Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

[highlight_red] •TEATRO LARA[/highlight_red]

 
  • Estrenada en el teatro Kubik Fabrik en noviembre de 2014. En MAYO llega al Teatro Lara donde podrá verse los LUNES a las 20h.
  ALGO EN EL AIRE es una obra de David Harrover, dirigida por Pilar Massa y protagonizada por José Vicente Moirón y Pilar Massa. Una producción de CARALLADA SHOW (productora de Javier Gutiérrez) y PREM TEATRO.   SINOPSIS Una maravillosa acumulación de intrigantes detalles cotidianos. Athol instala suelos en Glasgow, Morna limpia casas en Edimburgo. Él sobrio, ella salvaje. Él de simple MINDS, ella de U2. Él mezcla en su interior la disculpa y la ira, parece querer decir: ¡no me presten atención! y el mismo se siente mal por sentirse así. Ella, aún conserva vestigios de antigua rockera, parece querer decir: ìquiéreme o déjame!. Ellos describen a sus parientes, sus trabajos, sus gustos y disgustos, lo que divide y conecta a las personas dentro de las familias, barrios o pueblos. Un retrato pequeño y poderoso de la difícil conexión, a pesar de la sangre, casi como un milagro. La obra no tiene un tono sensacionalista, sin embargo, te atrapa, se clava, es sencilla e inmensa.   FICHA Autor: DAVID HARROWER Intérpretes: JOSÉ VICENTE MOIRÓN y PILAR MASSA Dirección: PILAR MASSA Traducción y Versión: LUCY COLLIN Escenografía y Vestuario: RAFAEL GARRIGÓS Iluminación: PACO ARIZA Sonido: ADRIÁN VALIENTE Compañía: CARALLADA SHOW y PREM TEATRO Fechas y horarios:  04 may 2015 - 29 junio 2015 Todos los lunes a las 20:00 desde el 4 de mayo.  TEATRO LARA  
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TEATRO VALLE-INCLÁN 

 

Trilogía de la ceguera: “La intrusa”, “Interior” y “Los ciegos” de Maurice Maeterlinck Del 22 de abril al 24 de mayo.

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  El Centro Dramático Nacional pone en escena tres obras que sumergen al público en el espectáculo y le plantean preguntas radicales sobre la condición humana y su sentido. El suspense es el elemento que domina las tres obras de Maurice Maeterlinck fusionadas en este montaje bajo el título TRILOGÍA DE LA CEGUERA. La intrusa, El Interior y Los ciegos también tienen en común el contenido y las temáticas que abordan. Temas como la soledad, la negación de la muerte o la pérdida de identidad están presentes en todo momento a lo largo de las mismas. Un discurso teatral que anticipa la esencia del gran cine de suspense y del terror contemporáneo.  
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  Maeterlinck es un autor clave en el desarrollo de la literatura dramática europea contemporánea. No sólo es de vital importancia para nutrir el imaginario de nombres tan decisivos de la escena como Stanislavski o Meyerhold, sino que además su valía literaria lo hace ganador del Premio Nobel de Literatura en 1911. El uso de la poesía y el símbolo como elementos, no sólo literarios, sino articuladores del discurso teatral, encuentran su profunda raíz en este belga nacido en Gante, que se comunica con nosotros desde el silencio y la soledad de una pequeña ciudad anclada en el tiempo, para hablarnos sobre la angustia del hombre contemporáneo: el miedo a lo desconocido, la negación de la muerte y los peligros de silenciar aquello que nos conecta con el misterio y el abismo y que es, paradójicamente, lo que realmente nos hace humanos. En estas tres obras que proponemos (La intrusa, Interior y Los ciegos), hay un elemento dramatúrgico fundamental que las dota de un poder hipnótico para el espectador, llevándole a estar involucrado de principio a fin con lo que sucede, y que está íntimamente conectado con emociones profundas. Es el suspense. Y si a ese recurso dramatúrgico, del que se hiciera maestro Hitchcock, le sumamos que el contenido y las temáticas de estas tres piezas atraviesan los miedos y terrores básicos del hombre contemporáneo (la muerte, la soledad, la pérdida de la identidad y el sentido vital, lo sobrenatural, lo insondable e inenarrable, lo desconocido, la locura y la otredad), lo que Maeterlinck consigue son tres bombas de relojería. No es de extrañar, entonces, que el suspense sea uno de los géneros favoritos del gran público, sobre todo a través del cine, medio que ha cultivado y favorecido este género, consciente de su gran capacidad de sugestionar y emocionar al público. Y aquí proponemos un espectáculo con tres textos que no sólo poseen esa capacidad de sumergir al público en el espectáculo, sino que plantean preguntas radicales sobre la condición humana y su sentido. Maeterlinck anticipa la esencia del gran cine de suspense y terror contemporáneo, y nos ofrece un teatro de evocación y resonancias, sugerencias y sensaciones, que apela y dialoga directamente con las pulsiones irracionales e inconscientes del espectador. Un viaje emocional a través de los miedos más humanos.
Vanessa Martínez, Antonio C. Guijosa y Raúl Fuertes
 
[caption id="attachment_11846" align="aligncenter" width="561"]TRILOGÍA DE LA CEGUERA - ©marcosGpunto TRILOGÍA DE LA CEGUERA - ©marcosGpunto[/caption]    

