencia del hecho teatral se multiplique, creándose el espectáculo en la mente del espectador, no sólo encima del escenario. Porque contar una historia, ya sea a la luz del fuego, en el ágora, la iglesia, la plaza mayor, los corrales o en los escenarios, no sólo es el oficio más antiguo del mundo, desde el chamán hasta el actor, sino que es una necesidad vital para el que escucha, imagina y por ende, proyecta en su propia vida las resonancias de lo narrado. Nos morimos porque nos cuenten historias. Desde niños. Nuestra predisposición para que nos cuenten historias se remonta hasta nuestros primeros gemidos, recién llegados a este mundo, desnudos e indefensos, demandando una explicación a las preguntas que no tienen respuesta. De ahí las narraciones, los cuentos, las grandes historias, nuestra necesidad de ser contados. Iluminados, si se me permite. Y quizá no encontremos respuestas, o las respuestas que buscamos, pero las grandes historias nos ayudan a continuar, a seguir luchando, a seguir avanzando hacia un horizonte llamado esperanza. Y Novecento es una de esas historias. Una de esas grandes historias.  

SINOPSIS

Un trompetista de jazz, a través de sus recuerdos, nos narra la extraordinaria historia del que fuera su mejor amigo, Novecento, un pianista excepcional nacido en uno de esos barcos que recorrían las rutas entre Europa y América a principios del siglo XX, en los que se mezclaban ricachones, golfos, emigrantes y turistas. Novecento era un pianista de técnica increíble, capaz de extraer notas mágicas, insólitas, melodías asombrosas que cautivaban cada noche a los viajeros del barco en el que había nacido y del que decían que nunca se había bajado. Nunca había pisado tierra. El mejor pianista de todos los tiempos, y no existía para el mundo. Sin patria, ni familia, ni fecha de nacimiento. Nada. Hasta que un día decidió bajar. Novecento es, ante todo, un viaje emocional en busca del sentido de la vida, con sus dudas y certezas, a través de la memoria y la música. Una emocionante historia sobre la amistad y la admiración en su estado más puro. Una fábula inolvidable, divertida y conmovedora, que indaga en los rincones del ser humano y su incesante persecución de los sueños.   Novecento en el Teatro Maravillas   Comprar entradas
  Los monólogos parecen ser de los pocos espectáculos inmunes a los sablazos del IVA. En los últimos años se ha producido un auge y la gente acude en masa a ver lo que se denomina como Stand-Up Comedy. La Stand-Up Comedy (comedia de pie), también llamada ‘comedia en vivo’ es un estilo de comedia donde el comediante se dirige directamente a una audiencia en vivo.   EL ORIGEN   En España la primera relación con este género cómico se produce en 1999 con la creación del canal Paramount Comedy, el cual incluía como uno de sus programas estrella el programa Nuevos cómicos, donde destacaron monologuistas como Ángel Martín, José Juan Vaquero o Joaquín Reyes. Asimismo, el 26 de septiembre de 1999 nace el programa El club de la comedia, una coproducción de Canal + y GloboMedia que presentaba un género hasta ahora inédito: se trataba de la Stand