Histórico

TRES HERMANAS - PRODUCIR EN COMPAÑÍA

 Difícilmente alguien pueda explicarlo mejor que María Pastor en el vídeo. Por tanto me limitaré a citar sus palabras:

"Con una profunda fe en el futuro. Siendo conscientes de la situación cultural en este país. Comprometidos con una realidad, un grupo de actores hemos decidido seguir apostando por la calidad, por la dignidad de un trabajo bien hecho, por la dedicación. Por esa razón hemos decidido montar TRES HERMANAS. ¡Vámonos a Moscú! Hacia Moscú en la búsqueda de la excelencia. Apostando por un trabajo profundo, con contenido. Que nos ayude a entender la situación que nos rodea, luchando contra el desencanto que parece haberse apropiado de nuestra profesión.

Creemos que TRES HERMANAS nos invita a reflexionar sobre la pérdida de valores, producidos por la crisis económica, social, espiritual del momento. TRES HERMANAS nos invita a asumir la responsabilidad de preservar esos valores frente a la estupidez humana.

Gente que apueste por la calidad, que luche por dignificar una profesión como la nuestra. Nosotros no somos caras conocidas, pero somos grandes profesionales, comprometidos y sobre todo con una fe en el futuro. Ayúdanos a conseguir UN GUSTO TEATRAL."

 

Campaña de crowdfunding. TRES HERMANAS

¿Quiéres convertirte en micromecenas de la obra Tres Hermanas de Chéjov?En estos momentos de incertidumbre ante la crisis, los empresarios de teatro, asfixiados, entre otras cosas, por el IVA cultural, no se permiten arriesgar sin ayudas oficiales ni caras conocidas. El desánimo y el desencanto se han instalado en el sector teatral y esto ha llevado a acciones desesperadas para sobrevivir, como aceptar la multiprogramación, los ensayos no remunerados, o ir a taquilla… Las compañías no pueden trabajar con la dignidad y la serenidad necesarias, y terminan por hacerlo en condiciones irregulares. Por otro lado, el público sufre las consecuencias.Luchando contra la vulgaridad y el desencanto, desde GUINDALERA Teatro apostamos por la dignidad y el compromiso, manteniendo el nivel de exigencia habitual y decididos a abordar los cambios necesarios para ello. Ahora proponemos PRODUCIR EN COMPAÑÍA, una forma alternativa en la que incluimos al público, a instituciones, programadores, periodistas… 

Otra forma de producir es posible: PRODUCIR EN COMPAÑÍA.

¿Qué significa producir en compañía?Significa compartir la responsabilidad entre el público y los equipos artísticos y de gestión en la producción de una obra teatral. Estableciendo diferentes grados de participación en una estructura transparente al servicio de un proyecto. DISFRUTANDO del proceso de creación, tanto los que actúan como los que aplauden.La Asociación Cultural Escena Abierta, entidad que gestiona el Teatro GUINDALERA, actúa como PLATAFORMA del proyecto, facilitando la infraestructura tanto administrativa, como local de ensayos, almacén, taller de decorados y vestuario, que está respaldado por los socios que APADRINAN BUTACAS, y que por tanto también consideramos MICROMECENAS de Tres hermanas. ¿Cómo puedo ser micromecenas productor de Tres Hermanas?Hay diferentes maneras de colaborar:   

→ Para más información entra en la página vivelaguinda

 

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SALA CUARTA PARED

 

Del 19 de octubre al 8 de noviembre 2015

 Se presenta en la Sala Cuarta Pared la 1ª Edición Essencia - Festival de la Teatralidad¿Por qué un nuevo festival cuyo objeto es la teatralidad? Porque creemos que vale la pena encontrarse  para ver, hablar y pensar el teatro.Essencia se propone aunar exhibición y reflexión, por tanto, acogerá en su programación formatos diversos, ya sean espectáculos acabados, trabajos en proceso o exploratorios que mostrarán las búsquedas de diversos creadores sobre la teatralidad. Y siempre, después de cada jornada, habrá un encuentro entre espectadores y creadores. De eso se trata, de posibilitar ese encuentro. 

PROGRAMACIÓN

 

• 24h. DE CREACIÓN EN DIRECTO. Desde las 18h. del 19 de octubre hasta las 18h. del 20 de octubre

Cía. 6 Humanos Dirección: Cecilia Valencia Intérpretes: Ana Petite, Analía Scarano, Chechu Zeta, Irene Martín, Sonia MerryEntrada libre -sin reserva- hasta completar aforo 

• EXPLORATORIO : ATRACTORES EXTRAÑOS. 23 de octubre – 20h.

Exploratorio dirigido Por José Sanchis Sinisterra Con la participación de: Julia González, Eli Zapata, Óscar del Pozo, Yuval Brodsky, Antonio Sansano, Raúl Marcos  

• EXPLORATORIO: INTERSTICIOS. 24 de octubre – 20h.

Exploratorio dirigido por Borja Ortiz de Gondra Con la participación de: Marta Poveda y Laura Ortega En conversación con: Alfredo Sanzol 

• EXPLORATORIO: DIOSES. 2 de noviembre - 20h.

Exploratorio dirigido por Julián Fuentes Reta Con la participación de: Jorge Muriel, Pilar Gómez, Iñaki Rubio, Iván Arroyo,  Mónica Dorta 

• PANGEIA. 30 de octubre – 20h.

 Cía Limiar teatro / Acaso Danza Dirección y dramaturgia: Bárbara Aguiar e Fran Núñez Textos y adaptación dramatúrgica: Fran Núñez   Dirección musical, gestual y asistente de dirección: Jose Carlos Illanes Pangeia es un espectáculo multidisciplinar (teatro, danza, música y cocina), con una dramaturgia fragmentaria y siete intérpretes de distintas nacionalidades  que tras una gira internacional por Brasil y Portugal llegan para hablarnos de los ciclos de la tierra, de la humanidad, de las personas.  

• ESTA NOCHE MORIRÉ. 31 de octubre – 20h.

 

 

Fernando Marías

Dirección: Vanessa Montfort Dramaturgia: Fernando Marías y QY Bazo Producción: Nuevenovenos Colabora: Hijos de Mary Shelley y Nuevo Teatro Fronterizo

• 24h. DE AMOR. 1 de noviembre – 20h.

 Cía. 6 Humanos Dirección: Cecilia Valencia Intérpretes: Ana Petite, Analía Scarano, Chechu Zeta, Irene Martín, Sonia Merry  

• LLOPIS. 6 de noviembre – 20h.

 

Cía. La teta calvaTexto, dirección, actor, escenografía e iluminación: Xavo Giménez Diseño sonoro: Lukas Lemann Fotografía y prensa: Iaia Cárdenas Ilustración: Julia Valencia  Un solo actor. No hay técnicos, no hay músicos, no hay nadie más que Llopis /Giménez accionando su mundo. Un universo minúsculo de luces caseras, cámaras domésticas, comida rápida, instrumentos country y una fabulosa historia que contar, la de este llanero solitario que es Llopis.  