LA INTRUSA Versión y dirección: Vanessa Martínez  

Reparto La familia de una mujer enferma: SU CUÑADA    Lucía Barrado SU HIJA MENOR    Lucía Fuengallego SU MARIDO    Pablo Huetos SU MADRE    Celia Nadal LA CRIADA    Verónica Ronda SU HERMANO    Pedro Santos SU CUÑADO    Carlos Silveira SU HIJA MAYOR    Gemma Solé  
La intrusa fue escrita en 1890. Se considera una joya del teatro simbolista. Un grupo de familiares esperan juntos la muerte inminente de una mujer que acaba de dar a luz. El abuelo que es ciego empieza a sentir la presencia de alguien, primero en el jardín y luego dentro de la casa. Esta sensación se va acercando a ellos hasta que se produce la muerte de la mujer. Los efectos sonoros en esta obra adquieren gran importancia.
  La Intrusa es un psicothriller simbolista; es la historia de una familia degenerada por su endogamia, compuesta de espectros, ausencias y personajes desconcertantes. Todos esperan, no saben muy bien a quién. Todos tienen razones ocultas para no querer estar allí y, sin embargo, no pueden evitar estar. Todos ocupan una casa que no sabemos a quién pertenece. Todos son presa de una situación que nadie, salvo la abuela y los niños, llega a descifrar, quizá porque, como decía Maeterlinck, el mundo espiritual es más accesible para los viejos y para los niños, ya que ellos son los más cercanos a la muerte. Todo sucede en el silencio, en la trágica cotidianidad. Todo transcurre bajo tierra, entre los diálogos sin salida que separan a los interlocutores en vez de relacionarlos. Esta saga truncada, que nada entre el absurdo becketiano y la muda violencia pinteriana, será la protagonista de la primera de las tres obras de nuestra trilogía. La  Intrusa constituye uno de los textos pilares del simbolismo nórdico. En España alcanzó un gran éxito a principio del siglo XX gracias a  Valle Inclán, que fue traductor y admirador declarado de Maeterlinck. Vanessa Martínez  

INTERIOR Versión y dirección: Antonio C. Guijosa

Reparto CORO        Lucía Barrado EL FORASTERO    Quique Fernández MARÍA        Lucía Fuengallego CORO        Pablo Huetos El VIEJO        José Vicente Moirón CORO        Celia Nadal LA JOVEN    Verónica Ronda CORO        Pedro Santos CORO        Carlos Silveira MARTA        Gemma Solé  
Interior escrita en 1894. La hija de una familia ha ido a visitar a su abuela. Su verdadera intención era quitarse la vida tirándose al río. Los padres están tranquilos en su casa ya que no esperan a la muchacha hasta la mañana siguiente. Dos hombres, uno de ellos anciano, llegan a la casa con el cuerpo inerte de la joven. Desde el exterior observan la placidez de la familia ignorante de la tragedia. El diálogo se establece solo entre estos personajes fuera de la casa; en el interior permanecen mudos.
  Dos desconocidos se acercan a una casa para anunciar una muerte. Sin embargo, al mirar por las ventanas la felicidad de quienes viven en ella quedan paralizados, sin atreverse a dar la noticia. Éste es el planteamiento de Interior, la segunda pieza de esta trilogía que hemos aunado en el espectáculo. Maeterlinck escribe una función intrigante y perturbadora, escribe una función sobre una mirada, sobre un tipo de mirada. Los personajes que miran, al conocer una realidad que los personajes observados ignoran, perciben el mundo de una manera distinta, completamente nueva. Lo que observan les resulta de repente extraño, ligeramente borroso, casi irreal. Y ya no quieren hacer lo que han venido a hacer. La pieza es tan abierta que admite muchas posibilidades. Yo he querido centrar el montaje en los personajes que miran, en esos personajes que permanecen fuera sabiendo que más tarde o más temprano tengan que dar la noticia. Saben que es inevitable, pero hasta que llegue ese momento observan y esperan. ¿Qué hay en esa espera? Hay miedo, por supuesto. Hay también rabia, y tristeza. Hay compasión por quienes van a sufrir. Y hay también un cierto orgullo, una elección consciente de aguantar de la mejor manera posible el tiempo que tenemos antes de enfrentarnos a la desgracia, o a lo inevitable. Gente que mira sin hacer nada. Pero que representan maneras muy diferentes de enfrentarse a la muerte, y a todo lo lamentable de la vida. El reto desde la dirección es conseguir que vivamos esa especie de foto fija como un viaje, que sintamos con los personajes esa paleta de emociones diferentes con la que viven la desaparición de la felicidad que observan. Y contagiar esa mirada. Antonio C. Guijosa  

LOS CIEGOS Dirección y dramaturgia: Raúl Fuertes

Reparto CIEGA 3        Lucía Barrado CIEGO 5        Quique Fernández CIEGA 2       Lucía Fuengallego CIEGO 3           Pablo Huetos CIEGO 4       José Vicente Moirón CIEGA 1        Celia Nadal CIEGO 2        Pedro Santos CIEGO 1         Carlos Silveira CIEGA 4        Gemma Solé  
Los ciegos fue escrita en 1890. Doce personajes ciegos esperan en un bosque en medio de la noche la llegada de un sacerdote que debe recogerlos para llevarlos de nuevo a su residencia. Ellos no lo ven, pero el sacerdote yace muerto cerca del grupo. Esperan inútilmente y el diálogo entre los personajes son solo preguntas acerca de la situación en la que se encuentran. Es inevitable reconocer un cierto parecido con la obra de Samuel Beckett Esperando a Godot.
  Tristemente, “Los Ciegos” es una función que está demasiado conectada con la realidad que vivimos actualmente: varios personajes ciegos, perdidos y solos en un bosque, abandonados por su guía, esperan a que éste regrese, incapaces de saber qué hacer ni a dónde ir, incapaces siquiera de darse cuenta y valorar la amenaza que les cierne hasta que es demasiado tarde. Para mi es, por tanto, una metáfora clara y desoladora de nuestra sociedad contemporánea, una radiografía de la profunda crisis espiritual y ética que padecemos en nuestra irónicamente llamada “sociedad del bienestar”, donde realmente no vivimos, sino que “sobrevivimos”, en esta deriva ideológica y moral que es nuestro país y Europa: la pérdida de sentido vital, la soledad y falta de comunicación interpersonal en la era de internet, la corrupción, la apatía social, la pérdida de valores y derechos del ciudadano, las tensiones y ansiedades que todo ello nos genera, no son sino los restos de un naufragio anunciado y que jamás quisimos ver. Ahora ya no nos queda más remedio, después del dolor al quitarnos las vendas, pero seguimos igual de ciegos, perdidos, desamparados, sin guía, a la deriva, en un permanente “sálvese quien pueda”, intentando desesperadamente encontrar respuestas a preguntas que todavía ni siquiera hemos formulado. Personalmente, siempre intento que la lectura que hago de cada función que dirijo, llegue escénicamente de la forma más emocionante, honesta y contundente al espectador. Esto me ha llevado en este caso a unas decisiones de dirección que intentarán que el espectador comparta el viaje y el devenir de “Los Ciegos”, un viaje terrible pero también espero que conmovedor y purificador, por la condición catártica que tendrá el montaje. Raúl Fuertes     FICHA Autor: Maurice Maeterlinck Dirección: La intrusa, Vanessa Martínez | Interior, Antonio C. Guijosa | Los ciegos , Raúl Fuertes Traducción:  Ana Rodríguez Partearroyo Escenografía: Mónica Teijeiro Vestuario: Ana López Cobos Iluminación: Daniel Checa Diseño de sonido: Mariano García Música: Daniel Centeno Cartel: Isidro Ferrer Fotos: marcosGpunto Reparto: Lucía Barrado, Quique Fernández, Lucía Fuengallego, Pablo Huetos, José Vicente Moirón, Celia Nadal, Verónica Ronda, Pedro Santos, Carlos Silveira, Gemma Solé Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: del 22 de abril al 24 de mayo martes a sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas.  TEATRO VALLE-INCLÁN › Encuentro con el público el 7 de mayo al finalizar la función. DESCARGAR DOSSIER
CUADERNO PEDAGÓGICO
 
