Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

 NAVES DEL ESPAÑOL - MATADERO 

   
Al principio no se trata de entender sino de amar” (André Breton.) "Sólo hay dos cosas malas que pueden pasarte en la vida, ser Pablo Picasso o no ser Salvador Dalí." (Salvador Dalí.)
  En un salón destartalado del París de 1937 presenciamos el encuentro de dos grandes genios acompañados por las voces de sus musas: GALA vs DORA MAAR; y Barrabal, el macho cabrío de Picasso: un enfrentamiento surrealista pero muy real y un desenlace arrabalesco. En la tensa atmósfera de este drama se recrea el encuentro de los dos genios discutiendo sus dos obras emblemáticas sobre la Guerra Civil (Premonición y Guernica) en vísperas de la inauguración de la Exposición Internacional de París de 1937, cuando España ardía ya por el odio y la metralla. En este espejismo alucinante los protagonistas se atacan y defienden, y el análisis crítico a que someten a sus respectivas obras no puede terminar sino en una apoteosis sacrificial, liberadora, catártica, arrabalesca, en la que uno de ellos oficia de sacerdote del otro. La visión que cada uno de los protagonistas tiene de la obra del otro ofrece todo un prisma de interpretaciones que Arrabal va diseccionando en un juego de máscaras fascinante. Desmitificación, alienación, ceremonia, locura, ritmo que no puede acabar sino en la inmolación de uno de ellos.  DALÍ versus PICASSO muestra la facilidad de Arrabal para desencadenar una situación, con frescura de diálogos,  vértigo en la acción y, sobre todo, con el intenso patetismo de esos personajes atados a su triste destino, creadores de mundos y de personajes que no son y que se ven abocados a la última ceremonia de la confusión. ¿Qué es ser? ¿Qué no ser? ¿Quién sabe quién es? ¿No es un loco, un quijote, quien lo pretenda?  

FICHA ARTÍSTICA

Autor: Fernando Arrabal Dirección y escenografia: Juan Carlos Pérez de la Fuente Iluminación: José Manuel Guerra Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas Espacio sonoro: Tuti Fernández Diseño video: Emilio Valenzuela Asesor de magia: Alejandro García May Ayudante de dirección: Pilar Valenciano Ayudante escenografía: Emilio Valenzuela Coordinación artística: Rosario Calleja Asistente coordinación: María José Castells Reparto: Antonio Valero, Roger Coma Voces en off: Kouberskaya, Julieta Cardinali Una producción del TEATRO ESPAÑOL Fechas y horarios: Del 12 de febrero al 16 de marzo de 2014 De martes a sábados 20:30 y los domingos a las 19:30.    NAVES DEL ESPAÑOL - MATADERO    

 TEATRO MUÑOZ SECA 

 
  • Hay que deshacer la casa, de Sebastián Junyent. Con Andoni Ferreño y Ramón Langa llegará al Teatro Muñoz Seca el 21 de AGOSTO.
Sebastián Junyent ganó el ganador del Premio Lope de Vega al mejor texto teatral en el año 1985 por Hay que deshacer la casa. La obra, protagonizada por Amparo Rivelles y Lola Cardona fue estrenada en el 85. En Argentina la interpretó Charo López. En 1986 fue llevada al cine por José Luis García Sánchez y protagonizada por Amparo Rivelles y Amparo Soler Leal.   SINOPSIS Dos hermanos –Álvaro y Cosme- separados por la distancia los enfrentamientos tienen que verse, inevitablemente, cara a cara. Uno abandonó la casa familiar para instalarse en París. Los padres quedaron al cuidado del otro, en una pequeña ciudad de provincias. El inevitable reencuentro se produce tras el fallecimiento de los padres. Deben repartirse la herencia en el domicilio familiar. Con cada objeto surge un recuerdo, con cada lote un reproche o una justificación. El deseo de terminar rápidamente con el tenso reencuentro les lleva a iniciar una disparatada partida de cartas, jugándose con ella los lotes. La casa queda levantada, pero la relación fraternal no vuelve a ser la misma tras la catarsis, a ratos divertida, a ratos dramática y siempre emocionante.   FICHA ARTÍSTICA Autor: Sebastián Junyent Versión, adaptación y dirección: Andoni Ferreño Escenografía: Plenum Concept Fotografía y Diseño: Pedro Gato Prensa: Ángel Galán Comunicación Intérpretes: Andoni Ferreño Y Ramón Langa Distribución: Iraya Producciones Fechas y horarios: del 21/08/2014 al 14/09/2014  TEATRO MUÑOZ SECA  
 