• TEATRO EXPRÉS. 8 de noviembre – 20h.

Asociación de Autores de TeatroUn fin de semana de agitación teatral  

LAS NAVES DEL ESPAÑOL

 

EL JURADO de Avanti Teatro con dirección de Andrés Lima

Del 14 de abril al 15 de mayo de 2016

 

Un político está acusado en un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática donde el jurado popular deberá tomar una decisión: ¿culpable o inocente?

  

EL JURADO es un retrato de la sociedad española y su posicionamiento ante nuestro sistema judicial

 

• EL JURADO se estrena el 2 de abril de 2016 en el Teatro Tomás y Valiente de Fuenlabrada y llega a Las Naves del Español el 14 de abril.

 EL JURADO es una apuesta decisiva de la compañía Avanti Teatro ('El Profeta Loco', 'El Encuentro'), con Eduardo Velasco y Cuca Escribano al frente, que llevan un año preparando un proyecto al que se ha ido uniendo un equipo artístico de gran nivel, entre los que destacan Beatriz San Juan (al frente de la dirección de arte y del espacio escénico), Jesús Durán (responsable del espacio sonoro y la música) o Paloma del Alba (creadora del vestuario). Con un reparto formado por Eduardo Velasco, Isabel Ordaz, Canco Rodríguez , Luz Valdenebro, Pepón Nieto, Usun Yoon, Josean Bengoetxea, Víctor Clavijo y Cuca Escribano.'El Jurado’ está explícitamente inspirado en ‘Doce hombres sin piedad’. Pero no se trata de una versión ni de una adaptación: es una obra original, de Luis Felipe Blasco Vilches, que sigue las pautas dramáticas que marca el celebrado texto original de Reginald Rose. 

SINOPSIS

El motor del proyecto de ‘El Jurado’ es el convencimiento de que el sistema judicial español es víctima de la corrupción política. No es una cuestión de ideologías sino de honradez y vergüenza. En ‘El Jurado’, dos de los personajes tienen una ideología muy marcada, a la izquierda y a la derecha, y ambos desde posiciones opuestas coinciden en criticar las mismas debilidades del sistema. Tratamos de hacer un retrato social de la España de hoy. De sus excesos y nuestras miserias…La obra se sitúa de manera convencida dentro del teatro social. Un político ha sido juzgado con un jurado popular, llega el momento del veredicto final. Todo esto obliga a definir a priori cuál va a ser el posicionamiento desde el que se va a abordar el texto y posteriormente el montaje.Dicen que el verdadero poder de un pueblo soberano está en elegir democráticamente en las urnas a los políticos que le gobiernan. ¿Qué ocurrirá cuando sea el pueblo quien tiene que declarar culpable o inocente a la persona que hay tras el político? ¿Dónde acaba lo público y empieza lo privado? 

NOTA DEL DIRECTOR

De entrada, el título te coloca directamente en un proyecto interesante. Por su actualidad, universalidad y por ser un tema que nos cuestiona desde que cómo seres humanos empezamos a organizar este curioso invento al que llamamos sociedad. Avanti Teatro me propuso dirigir esta obra de Luis Felipe Blasco Vilches y enseguida me propuse aceptar. Por varias razones: lo primero que me sucedió fue un viaje en el tiempo, me vi a mi mismo comentando en el patio del colegio el Estudio 1 de la noche anterior.Toda España había visto ‘12 Hombres sin piedad’ (obra de Reginald Rose que inspira ‘El Jurado’). A todos nos apasionó la defensa de José María Rodero o las acusaciones de José Bódalo y muchos se vieron representados en la indolencia deportiva de Sancho Gracia. Vibré con ese Estudio 1, y me gustará volverlo a hacer con ‘El Jurado’.Después de esta regresión, conecté con el estilo sencillo y directo de buen dialogador que es Luis Felipe. ‘El Jurado’ es teatro dinámico, interesante, que te mantiene pegado al texto como los clásicos thrillers judiciales de Holywood: ‘Testigo de cargo’, ‘Anatomía de un asesinato’ o la propia ‘12 Hombres sin piedad’ con Henry Fonda a la cabeza. Y en tercer lugar me removió en la silla las preguntas que la obra plantea, ¿es justa la justicia? ¿puede haber más de una moral en un jurado popular? ¿confiamos en nosotros mismos como ciudadanos a la hora de juzgar?. La justicia en España está de moda, lamentablemente por los abundantes casos de corrupción. Es hora de atender desde todos los puntos de vista este problema que condiciona nuestra democracia y la confianza del pueblo en nuestros políticos. Siempre he pensado que el mundo será más justo si respeta los principios de Igualdad, libertad y fraternidad. Pero todavía debemos esforzarnos en ser libres en una sociedad justa, ser todos iguales ante la ley y entender que las relaciones entre los seres humanos sólo serán creativas si consideramos al otro un hermano, no un enemigo. Este montaje puede ayudar a comprender las palabras de Lincoln: ¿Por qué no tener confianza en la justicia del pueblo? ¿Hay en el mundo esperanza mejor o que pueda igualarla?

Andrés Lima

  [caption id="attachment_28723" align="aligncenter" width="706"] ‘El Jurado’ © Luis Castilla / elNorte Comunicación[/caption] 

SINOPSIS

Un político sentado en el banquillo de los acusados por un gran caso de corrupción. El delito cohecho. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Llega la hora de la deliberación y EL JURADO popular tiene que tomar una decisión: culpable o inocente. La moral, la ética y el deber de cada uno de ellos está sobre la mesa. ¿Estarán preparados para tomar una decisión justa? ¿Es justa la justicia? ¿Qué hubiera hecho yo? Son preguntas que se quedarán en la memoria del espectador.El retruécano actual de uno de los poderes del estado nos impulsa a tomar cartas en el asunto: si la justicia hace teatro, el teatro debe hacer justicia. Creemos que tanto la corrupción política como su beneplácito judicial se cimenta en una moral que vertebra parte de nuestra sociedad. El poder no corrompe: el poder permite actuar al corrupto de condición. La moral del jurado es un espectáculo teatral en el que esa moral viciada es puesta de manifiesto, analizada y cuestionada con el propósito de que cada espectador se lleve a casa un interrogante. No se trata sólo de denunciar la parcialidad de la justicia, sino también de sembrar en cada uno de los espectadores la pregunta: ¿qué hubiera hecho yo?  

FICHA

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TEATRO VALLE INCLÁN

 

Viernes 20 de noviembre de 2015 a domingo 10 enero de 2016

De  Fiódor Dostoievski Dirección  Gerardo Vera Versión  José Luis Collado

 

Gerardo Vera dirige esta producción del Centro Dramático Nacional que se estrena el 20 de noviembre en el Teatro Valle Inclán: LOS HERMANOS KARAMÁZOV de Fiòdor Dostoyevsky.