 

TEATRO FÍGARO 

 

Miguel Ángel Calvo Buttini dirige a UNA PAREJA CUALQUIERA formada por Anita del Rey y por Iñaki Ardanaz. A partir del 11 de enero en el Teatro Fígaro.

  Estrenada el 14 de Noviembre de 2014 en Tudela (Navarra) ante 530 espectadores en el Teatro Gaztambide. Posteriormente realizaron una GIRA y ahora llegan al Teatro Fígaro.   QUIQUE se ha pegado un tiro. LEDICIA cuida del cuerpo inerte de su novio. Pero en cuestiones de parejas no todo es tan sencillo como aparenta ser. Así empieza esta comedia negra teatral protagonizada por por Iñaki Ardanaz y Anita del Rey, dirigida por M.A. Calvo Buttini, producida por Salto de Eje PC y Cronopia Films. La vida de una pareja descrita en clave de COMEDIA negra. Lo que parece ser no lo es, y lo que no parece ser, si que lo es, ¡la pareja misma!, aunque con una pequeña diferencia, nuestra pareja vuelve locos a los muertos, porque efectivamente, la historia transcurre mas allá de la muerte. Y es que, ¿quién no ha tenido otra oportunidad no importa dónde, cuándo y cómo?  

NOTA DEL AUTOR

El amor, las relaciones de pareja, forman parte de nuestras vidas, un tema universal, la explosión del inicio, la adrenalina que desprende, lo que nos decimos, la estabilidad, la rutina, las crisis, lo que nos decimos,  los amantes, las reconciliaciones, las rupturas, lo que nos decimos, en definitiva la vida misma, ¿quien no ha experimentado estas sensaciones? Es un reto tratar de contarlo. Un reto para intentar contar de manera diferente algo de lo que habla todo el mundo. Las historias me gusta llevarlas al límite en el terreno de la comedia, incluso al ridículo, al ridículo de lo que nos decimos y hacemos sin darnos cuenta, y al ridículo de nuestras discusiones, y ese límite era la muerte, y el después de la muerte, porque nuestra pareja pasa por las diferentes situaciones que suceden en toda pareja que se precie , y vuelve locos a los vivos y a los muertos. Por ello, la escenografía, música, luz, vestuario va en esta dirección, donde la historia transcurre a partir de un suicidio, y lo que parece no ser, ES, y lo que no, SI ES.  La vida, la muerte y el amor, se pueden tratar desde la comedia? Claro que sí. ¿Y cómo es la vida en la muerte? La imaginamos dividida en diferentes salas por donde va pasando nuestra pareja, todas iguales, blancas, muy rudimentarias, el mismo vestuario siempre, entrada a la sala por la derecha, salida por la izquierda, comportamientos que nos saquen del mundo real, salas numeradas, en positivo hacia delante, en negativo hacia atrás, el recuerdo, hacia delante perdiendo la memoria, hacia atrás recuperándola. Un solo mueble, aparte de la caja escenográfica, que pasa por diván, asiento, cama, y al igual que nuestra historia, el mueble también empieza y acaba en el mismo punto. Las salas representan los estados del amor, el inicio, la confusión, enamorarnos de los recuerdos sin conocernos, la explosión del amor, la explosión de la discusión con la rutina, la crisis, los amantes, la luz neutral remarcará muy ligeramente las acciones de las escenas y se centrará sobre todo en el diván, asiento, cama que está en el centro de la sala, y la música, un tema romántico, Moon river, en diferentes versiones acompañará a nuestra pareja. ¿Qué ocurrirá? A pesar de todo, el amor perdurará y el mundo , ¿qué mundo, dónde estamos? ¿Cómo hemos llegado hasta aquí? Se pregunta nuestra pareja. El mundo enloquecerá porque nuestra pareja no es una pareja cualquiera, O SI.
Miguel Ángel Calvo Buttini
 

UNA PAREJA CUALQUIERA en el Teatro Fígaro. Iñaki Ardanaz y Anita del Rey

 

FICHA

Autores: M. A Calvo Buttini y Álvaro Lión-Depetre Director: M. A Calvo Buttini Producción: Cronopia Films y Salto de Eje PC Producción ejecutiva: Maitena Muruzabal Escenografía: Tomás Muñoz Diseño de luces: Alfonso Segura Diseño de sonido: Manu Robles y José Luis Toral Diseño de vestuario: Aiora Ganuza Diseño gráfico: David Alegría Reparto: Anita del Rey, Iñaki Ardanaz , Xabi Olza y Iñigo De Lascoiti. Fechas y horarios: Lunes y Martes de enero de 2016 a las 20:30h. en el TEATRO FÍGARO Web: unaparejacualquiera Twitter: UParejCualquier
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UPC Clip from Miguel Angel Calvo Buttini on Vimeo.  

