Histórico

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TEATRO FIGARO

 

Diagoras producciones presenta

GOODBYE ESPAÑA

El amor en tiempos de guerra

Del 1 de noviembre al 20 de diciembre

 

El musical de nuestra historia que ha triunfado en Londres

 

Diagoras producciones presenta GOODBYE ESPAÑA, un musical con libreto de Judith Jhonson y música y letras de K S Lewkowicz. Con dirección escénica de Daniel Acebes y dirección musical de Gabriel Martínez. El reparto lo forman Laura Castrillón, Andrés Navarro, Cristina de la Riva, Daniel Acebes, Ramsés Vollbrecht, Gabriel García y Candela Arroyo. Y cuentan con música en directo de Gabriel Martínez Marín, Jorge Niño y Alberto Villa.

Goodbye España, el musical se podrá ver en el Teatro Fígaro de Madrid del 1 de noviembre al 20 de diciembre, los martes a las 20:30h.

SINOPSIS

Goodbye España cuenta la historia de Sam, un joven ingles que decide venirse a España como voluntario para combatir en la guerra civil. Rebecca, su madre, al no recibir noticias suyas, decide venirse a buscarlo uniéndose como enfermera voluntaria.

Durante esa búsqueda de madre e hijo a lo largo de un país devastado por la guerra, Sam conoce a Pilar, una joven española a la que la guerra ha dejado huérfana. Rebecca, por su parte, conoce a Ernesto un español que resulta herido en la guerra. Goodbye España trata de lo que puede hacer la gente común y corriente cuando decide actuar. Una historia de amor en tiempos de guerra, de supervivientes, un homenaje y una celebración del 80 aniversario de una parte de nuestra historia contada desde las relaciones humanas.   El musical está inspirado en casos y testimonios reales, esos hombres y mujeres que lucharon por lo que creían. Estrenado en Londres con enorme éxito de crítica y público bajo el título “Goodbye Barcelona”, lo presentamos, por primera vez en castellano, con el título de “Goodbye España”. El cambio de título no obedece a ningún componente político ni a cuestiones actuales que no competen al espectáculo. Contamos historias de amor y supervivencia en una guerra que arrasó todo el territorio nacional y afectó a todos. El musical es una “road movie” que recorre distintos puntos de un país en guerra (Albacete, Escorial, Brunete, Jarama, Barcelona etc.). Por ello nos parecía casi imprescindible en el estreno en castellano de este musical sobre nuestra historia, que englobara a todos, sin excepción, bajo el título Goodbye España. En este estreno nacional, presentamos un espectáculo del  Off West End de Londres con 11 actores y 3 músicos en directo sobre el escenario con el firme objetivo de entretener, emocionar y homenajear, en estos tiempos que corren, a esa gente ordinaria que fue tan extraordinaria.  

NOTA DE LOS AUTORES

La idea de hacer ‘Adiós, Barcelona’ surgió de un artículo que leímos en el Guardian. Básicamente era una colección de entrevistas con supervivientes de brigadas internacionales británicos, el artículo nos fascinó inmediatamente como creadores. Como mucha gente, sabíamos muy poco sobre la guerra civil española y la parte que jugaron algunos ciudadanos británicos. Esos hombres y mujeres que voluntariamente se enrolaban a una guerra que aparentemente nada tenía que ver con sus vidas, suponía para nosotros un misterio difícil de comprender. ¿Qué les motivó a hacerlo? Con la ayuda del International Brigade Memorial Trust pudimos entrevistar a cinco brigadistas todavía vivos. Estas entrevistas, para nosotros, fueron de inmensa inspiración. Uno de los entrevistados, Sam Lesser, acudió en 2008 a una lectura todavía muy primigenia del espectáculo y después de escucharla hizo un discurso realmente conmovedor.Después de este periodo de investigación, dimos con la idea de crear a Sam, un muchacho londinense de 18 años de Stepney que voluntariamente decide alistarse a las brigadas internacionales. Y del personaje de Rebecca, su madre, que después de un tiempo decide unirse a él y encontrarle en España ya que lo echa mucho de menos. La música creció a su vez paralelamente a la historia. Nuestro más sincero deseo sobre “Goodbye Barcelona” consiste en mantener vivo el recuerdo de esa gente ordinaria que fue tan extraordinaria. Confiamos en haber hecho justicia a los brigadistas y a sus ideales. Con el espectáculo queremos que la gente se lo pase bien, se emocione y piense en lo que sucedió, como un testamento de gratitud a su coraje. Y como no, un sentido agradecimiento a todos los brigadistas internacionales que inspiraron nuestro musical, y muy especialmente con quienes nos entrevistamos: Alan Menai Williams, Penny Feiwel, Sam Lesser, Lou Kenton y Jack Jones.

Daniel Acebes y Gabriel García

 

REPARTO

 

FICHA

Dirección Musical: Gabriel Martínez Marín Música y letras: K S Lewkowicz Libreto: Judith Jhonson Traducción y adaptación: Daniel Acebes y Gabriel García Diseño de Iluminación: Juanjo Hernandez Bellot Diseño de cartel: José Ponce de León Diseño Escenografía: Diagoras Producciones Vestuario: Dani Maya Jefe técnico: Juanjo Hernandez Bellot Dirección: Daniel Acebes Producción, Gestión y distribución: Diagoras producciones Fechas y horarios: Del 1 de noviembre al 20 de diciembre Los martes a las 20:30 horas en el TEATRO FÍGARO   [button link="http://bit.ly/2dsKclm" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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CUA Improteatro

 

COMPAÑÍA CÜÁ IMPROTEATRO presenta

CÜÁ

Del 8 de Septiembre de 2017 al 26 de enero de 2018 en el Teatro Arlequín Gran Vía

 

La imaginación no tiene límites. Solo hay que ponerla a prueba

 

Cüá, el espectáculo de improvisación más ganso vuelve al Teatro Arlequín Gran Vía

 

Décima temporada de risas de Cüá, el espectáculo de impro más gamberro y cercano de la compañía Cüá ImproTeatro

La compañía Cüá ImproTeatro cumplirá este mes de mayo 10 años ininterrumpidos de risas en cartelera. Más de 1.000 de funciones y más de 1 millón de espectadores.

Un show increíblemente divertido en el que el público nunca sabe lo que va a pasar y los actores... ¡tampoco! ¿Qué puede ocurrir cuando todo puede ocurrir?   La compañía CÜA ImproTeatro nace en el 2007 y desde entonces con su primer espectáculo llevan 10 temporadas consecutivas en salas y teatros como Montacargas, Tarambana, La Usina, Café-Teatro Arenal, La Escalera de Jacob y Quevedo. Cüá-tro genios de la improvisación se encargan de que el público salga literalmente con agujetas en las mandíbulas de tanto reír. En la dirección artística, tenemos a Alberto Rego, un ex-monologuista que se reinventó en improvisador y co-fundó Cüá ImproTeatro junto con Alba Pérez, actriz amateur de comedias y musicales por aquella época. Ambos, acompañados por el clown Julián Contreras y el crack Claudio González (también integrante de la compañía Improvisierra) forman este Cüá-rteto. Disfruta de este clásico de la impro madrileña los viernes a partir de septiembre en el Teatro Arlequín Gran Vía.  