Up Comedy. El Club de la Comedia es un programa de monólogos originales que, desde su estreno en 1999, ha sido emitido, en sucesivas temporadas, por todas las cadenas públicas y privadas de España. En él, monologuistas profesionales y actores no especialistas en el género se enfrentan al público en vivo con un texto de entre 8 y 10 minutos. Un espectáculo teatral, que se graba en un teatro y que ya lleva 10 temporadas. La misma productora creaba en 2011 Las noches de El Club de La Comedia. Los mejores monologuistas nacionales actúan en vivo en este espectáculo que acerca "El Club de la Comedia" a todos los públicos. El espectáculo se encuentra de gira por diversas localidades de España. En el 2000 Globomedia creaba un espectáculo teatral basado en el formato televisivo El club de la comedia. Se trataba de 5 hombres.com, escrito por Pablo Motos, Luis Piedrahita, Laura Llopis, Arturo González-Campos y Juan Herrera que se mantuvo en cartel hasta 2004. Agustín Jiménez, Eduardo Aldán, Florentino Fernández, Aléxis Valdés, José Corbacho, Bermúdez, Carles Flaviá, Félix Álvarez, Gregorio Jiménez, Miki Nadal, Nancho Novo, Quequé, Santi Millán y Santi Rodríguez fueron los intérpretes a lo largo de las 4 temporadas. Debido al éxito obtenido, nació 5mujeres.com. Una continuación natural de su predecesora.   ACTUALIDAD   Las Noches De El Club de La Comedia actualmente se encuentran en el Teatro La Latina. Al igual que Joaquín Reyes con su espectáculo ¡Que me aspen!. Y Viejovenes, junto con Ernesto Sevilla.   LA CAVERNICOLA , de la productora Iria Producciones ,escrita y dirigida por la premiada dramaturga Emma Peirson se mantiene fija desde el 2 de abril en el Pequeño Teatro Gran Vía. La obra protagonizada por Yolanda Ramos y que dirige Esteve Ferrer parece no tener fecha de salida. En el Teatro Fígaro el regreso de Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus en su segunda temporada. Desde el 19 de febrero Sinacio nos dará lecciones sobre hombres, mujeres con este hilarante éxito mundial, dirigido por Nancho Novo y con el texto adaptado por Paco Mir. En el Teatro Reina Victoria destaca el regreso de Venidos a menos los días 7 de marzo, 3 de abril y 1 de mayo. Maria Juan nos presenta su espectáculo Treinta y... ¿cuántos?, los días 27 de marzo, 24 de abril y 22 de mayo. Oswaldo Digon los días 21 de marzo, 18 de abril y 16 de mayo. Miguel Lago arranca la tercera temporada de Soy un miserable y estará los días 28 de febrero, 14 y 28 de marzo, 11 y 25 de abril. Y Agustín Jiménez En estado puro los días 13 de marzo, 10 de abril y 8 de mayo. 2 de los mejores monologuistas reinan en Callao City Lights: Luis Piedrahita con su espectáculo El castellano es un idioma loable, lo hable quien lo hable y Goyo Jiménez con Evoluzión. Y el 28 de marzo Dani y Flo vuelven a Madrid.   Pero si hay un espacio que sabe de monólogos ese es La chocita del loro . El templo de los monólogos en la capital. Por su escenario han pasado todos los cómicos de este país, que le han dado el prestigio que tiene en este momento. En su página web se encuentra la programación y toda la información necesaria.  