La versión corre a cargo de José Luis Collado, responsable de la versión de 'El cojo de Inishmaan' y miembro de la productora de Gerardo Vera : Grey Garden. Vestuario de Alejandro Andújar, quien ha diseñado el vestuario de casi todos sus últimos montajes. El responsable de Iluminación, Juan Gómez Cornejo; y el videoescenista, Álvaro Luna completan el equipo ya habitual en las producciones dirigidas por Gerardo Vera.La composición musical de Luis Miguel Cobo tiene un gran protagonismo en la obra. Como es habitual en los montajes del Gerardo Vera la utilización de la música tendrá vital importancia.La versión teatral de José Luis Collado tiene un breve prólogo, a modo de acotación, y tres actos. El Acto 1 con 9 escenas, el Acto 2 con 7 escenas y el Acto 3 con 6 escenas.El excelente reparto esta formado por Juan Echanove, Óscar de la Fuente, Fernando Gil, Markos Marín, Antonio Medina, Antonia Paso, Marta Poveda, Lucía Quintana, Chema Ruiz, Ferran Vilajosana,Eugenio Villota y  Abel Vitón.  

 Los hermanos Karamázov es la última novela de Fiódor Dostoievsky. Empezó a escribirla en 1878 y la terminó en 1880, tres meses antes de su fallecimiento. El autor se inspiró en la historia de un compañero en sus años de reclusión en Siberia. El subteniente Llin fue condenado a 20 años de trabajos forzados por el asesinato de su padre. Mucho tiempo después, en el año 1862, Dostoievski se enteró de que había sido acusado injustamente y era inocente. Los hermanos Karamázov es una obra inmensa que abarca grandes temas. La religión y la moral, la política y la economía son cuestiones sociológicas desarrolladas por Dostoievski. Desde un aspecto psicológico los sentimientos de los personajes nos llevan a estudiar la culpa, el remordimiento, la redención, el perdón y el castigo.Los personajes de Dostoievski son ellos y lo contrario. Fiódor Karamázov pasa de la barbarie a la ternura, del lobo al niño pequeño. Fiódor es un hombre real, pero tiene la maldición y la bendición de los Karamázov. Es capaz de lo mejor y de lo peor. El padre y el hijo mayor tienen una relación de brutalidad y de sexo. Los personajes de Dostoievski son enciclopédicos y en ese aspecto no se les acaba de conocer nunca. Los Karamázov son capaces de ver la inocencia en la maldad, la vida y la muerte en un segundo, y ese es también Dostoievski. Fue llevada al cine en 1958 por Richard Brooks y en 1969 por Iván Pýriev.  

La escenografía

Gerardo Vera firma también la escenografía de la obra. Un espacio de grandes dimensiones, con un pasado lujoso pero decadente, como reflejo de la decadencia moral de la herencia de Fiódor Karamázov. Dos grandes cortinas de tiras plásticas, envejecidas, con restos de sangre. El resto, es negro, de manera que el vestuario y los pocos elementos de atrezzo, de colores fuertes, cobran una gran importancia visual.En cuanto al atrezzo, se ha tendido a la utilización de lo mínimo posible, dejando así el peso de cada una de las escenas en la labor actoral. De esta forma, un cubo mugriento nos sitúa en la cárcel, una palangana en un monasterio y una alfombra y una lámpara en el reservado de un tugurio ruso, adquiriendo así cada uno de los elementos la categoría de símbolo. [caption id="attachment_21921" align="aligncenter" width="440"] Bocetos de Gerardo Vera[/caption] 

NOTA DEL DIRECTOR

El proyecto largamente acariciado de poner en escena Los hermanos Karamázov empezó a convertirse en realidad un día en que, sentado en un café con Juan Echanove, de pronto vi aparecer en sus ojos el brillo de la inspiración y tuve el convencimiento de que este desafío común empezaba a apoderarse de él como ya se había apoderado de mí. No había vuelta atrás: Fiódor Karamázov estaba sentado frente a mí, por fin se iba a hacer realidad el sueño compartido de trabajar juntos.En un largo proceso creativo junto a José Luis Collado conseguimos adaptar una de las grandes cumbres de la novela universal, siempre al amparo de Dostoievski, que nos ha guiado y deslumbrado con ese monumento a la compasión humana y a la comprensión de la naturaleza oscura de los hombres. Un proyecto así solo tiene un camino: escuchar con pasión, respeto y admiración a un novelista ruso, europeo y universal que, como todos los grandes artistas, al final solo habla del hombre, mirándolo con la más potente lente de aumento y con la mayor compasión de la que es capaz.

Gerardo Vera

 

 Todo está en los rusos. Como todos los clichés, este también esconde una realidad: la explosión creativa que dio lugar en la Rusia decimonónica a algunas de las cumbres de la literatura universal. El binomio Tolstoi-Dostoievski, al que inevitablemente hay que añadir a Chéjov, supuso un florecimiento de la cultura rusa que supo trascender sus fronteras y marcar un hito irrepetible en la historia de la creación humana.Enfrentarse a la que quizá sea la cumbre de esa explosión literaria, a una  obra maestra sin paliativos, a un referente del que han bebido novelistas de todo el planeta a lo largo de los siglos, requiere un alto grado de valor, o quizá de inconsciencia. Manipular, transformar la novela de Dostoievski para convertirla en una pieza destinada a los escenarios supone un enorme ejercicio de destilación de las esencias y de los grandes temas que el genial novelista modeló como nadie. Una tarea titánica a la que no sé si me habría atrevido de no haber contado con el respaldo constante de quien habría de dirigirla. Ha sido un largo y arduo proceso creativo a cuatro manos, porque Gerardo Vera tenía una idea muy clara del espectáculo que quería, y en torno a esa idea hemos levantado el andamiaje sobre el que construir la obra.Un reto apasionante y terrorífico que se ha visto ampliamente  recompensado en cuanto los actores han insuflado vida con sus voces y sus cuerpos a esos personajes icónicos que ya forman parte del imaginario universal. Porque esa es la otra pata imprescindible de este emocionante proyecto: un reparto de grandísimos actores y actrices que se han lanzado a tumba abierta hasta el fondo del alma de cada uno de los personajes, que han convertido un montón de palabras en seres de carne y hueso, que han incorporado en sus propias almas las grandezas y miserias que Dostoievski retrató dos siglos atrás. Pocas veces tiene uno la oportunidad de sumergirse en universo humano  tan rico en matices, de dejarse empapar por los grandes misterios de la naturaleza humana: el amor más allá de lo posible, el renacimiento a través del sufrimiento, el odio como expresión del amor y todos los complicados mecanismos psicológicos y resortes emocionales que hacen del ser humano lo que es.