SINOPSIS

Cüá es un espectáculo de humor formado por cuatro actores, un músico y una iluminadora. Además los 6 son directores y guionistas porque las historias son creadas en el momento. Antes de empezar, cada espectador escribe una frase en una tarjeta. Los improvisadores irán sacando tarjetas al azar que se convertirán en los títulos de las historias de cada función. Y sin ningún tipo de preparación previa. Así hasta 10 escenas de humor creadas en directo, en diferentes estilos de improvisación que harán el juego todavía más complicado. Cada actuación de Cüá es única, podrás repetir todas las veces que quieras, nunca será igual. Y si no te lo crees, ¡ven a comprobarlo!   [caption id="attachment_27981" align="aligncenter" width="800"] Cüa ImproTeatro[/caption]  

FICHA

Dirección: Alberto Rego Improvisadores: Alba Pérez, Julián Contreras, Claudio González y Alberto Rego Música improvisada y guitarra: Andrés Torrecillas Iluminación: Sergio Sánchez Fotografía: Nacho Segovia Compañía Cüa ImproTeatro Fechas y horarios: Del 8 de Septiembre de 2017 al 26 de enero de 2018 Viernes a las 23h. en el TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA Twitter: improcua [button title="Comprar Entradas" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fentradas%2Fcua-el-show-de-impro-mas-ganso_e4806934%2F" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"] https://www.youtube.com/watch?v=ensNBX3o7rw&w=640&h=360

TEATRO CUARTA PARED

 

LA SOLEDAD DEL PASEADOR DE PERROS   De María Velasco y Guillermo Heras

Del 14 al 23 de abril

LA SOLEDAD DEL PASEADOR DE PERROS es un texto de María Velasco que dirige junto a Guillermo Heras. Con un reparto formado por Valeria Alonso, Kike Guaza, Olaia Pazos, Carlos Troya y María Velasco .

Un lienzo entre España y Argentina María Velasco ('Líbrate de las cosas hermosas que te deseo') empieza este proyecto en el taller de escritura escénica “Fragmentos de la Catástrofe”, impartido por Guillermo Heras. El boceto, tras su paso por el espacio de creación Panorama Sur de Buenos Aires y un proceso  de investigación ajeno a los imperativos de las producciones “al uso”, se desarrolla finalmente como una pieza orgánica y carnal contagiada por la danza, la música y las artes plásticas, estas últimas gracias al apoyo de La Juan Gallery de Madrid.  

La soledad del paseador de perros por Guillermo Heras

La propia María subtitula su obra DIARIO DRAMÁTICO y no me cabe duda que gran parte de este drama tenga su origen en sus propias vivencias. Al fin y al cabo soy de los que piensa que toda obra que escribimos, aunque sea una historia de pigmeos en el Amazonas, es en gran parte autobiográfica. Por la valentía de dar varios pasos adelante y mostrarnos, con toda su crudeza, aspectos de una intimidad que solemos guardar con pudor y, lógicamente con el temor que produce la moral burguesa que nos rodea, nos encontramos ante una propuesta teatral de una enorme carga ética y estética. Sí, sí, digo estética, porque donde más me apetece investigar con la autora, los actores, así como todo el equipo que nos acompañe, es en la propuesta específicamente escénica que debemos resolver para que inquiete, seduzca, incomode, enamore o enerve. Podríamos hablar de biodrama o de un cierto tipo de posdramaticidad, pero todo esto no serán más que especulaciones intelectuales si no logramos bajar al terreno de la comunicación, casi atávica de lo teatral. Siempre me ha interesado el lenguaje en las piezas de María. Creo que la fuerza de sus palabras va acompañada de imágenes muy potentes, que hacen de su escritura una propuesta de teatralidad viva muy alejada de la retórica de parte del llamado “teatro contemporáneo”. La lectura de sus piezas no es fácil. Pero sus exabruptos no son gratuitos, surgen de un grito interior que necesita poetizar en la especificidad del lenguaje dramatúrgico. Su escritura se hace desde las vísceras y, por eso, su fuerza es similar tanto cuando expone cuestiones que, sin duda ha vivido, como cuando nos habla a partir de otros referentes (lecturas, films, canciones, artes plásticas, etc.). ¿Quién habla en La soledad del paseador de perros? ¿Cuántos personajes hay? Eso es parte de lo que vamos a investigar, pero para mí es un cuerpo que se divide en muchas voces. Incluso es la voz de una MUJER que puede tomar prestado el cuerpo de un HOMBRE, aunque haya sido el que le haya hecho tanto daño. No creo que en la vida real la línea entre víctima y verdugo esté tan claramente definida como en la literatura, donde es tan fácil caer en simplismos buenistas. Las imprecaciones que muchas veces emanan de los “personajes” de esta obra puede que molesten a muchos oídos que prefieren obras redentoristas o, simplemente, que planteen los problemas políticos en su superficie. ¿Hay algo más político que nuestros propios fantasmas? Nuestros miedos, soledades, escrúpulos, crueldades, fantasías o negaciones pueden saltar a lo que la  gente entiende por política y, en muchos casos crean la desigualdad, la xenofobia,  el machismo, el racismo, la violencia cotidiana, hasta el mismo “terrorismo de Estado”. No puedo aceptar a estas alturas que pueda haber trasformación social sin trasformación personal y de los entornos cercanos donde vivimos. Creo que escrituras como la de María ponen el acento en lo individual, pero no como exclusión de lo social, sino como forma de entender el teatro como pulsión personal para trascender hacia lo público. Salvando las distancias, algo así, como cuando los clásicos griegos planteaban sus ceremonias escénicas en las que la catarsis y la anagnórisis formaban parte de otra cuestión fundamental, el entretenimiento para la ciudad y sus ciudadanos. Un discurso artístico no para meros consumidores, sino para ciudadanos críticos. No dudo que La soledad del paseador de perros es una obra moral, pero en el sentido que empleaban los ilustrados, tipo Voltaire o Rousseau. Otros ilustrados posteriores como Freud, Kafka. Artaud o Lowry nos enseñaron que las bajadas a los infiernos no pasan por diablillos cornudos con tenedores de atrezo, sino por demonios interiores. Por mucho que la sociedad alrededor sea idílica, si no se acompaña con “estados de ánimo personales” no castrados por nuestros imaginarios,  poco se podrá hablar de felicidad. Para llegar a esos distintos estados de ánimo, María nos plantea el lenguaje escénico  como camino de exorcismos, yo tomo ese reto y quiero convertirlo en un juego escénico capaz de emocionar y hacer pensar que, al menos, desde nuestro entorno si es posible una cierta trasformación. Ni locura, ni santidad, teatro como forma de vida, de expresión libre, y de búsqueda de complicidades con aquellos que quieran vernos y escucharnos.