 TEATRO FERNÁN GÓMEZ

 

Del 19 de Diciembre al 10 de Enero

Teatro musical con claqué, humor y percusión corporal

La compañía Tap show project presenta Nadie es quién parece ser, un espectáculo musical con el que se pretende acercar esta disciplina a los niños y hacer disfrutar a los adultos. Un año más regresa al Teatro Fernán Gómez, donde podrá verse del 19 de diciembre al 10 de enero de 2016.   Una nueva forma de presentar el claque al público. Teatro y baile se dan el relevo durante la función en varias ocasiones jugando con el absurdo, la confusión y el malentendido, para generar un contexto divertido y cercano con el público.  Se mezcla la fantasía con el mundo real, con el teatro, el jazz y funk con el baile.  En poco más de una hora presentamos un elenco de estilos y modalidades que se adaptan a todos los gustos y que llega a todas las edades.  El Tap Show Project cuenta con la agrupación de algunos de los bailarines mas punteros de la modalidad en esta ciudad y supone el arranque de una tendencia que está por desarrollar. Fantasía y mundo real con el teatro, jazz y funk con el baile. En poco mas de 60 minutos presentamos un elenco de estilos y modalidades que se adaptan a todos los gustos y que llega a todas las edades.  

SINOPSIS

"Nadie es quien parece ser" es un espectáculo teatro-musical que combina claqué, humor y percusion corporal. El personaje principal, obsesionado por encontrar la idea perfecta, reproduce sus pensamientos a través de los personajes que aparecen en escena y que acaban tomando el control de la situación.  

FICHA

Dirección:Lucas Tadeo Dirección coreográfica:John O´Brien Guión:Roberto Bonacini Acompañamiento musical:Agustín López Vestuario:Baronesa Van Ritzo Iluminación:Carlos Lorenzo Bahía Cámara:Manuel López Rivera Fotografía:Jesús Ubera Bailarines:John O´Brien, Lucas Tadeo, Roberto Bonacini, Angélica Arévalo Moya y Ainara Prieto. Compañía: Tap Show Project. Fechas y horarios: Del 19 de Diciembre al 10 de Enero De martes a domingos: 11 y 13 horas. en el TEATRO FERNÁN GÓMEZ Twitter: TAPSHOWPROJECT  
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TEATRO LARA 

 

PRORROGADO. A partir de FEBRERO los DOMINGOS a las 13h

Estrenada en La Casa de La Portera con excelentes críticas, EL TESORERO se asienta en la Sala Off del Teatro Lara donde se estrenó el jueves 30 de octubre y continúa los martes de DICIEMBRE y ENERO.

UNA SÁTIRA SOBRE LA CORRUPCIÓN

Sobornos, enchufes, sobres, paraísos fiscales, dinero negro, saqueo de cajas de ahorros, recalificaciones... Todo esto, y mucho más, se puede ver en: EL TESORERO, una comedia que retrata la España de la corrupción. Basada libremente en el Caso Bárcenas, la obra cuenta el primer día en el gobierno de un nuevo ministro de Cultura, cuyo mayor interés es usar su puesto para hacer negocios, y buscarse un buen enchufe para cuando deje el gobierno. La obra es una sátira política que traslada a los espectadores a los despachos de los ministerios, para que puedan ver cómo se comportan nuestros políticos cuando las cámaras no les están enfocando. El principal objetivo de la pieza es hacer reír al espectador, permitirle que se tome la revancha, que se ría de los políticos que se están riendo de él todos los días. Protagonizada por José Luis Alcobendas (los días 2 y 9), Mario Tardón (a partir del día 23 de diciembre), y Juan Carlos Vellido, y escrita y dirigida por José Ignacio Tofé, la obra es una sátira política que traslada a los espectadores a los despachos de los ministerios, para que puedan ver cómo se comportan nuestros políticos cuando las cámaras no les están enfocando. El principal objetivo de la pieza es hacer reír al espectador, permitirle que se tome la revancha, que se ría de los políticos que se están riendo de él todos los días.  

FICHA

Dramaturgia y dirección: José Ignacio Tofé Coreografía: Sonia Dorado Fotografía: Moises Fermadez Acosta Diseño Gráfico: David Angulo Elenco: José Luis Alcobendas/Mario Tardón y Juan Carlos Vellido Fechas y horarios: MARTES de DICIEMBRE y ENERO a las 22h. A partir de FEBRERO los DOMINGOS a las 13h  TEATRO LARA DESCARGAR DOSSIER TESORERO  
 

[highlight_red] •TEATRO FERNÁN GÓMEZ [/highlight_red]

 

Del 19 de diciembre de 2014 al 4 de enero de 2015 SOÑANDO EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES en el Teatro Fernán Gómez