José Luis Collado

 

 

FICHA

Texto: Fiòdor Dostoyevsky Dirección y escenografía: Gerardo Vera Versión: José Luis Collado Iluminación: Juan Gómez-Cornejo Vestuario: Alejandro Andújar Música y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo Videoescena: Álvaro LunaREPARTOFiódor Karamázov      Juan Echanove Smerdiakov       Óscar de la Fuente Dimitri Karamázov      Fernando Gil   Ivan Karamázov       Markos Marín   Padre Zosima / Juez      Antonio Medina Fenia / Jojlakova / Sofía Ivánovna    Antonia Paso Grúshenka       Marta Poveda Katerina        Lucía Quintana Musialowicz / Fiscal      Chema Ruiz    Alekséi Karamázov      Ferran Vilajosana Monje / Wróblewski / Fetiukóvich / Jefe de policía Eugenio Villota Grigori / Trifon      Abel Vitón  Fechas y horarios: Viernes 20 de noviembre de 2015 a domingo 10 enero de 2016 de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas en el TEATRO VALLE INCLÁNDESCARGAR DOSSIER

• Atención obras - Gerardo Vera habla de sus "Hermanos Karamazov"
• Gerardo Vera y los demonios - El Mundo
• Para quitarse el sombrero: 'Los hermanos Karamazov' en el Teatro Valle-Inclán - Tendencias21.net
• «Los hermanos Karamázov» - Julio Bravo
• Los hermanos Karamázov según Vera y Echanove - Miguel Gabaldón
• La sala - Marta Poveda, Fernando Gil, Lucía Quintana y Oscar de la Fuente- en Los hermanos Karamázov

 

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CONDE DUQUE

 

Teatro para niños a partir de un año en el Centro Cultural Conde Duque

El 27 de diciembre  la compañía Escena Miriñaque visita el Centro Cultural Conde Duque con su montaje Cucu Haiku 

• Una delicada obra visual y poética para niños a partir de un año protagonizado por el gusano Cucu • Siete mariposas dejan en un jardín zen sus colores para pintar el mundo • El montaje recibió el premio FETEN 2013

Un espectáculo para niños a partir de un año en el que poesía y gestualidad se unen para trasladarnos hasta un hermoso jardín zen en el que siete mariposas dejan sus colores para crear un bello mundo. Otoño, invierno, primavera y verano son los escenarios de las cosas sencillas y sus grandes cambios, porque todos crecemos y nos transformamos como le ocurrirá a nuestro protagonista, un gusano llamado Cucu. Cuarenta minutos que harán disfrutar a grandes y pequeños de un mundo protagonizado por los sentidos, la poesía y el teatro.El montaje fue galardonado en el año 2013 con el premio FETEN. 

SINOPSIS

Una delicada obra visual y poética para los más pequeños. La magia del color y del instante presente. En un jardín zen siete mariposas nos dejaron sus colores para pintar el mundo. Otoño, invierno, primavera y verano son los escenarios de las cosas sencillas y sus grandes cambios, porque todos crecemos y nos transformamos como le ocurrirá a nuestro protagonista, un gusano llamado Cucu. 

ESCENA MIRIÑAQUE

Antes del 2000 ni rastro de E.M. estábamos terminando nuestra formación en distintas escuelas de Arte Dramático, ingenuamente nos lanzábamos hacia el efímero oficio del teatro pero… En 2001 empezamos a darnos cuenta que no era suficiente y que en este empleo uno no termina nunca de formarse. Por eso en el 2002 se nos ve marchándonos hacia otros destinos: Estados Unidos, Francia, Madrid… en pos de formadores y formaciones ; técnicas interpretativas, doblaje, dirección, pedagogía teatral, danza, gesto, en el camino vamos sumando talentos… En 2003 la vida nos enseñaba que detrás de los que están brillando bajo los proyectores había muchos otros artesanos y colaboradores que trabajaban en la sombra … teníamos mucho que aprender…y nos empeñábamos en ello, gestión cultural, administración, comunicación… En el camino seguimos sumando talentos. 2004 nos hizo comprender que “el teatro solo existe cuando se hace” y lanzamos nuestra primera producción profesional “Kraft”. Este espectáculo definiría nuestra estética. Buscamos un estilo propio orientándonos hacia la creación y la divulgación del teatro contemporáneo, investigamos nuevos lenguajes escénicos y el mestizaje de diferentes vanguardias. Escena Miriñaque S.C. se consolida en el 2006 con la creación y gestión de un espacio artístico propio que sirve de residencia de la compañía 

FICHA

Dirección y creación: Blanca del Barrio Intérpretes: Esther Velategui y Eva Sanz/Iria Angulo/Esther Aja Producción: Escena MiriñaqueEdad recomendada: a partir de 1 añoFechas y horarios: 27 de diciembre a las 11:00 y 17:00 en el CONDE DUQUE

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Cucu Haiku - Trailer from Escena Miriñaque on Vimeo.

Un joven bailarín español hace historia

 El joven bailarín, Gonzalo Preciado Azanza, ha hecho historia al convertirse en el primer bailarín español en unirse al mundialmente conocido Latvian National Ballet (Ballet Nacional de Letonia) y, con ello, entrar en la selecta lista de bailarines extranjeros que han formado parte de las mejores compañías de la Escuela Rusa de Ballet Clásico a lo largo de su prolongada y afamada trayectoria. En la actualidad es el único bailarín extranjero de la compañía de Riga que no se ha formado en una de las escuelas de ballet clásico de estilo ruso.El célebre y casi centenario Latvian National Ballet (antes conocido como el Riga Ballet) es una de las compañías más grandes y prestigiosas del mundo. Fundado en 1922 siempre ha sido considerado la tercera institución mas importante en la antigua Unión Soviética, tras el Bolshoi de Moscú y el Mariinsky (Kirov) de San Petersburgo.La compañía esta formada por un 98% de bailarines graduados en su propia escuela, The Riga Choreography School (donde se han formado grandes estrellas del ballet ruso como Mikhail Barisnikhov, Alexander Godunov o Maris Liepa), lo que le permite a la compañía mantener una uniformidad de estilos y un cuerpo de baile homogéneo.Con sede en el espléndido Teatro de la Opera de Riga, orgullo nacional de los letones, cuenta actualmente con más de 70 bailarines fijos, llegando a tener más de 100 bailarines en escena para las grandes producciones, y un extenso repertorio de más de 20 producciones y un centenar de actuaciones por temporada incluyendo todos los grandes ballet clásicos, algo que muy pocas compañías son capaces hoy en día. Riga, Capital Europea de la Cultura 2014, es conocida por su vibrante actividad cultural con numerosos teatros y festivales a lo largo del año, y es cuna de renombrados artistas internacionales como los ya nombrados bailarines de ballet Mikhail Barisnikhov, Alexander Godunov o Maris Liepa, las cantantes de opera Kristine Opolais y Elina Garanca, el director de cine Sergéi Eisenstein o el director de orquesta Mariss Jansons. [caption id="attachment_20800" align="aligncenter" width="692"] Gonzalo Preciado Azanza[/caption] Gonzalo Preciado Azanza, aragonés de ascendencia vasco-riojana, empezó su formación de ballet a la temprana edad de 7 años, por recomendación médica para ayudar a corregir sus pies planos y valgos. Un año mas tarde, fue aceptado en el Conservatorio Municipal Profesional de Danza de Zaragoza. Nadie podía sospechar entonces que se convertiría en bailarín clásico, ya que además de tener los pies planos, su espalda no era especialmente flexible. Sin embargo, su gran capacidad de trabajo y sacrificio le hicieron mejorar día a día y superarse a si mismo, hasta que en 2011 su vida cambió por completo al ser aceptado en el prestigioso English National Ballet School.Se trasladó a Londres para continuar su formación en esta institución tras haber recibido la Dance and Drama Award (DaDa). Se graduó en 2014, obteniendo el Level 6 in Proffesional Dance por el Trinity College London.Sin embargo, una lesión en el pie derecho meses antes de su graduación le hizo replantearse sus objetivos, posponiendo el inicio de su carrera profesional, para volver a España y perfeccionar su técnica en el Estudio de Danza de María de Ávila reconocido internacionalmente por haber formando a bailarines de la talla de Víctor Ullate, Ana Laguna, Trinidad Sevillano o Gonzalo García Portero. Ha sido este verano cuando, con 20 años, ha pasado a formar parte del Latvian National Ballet. Con esta compañía ha tenido ya la oportunidad de bailar en diversas producciones tales como: Sleeping Beauty, Giselle, La Bayadere, Raymonda, Coppelia o en la Season Opening Gala Concert.Anteriormente, tuvo la oportunidad de participar en producciones con otras compañías incluyendo el desgraciadamente extinguido Ballet de Zaragoza, LaMov Cia de Danza o el prestigioso English National Ballet, así como de haber participado en diferentes galas como la competición Young British Dancer of the Year 2013 en Londres o el Gran Concierto de Año Nuevo 2015 en Zaragoza. Latvian National Ballet