Guillermo Heras

 

SINIOPSIS

En el aniversario de la Noche de los Cristales Rotos conocí a alguien cuyo nombre aún me estremece pronunciar. Con la noche como alcahueta, comenzó una relación tóxica (rodeada de tóxicos también). El cuerpo fue sacrificado a todos los excesos. Admitir que esta es una historia de desamor (porque haya negación, ira y depresión nerviosa) equivaldría a admitir que muchas veces llamamos amor al hooliganismo emocional, confundiendo afecto con multiorgasmo. A mí me enseñó en qué consiste el verdadero idilio una paseadora argentina de perros… y, más tarde, cuatro actores de teatro. Es tiempo de inventar un amor otro.  

FICHA

Texto: María Velasco Dirección: Guillermo Heras y María Velasco Producción ejecutiva: Carlota Guivernau Diseño de espacio y luz: Marta Cofrade Asistente de dirección: Tamara Gutiérrez Fotógrafo: Marta Cofrade Vestuario: Raquel Soto Intérpretes: Valeria Alonso, Kike Guaza, Olaia Pazos, Carlos Troya y María Velasco Fechas y horarios:  Del 14 al 23 de abril De jueves a sábado a las 21h. en el TEATRO CUARTA PARED Jueves 21 de abril - 20h. Después de la función hará un encuentro con la compañía   [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/la-soledad-del-paseador-de-perros_e4785370/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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TEATRO MARÍA GUERRERO

 

Del 29 de abril al 19 de junio de 2016

"Hagamos una plegaria por todos los corazones salvajes que viven encerrados en jaulas"

El 29 de abril llega al Teatro María Guerrero LA ROSA TATUADA de Tennessee Williams. Versión de Carme Portaceli y Gabriela Flores.

Bajo la dirección de Carme Portaceli y con un reparto formado por  Aitana Sánchez-Gijón, Jordi Collet, Roberto Enríquez, David Fernández “Fabu”, Alba Flores, Gabriela Flores, Ignacio Jiménez, Paloma Tabasco y Ana Vélez. La escenografía de Anna Alcubierre es una casa desplegable. "La arquitectura se representa de manera muy simbólica; todo el mobiliario está estilizado, buscando un único paisaje escenográfico con una misma tonalidad cromática, y la utilería es claramente realista, incluso hiperrealista." En parte, la escenografía ha sido también conceptualizada como pantalla y la atmosfera general del espacio se redibuja con la proyección del luz e imágenes.  

La rosa tatuada (The Rose Tattoo) se estrenó en Broadway en el Martin Beck Theatre en 1951 consiguiendo cuatro Premios Tony, entre ellos el de Mejor obra. En 1958 se estrenó en España, en el Teatro Infanta Beatriz con dirección de Miguel Narros. Y en 1998 José Carlos Plaza dirige la adaptación de Vicente Molina Foix.

Tennessee Williams había escrito expresamente La Rosa Tatuada para ser interpretada por Anna Magnani, la cual se negó a hacerla en los escenarios de Broadway por su limitado inglés. Para convencerla de que hiciese la versión en cine, le mandó el guión traducido al italiano. La película (1955)  obtuvo 3 Oscars con dirección de Daniel Mann y con Anna Magnani y Burt Lancaster como protagonistas. Anna Magnani, en su primera película en Hollywood ganó, entre otros, el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA.  

NOTA DE LA DIRECTORA

Tennessee Williams nos cuenta la historia de una mujer que ha perdido a su marido y decide encerrarse a guardarle luto para siempre. Producto de una educación estructurada y tradicional está convencida de que eso es lo que hay que hacer. Ella vive según las normas impuestas sin ser consciente de que justamente esa es la causa de su sufrimiento. Además, Serafina es inmigrante y consigue el respeto de sus vecinos con un comportamiento “intachable”. Pero poco a poco descubre la hipocresía de su vida y, sin proponérselo, afloran sus deseos no reconocidos. Tiene que elegir entre el sexo y la muerte, entre la vida y el ostracismo. Y elige vivir, no puede dejar pasar su vida como si tuviera otra, porque no la tiene. La obra de Tennessee Williams, reflejo de su propia vida, estaba marcada por la caída de un mundo al que pertenecía, siempre presente en sus atormentados, solitarios, reprimidos e incomprendidos personajes. Con esa sensibilidad, el autor construye unos seres que son víctimas de sí mismos viviendo en un mundo en el que los sueños no tienen lugar, en un mundo que les impide encontrar la felicidad. Un mundo puritano que contrasta deliberadamente con la realización de sus más ocultas pasiones, una situación que se complica cuando las inclinaciones sexuales no se corresponden con las normas establecidas por la moral conservadora por la que deben regirse. A su vez, el autor muestra cómo esta sociedad hermética, que predica una vida austera, se salta continuamente sus propios cánones, pues no le importa abusar del débil para obtener beneficios aunque de cara a la galería todo quede justificado. 

Carme Portaceli

 

SINOPSIS

Serafina (Aitana Sánchez-Gijón) es  una  mujer  siciliana, costurera de profesión. Su marido, Rosario Delle Rose, que nunca veremos en escena, es camionero. Transporta fruta pero también contrabando de droga escondido entre su cargamento. La noche en la que iba a hacer su último viaje clandestino es asesinado de varios disparos mientras conducía el camión. Serafina,  ante la brutal muerte de su marido, pierde el hijo que esperaba y se sume en una profunda tristeza. Pasados tres años sigue en su estado de postración, apenas sale de su casa, descuida su trabajo y a sí misma. Su hija Rosa (Alba Flores) se ha convertido en una bella joven de 15 años y es una estudiante brillante que ha conocido a un chico. La madre está asustada con esta relación y pretende no dejarla salir, pero finalmente conoce a Jack (Ignacio Jiménez) y después de hacerle prometer ante la Virgen que respetará la inocencia de su hija, les permite ir a celebrar su graduación. Unas mujeres que le habían hecho un encargo le cuentan que su marido tenía una aventura con otra mujer. Ella se niega a aceptarlo. Un altercado en la puerta de su casa hace que Serafina conozca a Álvaro (Roberto Enríquez). Álvaro es un joven camionero. Comienzan una relación y aunque Serafina se resiste al principio el parecido de Álvaro con su marido hace que caiga en sus brazos.   [caption id="attachment_29152" align="aligncenter" width="702"] La rosa tatuada © David Ruano[/caption]  

FICHA

Autor: Tennessee Williams Traducción: Vicente Molina Foix Versión: Carme Portaceli y Gabriela Flores Dirección: Carme Portaceli Escenografía: Anna Alcubierre Iluminación: Pedro Yagüe Vestuario: Antonio Belart Música y espacio sonoro: Jordi Collet Vídeo: Eugenio Szwarcer Cartel: Isidro Ferrer Reparto: Jordi Collet, Roberto Enríquez, David Fernández “Fabu”, Alba Flores, Gabriela Flores, Ignacio Jiménez,  Aitana Sánchez-Gijón, Paloma Tabasco, Ana Vélez Producción Centro Dramático Nacional Fechas y horarios: Del 29 de abril al 19 de junio de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas en el TEATRO MARÍA GUERRERO DESCARGAR DOSSIER DESCARGAR CUADERNO PEDAGÓGICO › Encuentro con el público el 26 de mayo  al finalizar la función

• Atención obras - "La rosa tatuada", con Aitana Sánchez Gijón y Roberto Enríquez

• Jaulas, tatuajes y rosas para Aitana Sánchez-Gijón y Tennessee Williams (notodo.com)

[button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=3&idEspectaculo=188" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][et_pb_gallery admin_label="Galería" gallery_ids="29187,29188,29189,29186" fullwidth="on" show_title_and_caption="off" show_pagination="on" background_layout="dark" auto="on" hover_overlay_color="rgba(255,255,255,0.9)" caption_all_caps="off" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] [/et_pb_gallery][et_pb_divider admin_label="Separador" color="#333333" show_divider="off" height="3" divider_style="solid" divider_position="top" hide_on_mobile="on"] [/et_pb_divider][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]

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TEATRO ESPAÑOL

 

Del 16 de abril al 22 de mayo de 2016

El Teatro Español presenta NUMANCIA. Versión de Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño sobre El cerco de Numancia de Miguel de Cervantes.