  • Un espectáculo de música y títeres para toda la familia. A partir de las obras musicales Preludio a la siesta de un fauno de Claude Debussy y El carnaval de los animales de Camile Saint-Saëns.
  • Un concierto invadido por el humor y la poesía, por animales que surgen de la música y por once músicos que interpretan piezas envueltas por la fantasía… 17 intérpretes en escena: 11 músicos, 6 titiriteros.
  La compañía Etcétera (Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2014) fue fundada en 1981 por Enrique Lanz y Fabiola Garrido. La  excelencia y versatilidad de su trabajo la han convertido en un referente del teatro contemporáneo español. Su obra es sinónimo de rigor y vanguardia. Su principal recurso escénico son los objetos animados, los títeres. SOÑANDO EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES incluye escenas mágicas, la aparición de un cortejo de animales-títeres y músicos espectaculares; peces y mares fascinantes, un dinosaurio con corbata, el elefante guasón, un cisne bailarín… Once músicos interpretan quince piezas musicales envueltas por la fantasía.   SINOPSIS El espectáculo comienza desvelando ante el público “el ritual” previo a un concierto. Los once músicos llegan con sus abrigos, bolsos y desde el patio de butacas acceden al escenario. Ante la mirada de los espectadores arman sus instrumentos, afinan, calientan, charlan… A partir de esas acciones cotidianas se pasa poco a poco a lo irreal: la irrupción en escena de una criatura fantástica, el fauno. Se trata de un fauno bebé que en su siesta soñará con animales de todo tipo. Imaginemos el sueño de un fauno, que sueña con animales de África, de Asia, de Australia, nadadores, voladores, grandes, pequeños, lentos, veloces, prehistóricos, de granja y hasta de orquesta. Que sueña con música, con música que nos hará soñar. Imaginemos una orquesta, y un concierto y soñemos con C. Debussy y C. Saint-Saëns. Nos encontraremos con la realidad, un concierto invadido por el humor y la poesía, por animales que surgen de la música y por once músicos haciendo el animal, interpretando quince piezas musicales envueltas por la fantasía. Un encadenamiento de sorpresas sin más lógica que la de los sueños, sin más argumento que la propia música, un montón de animales sin más. Soñemos despiertos inmersos en un ambiente mágico. Imaginemos… ¡Qué carnaval! Enrique Lanz   FICHA A partir de las obras musicales Preludio a la siesta de un fauno, de Claude Debussy,  y El carnaval de los animales, de Camille Saint-Saëns Dramaturgia, escenografía, títeres y puesta en escena: Enrique Lanz Iluminación: María Doménech (A.I.I.) Coordinación musical: Bernat Bofarull e Igor Cortadellas Asesor musical: Oriol Algueró Realización de títeres, escenografía y vídeos: Etcétera Orquesta: Murtra Ensamble Coproducción: Etcétera y el Gran Teatre del Liceu, con la colaboración de la Junta de Andalucía Compañía: Etcétera y Orquesta Murtra Ensamble Fechas y horarios: Del 19 de diciembre de 2014 al 4 de enero de 2015 Viernes 19: 19:30 horas Sábado 20, domingo 21, Martes 23, Jueves 25, viernes 26, Lunes 29, Martes 30: 17:30 y 19:30 horas Lunes 22: 17:30 horas Sábado 27: 12:00 horas – 17:30 horas y 19:30 horas Domingo 28: 11:00 horas – 13:00 horas – 17:30 horas y 19.30 horas HORARIOS ENERO Jueves 1, viernes 2: 17:30 y 19:30 horas Sábado 3, domingo 4: 12:00 horas – 17:30 horas y 19:30 horas Los días 24 y 31 de diciembre no hay función.                   TEATRO FERNÁN GÓMEZ DESCARGAR DOSSIER SOÑANDO EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES Twitter: TiteresEtcetera  
Soñando el carnaval de los animales 1:47 from Enrique Lanz on Vimeo.  
[button style="1" caption="+ INFO." link="http://titeresetcetera.com/espectaculos/el-carnaval-de-los-animales"][/button] [button style="1" caption="COMPRAR ENTRADA" link="https://www.ticketea.com/entradas-sonando-carnaval-animales/#a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a"][/button]  