 TEATRO MARAVILLAS

    Vuelve uno de los éxitos del musical de nuestro país, PEGADOS, una producción de Kaktus Music se estrenó el 2 de febrero de 2010 en el Almería Teatre de Barcelona. Posteriormente llegó al Teatro Arenal y regresó a Madrid en el 2011 al Teatro Alfil. Ha superado las 400 funciones y después de visitar numerosos teatros de toda España, llega al Teatro Maravillas. Pegados, un musical diferente se ha convertido en el segundo musical español, tras Hoy no me puedo levantar, que se representa en México. En enero de 2012 se estrenó la versión mexicana del musical, producida por Alejandro Gou. Argentina es otro de los países que ha adquirido los derechos y la adaptación argentina se ha estrenado recientemente: el 2 de agosto de 2013 en el Teatro Chacarerean de Buenos Aires. Además, la productora ha vendido los derechos de adaptación y exhibición a Alemania. En estos momentos se negocia la venta a Estados Unidos y Francia.  

SINOPSIS

Chico y chica se conocen en una discoteca y acaban practicando sexo en el baño. Hasta aquí, lo habitual. Pero la trama se enreda cuando chico y chica descubren que no pueden separarse: Se han quedado literalmente enganchados y se ven obligados a acudir a urgencias, donde pasarán un largo rato esperando al doctor -que es a la vez el pianista del espectáculo- con la única compañía de una enfermera poco dispuesta a atenderles. Ambos estarán pegados y obligados a conocerse durante una espera alocadamente cómica y musical. Pegados es la historia de dos jóvenes que se conocen en una discoteca y por esas cosas del azar y la testosterona, terminan consumando el acto sexual en un vulgar lavabo. La historia podría terminarse así, como así terminan muchas historias nocturnas de jóvenes, música y alcohol. Pero nuestros protagonistas se encontrarán con un problema con el que no contaban: debido a una extraña pero médicamente explicable situación, justo al final de su musical y sexual encuentro, el chico no consigue sacar su "aparato sexual" del interior de la chica. Se quedan literalmente PEGADOS. Después de una serie de artimañas sin éxito buscando el modo de despegarse, deciden ir a un hospital. Y aquí es donde empieza nuestra historia. Los dos se encuentran en una misma cama del hospital, unidos, esperando al doctor y con la única compañía de una enfermera que no parece darle mucha importancia al asunto. La espera será eterna, el doctor no llegará hasta el final de la función. ¿Por qué? Pues porque casualmente el doctor es, al mismo tiempo, el pianista del musical, y si deja su sitio en el piano, el espectáculo no podría realizarse. Los dos protagonistas estarán pegados y condenados a entenderse y a conocerse durante esa larga espera en el hospital. Una espera tensa, alocadamente cómica y por encima de todo, musical.  

ELENCO

Chico: Xavi Melero Chica: Patricia Paisal Enfermera: Gemma Martínez Pianista Doctor: Joan Miquel Pérez / JJ Caro

FICHA

Dirección: VÍCTOR CONDE Texto, letras y música: FERRAN GONZÁLEZ Letras y música: ALÍCIA SERRAT Arreglos y Dirección Musical: JOAN MIQUEL PÉREZ Coreografía: ÓSCAR REYES Diseño de sonido: CARLES AULÍ Producción: The Kaktus Music Corporation Escenografía y vestuario: Naudi & Vitarelli Scenography Fecha y horarios: viernes y sábados a las 23:00h. Desde el 7 de febrero al 1 de marzo de 2014 en el TEATRO MARAVILLAS Canal de youtube: pegadosdespega Faceboook: PEGADOSmusical  
 
Tras su exitoso paso por el Teatro Victoria Eugenia de Donostia y en los Centros Culturales Fundación Novacaixa Galicia de Vigo y Pontevedra, "Última edición", el último proyecto de Secuencia 3 junto con Txalo Producciones y Olympia Metropolitana, comenzó su gira el 9 de enero en el Teatre Talia de Valencia. Dirigido por Gabriel Olivares con texto de Eduardo Galán y Gabriel Olivares. Protagonizado por Natalia Dicenta, Ana Ruiz, Javier Martín y Patxi Freytez. El 5 de Noviembre Natalia Dicenta presentó su primer disco en el Teatro Bellas Artes: COLOURS. Y hace dos años brilló con luz propia en la obra Al Final Del Arcoiris, dando  vida a Judy Garland. 'For once in my life', 'Somewhere over the rainbow' o el apoteósico 'Get happy' final serán dificiles de olvidar.