Numancia es el gran homenaje del Teatro Español a Miguel de Cervantes con motivo del IV Centenario de su muerte.

Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño se han encargado de una versión en la que han eliminado texto, han cambiado nombres e incluso el sexo de algunos de los protagonistas con el objetivo de hacer más accesible y dinámica una obra  compleja en la que "el verso es atormentado" como afirma Luis Alberto de Cuenca. Y todo sin perder de vista la obra de Cervantes. Las alegorías de la muerte, el hambre, la guerra, la mujer y el hombre se mantienen intactas. El reparto está formado por Beatriz Argüello, Chema Ruiz, Raúl Sanz, Alberto Velasco, Carlos Lorenzo, Alberto Jiménez, Maru Valdivieso, Marcos Marín, Críspulo Cabezas, Juan Piera, Mélida Molina y Miryam Gallego. Con motivo del Día Mundial del Teatro y de La Noche de los Teatros que este año celebramos el 1 de abril, y en pleno proceso de los ensayos de NUMANCIA, el Teatro Español abre las puertas al público para asistir a un ensayo abierto.  

SINOPSIS

Numancia es un rugido de libertad. Una historia contradictoria, compleja y “quijotesca”. Un grito angustioso de rebeldía, de resistencia y sobre todo una lección de dignidad, de no darse nunca por vencidos, ni aún vencidos. Cervantes es el abogado de los desheredados y en Numancia encuentran su biblia laica. Tragedia esperanzada esta Numancia de 2016. Esta tragedia describe la irremediable fatalidad a que se ven abocados los numantinos desde el comienzo. Numancia, una ciudad celtibérica, resiste desde hace años a las tropas del general romano Escipión, cuyas tropas han relajado sus costumbres. El general arenga a sus tropas y decide que caven un foso para tomar por inanición la plaza. Su plan para derrotar a los belicosos arévacos es esperar a que se les terminen los víveres y que el hambre les vaya consumiendo poco a poco. Pero los Numantinos antes de convertirse en esclavos de la República romana ejercen el derecho de la libertad, y las mujeres proponen el suicidio colectivo que frustrará la honra de la victoria al romano Escipión.     [caption id="attachment_27886" align="aligncenter" width="900"] NUMANCIA[/caption]  

FICHA

Dirección Juan Carlos Pérez de la Fuente Reparto (por orden de intervención) Beatriz Argüello La Mujer, Embajador segundo, La mujer-España, Numantino segundo, Mujer tercera, La mujer-Guerra y Madre tercera. Alberto Velasco El Hombre, Embajador primero, El hombre-España, Numantino primero, El hombre-Soldado, El hombre-partera, Hambre y Enfermedad Chema Ruiz Escipión Raúl Sanz Yugurta Carlos Lorenzo Mario Alberto Jiménez Teógenes Markos Marín Leonelo y Numantino tercero Maru Valdivielso Mujer primera, Numantino cuarto y Madre primera Julia Piera Numantino quinto y Nadie Críspulo Cabezas Leonicio y Numantino sexto Mélida Molina Mujer segunda, Madre segunda y Mujer de Teógenes Miryam Gallego Lira Ficha artística Asesora de voz y dicción Concha Doñaque Asesor de movimiento escénico Alberto Velasco Diseño de escenografía Alessio Meloni Diseño de vestuario Almudena Huertas Diseño de iluminación José Manuel Guerra Composición musical y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Diseño de audiovisuales Miquel Ángel Raió Ayudante de dirección Pilar Valenciano Ayudante de escenografía Olga López León Ayudante de vestuario Liza Bassi Fotografía cartel y promo Chema Conesa Una producción del Teatro Español Fechas y horarios: Del 16 de abril al 22 de mayo de 2016 De martes a sábado 20h. Domingos 19h. en el TEATRO ESPAÑOL

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TEATRO BELLAS ARTES

Pentación

presenta

CINCO HORAS CON MARIO

de Miguel Delibes

(más…) Comprar entradas

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VIA

 

DON JUAN un musical a sangre y fuego

 

Teatro de la Luz Philips Gran Vía A partir del 6 de octubre de 2016

 

El Don Juan de Zorrilla ha sido adaptado en numerosas ocasiones. Sin embargo nunca había dado el salto al musical. Tras 30 años de trabajo el mexicano Antonio Calvo hará realidad su sueño: Don Juan, un musical a sangre y fuego. La adaptación musical del ‘Don Juan Tenorio‘ de José Zorrilla convertido en una gran producción al más grande estilo de Broadway. A partir del 6 de octubre de 2016 en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía.

El estreno mundial, marcan la llegada del musical Don Juan a España. El 6 de octubre de 2016 llega, Don Juan un musical a sangre y a fuego, al Teatro de la Luz Philips Gran Vía de Madrid, casa de conocidos éxitos en la capital. El Don Juan será una producción musical que hará vibrar al público de la capital, dando un nuevo aire al clásico más importante de la literatura en español, y la obra más conocida en el mundo nacida gracias al ingenio del dramaturgo José Zorrilla. En esta ocasión, las aventuras amorosas del célebre conquistador se envolverán de magia escénica, bailes y canciones basadas en los propios textos del Tenorio al más grande estilo de Broadway.

La Gran Vía madrileña acogerá el estreno mundial del musical 'Don Juan', producción nacida en México, país donde este arquetípico personaje goza de una enorme popularidad y  es, por supuesto, símbolo de su vasta cultura. No en vano, en México como en España, desde hace siglo y medio la tradición manda que su representación tenga lugar el “Día de Todos los Santos”, convirtiendo al Tenorio en la obra más representada en el mundo, siendo parte incluso festividades culturales de muchas ciudades en el mundo. Esta hermandad histórica entre ambos países logra reunir en esta producción a un amplio grupo de creativos españoles y un nuevo elenco de artistas locales, fomentando la participación del talento en España.   [caption id="attachment_36218" align="aligncenter" width="594"] DON JUAN un musical a sangre y fuego[/caption]   La historia que veremos pone en entredicho la imagen de seductor valiente y osado de Don Juan Tenorio, después de quedar sorprendido por una mujer con quien intentaba jugar a la conquista. Por ello, emprenderá una lucha personal para comprender el porqué de su amor a Doña Inés, dejando atrás su aire burlador y mujeriego. El compositor de este sorprendente proyecto y tras más de 30 años de trabajo es Antonio Calvo, la dirección artística está a cargo de Ignacio García y en la dirección musical encontramos a Julio Awad.  