TEATRO LARA

 

Viernes 22:15h y Sábados 23:15h

AISLADOS, escrita y dirigida por David Marqués y protagonizada por Héctor Montolíu y Sayago Ayuso.

Aislados es la adaptación de la película del mismo título. Una divertidísima comedia que participó en multitud de festivales de todo el mundo en los que cosechó galardones y críticas entusiastas. Durante los años que han pasado desde su estreno ha ido ganando adeptos hasta convertirse en un film de culto. Y ahora, en una obra diferente, original y muy, muy divertida. 

SINOPSIS

Marcelo, estresado y agobiado por la vida en la gran ciudad, llega a Ibiza para pasar un fin de semana con su amigo de la infancia, Héctor, un jeta para el que la ley del mínimo esfuerzo es su modo de vida. Héctor reside en una casa perdida en el centro de la isla que pertenece a un amigo francés ausente. Marcelo va a ir descubriendo poco a poco que su colega parece tener un secreto que puede cambiarle la vida para siempre.

Una comedia sobre la amistad y todas esas cosas... 

FICHA

Texto y dirección: David Marqués Elenco: Héctor Montolíu y Sayago AyusoFechas y horarios: Estreno: 18 de septiembre. Viernes 22:15h y Sábados 23:15h en el TEATRO LARA 

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LA NAO 8

 

La Barca Teatro presenta

PRAGA de Javier de Dios

 

PRAGA es una obra de Javier de Dios (el texto se encuentra publicado por Ediciones Antígona) que dirige el propio autor y protagonizan Julián López Montero, Juanma López y Susana García Burgos. La producción de La Barca Teatro se estrenó el 15 de marzo de 2013 en el Teatro Lagrada y en noviembre del mismo año se pudo ver en la Sala Tú. Una obra magnífica, publicada y con excelentes críticas que merece continuidad en la cartelera y una mayor atención de los programadores.

No se pierdan PRAGA , los sábados a las 22:30h. en La Nao 8. 

SINOPSIS

Beni y Jaime son pareja desde hace veinte años. Y grandes amigos de Susana desde hace más aún. Esta noche han preparado una cena para ella: buen menú, buen vino, buena música… Y el verano madrileño como confidente de una velada que se prevé encantadora: los tres van a disfrutar en plena confianza del humor, la complicidad y los mejores recuerdos.Pero no cuentan con un plan oculto urdido entre Susana y Beni. Ni con los secretos, las sorpresas y los impulsos que afloran inesperadamente entre los tres y ponen a prueba el amor y la amistad.¿Y si el pasado no fuera como lo recordamos? ¿Y si el futuro no cuadra con nuestra invención? ¿De qué nos escondemos ahora?Entre los equívocos y el vértigo, entre carcajadas y revelaciones, una sola cosa  permanece nítida para Beni, Susana y Jaime: siempre hay un lugar al que deseas volver. Y ese lugar es Praga.Praga es una comedia para tres personajes que juega con las convenciones de la comedia de salón para abordar desde ellas y no sin ironía una temática habitualmente alejada de ese tipo de fórmula: el amor, la amistad y el paso del tiempo entre una pareja gay de larga duración y una amiga de juventud de los dos hombres. Praga trata sobre cómo crecer, cómo quedarnos con lo bueno que hemos vivido y mantener a raya el egoísmo y el desánimo, cómo ver a quien tenemos al lado, cómo apostar por el presente y, sobre todo, por el futuro. Aspectos comunes a cualquier pareja –a cualquier persona- independientemente de su orientación sexual.Praga es, en definitiva, un brindis vitalista por el presente y el futuro de una generación que conquistó libertades personales y sexuales en los años ochenta y que hoy por hoy, desde la madurez, no renuncia ni a seguir disfrutando de esas mismas libertades ni a defender el reconocimiento de su dignidad. Una dignidad que es la de todos.  