VER OBRA COMPLETA

https://youtu.be/AwMoyNRVqXw

SINOPSIS

Ante la crisis de lectores y el enorme descenso de venta de periódicos, se acaba de practicar un ERE en la redacción de “El Universal”. Sin embargo, es contratada Minerva, una joven y brillante redactora, por la que apuesta el consejo de administración del periódico para que colabore a modernizar la edición digital y a contribuir con su formación al relanzamiento del periódico. Minerva es recibida con recelo por parte de Tatiana Paluzzo, la directora del periódico desde hace 25 años, y por Fuentes, viejo amigo de Tatiana y redactor jefe del diario. En estas circunstancias surge una noticia que puede dar lugar a una investigación periodística que pondría al diario en el foco de la noticia. Escrita en forma de “thriller”, con muchos toques de humor y en tono de comedia, supone un homenaje a películas de la categoría de “Eva al desnudo”, “Armas de mujer” o “Todos los hombres del presidente” y, por supuesto, a series de investigación como la reciente “Homeland”. El final, casi en forma de juego de pícaros, acaba sorprendiendo a todos.

NOTA DE LOS AUTORES

“PALABRAS, PALABRAS, PALABRAS” (Lo dijo Shakespeare, ¿no?) El denominado “cuarto poder” ha servido durante décadas de contrapeso al  poder de los diferentes gobiernos ejecutivos en todos los países democráticos. Gracias al cine hemos contemplado el periodismo como una profesión de ciudadanos entregados a la defensa de la verdad y a la búsqueda de la noticia. Aunque en ocasiones, también hemos contemplado la otra cara de la moneda: el poder de los propios medios de comunicación. Una profesión apasionante. Y hoy en día una profesión sobre la que se ha cebado la crisis económica… De todo ello se habla en “Última edición”, en forma de thriller de investigación periodística con muchos toques de humor. Han sido los periodistas quienes nos han informado de las cloacas del Estado, de una realidad “democrática” de la que no podemos sentirnos orgullosos en un Estado de Derecho. Sin embargo, la crisis económica y el desarrollo de las nuevas tecnologías están conduciendo a la desaparición de los medios de comunicación tal y como han venido funcionado durante el siglo XX y el inicio del siglo XXI. ¿Es el ocaso de la prensa libre o el inicio de una nueva era de la información en donde los blogs y las redes sociales van a sustituir al “viejo periodismo”? En “Última edición” queremos rendir homenaje a una profesión que ha contribuido a hacernos ciudadanos libres. Una profesión que asiste, desconcertada, hacia un futuro incierto. Una profesión que ha recibido homenajes en el mundo del cine en películas inolvidables como “Primera plana”, “Ciudadano Kane” o “Todos los hombres del presidente”. En series españolas de TV como “Periodistas”… “Última edición” es para nosotros, sobre todo, un grito de libertad y de protesta. Un grito contra el conformismo y los buenos modales que nos conducen al hundimiento económico y moral de la sociedad. No es cierto que “todo vale”. En cualquier caso, un poquito de intriga y de sentido del humor nos ayudará a sobrellevar mejor estos tiempos en los que la incertidumbre nos impide mirar la vida con optimismo. Seamos positivos: el teatro es una forma de mirar la vida con una sonrisa en la cara. Y si el final te sorprende, guarda el secreto. No lo divulgues. O como dijo Shakespeare: “palabras, palabras, palabras”. ¿O no? Eduardo Galán y Gabriel Olivares
 

TEATRO DE LA ABADÍA 

 

Teatro de La Abadía presenta

LA PUNTA DEL ICEBERG

de Antonio Tabares

  UN INQUIETANTE THRILLER, un ambiente laboral marcado por la incomunicación y la dependencia enfermiza de la productividad, los resultados concretos, las cifras estadísticas...   El autor Antonio Tabares estrena La punta del iceberg en el Teatro de La Abadía, en Madrid. Sergio Belbel, uno de los autores y directores de teatro catalán, se fijó en este texto en el año 2011 y se puso en contacto con el autor porque quería ponerlo en pie. Dos años después, Belbel ya tiene el plantel seleccionado y el teatro en el que subirá el telón el próximo 26 de febrero de 2014 con una historia de relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil.   "Una obra sobre las relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil"  

SINOPSIS

Una empresa multinacional se ve sacudida por el suicidio de tres de sus empleados en apenas cinco meses. Desde la sede central, la compañía envía a una directiva para llevar a cabo una investigación que trate de aclarar lo sucedido. En sus encuentros con los trabajadores se percibe un ambiente cargado de presión, sin la menor consideración por los intereses personales de cada uno, porque se concede prioridad absoluta a los resultados. Con La punta del iceberg -texto galardonado con el Premio Tirso de Molina 2011 y el Premio Réplica 2012-, La Abadía apuesta por el asombroso talento del dramaturgo canario Antonio Tabares, como en temporadas anteriores ha programado a otros autores pocos conocidos como Paco Bezerra y Manuel Calzada, que a su vez se sumaron a autores-directores como Sanzol y Del Arco y la figura inolvidable de Agustín García Calvo. Sergi Belbel, que como director del Teatre Nacional de Catalunya se esforzó por apoyar la nueva escritura y que descubrió a Jordi Galcerán, vuelve a abordar el tema, tan reconocible para cualquiera y agudizado a raíz de la crisis, de las tensiones en el ámbito laboral que asimismo afectan la vida privada, como hizo en El método Grönholm y en Después de la lluvia.    