SINOPSIS

Una  vil  apuesta  pone  en  entre  dicho  la  imagen  de  seductor  valiente  y  osado  de  Don  Juan Tenorio,  tras quedar  sorprendido  por  una  mujer  con  quien  intentaba  jugar  a  la  conquista. Don  Juan  emprende  una  lucha personal  para  comprender  el  porqué  de  su  amor  a  Inés, dejando atrás su pasado de hombre burlador y mujeriego. Al quedar  convencido  de  su  sentimiento  por  Inés  se  enfrenta  a  los  incrédulos  tras  querer oficializar su amor. Ante las oposiciones, enfrentamientos y fatalidades se ve en la obligación de huir abandonando el amor por Inés, desatando la más extrema pena en ella. Tras años de esconderse,  Don  Juan,  vuelve  a  donde  suponía  reencontrar  su  amor,  para  su  sorpresa  las cosas ya eran diferentes.  

FICHA

Música Original: Antonio Calvo Letras Adicionales: Rafael Perrin Adaptación: Antonio Calvo y Rafael Perrin Dirección: Ignacio García Compositor: Antonio Calvo Dirección musical: Julio Awad Dirección escénica y coreografía: Tino Sánchez Productor: Alejandro García Director de producción: Enrique Espinosa Diseño de vestuario: Eloise Kazan Escenografía: Miguel Brayda Vestuario: Lluís Juste de Nin  

REPARTO

Toni Bernetti   Don Juan Tenorio Estíbaliz Martyn  Doña Inés David Velardo  Don Luis Judith Tobella  Doña Ana Gonzalo Montes Comendador Nacho Bergareche  Don Diego Gonzalo Larrazabal  Ciutti Ricardo Vergara  Butarelli Patricia Clark  Brigida Patricia Ruíz  Lucia Carlos Salgado  Centllas Bailarines: Teresa Cora · Antonio Fago · Lidia Ibáñez Abad · Antonio Leyva · Alicia Cabrero Tabera · Chema Zamora Baños · María Alonso · Alex González · Irene Rubio · Alex Chavarri Fechas y horarios:  Estreno oficial el 6 de octubre de 2016 Martes a viernes 20:30h. sábados 18h. y 21:30h. domingos 18h. en el TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VIA Duración: 2h y 30 min (descanso incluido).   [button link="http://bit.ly/2aTHN36" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]     [/et_pb_text][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] https://www.youtube.com/watch?v=bX63zwAoXoU&w=640&h=360   https://www.youtube.com/watch?v=doRDDrFQsLk&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

 

TEATRO REAL

 

LA NUEVA TEMPORADA DEL TEATRO REAL, 2016-2017, EN EL MARCO DEL BICENTENARIO DE SU FUNDACIÓN

  Integrada en el trienio conmemorativo del Bicentenario del Teatro Real (2016, 2017 y 2018) la Temporada 2016-2017, la vigésima desde su reinauguración, ofrecerá un amplio espectro de propuestas musicales y artísticas interdisciplinares, formativas, lúdicas e interactivas con las que se pretende consolidar el público más fiel,  atender al aficionado y seducir también a nuevas audiencias, jóvenes y niños.   Se afianza el compromiso del Teatro Real con la creación actual en los diferentes ámbitos de las artes escénicas y de la música, con el encargo y producción de nuevas obras y un notable incremento de las coproducciones operísticas con  importantes teatros de ópera europeos, consolidando la creciente presencia internacional del Teatro y su privilegiada posición entre sus más prestigiosos congéneres.   Junto con la ambiciosa programación artística de la temporada, que vertebra el diseño de las actividades conmemorativas del Bicentenario, se llevarán a cabo diversas acciones con las que acercar el Teatro Real y la ópera a la ciudadanía, buscando sus vínculos con la literatura, artes plásticas, cine, fotografía, moda, etc.   Así, crecerá la movilidad del Teatro Real y la interdisciplinaridad de sus propuestas, que propiciarán el diálogo entre la ópera y otras formas de expresión artística, contando con la participación de 13 instituciones de Madrid y siendo parte activa de grandes acontecimientos de la ciudad como ARCO, PHOTO ESPAÑA, FITUR, etc.   En el ámbito de la apertura a nuevos públicos potenciada por las conmemoraciones de su Bicentenario, se incrementará la producción audiovisual propia, así como las retransmisiones en directo de las óperas más populares en plazas, auditorios, cines o centros escolares  de toda la geografía española. En la presente temporada se retransmitirán I puritani, El retablo de Maese Pedro y Brundibár y para la próxima está prevista la retransmisión de Otello y Madama Butterfly.   Con el mismo espíritu se llevarán a cabo una serie de exposiciones temáticas de fotografía en colaboración con La Fábrica, con imágenes de las producciones más significativas del Teatro Real desde su reapertura. La primera exposición se inaugurará esta primavera y las siguientes se extenderán a lo largo de la próxima temporada: La vuelta al mundo en 20 años de ópera, ¿Por qué lo llaman amor? y Villanos de la ópera.   Una vez más el Teatro Real acogerá en su escenario diferentes tipos de música—pop, rock, jazz, flamenco, etc.— con la tercera edición del Universal Music Festival, y saldrá a la calle con iniciativas populares y divertidas en el marco de su Semana de la Ópera.   Asimismo, el Real reafirma su responsabilidad con la educación, formación y consolidación del público infantil, juvenil y universitario en colaboración activa con centros educativos y universidades a través de proyectos tan diversificados como El Real Junior —nueva denominación que conforma la programación para niños y jóvenes enmarcada hasta ahora en el Programa Pedagógico—, LOVA (La ópera, un vehículo de aprendizaje), el Club Joven, La Universidad a escena, los talleres La ópera al descubierto, los Cursos de verano, etc., reforzados con una política de incentivos económicos a los menores de 30 y 35 años que les permitirán acceder a los espectáculos por precios muy asequibles.   También los niños en situaciones desfavorables, ya sean físicas, psíquicas o sociales, tienen su espacio en el Aula Social del Teatro Real, cuyo programa se desarrolla en sus salas utilizando la música como vehículo integrador y terapéutico, con el apoyo de la fundación Acción Social por la Música.   Esta movilización social a través de la música hará de la inauguración de la vigésima Temporada del Teatro Real, el próximo 15 de septiembre, con Otello, de Giuseppe Verdi, un gran acontecimiento en la vida cultural de Madrid, que a través de las nuevas tecnologías audiovisuales llegará a todos los rincones de España.  