 

FICHA

Coordinación técnica / ESTHER RAMOS Difusión / JORGE CACHERO Diseño gráfico y fotografía  / JAVIER NAVAL Diseño de iluminación / DAVID J. DÍAZ Vestuario y espacio escénico / LA BARCA TEATRO Producción / LA BARCA TEATRO Ayudante de dirección / SAGRA G. VÁZQUEZ Dirección / JAVIER DE DIOSReparto: JULIÁN L. MONTERO, JUANMA LÓPEZ y SUSANA G. BURGOS.Fechas y horarios: Ssábados a las 22:30h en LA NAO 8

• Por un mundo más civilizado - Berta Muñoz Cáliz
• FINO CRISTAL DE BOHEMIA TEATRAL - Coral Igualador
•  Hay que volver a PRAGA -  Alberto Morate
• Praga, de Javier de Dios, el lugar donde fuimos inmortales - Luis Muñoz Díez (Revista Tarántula)

  

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rdE. Praga from CTRO. DE DOCUMENTACION TEATRAL on Vimeo.[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

NAVE 73

 

NACIENDO, LO ÚLTIMO DE ‘LAS PODEROSAS’ POR PRIMERA VEZ EN NAVE 73

Un ejemplo de superación, de dignidad y de lucha. Así son Las Poderosas, un colectivo de teatro guatemalteco conformado por un grupo de mujeres sobrevivientes de las más cruentas situaciones de violencia que un día encontraron en el teatro la herramienta perfecta para redimirse de su dolor. Rosa, Lesbia, Telma A., Adelma y Telma Sarceño, han recorrido ya más de medio mundo contando su historia con el apoyo de múltiples organismos internacionales que han querido dar voz a estas mujeres que lograron plantarle cara a la violencia de género gracias al teatro.El próximo 27 de octubre llegan por primera vez a Nave 73 para presentar su último trabajo: Naciendo. Un proyecto que nace de la investigación sobre la sexualidad, el origen y la guerra de la que han sido víctimas sus protagonistas. “Hablamos con nuestras madres, con nuestras hijas, con nuestras nietas y con mujeres sobrevivientes del conflicto armado, buscando las huellas de nuestra historia, de nuestro país, la historia de nuestros cuerpos”. Naciendo se adentra en la historia reciente de Guatemala, a través de las huellas que ésta ha dejado en la historia de Las Poderosas y sus familias. Su cuerpo, su identidad, su sexualidad y su historia, son mapas desde los que intentar entender e iluminar el complejo lugar que habitamos.   “Tratar de entender las sombras y la luz, la violencia que seguía habitándonos, cantar o hablar sobre cómo hacemos el amor, fueron formas de mirar a los ojos ese camino tan ancho que cada una de nosotras guarda adentro. Mirarlo como si fuera un río. Es el lugar desde el que estamos Naciendo”. 

SINOPSIS

Naciendo parte de nuestra sexualidad, nuestro origen (indígena negado) y la guerra en Guatemala. Una guerra que dejó 250.000 muertos pero que sigue golpeándonos.Hablamos con nuestras madres, con nuestras hijas, con nuestras abuelas buscando las huellas de nuestra historia, de nuestro país, la historia de nuestros cuerpos.Tratar de entender las sombras y la luz, la violencia que seguía habitándonos, cantar o hablar sobre cómo hacemos el amor, fueron formas de mirar a los ojos ese camino tan ancho que cada una de nosotras guarda adentro. Mirarlo como si fuera un río. Es el lugar desde el que estamos naciendo. 

FICHA

Una creación escénica de Las Poderosas Teatro. Textos e interpretación: Telma Ajin, Adelma Cifuentes, Rosa García, Lesbia Téllez y Telma Sarceño. Creación musical: Domi Hunziker. Producción: Las Poderosas Teatro. Diseño de Iluminación: Marcela Flores Méndez y Marco Canale. Asesoría artística: Luisa Pardo y Gabino Rodríguez. Dramaturgia y dirección: Marco Canale.Fechas y horarios: Martes 27 de octubre a las 20:30h. en NAVE 73 [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/naciendo_e300248/"]COMPRAR ENTRADAS[/button] 

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Voilà Producciones presenta

A LA LUNA

De Cynthia Miranda y Daniel García

"IMAGINAD EL MUNDO EN EL QUE QUERÉIS VIVIR... Y VIVIRLO" 

A LA LUNA es un sorprendente espectáculo que aúna teatro y cine de animación para dar forma a una mágica historia llena de ternura y fantasía.

Voilà Producciones presenta A LA LUNA , un espectáculo para público familiar de Daniel García Rodríguez y Cynhia Miranda que tuvo su estreno a principios de año en La RESAD, y donde obtuvo excelentes críticas. Desde entonces no ha parado de crecer. Con más de cien representaciones por toda la geografía española, A LA LUNA fue  el primer espectáculo familiar que desembarca en El Pavón Teatro Kamikaze.

A LA LUNA nació de la necesidad de hablar de un mundo adulto a través de la mirada de una niña. Nuestra protagonista lleva su mundo de fantasía hasta sus últimas consecuencias, enfrentada a los límites impuestos por los adultos.

Con música de Oscar Botello, escenografía de Elisa Cano Rodríguez y Yeray González, y con los dibujos que ellos mismos trabajaron junto con Eva de la Cruz, que aportó su sello a través del vibrante color de cada escena. Todo su trabajo, junto con el texto y animaciones, encajan a la perfección con la actriz Esther Díaz de Mera. Gracias a una coreografía que solo puede ser ejecutada con precisión milimétrica, Esther consigue que nos creamos cada movimiento, cada conversación, cada plano imposible de A LA LUNA.

LA OBRA

A LA LUNA nace de la idea de trabajar el teatro desde un punto de vista audiovisual, donde una simple pantalla sirve para transportar al espectador a diferentes mundos. Dibujos animados, escenarios que cobran vida, planos imposibles... y una actriz. Gracias a la integración de ésta en escena se consigue construir un relato lleno de fantasía donde todo es posible.Una técnica compleja de animación y mapping al servicio de una  historia donde la imaginación es la mejor herramienta para construir la realidad. Todo para contar una pequeña gran historia, llena de color y diversión para los más pequeños, y a la vez espectacular y conmovedora para los adultos.La universalidad del relato –emocionante y cercano– mezclado con una sorprendente puesta en escena ha llevado a A la luna a recorrer el mundo. Aún inmersos en la gira nacional, en tan solo un año los gansos de Tara ya han viajado a lugares tan dispares como el festival Off de Avignon de 2016, a Buenos Aires en una producción encabezada por la actriz Florencia Torrente, o a París, donde puede verse en la Grande Comedie.

SINOPSIS

Durante los años 60, Tara pasa los veranos en la granja observando las estrellas y soñando con ser astronauta. Mientras el mundo está inmerso en la carrera espacial, ella vive fascinada con las historias que le cuenta su ingenioso abuelo. Hasta que la desaparición de éste, la lleva a embarcarse en la misión más importante de su vida: Salvar el destino de la luna con la ayuda de una peculiar bandada de gansos.A LA LUNA es un sorprendente espectáculo que aúna teatro y cine de animación para dar forma a una mágica historia llena de ternura y fantasía.Tara es una niña que vive fascinada por las estrellas y la ciencia. Pero lo más divertido son los amigos que la ayudan en su aventura espacial: una bandada de gansos dispuestos a viajar al espacio exterior.El personaje principal está interpretado por Esther Díaz de Mera que soporta todo el espectáculo acompañado de los demás personajes animados. Además hemos tenido colaboraciones especiales de Victor Manuel Coso (que pone voz al padre y al científico) y de Juan Pedro Schwartz (que pone voz al abuelo de Tara)

La Compañía

Voilà Produciones es el resultado de la convergencia de profesionales del medio teatral y audiovisual en búsqueda de la combinación de ambos entornos artísticos.Voilà Producciones es ejemplo de la cohesión de gente de la tradición teatral, con reconocidos técnicos y artistas del mundo audiovisual. Iluminadores, músicos, guionistas, realizadores, escenógrafos o video-creadores se reúnen para darle al teatro una nueva dimensión que pueda transportar al espectador más allá del escenario.