FICHA

Autor: Antonio Tabares Dirección: Sergi Belbel Escenografía: Max Glaenzel Diseño de iluminación: Kiko Planas Espacio sonoro: Javier Almela Ayudantes de dirección: Andrea Delicado y Sara Filipa Reis Reparto: Pau Durá, Nieve de Medina, Chema de Miguel, Luis Moreno, Eleazar Ortiz. Producción: Teatro de La Abadía Fechas y horarios: De martes a sábado, 20 h. Domingo, 19 h. Desde 26 de febrero de 2014 hasta 30 de marzo en el    TEATRO DE LA ABADÍA  
https://www.youtube.com/watch?v=snvkNeXbP-g  

TEATRO DEL BARRIO

presenta

LA LENGUA EN PEDAZOS

Domingo 20 y 27 de marzo, 18h.

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ÓPERA DE MADRID

 
  • El 7 de Marzo dará comienzo con “Rigoletto” de Giuseppe Verdi, el ciclo Lírico programado para esta primavera en el Teatro Reina Victoria de Madrid de la mano del empresario teatral Enrique Cornejo y a cargo de “Ópera de Madrid”.
  • ÓPERA DE MADRID nace de la iniciativa de un grupo de artistas decididos a crear la primera compañía privada de España con una temporada lírica estable.
  • Dos empresarios privados, Enrique Cornejo y “Ópera Madrid”, aúnan sus esfuerzos en un compromiso común con la cultura musical. Se encuentran ilusionados y desean que este proyecto sea un referente en la ciudad de Madrid para toda España y para el turismo tanto nacional como internacional.
  Un proyecto que busca cambiar la imagen que el gran público tiene de la ópera y la zarzuela. La ópera es mucho más que un espectáculo para élites. Y proponen una vía alternativa entre las propuestas extremadamente vanguardistas, incomprensibles para el gran público y las visiones tópicas, simplistas y anticuadas que ofrecen algunas compañías de bajo presupuesto. Ópera en Madrid de calidad a precios competitivos.  
La primera temporada de Ópera de Madrid comienza del 7 al 30 de Marzo con RIGOLETTO, de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave, basada en la obra teatral Le Roi s'amuse, de Víctor Hugo. Del 4 al 27 de Abril llegará EL BARBERO DE SEVILLA, de Gioachino Rossini y libreto de Cesare Sterbini, basado en la comedia de Pierre-Augustin de Beaumarchais. Del 1 al 25 de Mayo LA BOHÈME, de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la novela por entregas de Henry Murger. El programa doble compuesto por “Agua, Azucarillos y Aguardiente” y “La Gran Vía”, ambas del maestro Chueca,  se podrán disfrutar del 30 de Mayo al 22 de Junio entre semana. Y la mañana de los domingos del mes de Mayo se representará ”Carmina Burana” (La Cantata). Completan este ciclo, los Jueves Líricos con Conciertos a piano los días 20 y 27 de marzo, 10 y 24 de abril, 15 y 22 de mayo y 12 y 19 de Junio. Dirección escénica: Carlos Wagner. Dirección Musical: Alexis Soriano,José Fabra. Una producción de Zommeropera para el Festival de Alden Biesen Bélgica. TEATRO REINA VICTORIA Facebook: operademadrid  

ZARZUELA , PROGRAMA DOBLE: "LA GRAN VIA" Y "AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE"

  Programa doble en el Teatro Reina Victoria, Ópera de madrid presenta las zarzuelas “Agua, azucarillos y aguardiente” y “La Gran Vía”. Agua, azucarillos y aguardiente es una zarzuela en un acto con música de Federico Chueca y libreto de Miguel Ramos Carrión. Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897. “Agua, azucarillos y aguardiente” era un grito habitual de los vendedores callejeros en el Madrid de finales del siglo XIX. La Gran Vía es una zarzuela en un acto y cinco cuadros con música de los maestros Federico Chueca y Joaquín Valverde y libreto de Felipe Pérez y González estrenada en el Teatro Felipe de Madrid el 2 de julio de 1886 y representada después largamente en el Teatro Apolo. Del 30/05/2014 al 22/06/2014    
 