TEATRO DEL CANAL 

 
  • Entre el 10 y el 22 de febrero de 2015 tendremos el privilegio de recibir al gran Federico Luppi en EL REPORTAJE DE SANTIAGO VARELA, un monólogo crítico cargado de sentido del humor que nos habla de un hecho histórico y que lamentablemente nos suena muy actual.
  El decano de la escena argentina, Federico Luppi, encarna a un general de la dictadura militar implicado en el incendio del teatro El Picadero en 1981. Un monólogo que nos muestra cómo funciona el pensamiento autoritario. El de entonces y el de siempre. El reportaje, de Santiago Varela, nos acerca al momento de preparación de una entrevista televisiva a un ex general de la Nación Argentina, que debe realizarse en la cárcel donde cumple condena por haber participado en la brutal dictadura genocida que asoló Argentina a partir de 1976. El interés del programa radica en el hecho que este militar cuente cómo participó en actividades de censura en el ámbito cultural y, más concretamente, en el incendio del teatro El Picadero de Buenos Aires, que se incendió una noche a finales de julio de 1981. En este teatro, un grupo de autores, directores, escenógrafos y técnicos acababa de estrenar un ciclo de piezas, de media hora cada una, que se hacían en series de tres todos los días de la semana, hasta un total de veintiuna piezas. El ciclo se denominó TEATRO ABIERTO y años después acabó siendo un icono de la resistencia cultural durante la dictadura. En homenaje a este ciclo, la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación organizó, en 2013, el concurso de dramaturgia Nuestro Teatro. Las obras ganadoras, agrupadas también de tres en tres, se programaron durante seis meses en el nuevo El Picadero, inaugurado en el año 2012, con el mismo espíritu de libertad creativa que Teatro Abierto. El reportaje acompañaba Padre e hijo, contemplando la sombra de un día, de Luis Gabriel Cano y El cruce, farsa sindicalista, de Fabricio Rotella. Lo que El reportaje permite desde la ficción es acceder al pensamiento autoritario de aquella y de todas las épocas.   FICHA Dirección: Hugo Urquijo Ayudante de dirección Julieta Turco Director técnico Alberto López Sierra Escenografía y vestuario: Valeria Cook Reparto: Federico Luppi Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas Producción Ciclo Nuestro Teatro organizado por el Plan Nacional Igualdad Cultural del Ministerio de Planificación Federal, Inversión Pública y Servicios y la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación (Argentina) Fechas y horarios: Entre el 10 y el 22 de febrero de 2015 De miércoles a Sábado a las 22h. Domingos a las 18h.   TEATROS DEL CANAL
El Reportaje - Clip from PTCTeatro on Vimeo.
   

 TEATRO LARA 

 

Una divertida sátira social sobre cómo el culto a la belleza y la búsqueda del éxito puede llegar a arrastrarnos a la locura.

Sábados a las 21.15 y Domingos a las 19.00

Tras su estreno en FringeMadrid 2013 (Matadero) y pasar las navidades haciendo temporada en el Teatro del Arte con excelentes críticas, EL FEO obra del dramaturgo alemán Marius von Mayenburg en un montaje dirigido por Paco Montés, vuelve al centro de Madrid para afianzarse en el TEATRO LARA. Llegó el 5 de agosto sin hacer ruido al hall del Lara. Tras su paso por el Matadero y el Teatro del Arte, tuvieron cuatro únicas funciones en agosto. Y con todas las entradas agotadas días antes de cada función, 'El Feo' se hace grande entre la gran variedad de ofertas que ofrece el Teatro Lara. Y el público quiere más. Porque 'El Feo' es uno de los mejores planes para verano, otoño, invierno y primavera. No podemos hablar de una revelación, si no de la consagración de una gran obra que prorroga su estancia en el Lara hasta 28 de DICIEMBRE.  