PROGRAMACIÓN

  OTELLO, de Giuseppe Verdi Director musical: Renato Palumbo | Director de escena: David Alden | Escenografía: Jon Morrell Solistas principales: Gregory Kunde/ Alfred Kim, George Petean/Àngel Òdena, Alexey Dolgov/ Xavier Moreno, Krassimira Stoyanova/Ermonela Jaho Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real |  Pequeños cantores de la ORCAM Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la English National Opera y la Kungliga Operan de Estocolmo Del 15 de septiembre al 3 de octubre de 2016   NORMA, de Vincenzo Bellini Director musical: Roberto Abbado | Director de escena: Davide Livermore | Escenografía: GIÒ FORMA Solistas principales: Gregory Kunde/Roberto Aronica, Roberto Tagliavini/Simón Orfila/ Fernando Radó, Maria Agresta/Angela Meade/ Mariella Devia, Karine Deshayes/Veronica Simeoni/Ketevan Kemoklidze Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Palau de les Arts de Valencia y la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera Del 20 de octubre al 4 de noviembre de 2016   LA CLEMENZA DI TITO, de Wolfgang Amadeus Mozart Director musical: Christophe Rousset | Directores de escena: Ursel y Karl-Ernst Herrmann | Escenografía: Karl-Ernst Herrmann Solistas principales: Jeremy Ovenden/Bernard Richter, Karina Gauvin/Yolanda Auyanet, Monica Bacelli/Maite Beaumont, Sylvia Schwartz/Anna Palimina Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Producción del Teatro Real Del 19 al 28 de noviembre de 2016   EL HOLANDÉS ERRANTE, de Richard Wagner Director musical: Pablo Heras-Casado | Director de escena: Alex Ollé (La Fura dels Baus) | Escenografía: Alfons Flores Solistas principales: Kwangchul Youn, Dimitry Ivashchenko, Ingela Brimberg, Ricarda Merbeth, Kai Rüütel, Evgeny Nikitin Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Producción de la Opéra de Lyon, en coproducción con la Bergen Nasjonale Opera, Opera Australia y la Opéra de Lille Del 17 de diciembre de 2016 al 3 de enero de 2017   BILLY BUDD, de Benjamin Britten Director musical: Ivor Bolton | Director de escena: Deborah Warner  | Escenografía: Michael Levine Solistas principales: Jacques Imbrailo, Toby Spence, Brindley Sheratt, Thomas Oliemans y Duncan Rock Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real |  Pequeños cantores de la ORCAM Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Opéra national de París y la English National Opera Estreno en Madrid Del 31 de enero al 28 de febrero de 2017   LA CIUDAD DE LAS MENTIRAS, de Elena Mendoza Director musical: Titus Engel | Director de escena: Matthias Rebstock | Escenografía: Bettina Meyer Solistas principales: Katia Guedes, Laia Falcón, Anne Landa, Graham Valentine Orquesta Titular del Teatro Real Estreno mundial Del 20 al 26 de febrero de 2017   [/et_pb_text][/et_pb_column][et_pb_column type="1_2"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" text_font_size="13" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] ROSELINDA, de Georg Friedrich Händel Director musical: Ivor Bolton | Director de escena: Claus Guth | Escenografía: Christian Schmidt Solistas principales: Lucy Crowe/Sabina Puértolas, Bejun Mehta/Xavier Sabata, Michele Angelini, Benjamin Hulett,  Sonia Prina/Lidia Vinyes Curtis Orquesta Titular del Teatro Real Nueva producción del Teatro Real, en coproducción de la Oper Frankfurt, la Opéra de Lyon y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Estreno en España | Por primera vez en el Teatro Real Del 24 de marzo al 5 de abril de 2017   EL GATO CON BOTAS, de Xavier Montsalvatge Director musical: Diego Martín-Etxebarria | Director de escena: Emilio Sagi | Escenografía: Agatha Ruiz de la Prada Orquesta Titular del Teatro Real Producción del Teatro Real estrenada el 4 de noviembre de 2005, en coproducción con el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la ABAO y la Asociación Asturiana de Amigos de la Ópera. 4 representaciones: 1 y 2 de abril de 2017   BOMARZO, de Alberto Ginastera Director musical: David Afkham | Director de escena: Pierre Audi | Escenografía: Urs Schönebaum Solistas principales: John Daszak, James Creswell, Germán Olvera, Damián del Castillo Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con De Nationale Opera de Ámsterdam Estreno en España | Por primera vez en el Teatro Real Del 24 de abril al 7 de mayo de 2017   EL GALLO DE ORO, de Nikolái Rimski-Kórsakov Director musical: Ivor Bolton | Director de escena: Laurent Pelly | Escenografía: Barbara de Limburg Solistas principales: Dmitry Ulyanov/Alexey Tikhomirov, Sergei Skorokhodov/Boris Rudak, Alexey Lavrov/Iurii Samoilov, Venera Gimadieva, Olesya Petrova/Agnes Zwierko, Alexander Kravets/Barry Banks, Venera Gimadieva/Nina Minasyan Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Théâtre Royale de La Monnaie de Bruselas, donde se estrenará el 13 de diciembre de 2016. Por primera vez en el Teatro Real Del 25 de mayo al 9 de junio de 2017   MADAMA BUTTERFLY, de Giacomo Puccini Director musical: Marco Armiliato | Director de escena: Mario Gas | Escenografía: Ezio Frigerio Solistas principales: Ermonela Jaho/Hui He, Enkelejda Shkosa/Gemma Coma-Alabert, Jorge de León/Andrea Carè/Vincenzo Constanzo, Àngel Òdena/Vladimir Stoyanov/Luis Cansino,  Francisco Vas, Fernando Radó/Scott Wilde Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real Producción del Teatro Real estrenada el 27 de abril de 2002 y repuesta en julio de 2007 Del 27 de junio al 21 de julio de 2017   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] Completan la programación operística dos obras en versión de concierto: Macbeth, de Giuseppe Verdi, con dirección de James Conlon y Plácido Domingo en el rol titular para barítono, y Curlew River,  una parábola para dos solistas, coro y orquesta de cámara que Benjamin Britten creó para ser interpretada, con otras similares, en una iglesia. En el escenario del Real se ofrecerá en versión de concierto semiescenificada con los grupos Britten Sinfonia y Britten Sinfonia Voices.   Estos títulos ópera aglutinan una serie de recitales, conciertos y propuestas interdisciplinares que, bajo el título de ‘actividades paralelas’, multiplican su impacto emocional, intelectual e dialéctico.   En el ámbito de los conciertos líricos, cantarán en el Real los tenores Jonas Kaufmann (recuperando el concierto cancelado el pasado enero), Christian Elsner y Juan Diego Flórez,  las mezzosopranos Cecilia Bartoli, Joyce DiDonato y Felicity Palmer, la soprano María Bayo, el contratenor Franco Fagioli y el barítono Paulo Szot, que protagonizará un concierto de homenaje a Frank Sinatra. Transcendiendo también los límites del recital de música clásica, los cantantes Lidia Borda, Patricia Noval, Adriana Varela y Ariel Ardit, traerán al Real el perfume y sensualidad del tango, con conciertos programados en torno al estreno en España de Bomarzo, de Alberto Ginastera.   La programación de danza estará compuesta por espectáculos protagonizados por tres importantes compañías: la Wiener Staatsballett interpretará, con la Orquesta Titular del Teatro Real en el foso, El corsario, con coreografía de Manuel Legris; la Compañía Nacional de Danza presentará un programa con obras del gran coreógrafo William Forsythe; y la Martha Graham Dance Company debutará en el Real con dos diferentes programas que mostrarán la riqueza de su lenguaje coreográfico.   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

 

ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS

De Federico García Lorca

Dirección y dramaturgia Ricardo Iniesta

 Actualmente de gira. Consultar fechas GIRA ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS

 

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Se cumplen en 2016 los 80 años del asesinato de Federico García Lorca, y treinta desde que se estrenara la primera puesta en escena de esta obra y de la compañía Atalaya. El Centro Dramático Nacional  ha  propuesto esta coproducción a Atalaya, al considerar que se trata de  la  compañía  más  representativa  del  teatro  andaluz y  este  texto es uno de los pocos del autor granadino que nunca se ha presentado en el CDN.

ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS, con una inquietante y trágica coincidencia entre el titulo de esta obra y su muerte, ya que pasaron exactamente cinco años entre la publicación del libro y su asesinato. Y cuyo tema principal es el Tiempo, de hecho Lorca la subtituló 'La leyenda del Tiempo'. ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS forma parte del llamado “teatro imposible” de Lorca, junto a “El Público” y “Comedia sin título”. Lenguaje onírico, personajes simbólicos, expresionismo y surrealismo, donde la escenografía tiene especial importancia. Lorca plantea cuatro espacios en la obra: la habitación del Joven, la de la Novia, el bosque y la escenita. Y en todos ellos están presentes las escaleras. Según Ricardo Iniesta "En esta ocasión la idea era que hubiera varias escaleras iguales de manera que adoptaran diversas posiciones y en algunos casos los actores las pudieran manipular. Por otro lado recuperamos la idea de los espejos creando una cristalera que es en realidad una escalera expresionista que recuerda un poco El gabinete del Dr. Caligari de Murnau."   Este montaje no resulta uno más para Atalaya. La primera puesta en escena de esta obra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1986 significó el lanzamiento del grupo sevillano; aquel espectáculo recorrió treinta provincias de todo el país. Carmen Gallardo recibió el premio a la actriz revelación del año en Madrid. En aquella ocasión el elenco estaba constituido por seis jóvenes actores que por vez primera afrontaban teatro de texto, al igual que el propio director. Treinta años después Ricardo Iniesta y Carmen vuelven a llevar a escena este texto mágico. La obra posee una enorme riqueza de colores y atmósferas que la hacen insólita en el panorama teatral español. «La leyenda del tiempo» resulta de una tremenda modernidad. El lenguaje que prima es el onírico, pero también subyace un clima desasosegante que lo aproxima al teatro de la crueldad. Los personajes de la obra no poseen nombre, son proyecciones del protagonista, que a su vez representa una metáfora del propio autor.  

NOTA DEL DIRECTOR

Cuando Lorca finaliza Así que pasen cinco años no podía imaginar que las premoniciones que aparecen en la obra se harían trágica realidad para él y para todo el país… “Cinco años… día por día” desde que firma el manuscrito sería asesinado en su propia tierra... En 1936 se abrió “un pozo donde cayeron todos”… unos literalmente y otros en sentido metafórico. Ochenta años después siguen algunos miles esperando que se les saque de aquellos “pozos”…  por más que otros piensen como el Viejo de la obra que “la sangre se seca y lo pasado pasado”. En todo caso en la obra el único personaje real es el Joven; el resto resultan proyecciones suyas o diferentes encarnaciones de la “muerte”, en diferentes claves… siempre inquietantes. La leyenda del tiempo, como la subtitulara Lorca, tiene una profunda influencia del surrealismo, así como de la experiencia vivida por su autor en Nueva York, que se plasmaría en sus poemas y El público. Ante la frialdad de la recepción de ambas por parte de sus más allegados solía decir que eran obras del ‘teatro imposible’ para su tiempo… que se valorarían cuando pasaran cinco décadas. Justamente en el 86, cuando se cumplían 50 años de su asesinato, Atalaya estrenó la primera versión, que suponía también el primer montaje de teatro de texto para nosotros y que nos daría a conocer por todo el país. Volver a él ha sido como regresar al paisaje de la niñez, tras realizar un largo viaje en el que hemos recorrido muchos otros  de la mano de grandes autores.

Ricardo Iniesta

    [caption id="attachment_27625" align="aligncenter" width="684"] ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS Foto: Félix Vázquez[/caption]  

REPARTO

Elena Amada Aliaga  Novia / Niño muerto / Otras máscaras Jerónimo Arenal   Criado / Padre de la novia / Arlequín Manuel Asensio   Viejo / Otras máscaras / Jugador de cartas Carmen Gallardo   Criada Silvia Garzón   Maniquí / Muchacha José Ángel Moreno   Amigo / Arlequín / Jugador de cartas María Sanz    Mecanógrafa / Gata muerta / Otras máscaras Raúl Sirio Iniesta   Joven Raúl Vera    Amigo/Jugador de rugby / Payaso / Jugador de cartas  

FICHA

Dirección, dramaturgia y espacio escénico: Ricardo Iniesta Ayudante de dirección: Sario Téllez Composición musical: Luis Navarro Dirección y seguimiento coral:  Esperanza Abad y Marga Reyes Maquillaje, peluquería y estilismo:  Manolo Cortés Vestuario: Carmen de Giles Iluminación: Miguel Ángel Camacho Fotos: Félix Vázquez Coproducción Centro Dramático Nacional y Atalaya-TNT DESCARGAR CUADERNO PEDAGÓGICO  

• Prefiero recordar hacia mañana - El País

   

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TEATRO QUEVEDO

  The Phantom House Producciones presenta HANSEL Y GRETEL, LA AVENTURA CONTINÚA, una versión del cuento de los Hermanos Grimm en formato musical. A partir del 2 de abril, todos los sábados a las 12:30h. en el Teatro Quevedo La compañía “The Phantom House” trae consigo el bagaje y experiencia de muchos profesionales de las artes escénicas que tras años trabajando por cuenta ajena, decidieron iniciar un proyecto común para poder realizar proyectos sólidos y con un estilo propio, que pese a moverse por una red más independiente, trata de conseguir que la excelencia escenográfica y artística no se vean mermadas por el simple hecho de ser una compañía alternativa.  

SINOPSIS

Hansel y Gretel han crecido, viven felices con su padre y no recuerdan nada de lo que pasó, pero lo peor es que ya no están tan unidos como cuando eran pequeños. Sus vidas cambiarán de golpe con la llegada de una nueva y poderosa bruja, Maligna, una hechicera que pretende destruir el bosque de Lusen y a todos sus habitantes para encontrar una poderosa piedra. Con la ayuda del duende Dión y Athan, Príncipe de las Hadas, tendrán que recordar y enfrentarse a este nuevo peligro si quieren salvar su hogar, pero para ello tendrán que hacerlo juntos. ¿Conseguirán los hermanos resolver su problemas y derrotar a Maligna? Pero sobre todo ¿Habrá de nuevo un final feliz?  

FICHA

Autor: Los Hermanos Grimm Dirección: Juan Luis Peinado Diseño de escenografía: Jota García Diseño de vestuario: Tocado y Hundido Diseño de Iluminación y Sonido: Miriam Lison Música original: Gregorie L. Una producción de The Phantom House Producciones Fechas y horarios: A partir del 2 de abril, todos los sábados a las 12:30h. en el TEATRO QUEVEDO   [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/hansel-y-gretel-el-musical-familiar_e306401/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

NAVE 73

 

Convertidos en una generación que está en el limbo de la pérdida de la hermosura, nos estamos convirtiendo poco a poco en escarabajos...