 

 TEATRO VALLE-INCLÁN

    La novela de Fernando Fernán Gómez 'El viaje a ninguna parte' se publicó en 1985. Relata la historia de una compañía de teatro itinerante que viaja por los pueblos de Castilla-La Mancha desde el comienzo del franquismo hasta que los cines casi acaban por completo con estas pequeñas compañías. La figura central de la historia es Carlos, un hombre de mediana edad al que acompañan su padre, su hijo, una prima jovencita, otra prima, la novia del personaje central y un amigo; todos ellos forman la compañía Iniesta-Galván. La novela cuenta la vida de esta gente y cómo tienen que ir amoldándose a las circunstancias de la época; cómo algunos de ellos deciden tomar otro camino y abandonar el teatro. Mediante el personaje del «jodío peliculero», Fernán Gómez narra cómo las pantallas de cine y los cines de barrio fueron restando protagonismo a estas compañías de teatro. En 1986 el propio Fernando Fernán Gómez dirigió la versión cinematográfica de El viaje a ninguna parte (1986).   Basada en una novela de Fernando Fernán Gomez, uno de los grandes nombres del teatro y el cine del siglo XX en España (actor, director y escritor) El viaje a ninguna parte cuenta la decadencia y muerte de una compañía de teatro ambulante que viaja por los pueblos de la España profunda en los años 50, representando obras del repertorio cómico en cafés, casinos o plazas. El viaje a ninguna parte es una crónica del cambio de los tiempos, de la desaparición de una forma de ejercer la profesión, arrinconada por el auge del cine, la radio y otros entretenimientos, y también un retrato de la vida rural en plena dictadura franquista, en unos tiempos de hambre, miseria y pobreza espiritual y cultural, poblado por unos personajes, medio artistas, medio pícaros, que aman y odian su oficio a partes iguales. Es un texto lleno de humor, melancolía y humanidad; un homenaje al teatro y a los cómicos, que fue llevado al cine, pero que, por la naturaleza de su argumento, encuentra en el teatro su destino natural. Ignacio del Moral  

FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

Nació en Lima (1921) y murió en Madrid (2007). Actor, escritor, guionista y director de teatro y de cine. Fue miembro de la Real Academia Española desde el año 2000 hasta su fallecimiento. Hijo de los actores Carola Fernán Gómez y Luis Fernando Díaz de Mendoza, debutó como actor profesional, en 1938, en la compañía de Laura Pinillos. Allí le descubrió Enrique Jardiel Poncela, quien le dio su primera oportunidad, dos años más tarde, al ofrecerle un papel en Los ladrones somos gente honrada. En el cine, interpretó su primera película, en 1943, y dos años más tarde ya como protagonista participó, junto a Conchita Montes, en Domingo de carnaval. Intervino en casi doscientas películas, más de treinta obras de teatro, treinta espacios de televisión; y dirigió veintiocho películas, cuatro obras de teatro y seis programas de televisión. Así mismo escribió once novelas, once obras de teatro, dos libros de poesía, varios libros de literatura infantil, de memorias y múltiples artículos y ensayos. Entre sus textos de teatro hay que destacar: Morir cuerdo y vivir loco; Defensa de Sancho Panza; Los invasores de palacio; El Pícaro; Ojos de bosque; Las bicicletas son para el verano; La coartada; Los domingos bacanal y Del Rey Ordás y su infamia. En teatro interpretó, entre otras, las siguientes obras: El alcalde de Zalamea; Un enemigo del pueblo; La pereza; La vil seducción; Mayores con reparo; El caso del señor vestido de violeta; Es peligroso asomarse al exterior y Madre, el drama padre. Cabe destacar entre sus películas: Balarrasa; Esa pareja feliz; La venganza de Don Mendo; Ana y los lobos; El espíritu de la colmena; El amor del Capitán Brando; El anacoreta; El viaje a ninguna parte; Mambrú se fue a la guerra; Esquilache; Belle Époque; Tranvía a la Malvarrosa; Plenilunio; El abuelo; La lengua de la mariposa; Todo sobre mi madre; En la ciudad sin límites; Para que no me olvides o La silla de Fernando. Múltiples premios consiguió a lo largo de su exitosa carrera; entre ellos: Premio Nacional de Teatro (1985); Premio Nacional de Cinematografía (1989); Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1995); Premio Mariano de Cavia (1999); Medalla de Oro de la Academia de las Artes (2001), así como varios premios en el Festival de Berlín, Venecia y San Sebastián, seis premios Fotogramas de Plata, dos de la Unión de Actores y la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio a título póstumo, otorgada por el Gobierno de España (2007).    