 

SINOPSIS

Lette acaba de descubrir el gran invento de su vida: un conector eléctrico que promete revolucionar la industria. Con mucho entusiasmo empieza a preparar su presentación para un prestigioso congreso, sin saber que será su asistente el encargado de exhibir el objeto de promoción. Cuando le pide explicaciones a su jefe, este le da una contestación contundente; “La verdad es que su cara no vende”. Así, Lette se entera de que en realidad es un tipo bastante feo y decide operarse, para que, entre otras cosas, su mujer sea capaz de mirarlo a la cara. Una disparatada comedia sobre la consecución del éxito y el culto a la belleza, que arrastrará a sus personajes hacia la locura en el Teatro Lara. "Déjense conmover por esas facciones" - "El feo", dirigido por Paco Montes con Fran Calvo, Silvia Marty, Óscar de la fuente, Mario Tardón. "No existe un rostro más perfecto".  

 

FICHA

Autor: Marius von Mayenburg Dirección: Paco Montes Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello Iluminación: David Elcano y Raúl Alonso Ayudante de Dirección: María Gómez Fotografía: Fer Padilla y Sandra Munuera Comunicación: Saray Neila Reparto: Fran Calvo, Silvia Marty, Óscar de la fuente, Mario Tardón. coproducida por D-Lumen Theater y Draft.inn FECHAS Y HORARIOS:  En DICIEMBRE Sábados a las 21.15 y Domingos a las 19  en el TEATRO LARA Facebook: ElFeoObraTeatral Twitter: El_Feo13 Web: elfeo  
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PLOT POINT

 

ARTESPACIO PLOT POINT presenta

CÁLLATE Y BÉSAME

Texto y dirección: Carlos De Matteis

Viernes a las 22:30h.

  Cállate y Bésame es una divertida comedia libre y sin etiquetas, representada y cantada a golpe de bolero. El espectáculo se adentra en la intimidad de una pareja de chicas, mostrando los diferentes ángulos que existen en una relación: la convivencia, la fidelidad, el perdón, la mentira, la verdad y, sobre todo, el amor. Una obra irreverente y atrevida, no apta para mentes cerradas y homófobas. Y tú, ¿te atreves?    

SINOPSIS

En un momento donde aún existen pensamientos arcaicos que cuestionan el amor entre personas del mismo sexo, es hora de dar otro paso adelante hacia la normalización, con una pieza teatral donde el conflicto no reside en la homosexualidad, sino en la relación cotidiana, entregada y profunda entre dos mujeres. Escrita y dirigida por Carlos De Matteis, autor de otras obras de éxito como “Mi madre, Serrat y yo”, “Diosas, divinas y peligrosas” o “¿Y si Dios fuera mujer?”, es su segunda comedia gay-friendly, tras “La Vida es Bell@”. “Cállate y Bésame” ahonda en el amor, en los enredos de las relaciones de pareja y en la fidelidad. Pero, ¿cuántas maneras hay de ser infiel? ¿Existe un manual para ser el perfecto amante? En esencia, una comedia romántica, repleta de momentos cómicos y situaciones hilarantes que arrancarán una carcajada a todo el patio de butacas…  

FICHA

Texto y dirección: Carlos De Matteis Elenco: Verónica Pérez y Cristina Esteban Compañía: Plot Point Producción y Vestuario: Marina Skell Escenografía: Noelia Gaztelumendi Diseño de luces: Carlos De Matteis Técnico:  Sergio De Pablo Diseño Gráfico: Tomás De Matteis Fechas y horarios:  Viernes a las 22:30h. en   ARTESPACIO PLOT POINT   [button link="http://bit.ly/2dehuqY" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  
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TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA 

 

EL COMBATE se estrena en el TEATRO ARLEQUÍN en el mes de DICIEMBRE TRAS CUATRO SEMANAS DE LLENO EN LA SALA USINA

La obra de Joaquín Molina se representará en el céntrico teatro madrileño los días 4, 11, 18, 22 y 29 de diciembre

 

Tras cuatro semanas llenando la Sala Usina, “El Combate” llega a la Gran Vía, estrenándose en el Teatro Arlequín el próximo 4 diciembre. Esta novedosa propuesta es obra de Joaquín Molina, quien además protagoniza la pieza y la dirige junto a Jonatan González. En el elenco, además de Molina, encontramos a Jorge Gomes, Beatriz Morandeiras, Ángel Sierra, Lucía Moro, Alba Prado y Patricia Barbosa.