 

TEATRO FÍGARO

presenta

BURUNDANGA

de Jordi Galcerán

Del 20 de enero al 25 de junio de 2023

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TEATRO REAL

 

‘LA TRAVIATA’, DE GIUSEPPE VERDI

EN LA SEMANA DE LA ÓPERA DEL TEATRO REAL
  Entre los días 20 de abril y 9 de mayo el Teatro Real ofrecerá dieciséis funciones de La traviata, de Giuseppe Verdi  (1813-1901), coproducción del Teatro Real con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la Scottish Opera de Glasgow y la Welsh National Opera de Cardiff, teatros donde este montaje ya se ha presentado. La popular ópera verdiana volverá al Real, en esta ocasión con puesta en escena del reconocido director escocés David McVicar, escenografía y figurines de Tanya McCallin y dirección musical de Renato Palumbo, que estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los tres repartos que se alternarán en la interpretación de la ópera. El papel titular de La Traviata será asumido por las sopranos Ermonela Jaho, Irina Lungu y Venera Gimadieva. Completan el trío protagonista los tenores Francesco Demuro, Antonio Gandía y Teodor Ilincăi, en el papel de Alfredo Germont, y los barítonos Juan Jesús Rodríguez, Ángel Ódena, Leo Nucci, en el rol de Giorgio Germont. La Traviata será la estrella de las actividades de la Semana de la Ópera del Teatro Real, con la retransmisión en directo de la función del 8 de mayo en diferentes espacios de Madrid (museos, centros culturales, auditorios, plazas, etc.) y de otras ciudades españolas. La representación también podrá ser seguida en todo el mundo gratuitamente a través de Placo Digital coincidiendo con los Días Europeos de la Ópera y la Conferencia Internacional de Ópera Europa que traerá al Teatro Real a representantes de cerca de 150 teatros y festivales líricos procedentes de más de 40 países.   La traviata, ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Francisco María Piave basada en La dama de las camelias de Alejandro Dumas hijo. Estrenada en 1853 en el Teatro La Fenice di Venezia. Única ópera de Verdi cuya acción se desarrolla en su contemporaneidad, se convirtió, tras su inicial rechazo, en una de las obras más aplaudidas del compositor.   SINOPSIS DE LA ÓPERA   La acción de la ópera se sitúa en París a mediados del XIX, reflejando el ambiente del demi-monde frecuentado por la burguesía y la prostitución de lujo. Acto I   En el apartamento de Violetta Violetta Valéry, una conocida cortesana, da una fiesta para celebrar su recuperación de una grave enfermedad. Gastone, vizconde de Létorières presenta a Alfredo Germont a su joven y tímida amiga, y recuerda a Violetta que cada día se ha interesado por su salud. Halagada, Violetta revela que su protector, el barón Douphol, no ha mostrado la misma preocupación. El barón inmediatamente se siente celoso del nuevo invitado. Violetta, en medio de la fiesta, se siente repentinamente mal: su enfermedad reaparece. Alfredo se queda con ella y le confiesa su amor, largamente alimentado en secreto. Ella le responde que nunca ha conocido el amor, así que no puede corresponderle, pero le regala una camelia bajo la condición de que se la devuelva al marchitarse, o sea, al día siguiente. A solas ya, Violetta se siente muy conmovida por la declaración de amor de Alfredo, aunque tiene la certeza de que su destino es que viva brevemente y dedicada a la búsqueda del placer. La voz de Alfredo la persigue.   Acto II   Escena 1. Una casa cerca de París Han transcurrido tres meses y Violetta, muy enamorada de Alfredo, se ha instalado con él en la campiña, a las afueras de París. Para sobrevivir, Violetta ha empezado, en secreto, a vender sus pertenencias. Alfredo se entera a través de Annina, la doncella de Violetta, y se va a la ciudad a conseguir dinero para poderlas recuperar. Una visita inesperada se anuncia: Giorgio Germont, el padre de Alfredo. Acusa con acritud a Violetta de haber arruinado a su hijo. Insultada y triste, le muestra los resguardos de la venta de sus bienes. Aún así, él pretende que ella se sacrifique y abandone a su hijo, pues el escándalo de esta relación pone en peligro el respetable matrimonio de la hermana de Alfredo. Violetta, desconsolada, acepta tras un forcejeo verbal. Violetta escribe a Alfredo, quien le sorprende regresando antes de lo esperado. Angustiada, ella se ve obligada a despedirse de su amado, que no comprende su arrebato emocional. En la carta, Violetta le informa de que lo abandona para volver a su vida anterior y a su amante, el barón Douphol. Germont intenta consolar a Alfredo, pero éste se percata de una invitación a la fiesta de Flora, una vieja amiga, y, en su desesperación, se dirige a París decidido a encontrar a Violetta.   Escena 2. Apartamento de Flora en París Flora organiza la fiesta, mientras su amante cuenta que Violetta ha dejado a Alfredo y que en su lugar asistirá con el barón. De repente llega Alfredo, ignorando aparentemente a Violetta, quien acude del brazo del barón. Los invitados inician su partida de cartas, que se convierte en una hostil batalla entre Alfredo y el barón Douphol. Violetta pide a Alfredo que se quede para hablar con ella. Herido y enfadado, Alfredo la acusa. Desesperada, Violetta le miente y le dice que está enamorada del barón. Alfredo, furioso, llama a los invitados e intenta públicamente pagarle por sus servicios. Los invitados observan atónitos y Giorgio Germont llega a tiempo de ser testigo de la escena. El barón reta a Alfredo a un duelo. La brillante carrera de Violetta como cortesana ha llegado a su fin.     Acto III   Habitación de Violetta meses más tarde La tuberculosis se ha adueñado de Violetta, quien, abandonada por sus amigos y protectores, se siente moribunda. Con los alguaciles esperando en la puerta, cuenta solo con Annina y el doctor Grenvil, que la consuela como puede. Ella relee continuamente una carta de Giorgio Germont; Alfredo ha huido de Francia tras herir al barón en el duelo, pero su padre asegura a Violetta que Alfredo ya tiene conocimiento de su sacrificio y pronto regresará. Afuera, todo París celebra el Carnaval, y los cantos de la multitud se escuchan desde el apartamento de Violetta. De repente Annina la prepara para la llegada de Alfredo. Los amantes se abrazan, perdonándose mutuamente. Pero ni la alegría de volver a Alfredo puede salvarla. A las puertas de la muerte, ella le da un retrato suyo para que la recuerde. Lleno de remordimientos, Giorgio Germont llega para suplicar a Violetta su perdón. Ella muere.     FICHA   Director musical Renato Palumbo Director de escena David McVicar Directora de reposición Marie Lambert Escenógrafa y figurinista Tanya McCallin Iluminadora Jennifer Tipton Coreógrafo Andrew George Director del coro Andrés Máspero Asistente del director musical Ricardo Estrada Asistente de la directora de reposición Leo Castaldi Asistente de la figurinista John Liddell Asistente del coreógrafo Colm Seery Asistente del iluminador Nicolas Fischtel   Repartos Violetta Valéry (soprano) Ermonela Jaho (20, 23, 26, 29 de abril; 2, 5, 8 de mayo) Irina Lungu (21, 24, 30 de abril; 6, 9 de mayo) Venera Gimadieva (25, 28 de abril; 3, 7 de mayo) Alfredo Germont (tenor) Francesco Demuro (20, 23, 26, 29 de abril; 2, 5, 8 de mayo) Antonio Gandía (21, 24, 30 de abril; 6, 9 de mayo) Teodor Ilincai (25, 28 de abril; 3, 7 de mayo) Giorgio Germont (barítono) Juan Jesús Rodríguez (20, 23, 26, 29 de abril; 2, 5, 8 de mayo) Ángel Ódena (21, 24, 30 de abril; 6, 9 de mayo) Leo Nucci (25, 28 de abril; 3, 7 de mayo)   Flora Bervoix (mezzo soprano) Marifé Nogales Annina (soprano) Marta Ubieta Gastone, vizconde de Létorières (tenor) Albert Casals Dr. Grenvil (bajo) Fernando Radó Giuseppe, criado de Violetta (tenor) Alejandro González El marqués de Obigny (barítono) Damián del Castillo El barón de Duphol (barítono) César San Martín Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real   Bailarines Claudia Agüero, Meritxell Bonet, Rocío Chacón, María Comes, Daniel Corrales, Manuel Palazzo, Roger Molist, Juanjo Herrero, Mirko Corchia, Juan Leiba   Duración aproximada Primer acto: 30 min. Pausa: 20 min. Segundo acto: 1 hora y 5 minutos. Pausa: 20 min. Tercer acto: 32 min.   Fechas 20, 21, 23, 24, 25, 26, 28, 29, 30 de abril 2, 3, 5, 6, 7, 8, 9 de mayo de 2015 20.00 horas; domingos, 18.00 horas   Retransmisión
La función del día 8 de mayo podrá seguirse en directo, gratuitamente, a través de Palco Digital, así como desde la Plaza de Oriente, los museos del Prado y el Thyssen Bornemisza, el Centro de Arte Reina Sofía y otros organismos culturales de Madrid, así como desde diferentes espacios públicos, instituciones y teatros de toda España.
   