 

LA RESPIRACIÓN

 

Teatro de La Abadía y LAZONA presentan

LA RESPIRACIÓN

de Alfredo Sanzol

Del 7 de junio al 2 de julio de 2017

 

“Soy una náufraga en mi propia cama”

 

- Ganadora de dos Premios Max de las Artes Escénicas en su 20ª EDICIÓN (2017): Mejor actriz protagonista NURIA MENCÍA y Mejor autoría teatral ALFREDO SANZOL. -

 

Regresa LA RESPIRACIÓN la nueva joya de Alfredo Sanzol (Max Mejor Autor 2011 por 'Delicadas', Max Mejor Autor 2012 por 'Días Estupendos', Max Mejor Autor y Mejor Espectáculo 2013 por 'En la luna' y Max Mejor autor 2017 por 'La Respiración'). El reparto lo forman: José Ramón Iglesias, Nuria Mencía, Verónica Forqué, Pietro Olivera, Martiño Rivas y Camila Viyuela.

 

“Quiero volver a tener una familia”; con esta frase inequívoca de Nagore comienza la primera escena. Las peripecias de la obra, que se suceden con una aceleración propia de la comedia pero sin impedir que aflore la emoción, son el recorrido que Nagore necesita para coger aliento para poder abordar una nueva etapa vital y afectiva. Para explorar en sí misma y a su alrededor un mundo desconocido. No en balde una de las citas literarias que Sanzol toma como referencia para esta obra es esta: “Para venir a lo que no sabes, has de ir por donde no sabes.” (Juan de la Cruz Subida al Monte Carmelo)

La respiración habla de la facilidad, o no, de asumir cambios vitales; en este sentido algunos de los personajes parten de una actitud flexible, otros van aprendiendo. También habla del carácter excluyente y posesivo del amor frente a una energía más abierta, compartida. Y de la conexión entre mente y cuerpo, que se nutren y se reflejan el uno al otro; de ahí la importancia de cuidar de ambos.Sanzol ha desarrollado la obra en estrecho contacto con los actores. Previo al periodo de ensayos, todo el reparto y el equipo ha compartido dos talleres que han servido para que brotara la trama y el texto. Así, la trama que imaginó en un primer momento se ha ido transformando.Esta obra cuenta, en clave de comedia, las alegrías y penas de una mujer separada, Nagore, en trance de recuperar su autoestima y de rehacer su vida. Gracias a los consejos de su madre, que tiene una intensa vida amorosa, este proceso se convierte en una verdadera aventura.La respiración teje una red de relaciones familiares y afectivas, que ayudarán a Nagore a encontrar un nuevo equilibrio. 

NOTA DEL AUTOR

La Respiración es un regalo para todos los que hayan visto el  pabellón de su autoestima en lo más alto gracias al amor. Para todos los que hayan visto el pabellón de su autoestima en lo más bajo gracias al amor. Para todos los que hayan conseguido que la posición del  pabellón de  su  autoestima no dependa de nadie. Para todos los que sienten y piensan que a pesar  de  lo  que  hagas con  el  pabellón de tu  autoestima  cuando  te  enamoras te la juegas. Para todos los que se la juegan. Para todos los que ganan. Para todos los que pierden. Para  todos los que han conseguido aprender a empatar con la vida. Alfredo Sanzol  

 

SINOPSIS

La Respiración parte de un hecho dramático, la separación de una mujer que lleva 15 años con su pareja, y ve como un día de la noche a la mañana todo se termina. Nagore (Nuria Mencía) viene sufriendo la pérdida desde hace un año y siente que está en crisis, no se encuentra, no sabe qué hacer, sigue echando de menos mucho a su ex. Su madre (Verónica Forqué) aparece entonces en escena y le azota la conciencia con sus consejos, le sugiere que se deje llevar por una fantasía, que se adentre en otros mundos, que empiece a descubrir otras posibilidades para que no se quede aferrada a un solo recuerdo. La memoria tiene que servir para crear cosas nuevas, le dice, hay que vaciar el cuerpo y la mente como quien vacía un armario para que entren cosas nuevas.Nagore entonces hace caso a su madre y deja que entren en su vida un profesor de yoga (Pietro  Olivera), su hermano fisioterapeuta (José Ramón Iglesias) y su hijo que es preparador físico (Martiño Rivas). A las clases de yoga también asiste la novia del hijo (Camila Viyuela). Los personajes masculinos representan el cuidado y la salud del cuerpo, mientas que las mujeres encarnan la parte más cerebral, todas ellas son juristas y abogadas. Ambos mundos se encuentran y conviven en esta historia que plantea una reflexión sobre qué es el amor, cómo amamos, cómo el amar a unos no significa necesariamente dejar de amar a otros. A lo mejor todo lo que vemos en el escenario transcurre en la cabeza de Nagore, es una fantasía  y por eso no hay necesidad de recrear los espacios físicos. En ese mundo de imaginación todos se aman, todos se quieren y todos comparten cosas. El punto de partida es el miedo a la soledad de la protagonista. Y si es en efecto una fantasía, es la madre  quien la ha preparado para que Nagore entienda que existen otras maneras de vincularse, para que salga de ese pozo en el que se encuentra a través del acercamiento a otras realidades y para que el viaje le ayude a ver y valorar por sí misma cómo se puede estar sola y estar bien, y cómo es un tránsito necesario para recuperar el bienestar.De ahí que el escenario esté inundado con las cosas de Nagore y con los personajes que pueblan su cada vez más animada vida imaginaria. Todo y todos una vez que aparecen permanecen allí arropándola, formando parte del libre fluir de su pensamiento. 