  Sudhum Teatro presenta LA BELLEZA DEL ESCARABAJO, estrenada en La Nave de Cambaleo dentro de la programación del Festival Surge 2015. Dirigida por Gustavo del Rio y con un reparto formado por Nicolás Gaude, Juan Caballero, Enrique Gimeno y Ana Petite. Se podrá ver los Jueves de abril a las 20:30h. en Nave 73. A través de la exploración con el trabajo gestual y el desarrollo de propuestas textuales e imágenes se sumergen en lo que ha significado la belleza a lo largo de la historia y lo que influye en el día a día de los seres humanos, tocando temas como la cirugía, los trastornos provocados por la búsqueda incansable de lo bello, el síndrome de Stendhal, el mito de Narciso...  

“¿Qué ocurre cuando quieres sostener una belleza que estás perdiendo? ¿Qué es la belleza? Una convención, una moneda que tiene curso en un tiempo y en un lugar.” Henrik Ibsen

  La Belleza del Escarabajo nace del conflicto que genera la belleza y la fealdad dentro del entorno social. Convertidos en una generación que está en el limbo de la pérdida de la hermosura, nos estamos convirtiendo poco a poco en escarabajos. Buscar lo bonito y lo bello donde no lo suele haber y encontrar lo feo donde no suele estar.  

“No queremos libertad de expresión, necesitamos libertad de pensamiento” José Luis Sampedro

  Sudhum es una productora de artes escénicas que representa piezas de  teatro social y educativo dónde los derechos de adultos y niños va más allá de lo puramente artístico. Tienen un compromiso con el público, y con la educación.  

SINOPSIS

Un escarabajo puede atraer lo más feo, como los peloteros que arrastran su propia mierda, a pasar a convertirse en símbolo de belleza, como el escarabajo dorado de los egipcios. Las cuatro fases por las que transita nos servirá para contar el juego cruel de los niños con lo diferente y la perversidad que esconden los cuentos infantiles, en su parte embrionaria; los trastornos alimenticios y el conflicto con el crecimiento en su fase larvaria; el estado ‘ideal’ al que el ser humano aspira y la soledad que conlleva en su transformación en crisálida y la cirugía, la vejez, el ego y las nuevas tecnologías antes de convertirse en el imago o insecto completo.   [caption id="attachment_27563" align="aligncenter" width="696"] LA BELLEZA DEL ESCARABAJO[/caption]  

FICHA

Autor: Creación Colectiva Dirección: Gustavo del Rio Diseño Iluminación y Escenografía: Víctor Colmenero Coreografía: Nicolás Rambau Fotografía: Víctor Barahona Reparto: Nicolás Gaude, Juan Caballero, Enrique Gimeno y Ana Petite Una producción de Sudhum Teatro Fechas y horarios: Jueves de abril a las 20:30h. en NAVE 73   [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/la-belleza-del-escarabajo_e306229/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

TEATRO NUEVO APOLO

 

LOS VIVANCOS presentan

NACIDOS PARA BAILAR

Del 5 de octubre al 10 de diciembre de 2017

    Tras su paso la temporada pasada por el Teatro de la luz Philips Gran Vía, LOS VIVANCOS regresan con su espectáculo NACIDOS PARA BAILAR. Del 5 de octubre al 10 de diciembre de 2017 en el Teatro Nuevo Apolo. NACIDOS PARA BAILAR completa una trilogia que ha llevado a Los Vivancos 9 años completar. 7 Hermanos fue el cuerpo, Aeternum el alma y Nacidos para bailar es la combinación de ambos.   Los siete hermanos (Elías, Judah, Josua, Cristo, Israel, Aaron y Josué) presentan NACIDOS PARA BAILAR, una fusión de danza, música, artes marciales y equilibrismo. La escenografía de NACIDOS PARA BAILAR se integra en la obra no como un mero adorno, sino como un ingrediente activo de la coreografía, con diseños de la mano del Ingeniero Espacial de la NASA Eduardo García Llama. El sello atrevido de Leather Desings, añade una pincelada de fantasía retro-futurista al vestuario de la obra. Una vez más han contado con la colaboración de la Orquesta Sinfónica de Budapest para grabar la banda sonora orquestada por Joan Martorel. Dubstep electrónico, una orquesta sinfónica, un ensamble flamenco y una banda de heavy metal. Todo ello confluye en unas partituras que al estilo de las grandes superproducciones cinematográficas reúne a los maestros del clásico —como Beethoven o Tchaikovski—, con las canciones más emblemáticas del rock y el vibrante ritmo del flamenco.

SINOPSIS

Vivancos - Born to dance. Una obra en la que danza, humor, artes marciales, virtuosismo musical y equilibrismo convergen para crear una bella utopía escénico-musical. Un concierto en el que se combina el flamenco, el metal y una orquesta sinfónica con interpretaciones musicales en directo, un vestuario de alto diseño y una elaborada producción técnica. Con un innovador diseño escenográfico que lleva la danza más allá del suelo convirtiéndola casi en equilibrismo, el espectáculo es una arriesgada exhibición de espectacular atletismo y gran virtuosismo técnico. NACIDOS PARA BAILAR es la combinación de ambos. La unión de lo sacro y lo profano. Para describir esta obra profundamente intima Los Vivancos utilizan un lenguaje coreográfico que presenta la espectacularidad como un fin en si misma. Todo por el espectáculo. El más difícil todavía. Esos son los conceptos sobre los que se erige un estilo artístico salvaje, divertido, irresponsable, que hace que el espectáculo prevalezca ante y sobre todo convirtiendo inevitablemente al artista en un ser egoísta, libre y sin otra responsabilidad que lo que crea. NACIDOS PARA BAILAR: Una fantasía visual a través de la cual Los Vivancos determinan los lazos de sangre que los vinculan... El cuerpo que los divide. Y el alma que los hace Uno.  

 

FICHA

Producción Musical: Joan Martorel Grabación Orquestal : Orquesta Sinfónica de Budapest Vestuario: Luis Hugo Viscarra Complementos en Cuero: Vass Handmade y Leather Designs Calzado Especial: Munich Sport Shoes Asesoría Técnica: Eduardo García Llama Ledsuits: E-Tecnileds Fotografía de Estudio: Carlos Balen Diseño Gráfico: Sagrida Vivancos Jefe de Escenario: David Soro Técnico de Iluminación: Jorge Manuel Elbal Gómez Técnico de Sonido: Mauricio Sánchez Rizo Creación, Dirección, Diseño, Coreografía y Composición : Los Vivancos

Fechas y horarios: Del 5 de octubre al 10 de diciembre de 2017 Jueves 20:30h. Viernes y sábados 21:45h. Domingos a las 20h. en el TEATRO NUEVO APOLO Web: losvivancos.com   [button link="http://bit.ly/2nqEHuW" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [button link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" newwindow="yes"]PARKINGS CERCANOS[/button]

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