FICHA

Versión: Ignacio del Moral Dirección: Carol López Escenografía: Max Graenzel Iluminación: Juan Gómez Cornejo Vestuario: Myriam Ibáñez Música: Luis Miguel Cobo Videoescena: Álvaro Luna Ayudante de dirección: Anna Rodríguez Costa Reparto: Amparo Fernández, Antonio Gil, Andrés Herrera, Olivia Molina, José Ángel Navarro, Tamar Novas, Miguel Rellán, Camila Viyuela. Producción: Centro Dramático Nacional Fechas y Horarios: 14 de febrero a 6 de abril de 2014 Martes a sábados: 20:30 horas. Domingo: 19:30 horas    TEATRO VALLE-INCLÁN  
 

TEATROS DEL CANAL 

 
  • Garage D´Or es un relato sobre el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad.
  Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en España de Garage D’Or, un espectáculo dirigido por Michael Vogel e interpretado por la compañía Familie Flöz, en el que se relatan la impotencia de los padres, el poder de las circunstancias y el anhelo de libertad. Este montaje estará en Madrid 5 únicas funciones del 23 al 26 de enero en la Sala Roja. Apretados en la estrechez de su cocina, el cielo se nubla sobre Bruno, Lothar y Hermann, densificando el deseo de huir de todo lo terrestre: sus esposas exigentes, sus hijos difíciles de educar, sus vidas aparentemente fracasadas. Impulsados por un ansia imposible de satisfacer, empujan una puerta que ya no pueden volver a cerrar. Su misión les lleva por la vastedad inimaginable del espacio y hasta las más oscuras profundidades de sus propios seres. Con esta nueva producción de teatro gestual y de máscaras, conocido internacionalmente por su poesía y humor, Familie Flöz sigue adentrándose en el extenso campo del otro lado de la palabra y en la búsqueda de una lengua teatral internacional. Las máscaras actúan como sismógrafos del alma humana: en un momento hacen llorar de risa y en el próximo parecen lograr detener el tiempo. Familie Flöz hace teatro con medios que “preceden” al lenguaje oral. Todas las piezas se fundamentan en un proceso de creación colectiva, en el que los intérpretes actúan también como autores de las figuras y situaciones. Al no existir un grupo fijo, cada pieza encuentra un nuevo conjunto de actores, quienes junto a la obra deben desarrollar también sus propios métodos de trabajo a lo largo del proceso de prueba. Los fundamentos artísticos y artesanales del grupo están determinados por el estudio en la Folkwang-Hochschule de Essen, siendo uno de sus principios unir entre sí, de modo fructífero, las diferentes disciplinas artísticas. Las características máscaras de Flöz son también una herramienta importante para el desarrollo del material dramático y de las figuras. De modo similar a un texto, una máscara no sólo aporta una forma, sino también un contenido. El proceso de desarrollo de una máscara, desde el juego de las primeras pruebas hasta llegar a la simbiosis entre actor y máscara, es literalmente decisivo para el resultado. El actor tras la máscara escribe la escena con su cuerpo, en el aire. Una FAMILIE FLÖZ co-producción con el Theater Duisburg y La Strada Graz con apollo de Festival Anjou, Stadsschouwburg Utrecht y Centro Servizi Culturali Santa Chiara. FICHA Dirección: Michael Vogel Máscaras: Hajo Schüler Escenografía: Michael Ottopal, Andrey von Schlippe Vestuario: Julia Moritz Música: Dirk Schröder Luces: Reinhard Hubert Art Work, Video: Silke Meyer Video, Animación: Andreas Dihm Asistencia de Dirección: Sandy Schwermer Manager de Producción: Gianni Bettucci Asistencia de Producción: Henrike Beran Asistencia: Marina Rodriguez Llorente Foto: Jan von Holleben Creación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri, Michael Vogel. Interpretación: Anna Kistel, Björn Leese, Benjamin Reber, Hajo Schüler, Kenneth Spiteri. Fechas y horarios: del 23 al 26 de enero. Jueves y viernes 20.00 h. Sábado 17.30 y 21.30 h. Domingo 18.30 h. Sala Roja de los TEATROS DEL CANAL    