En “El Combate”, dos expertos en las artes marciales mixtas, llegan invictos al ocaso de su carrera y se enfrentan para determinar cuál es el mejor luchador de todos los tiempos. Pero a medida que transcurre El Combate, golpe a golpe, van descubriendo un mundo distinto en su interior, se van descubriendo a sí mismos, hasta el punto de plantearse si realmente merece la pena ser el mejor. Tras un inicio en el que la comedia y la sátira son las protagonistas de la escena, van sucediéndose una serie de giros que llevan al espectador a un mensaje mucho más profundo, en el que se plantean temas como el sentido de la vida, la dualidad de las personas, el amor, las relaciones personales,… El autor y director de la obra, Joaquín Molina, explica que el objetivo de la obra no es otro que: “Mostrar que nuestro verdadero enemigo somos nosotros mismos, es  nuestro miedo el que nos impide lograr nuestras metas, son nuestros errores los que alimentan nuestra experiencia, es nuestro orgullo el que inevitablemente nos aleja de aquellos a quienes amamos, que el tiempo es el regalo más preciado que puedes darle a alguien, ya que es lo único que no se recupera jamás”.  

SINOPSIS

Dos  expertos  en  las  artes  marciales  mixtas,  se  enfrentarán  por  primera  vez  para  determinar  cuál  es  el  mejor  luchador  de  todos  los  tiempos. A   medida   que   transcurre  EL  COMBATE,   empiezan   a   preguntarse   hasta  donde   están   dispuestos   a   llegar,   que   están   dispuestos   a   sacrificar,   que  sucede   cuándo   la   luz   que   nos   ilumina   no   consigue   mitigar   las   sombras  que   nos   anidan,   cuándo   descubrimos   que   poseemos   tanto   bien,   como  mal   dentro   de   nuestro   ser,   cuándo   aceptamos   que   debemos   vivir  nuestra  vida  y  saber  que  ello  tendrá  consecuencias  

FICHA

TÍTULO ORIGINAL: “El Combate” AUTOR: Joaquín Molina. DIRECCIÓN: Joaquín Molina y Jonatan González. INTERPRETACIÓN: Ángel Sierra, Jorge Gomes, Joaquín Molina, Alba Prado, Beatriz Morandeira, Lucia Moro y Patricia Barbosa. ESCENOGRAFÍA: Joaquín Molina. VIDEO CREACIÓN: George Karja. CARTEL: Marius Cirja. FOTOGRAFÍA: Marius Cirja y Khaled Ahmed. PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Joaquín Molina. PRENSA: Patricia Barbosa Fechas y horarios: Jueves 4, 11 y 18 de diciembre a las 20:30 horas. 22 y 29 de diciembre a las 20:00 horas Twitter: combate_el  
 