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TEATRO AZARTE

 

En septiembre regresa La Maratón de Nueva York a los escenarios madrileños.  

9, 16, 23 y 30 de septiembre a las 21h

Galardonada con el Premio del Jurado a “Mejor Espectáculo” en la X edición del Festival de Teatro Independiente (INDIFEST).

  LA MARATÓN DE NUEVA YORK es una obra del dramaturgo italiano Edoardo Erba, dirigida por Jorge MUÑOZ, protagonizada por Joaquin MOLLÀ y Chechu MOLTÓ. Estrenada en La Pensión de Las Pulgas, inició una gira por diversas ciudades de España, y tras pasar por Nave 73, y los Teatros Luchana, en septiembre llegan al Teatro Azarte.   Criadero de Morsas se encarga de la producción. Se trata del primer montaje de esta joven productora formada por Chechu Moltó y Joaquín Mollá.   Dos actores, calzados con unas deportivas y dispuestos a pasarse una hora literalmente corriendo (aunque sin moverse), reflexionan sobre por qué corren y sobre la vida. Ese es el original punto de partida de La Maratón de New York, la obra más famosa del dramaturgo italiano Edoardo Erba, traducida a 17 idiomas y publicada en siete países. El 4 de septiembre de 2010 se estrenó en Barcelona en La Villarroel. Puesta en escena en 1993, después de haber ganado el premio Candoni, fue representada a continuación en Londres, en Edimburgo, en Wellington (Nueva Zelanda), en Sidney y en Bombay (con traducción de Colin Teevan), en Boston-USA (con traducción de Israel Horowitz), en Budapest y en Roma.   Una comedia dramática que corre sola desde hace quince años y un desafío que vencen los dos protagonistas que corren durante todo lo que dura la pieza. Interpretar y correr en una carretera sembrada de enigmas con un sorprendente final.  En “La Maratón de Nueva York”, los actores no sólo se enfrentan a un público y al escenario, sino también al esfuerzo físico, que es todo un hándicap para hablar, por lo que el espectáculo es digno de ver, sin duda todo un reto a nivel interpretativo.  

SINOPSIS

Roberto y Mario quedan dos días por semana para entrenar. Su objetivo es ambicioso: correr la maratón de Nueva York. Roberto está dispuesto a hacer lo que sea necesario para correrla. Mario a veces ni siquiera se acuerda de la maratón. Pero Roberto y Mario quedan dos días por semana para entrenar. Y mientras corren, hablan de lo que ha pasado desde el último día que se vieron, de lo que opinan acerca de una u otra cosa, de las chicas, del tiempo… en fin, la vida misma. Dos amigos cualquiera en una situación cualquiera. Pero Roberto quiere correr la maratón. Mario a veces ni se acuerda. Y mientras hablan, Roberto intenta correr lo más rápido que puede, y Mario prefiere no ir tan deprisa. Y claro, también discuten, y se molestan, y se enfadan… Roberto quiere correr. Mario no tanto. Dos amigos cualquiera. En fin, la vida.  