 TEATROS DEL CANAL

  • Dirección de  Albert Boadella. Una comedia sobre el inmortal personaje de José Zorrilla en el que ironiza sobre una versión contemporánea del clásico con el actor Arturo Fernández, que interpretará el papel del comendador don Gonzalo.
A través de un accidentado y divertido ensayo del mito de Don Juan, Albert Boadella enfrenta a una joven generación de actores con otro mito del teatro español: Arturo Fernández, cuyas consideraciones sobre la vida y el teatro compiten con las fobias y delirios machistas de una belicosa directora empeñada en un Juan Tenorio vanguardista. Una joven y moderna directora se propone montar un Don Juan Tenorio concebido desde una óptica contemporánea. Su empeño es demostrar la caducidad del personaje pues según sus razones el mito es hoy totalmente ficticio, anacrónico y machista. Ella considera los versos y las situaciones como simples residuos de un mundo desaparecido. La teoría podría funcionar razonablemente bien, pero en el casting toma una arriesgada decisión: contrata al actor Arturo Fernández para el personaje del comendador Don Gonzalo. A partir de ello, la intrépida directora se enfrentará a una ardua tarea con el fin de mantener su tesis. Una tarea que se complica considerablemente al intentar realizarla frente al experimentado actor, que va desbaratando con sus acciones cada uno de los principios de la joven directora. Sobre Ensayando Don Juan, por Albert Boadella Posiblemente, la joven y belicosa directora Angie, lleva toda la razón. Don Juan Tenorio ha venido justificando entre el género masculino de varias generaciones españolas la apología de un estilo y unas actitudes un tanto villanas ante la mujer. El arte crea la moda y la obra de Zorrilla, aunque solo sea por su popular reiteración, condicionó la mirada de los hombres bajo la coartada de un Tenorio cuyas delirantes tropelías suscitaban una cierta simpatía y condescendencia social. Esta herencia es la que Angie no puede soportar e intenta contrarrestarla eliminando cualquier rasgo romántico u heroico del argumento. Bajo una forma de narración amparada en una supuesta modernidad, y sirviéndose de sus actores, trata de poner en relieve los perversos y prepotentes objetivos machistas que ella atribuye al Don Juan. La cruzada de Angie no está falta de sensatez si nos referimos a los contenidos pero las formas acaban por ganarle la partida ya que los valores caducos, como suele suceder, adquieren con el paso del tiempo una pátina novedosa y singular que les infunde un nuevo y poderoso atractivo. Albert Boadella   FICHA Dirección: Albert Boadella Autoría: Albert Boadella (basado en la versión de Eduardo Galán del Don Juan Tenorio de Zorrilla) Escenografía: Anna Alcubierre/ Albert Boadella Iluminación: Bernat Jans Asesora artística: Dolors Caminal Ayte. dirección: Martina Cabanas Asesoría de verso: Chelo García Sastrería: Isabel López Utilería: Ana María Serpa Regiduría: Mar Eguiluz Dirección de producción: Leticia Martín Producción: Teatros del Canal y Clece.  Productor asociado: Secuencia 3 REPARTO Fernando (Don Gonzalo el Comendador) : Arturo Fernández Angélica (Directora de escena): Mona Martínez Blanca (Doña Inés): Sara Moraleda Cristian (Don Juan): David Boceta Manolo (Jefe técnico): Janfri Topera Miguel (Actor): Jesús Teyssiere Paco (Actor): Ricardo Moya FECHAS Y HORARIOS: Entre el 6 de febrero y el 2 de marzo de 2014 De martes a sábados a las 20.00 h. Domingos a las 18.30 h       TEATROS DEL CANAL  
https://www.youtube.com/watch?v=mp1bx3St0Po
   

 TEATRO DE LA ABADÍA 

   