FICHA

Texto y dirección de Alfredo Sanzol Música Fernando Velázquez Escenografía y vestuario Alejandro Andújar Diseño de iluminación Pedro Yagüe Diseño gráfico y fotografías Javier Naval Ayte. de dirección Laura Galán Ayte. de producción Sara Brogueras Producción ejecutiva Jair Souza-Ferreira Director técnico Alfonso Ramos Construcción decorado May Servicios Realización vestuario Ángel Domingo / María Calderón Dirección de Producción Nadia Corral / Miguel Cuerdo    Reparto José Ramón Iglesias, Nuria Mencía, Verónica Forqué, Pietro Olivera, Martiño Rivas, Camila ViyuelaUna producción del Teatro de La Abadía y LAZONAFechas y horarios:Del 7 de junio al 2 de julio de 2017 De miércoles a viernes, 20:30h. Sábado, 18:30h y 21h. Domingos 11 y 18 de junio, a las 19:30h. Domingo 25 de junio, a las 18:30hDESCARGAR DOSSIER LA RESPIRACIÓN [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AO/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

• Atención Obras - Alfredo Sanzol habla de ruptura
• Atención Obras - Gloria Muñoz estrena "La respiración" de Alfredo Sanzol
• Fantasía contra las lágrimas del amor - El País
• Nagore en el bosque de Arden - Javier Vallejo (El País)
• Tocados por la gracia - Marcos Ordoñez (El País)
• La respiración. Abadía - David García Vázquez (Desde el patio)
• Nuria Mencía o cómo interpretar un estado de ánimo - Liz Perales

  

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EL PÚBLICO

 

Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya presentan

EL PÚBLICO

de Federico García Lorca Dirección: Àlex Rigola

Del 25 de noviembre al 18 de diciembre en el Teatro de La Abadía

 

Dirigido por Àlex Rigola, El público es un texto de enorme belleza poética sobre la honestidad, un texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre  el irrefrenable deseo amoroso — “¿y si yo quiero enamorarme de un cocodrilo?”— y creativo —“¡hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”—.

 El público vuelve a La Abadía. El año pasado gozó de una acogida extraordinaria, esa pieza del supuesto teatro irrepresentable de Lorca se desveló como “onírica pero perfectamente inteligible”, de una “enigmática belleza convulsa”, con “poderosas imágenes”, “poesía nocturna y turbulenta”. “El público de Rigola hace historia”, “El público es, como el amor, una obra desbordante”. Lorca escribió esta obra en 1930, 56 años antes de que pudiera verse representada. Ahora, La Abadía recupera, de la mano del director Àlex Rigola, este texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Álex Rigola se atreve con esta compleja obra de Federico García Lorca y nos presenta su particular adaptación de una historia de lucha entre la vida exterior y la interior, la realidad y la alucinación, el amor homosexual y el deseo reprimido en la que posiblemente sea la obra más SURREALISTA del autor.En vísperas del 80º aniversario de la muerte del escritor andaluz, El público se desvela como piedra de toque de un teatro contemporáneo que interpela al espectador: dónde pone los límites, hasta dónde quiere llegar, en su vida afectiva, espiritual y profesional. Un juego de máscaras, ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis. Si 'Poeta en Nueva York' representa un punto de inflexión en la poesía de Federico García Lorca, 'El público' marca un cambio de rumbo en su escritura teatral. Aquí vemos a un Lorca innovador , muy diferente al tono de sus piezas más populares, que elige el disfraz del teatro para hablar de la homosexualidad, de la vida y, desde el profundo desgarro, de sí mismo.Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Rubén de Eguía, Óscar de la Fuente, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Alejandro Jato, Jaime Lorente, David Luque, Nacho Vera y Guillermo Weickert, darán vida a esta apasionada reflexión sobre el teatro y su capacidad de transformar al espectador que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Coproducida entre el Teatro Nacional de Cataluña y el Teatro de La Abadía. Lorca quiere que el PÚBLICO se vea reflejado como en un espejo, y en cierto modo denuncia al público convencional, es decir, a “la burguesía frívola y materializada, que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral”.  Y el concepto del PÚBLICO no se limitará al contexto del teatro, sino que, en un complejo e íntimo juego de significados, simboliza también aquel sector de la sociedad que reacciona violentamente ante “las verdades más inocentes”.EL PÚBLICO plantea una doble trama: una amoroso-íntima y otra artístico-social. Por un lado se sirve del amor homosexual —una FORMA más de amor—, para REIVINDICAR EL AMOR como suceso esencial que se manifiesta más allá de los márgenes de lo establecido, y que supera las barreras de identidad, género, voluntad humana o convencionalismos que lo constriñen.Por otro lado, expone la CONTRAPOSICIÓN ENTRE DOS TIPOS DE TEATRO: el que pone de manifiesto un drama auténtico, en el cual va implicada la intimidad del autor (teatro bajo la arena) y aquella representación convencional, del gusto de una determinada audiencia o taquilla que prefiere no enfrentarse con la verdad del escenario (teatro al aire libre). 

SINOPSIS

Un texto de gran belleza poética sobre la honestidad en el plano personal y artístico“¡Hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”, exclama Lorca en esta obra, con la que aspiraba a iniciar un nuevo camino. Y de eso precisamente habla: del valor para romper con el pasado, con las inercias, la tradición, la represión —tanto en plano artístico como en el afectivo— y emprender aquello que uno realmente desea.El público, escrito en 1929-30, habla del teatro y habla del deseo, a través de un juego de máscaras, en el que se superponen ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis, persiguiendo sin cesar la Autenticidad, la Honestidad y la Libertad.Una ocasión para adentrarse, de la mano del director Àlex Rigola y un amplio reparto, en la indómita imaginación del poeta granadino. 

 

FICHA

Reparto:Nao Albet  Caballo Blanco 1 / Estudiante 2 / Pastor Bobo Jesús Barranco   Hombre 2 / Dama 1 David Boceta   Hombre 1 (Gonzalo) / Desnudo Rojo Juan Codina   Director de Escena (Enrique) Rubén de Eguia   Hombre 3 / Dama 2 Oscar de la Fuente   Caballo Negro / Prestidigitador Laia Duran   Caballo Blanco 3 / Pastor Bobo / Dama 4 Irene Escolar   Julieta / Estudiante 3 / Señora (Madre de Gonzalo) María Herranz   Elena / Dama 5 Alejandro Jato   Figura de Cascabeles (Enrique) / Traje Blanco de Arlequín / Estudiante 1 Jaime Lorente   Figura de Pámpanos (Gonzalo) / Traje de Bailarina / Estudiante 4 David Luque   Centurión / Enfermero Nacho Vera   Criado Guillermo Weickert   Caballo Blanco 2 / Dama 3 José Luis Torrijo    Voz del Emperador Dirección Àlex Rigola Espacio escénico Max Glaenzel Iluminación Carlos Marquerie Vestuario Silvia Delagneau Música Nao Albet Colaboración dramatúrgica Eleonora Herder Ayudante de dirección Carlota Ferrer Iluminación Carlos Marquerie Escenografía Scenik y equipo de La Abadía Realización de vestuario Ángeles Marín y equipo de La Abadía Foto del cartel: David RuanoProducción: Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de CatalunyaFechas y horarios: Del 25 de noviembre al 18 de diciembre De miércoles a viernes, 20:30h. Sábado, 18:30h. Domingo, 19:30h. en el  TEATRO DE LA ABADÍA [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AD/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

• Álex Rigola estrena una imprescindible puesta en escena de El público - Miguel Gabaldón
• Tiritando bajo el polvo - Marcos Ordóñez
• "El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto
• Cuando la doctrina desata su cabellera - El País
• Irena Escolar y Alex Rigola en Cultura en 24h.
• Atención obras - Alex Rigola se atreve con "El público"
• "El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto ( Huffington Post)

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