FICHA

Autor: Edoardo Erba Dirección: Jorge MUÑOZ Traducción: Carles Fernández Giua Escenografía: Criadero de Morsas Fotografía: Moisés Fernández Acosta Diseño del cartel: Paola Ruiz Moltó Intérpretes: Joaquin MOLLÀ y Chechu MOLTÓ. Una producción de CRIADERO DE MORSAS Fechas y horarios: 9, 16, 23 y 30 de septiembre a las 21h en el TEATRO AZARTE [button link="http://bit.ly/2cL77sp" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more]
TEASER "LA MARATÓN DE NUEVA YORK" from Criadero de Morsas on Vimeo.   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO LARA

Benamate

presenta

FLUXUS

A partír del 20 de septiembre, martes a las 19.30h.

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TEATROS DEL CANAL 

   

Los Teatros del Canal presentan `La ópera de cuatro notas´, de Tom Johnson, recreada por Paco Mir.

 
  • La acción, en la que el humor extremo y el drama se dan la mano, transcurre en un Re, un La, un Mi y un Si
  • Compuesta en 1972, la obra rueda con éxito por el mundo desde hace más de 40 años
  • Cada director de escena tiene absoluta libertad de crear, ya que el libreto carece de acotaciones
  Los Teatros del Canal presentan La ópera de cuatro notas, de Tom Johnson, adaptada y dirigida por Paco Mir. Podrá verse en la Sala Verde de los Teatros del Canal del 8 al 19 de abril.   El compositor minimalista estadounidense Tom Johnson escribió en 1972 una pieza, La ópera de cuatro notas, que a pesar de su escueto formato en el estilo de la partitura y en el desarrollo del libreto, estaba llamada a convertirse en una obra grande. Más de cuarenta años rodando con éxito por el mundo dan fe de ello, y el público que entre el 8 y el 19 de abril esté de paso en Madrid, podrá acreditar de primera mano la “grandeza” de esta “pequeña joya musical”, como la define Paco Mir, responsable de la escena en esta nueva producción de los Teatros del Canal y Vania Productions.   Mir asegura que el título no engaña a nadie, ya que “está compuesto exactamente con cuatro notas hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas”. La acción, en la que el humor extremo y el drama se dan la mano, transcurre a lomos de un Re, un La, un Mi y un Si, y saca a la luz, en forma de sátira, la trastienda de la ópera; las pugnas, las contiendas, la relación entre los cantantes. La historia sucede en la zona de camerinos de un auditorio cualquiera, por la que los cantantes, dándose vida a sí mismos, merodean mientras ponen sobre la mesa sus propias mezquindades. La dirección musical será de Manuel Coves y el único instrumento, un piano tocado por el también cantante y compositor Javier Carmena. Éste acompañará a la soprano Ruth Iniesta, la mezzo Ana Cristina Marco, el tenor Francisco J. Sánchez, el barítono Axier Sánchez y el bajo Francisco Crespo. La escenografía es de Juan Sanz; el vestuario, de Ana Rodrigo, y la iluminación, de Miguel Ángel Camacho.   [caption id="attachment_11751" align="aligncenter" width="487"] LA ÓPERA DE CUATRO NOTAS - Tom Johnson y Paco Mir[/caption]   Paco Mir, que después de pisar escenarios de todo el mundo durante más de 35 años, de crear ocho obras con Tricicle, de ganar dos premios Max, de producir varias series de televisión, de crear campañas de publicidad y de adaptar y dirigir más de cuarenta obras de teatro, zarzuela y ópera, aún tiene la sensación “de estar en el  mundillo del espectáculo por casualidad”. Se vio frente a frente y casi por casualidad con La ópera de cuatro notas a principios de la pasada década; fue en París, en una función matinal del Théâtre de la Bastille. Desde entonces no hubo manera de quitársela de la cabeza. Ahora, transcurridos más de diez años desde que el propio Tom Johnson le vendiera personalmente el libreto en su domicilio parisino –el compositor es, además, su propio editor a través de la firma unipersonal Editions 75–, ha llegado la hora de poner en escena su personal visión de la obra.   Y lo hará tal y como indica el autor, con total libertad creativa: “Será mi propia versión –dice Mir–, porque el libreto está escrito sin acotaciones para que cada director de escena juegue con los cinco personajes que parodian las cinco voces de una ópera (soprano, mezzosoprano, tenor, barítono y bajo), observadas todas ellas por el atento metrónomo de un pianista que interpreta una partitura concebida originalmente para piano”.   Tom Johnson opina que "La puesta en escena de La ópera de cuatro notas es que cada director debería hacerla diferente. En parte absurda, en parte minimalista, en parte satírica y en parte comedia, la obra tiene muchas caras y puede ser representada de muchos modos." La traducción se ha hecho “con mucho cuidado para sacar el máximo provecho del original”. Autor y director se ponen de acuerdo a la hora de defender el humor dentro de la música clásica, que en palabras de Paco Mir está subestimado: “Lo dramático siempre está mejor valorado que lo cómico, cuando quien lo ha probado sabe de sobra que lo segundo es más complicado de hacer”. La ópera de cuatro notas es una obra minimalista, que dadas las circunstancias, bromea Mir, en esta ocasión será también “un poco MIRimalista”. Como viene ocurriendo con la mayoría de montajes teatrales de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, habrá funciones de teatro accesible de esta producción. Serán las de los días 11 y 12 de abril, garantizando la accesibilidad sensorial a través del servicio de subtitulado, el bucle magnético y la audio descripción del montaje.   [caption id="attachment_11752" align="aligncenter" width="538"] LA ÓPERA DE CUATRO NOTAS en los Teatros del Canal[/caption]     FICHA   Autor: Tom Johnson Dirección de escena y adaptación: Paco Mir Director musical: Manuel Coves Diseño de Producción: Carles Roca / Olalla Calvo Producción: Cristina Ward Asistente de Producción: Violeta Borrell Escenografía: Juan Sanz Vestuario: Ana Rodrigo Iluminación: Miguel Ángel Camacho Ayudante Dirección: Carmen Rosa Distribución : GG Producción y distribución escénica Reparto: Francisco Crespo, Ruth Iniesta, Ana Cristina Marco, Javier Carmena, Axier Sánchez, Francisco J. Sánchez Una producción de Vania Produccions y Teatros del Canal   Fechas y horarios: Del 8 al 19 de abril De miércoles a sábados 20:30h. Domingos 19h. Sala Verde de los TEATROS DEL CANAL  