Sobre la posibilidad de ser algo más que una rata ante la policía

El policía de las ratas” de Roberto Bolaño es un thriller, una historia detectivesca sobre la diferencia y el arte. Un cuento que rinde homenaje, pone en cuestión y finalmente supera en tensión dramática a ese relato corto de KafkaJosefina la Cantora o El pueblo de los ratones”. En estos momentos, en que somos vistos más como una masa controlada (con la que se comercia y se manipula) que como seres humanos, es cuando más se precisa reclamar el espacio para el brillo individual y creativo de cada uno.  No ser simple contabilidad para los poderes políticos y económicos.  Lo individual, lo “raro” y lo “extraño” debe existir también junto a lo  colectivo.   Un relato duro y cruel sobre el mundo bajo las alcantarillas como reflejo de nuestra sociedad desgastada y de su alienación. La historia de un detective solitario en busca de un asesino en serie, donde Bolaño reclama ese espacio para la individualidad, para la diferencia. Una diferencia que precisa de un trabajo continuo para sobrevivir y que muchas veces resulta incomprensible para los que nos rodean. Y donde  se reclama un espacio a la figura del poeta, del artista. Cuando toda la cultura parece ser apreciada mayoritariamente por sus estadísticas de venta y ocupación, Bolaño reclama, critica, ataca y defiende ese espacio para la literatura y el arte fuera del “folletín”. Ese espacio del arte por el arte. Ese espacio donde todo puede devenir poesía y excelencia independientemente del comentario y juicio populista. Fuera de “lo normal”. Fuera de lo que gusta a la mayoría. Fuera de “la opinión general”. Un relato triste y algo enfermizo donde triunfa la fórmula bolañil: LITERATURA + ENFERMEDAD = LITERATURA. Y de la buena. Poco queda por aportar desde la dirección escénica. Simplemente dejar fluir las palabras en boca de grandes actores.  Sin prisas y con matices. Apenas movimiento. Solo verbo hecho acción. Dejar que la página en blanco quede trazada por la diminuta y fina caligrafía de su autor para provocar el silencio en una sala acogedora. Un silencio triste con gotas de humor y sombra poética. Invadido de ese querer saber más del género policíaco. Àlex Rigola     FICHA Autor: Roberto Bolaño Adaptación y dirección: Àlex Rigola Escenografía: Max Glaenzel y Raquel Bonillo Vestuario: Berta Riera Iluminación: August Viladomat Ayudante de dirección: Jordi Puig "Kai" Reparto: Andreu Benito y Joan Carreras Una producción de Teatre Lliure y Heartbreak Hotel, en colaboración con La Abadía, Temporada Alta, La Biennale di Venezia y Trànsit Projectes. 29 enero - 23 febrero, 2014  TEATRO DE LA ABADÍA  
 
 

TEATROS LUCHANA

 

Domingos a las 19:30h.

 

MASKED

Un pequeño pueblo en el lado occidental de Cisjordania. 1990. Una carnicería Tres hermanos.

 
  • Regresa MASKED de Ilan Hatsor a la cartelera teatral madrileña. A partir del 3 de Septiembre los  domingos en los Teatros Luchana.
  • La joven directora Iria Márquez se enfrenta a un duro y difícil texto que nos habla de política, familia... pero sobre todo habla de libertad.
  Desde su estreno en Israel en 1990 hasta hoy, la obra ha sido representada en más de cien países del mundo. Su llegada en el año 2007 al Off-Broadway de Nueva York tuvo una excelente acogida por parte de la crítica y el público y dinamizó la proyección internacional de este texto de Ilan Hatsor.   El planteamiento que hace el autor israelí Ilan Hatsor, sobre el drama familiar de tres hermanos palestinos consigue que la esencia dramática de la obra no se centre en el enfrentamiento de dos posiciones políticas. El autor incide en la ruptura de los lazos fraternales y en la desaparición del amor en una situación de conflicto extremo. Como en muchas de las obras en las que los personajes son víctimas de una situación que les sobrepasa, Masked nos habla del miedo, la falta de libertad, la traición o la vengaza.  

SINOPSIS

Masked plantea la situación de conflicto que viven tres hermanos palestinos durante la Primera Intifada (1987-1993): el levantamiento de los habitantes de la franja Gaza y Cisjordania contra los israelíes. El hermano mediano, Naim, es el líder de un grupo de resistencia palestino y el hermano menor, Khalid, siguiendo sus pasos ha entrado en la misma organización. Existen sospechas de que el mayor de los tres hermanos, Daoud, es un colaborador israelí y los líderes de ese grupo de resistencia acudirán esa misma noche a la carnicería en la que trabaja Khalid para interrogarle. Naím quiere saber la verdad sobre esa acusación antes de que eso ocurra. Este es el punto de partida de Masked. Desde ese momento, la acción de la obra se sostiene a través de tres personajes que desesperadamente buscan una verdad que minuto a minuto les alejará cada vez más de una posible solución. Una de las grandes paradojas que nos muestra la obra es cómo al luchar por tu libertad pueden quedar anuladas por completo tus posibilidades de elegir. Si no puedes elegir, no tienes libertad, y si no tienes libertad, no tienes nada.  

MASKED en los Teatros Luchana

 

FICHA

AUTOR: Ilan Hatsor. DIRECCIÓN: Iria Márquez REPARTO: Pedro Santos / Carlos Jiménez Alfaro / Antonio Lafuente – Mon Ceballos TRADUCCIÓN: Álvaro Vázquez (a partir del inglés Masked Written by Ilan Hatsor. Translated by Michael Taub. Ed. Samuel French. INC) DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Sergio Balsera ESPACIO SONORO: Víctor Abad ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: Seven Inks PRODUCCIÓN: Seven Inks y Álvaro Vázquez Duración: 75 min Fechas y horarios: Domingos 19:30h. en los TEATROS LUCHANA  
https://www.youtube.com/watch?v=TervEGAjMNM&w=640&h=360