#Cerda la creación de nuestro amigo Juan Mairena, que ha revolucionado el final de la pasada temporada y que promete hacer lo propio en este año. ¡Esta vez no hay que perdérsela! Cerda, cuando el humor inteligente es capaz de profundizar en el contenido La intriga en el convento del Santo Membrillo Cerda El elenco al completo, tras una función de la obra de Juan Mairena en La Casa de la Portera. Foto: Julio Castro. Julio Castro - laRepúblicaCultural.es Mientras un personaje se mueve en el realismo profundo y filosófico, el otro es puro surrealismo y trata la religión como una ficción, pese a la indumentaria que lleva y el lugar en el que estamos: es una monja y nos encontramos en su convento. Pero aquí se adoran otras cosas, y hay lugar para todo. Lo mismo da seguir los pasos hacia el Santo Membrillo a través de sus pasos santos, que adorar a Madonna como una virgen aparecida (o sea, “like a virgin”). Pero Cecilia (Inma Cuevas) es diferente… cada cual es diferente en este convento, pero Cecilia es diferente, porque se le mezcla todo y a ella le “encanta la pasión, ¡soy muy Pasionaria!”, dice sin dudar. Y es que comparte sus inquietudes con su amiga la hermana Bette (Soledad Rosales) y con Cosetta (D. Aramburu), que también es muy diferente. Todo ello, bajo la severa mirada de Sor Leona (Dolly), madre superiora de este convento, que las acogió a cada una y las adoptó. El montaje de Juan Mairena que se estrenó en La Casa de la Portera se disfraza de absurda comedia, mientras en su trasfondo discurre mucho más que un argumento y, desde luego, mucho más que unas risas (que no pararán hasta el final, eso sí). En un texto cuidado, armado y perfectamente entramado, las historias de sus personajes acuden a todo lo que pueden recurrir, desde grandes clásicos del cine, hasta la línea de los almodóvares, sin interrumpirse ni dar lugar a pensar cómo llegamos hasta cada momento en las situaciones que se crean. Así que, Bette fue bautizada así, porque Sor Leona es “fans absoluta” de Bette Davis, pero no habrá problema en encontrar en varias ocasiones fragmentos de Blade Runner (por cierto, este en varias ocasiones), citas versionadas de Shakespeare, o referencias a Madonna, Angelo Branduardi. Aquí caben hasta las elecciones y la situación laboral (“¡Hazme un ERE y te voto!”). No se trata de citas y más citas, sino fragmentos entreverados que bombardean el recuerdo y la imaginación si los conoces, pero que están perfectamente integrados en el texto, evitando la comedia facilona. Todo cambia en la vida del convento cuando llega Sabrina (María Velesar), para entrevistarse con la superiora a fin de conseguir un puesto de trabajo. Bueno, también concurren otros cambios profundos que ya se verán. Entre tanto, Bette afirma contenta “¡hoy me siento más joven y republicana!”: será que algo está cambiando. A partir de cierto momento, Juan Mairena, en cuanto te descuidas y entre broma y absurdo, introduce una poética surrealista que se encontraba al borde de todo el texto previo, y que casi siempre alivia con broma o con tragedia… y misterio. Porque aunque parezca que no se puede ir a más, la intriga también forma parte de su argumento ¿a qué ha venido Sabrina a este convento? Ambas cuestiones, esa y quién es la Cerda que da título a la obra, son asuntos que no llegarán hasta el final. Pero entre tanto, la profundidad recorre con su realismo los textos “el problema es que no somos libres para elegir quiénes queremos ser, y no quienes quieren que seamos”. Esta máxima será algo común para cada personaje en esta historia, aunque “una hermana es una hermana, y una cerda… pues eso, una cerda”. Por algún motivo me esperaba un montaje mucho más intimista e introspectivo, algo más serio (dentro de ciertos parámetros) y ajustado a otros cánones. Pero no hay nada como dejarse sorprender con trabajos como éste, en el que el equilibrio entre el humor y el contenido de un texto, está a la par con el trabajo artístico en lo actoral y en la dirección. Finalmente, no sabrás si su referente se encuentra más próximo a la cripta embrujada de Eduardo Mendoza, o a las tinieblas de Almodóvar, porque nuestro autor-director, tiene lenguaje y estilo lo suficientemente trabajado como para reclamarlos como propios. Otra propuesta para no perderse, porque seguro que durará mucho tiempo.   - Crítica de Miguel P. Valiente :::::::::::::::::::::::::::::::::::::::
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