MADRID, CAPITAL EUROPEA DE LA ÓPERA

 
El Teatro Real celebrará en mayo su Semana de la Ópera con atractivas propuestas para llevar el arte lírico a todos los rincones
 
  • El Teatro Real acogerá entre los días 6 y 8 de mayo a representantes de cerca de 150 teatros y festivales de ópera de todo el mundo, que se reúnen para la Conferencia Internacional de Ópera Europa, en la que participarán más de 40 países.
  • El tema central de este foro de debate será la utilización de las nuevas tecnologías como instrumento de difusión de la ópera, teniendo como proyecto estrella el lanzamiento, en el Teatro Real, de una plataforma de ópera online auspiciada por Ópera Europa.
  • Coincidiendo con los Días Europeos de la Ópera y la Conferencia Internacional, el Teatro Real organizará diferentes actividades que pretenden llevar la ópera a un público cada vez más amplio, participativo y diversificado.
  • La función de La Traviata del día 8 de mayo se ofrecerá en directo en diferentes espacios de Madrid y el día anterior, el 7 de mayo, varios centros de enseñanza de la Comunidad podrán seguir la retransmisión de El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla
  • Una jornada de puertas abiertas el sábado, 9 de mayo, pondrá fin a las actividades de la Semana de la Ópera.
    Entre el 6 y el 8 de mayo el Teatro Real acogerá a representantes de 150 teatros y festivales líricos procedentes de más de 40 países para la Conferencia Internacional de Ópera Europa, convirtiendo a Madrid en la capital europea de la ópera. La  Conferencia Internacional, que este año coincide con los Días Europeos de la Ópera tendrá como tema central la utilización de las nuevas tecnologías como instrumento para la difusión y promoción de la ópera. En este marco, tendrá lugar en el Teatro Real el lanzamiento de la nueva plataforma de ópera online tutelada por Ópera Europa, en la cual participarán, en la primera fase, 15 teatros. Con motivo de estas celebraciones el Teatro Real ha planificado una serie de iniciativas que conformarán la Semana de la Ópera en Madrid, vertebrada  principalmente por las nuevas tecnologías para la difusión de la música, en las que el Teatro Real se encuentra en una posición destacada gracias a su plataforma de retransmisión online Palco Digital, su  amplia política de producción audiovisual y la distribución internacional de sus producciones para televisiones y webs de todo el mundo. El centro de las acciones dirigidas al gran público será la retransmisión en directo, el 8 de mayo, de "La Traviata" en diferentes espacios de Madrid (centros culturales, auditorios, plazas, etc.) y a todo el mundo a través de la nueva plataforma de ópera online auspiciada por Ópera Europa, que iniciará en Madrid su andadura ofreciendo gratuitamente el más popular título verdiano.  También los más jóvenes podrán disfrutar de un espectáculo del Teatro Real sin salir de sus centros de enseñanza, ya que el día 7 de mayo varios colegios e institutos de Madrid se sumarán a la semana de la ópera, emitiendo en directo, en sus centros, "El retablo de Maese Pedro", de Manuel de Falla, que se anticipa a la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes. En la sala principal del Teatro Real estarán asistiendo al fantástico espectáculo de la Compañía Etcétera, además del público juvenil, también los representantes de los 150 teatros y festivales de ópera congregados en Madrid. Como colofón a la semana de la ópera en Madrid se celebrará una jornada de puertas abiertas el sábado 9 de mayo hasta las 15 horas para que el público pueda visitar gratuitamente los espacios más emblemáticos del Teatro Real.  

 SALA MIRADOR

Proyecto 43-2.

presenta

LA MIRADA DEL OTRO

Una mirada comprometida sobre el “conflicto vasco” que plantea el teatro como instrumento de diálogo y reflexión

07 May - 28 May

(más…)

NO SE PUEDE MIRAR

 

La Compañía Benamate presenta

NO SE PUEDE MIRAR

de Jesús Amate

Del 30 de agosto al 8 de noviembre de 2017 en el Teatro Lara

  NO SE PUEDE MIRAR (Historias de bolsillo) de la Compañía Benamate es un montaje formado por 4 historias escrita y dirigida por Jesús Amate. La obra protagonizada por Juan Carlos Alonso, Alfonso Gómez, Diego Lescano y Marika Pérez regresa el 30 de agosto al TEATRO LARA.   Espectáculo ganador del premio de teatro TALENT MADRID 2014. Fue la pieza final Limbo la que terminó conquistando al jurado.   NO SE PUEDE MIRAR es un espectáculo que con gran sentido del humor nos habla sobre personajes cotidianos en situaciones absurdas; o de personajes absurdos en situaciones cotidianas... o de lo absurdo de la vida.   El espectáculo se compone de tres historias (El imbécil, Homologada y Limbo) y un monólogo (El conferenciante), a caballo entre el teatro del absurdo y un estilo de carácter más brechtiano.  

SINOPSIS

El disparate, lo ilógico y la incoherencia se unen en las tramas ideologías y los actos de los personajes de estas breves historias. Composiciones que beben del teatro del absurdo facilitando una mirada interior, para vernos, sentirnos, vivirnos y, sobre todo, reírnos de nosotros, del otro, de aquello y de lo que nos rodea. Una reflexión vivenciada en el aquí y ahora que el espectáculo invita a experimentar. Un cuestionamiento del hombre y la sociedad en la que se inserta. Así que, permitámonos abrir nuestros sentidos a una nueva experiencia para encontrar un nuevo sentido a la vida, a la nuestra, o para encontrar que no hay sentido. ¡Todo sirve! Y qué más da si la vida es divertida...  

FICHA

Escrita y dirigida por: Jesús Amate Reparto: Juan Carlos Alonso, Alfonso Gómez, Diego Lescano y Marika Pérez Compañía: Benamate Fechas y horarios: Del 30 de agosto al 8 de noviembre de 2017 Miércoles a las 22:15h. TEATRO LARA   [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2verk53" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
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NAVES DEL ESPAÑOL

 

Lo último de FERNANDO ARRABAL llega a Las Naves del Español - Sala Fernando Arrabal PINGÜINAS. Del 23 de abril al 14 de junio.

 

Las P I N G Ü I N A S rinden homenaje a Cervantes

Las diez pingüinas rinden homenaje a Cervantes jugando a ser diosas y a veces consiguiéndolo. No pronuncian comentarios; ni análisis; ni lecciones críticas o universitarias. Planean con pantis a rayas.

Son mujeres echadas para adelante; de armas tomar, de rompe y rasga; excepcionales. Todas (salvo madre, abuela, y “esposa”) son solteras, aventureras, pecadoras, santas… capaces de querellarse con sus queridos de gala. Libres e inteligentes. El tipo de mujer enamorada al llegar y espeluznante al reivindicar.

Nos deslumbran tras iluminarnos. Como la gitanilla, como Marcela, como tantas imprescindibles de las "Novelas ejemplares" y del "Quijote". Si estas mujeres hubieran sido hombres, respetarían a la mujer que son.

Anhelan, también, morir de amor. La ilusión de alcanzar la trascendencia. La de soñar que vuelan, de saltito a saltito.

La ambición de la pingüina es la de ser tan especial que no logra parecerse a sí misma. Las pingüinas pueden arremeter como Cervantes. Presentes en la desesperanza como la sonrisa del gato de Cheshire. Para alcanzar su propia irrisión.

La esencia del "Quijote" fue la libertad;  más allá de la cordura  y de la locura. La libertad con Borges y Nabokov, como si los tres intentaran, como ciertas perdices, pasar detrás de la luna. La obra perdura entre transgresoras, bohemias y místicas. Con protagonistas ambiguos  como "La confusa".

Cervantes nos permite soñar con ayer para comprender el hoy. Para que no se pretenda que Pan ha muerto, con el acelerador a toda mecha, las pingüinas embisten todas las puertas.

Cervantes mantuvo siempre la intratable voluntad de decir NO. Solo la confusión nos encapota con tal fogosidad que surgen utopías.

Las novelas de caballerías pasaron a la historia. Este desfase, descentra y actualiza (hasta hoy por lo menos) "El Quijote". Los cangrejos también van hacia el futuro reculando.

Fernando Arrabal
 
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  Dice Arrabal que a nuestras moteras o pingüinas., los de más alcance las llaman CervantAs o QuijotAs. Constanza, sobrina de Miguel, de Miho, su ojito derecho, le pregunta a su tía Luisa, (sí, Luisa de Belén, la monja): ¿Por qué nos toman por tipos de textos clásicos a las diez pingüinas? Buena pregunta la que hace esta “muchachita… ¿de Valladolid? Cuidado con los dichos y las frases hechas, que las carga el diablo. Lo que si es cierto es que estas chicas, perdón, estas nenas, son de armas de tomar y de padre y muy señor mío.   Esto si es una afirmación precisa. Hay que ser rigurosos en el caos. Permítanme presentarles a estas pingüinas libres e insobornables, a estas dervichas, a estos ángeles de las motoqueras, a estas giróvagas. La abuela Torreblanca, la hermana monja Luisa, la sobrina carnal Constanza, la madre Leonor, la tía paterna María, la hermana mayor Andrea, la hermana menor Magdalena, la prima paterna Martina, la esposa Catalina y “la hija natural” Isabel. Falta la estrella invitada. El vértice sobre el que pivotan todas las palabras: Miho. (“Quién como Dios” o incluso “¿Quién cómo Pan?”). Les queda claro, ¿no? Ustedes son un público inteligente, un público del siglo XXI. Las edades de ellas y la de él no vamos a desvelarlas. Desvelar la edad de una mujer o de un hombre es absolutamente impúdico e innecesario. ¡Y es que eso del tiempo y del espacio es tan subjetivo!   Les diré, eso sí, que Arrabal, que es viejo, sabio y niño; un niño terrible a veces, y cabroncete casi siempre, ha encontrado en estas nenas y en este iluminado la horma de su zapato. ¡Y la que han armado entre todos: Miho, las CervantAs, las PingüinAs, Quijote, Arrabal, Cervantes y la Biblia en verso, ni se lo imaginan! Y no digo más, no sean ansiosos y esperen. Estamos en la cocina, preparando unas suculentas gachas.   Esta aventura teatral quijotesca-cervantina-arrabalaica tiene su génesis en la doble conmemoración del Cuarto Centenario de la publicación de la segunda parte del Quijote, y el año próximo del también Cuarto Centenario de la ocultación que diría Arrabal, de Cervantes.
Juan Carlos Pérez de la Fuente
  [caption id="attachment_11856" align="aligncenter" width="466"]P I N G Ü I N A S - ©Javier Naval P I N G Ü I N A S - ©Javier Naval[/caption]   FICHA Dirección de escena Juan Carlos Pérez de la Fuente Movimiento Escénico y Coreografía Marta Carrasco Diseño Escenografía Emilio Valenzuela Diseño de Vestuario Almudena Huerta Diseño de Luces José Manuel Guerra Composición Musical y Espacio Sonoro Luis Miguel Cobo Diseño Audiovisuales Joan Rodón y Emilio Valenzuela Ayudante Dirección Pilar Valenciano Ayudante de escenografía Alessio Meloni Ayudante de vestuario Liza Bassi Asistente de Dirección Pablo Martínez Asistente de Gestión Artística Cristina Bertol Asesoramiento Acrobático Escuela de Circo Carampa Fotografía y diseño de cartel Chema Conesa Fotografías promoción y escena: Javier Naval Reparto: María Hervás, Ana Torrent, Marta Poveda, Lara Grube, Ana Vayón, María Besant, Lola Baldrich, Alexandra Calvo, Badia Albayati, Sara Moraleda y Miguel Ángel Cazorla. Una producción del Teatro Español Fechas y horarios: Desde el 23 de abril 2015 al 14 de junio 2015 De martes a sábados 20h. Domingos, 19h. Del 1 al 14 de junio, de martes a domingo 20h.  NAVES DEL ESPAÑOL DESCARGAR DOSSIER
REVISTA PEDAGÓGICA