Histórico

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LAS NAVES DEL ESPAÑOL

 

EscénaTe y DD&Company Producción presenta

LAS CERVANTAS

Escrito por Inma Chacón y José Ramón Fernández

Del 20 de octubre al 13 de noviembre

Basado en una idea original de Gracia Olayo a partir de sucesos de la vida de Miguel de Cervantes

  LAS CERVANTAS de Inma Chacón y José Ramón Fernández, está dirigida por Fernando Soto y cuenta con las interpretaciones de Gracia Olayo, Soledad Olayo, Yaël Belicha, Clara Berzosa e Irene Ruíz. El montaje, un encargo de la Biblioteca Nacional de España con motivo del IV Centenario de la Muerte de Miguel de Cervantes, se estrenó en El Festival de Teatro Clásicos en Alcalá 2016. Tras una exitosa gira, el 20 de octubre llega al Teatro Español/Las Naves del Español.   Cervantes y su mujer deciden ir a la capital, Valladolid, a vivir con las dos hermanas del soldado, la hija de una de ellas y otra muchacha, hija bastarda de Miguel. Juntos asisten, en 1605, al gran éxito de esa novela: la primera vez que la fortuna sonríe al viejo soldado. Unos meses después, un hombre es asesinado a la puerta de su casa. Aquí comienza Las Cervantas. Nuestra historia es la de cinco mujeres en la España del siglo XVII. Las hermanas de Cervantes, libres, cultas, que viven de su trabajo componiendo ropa, que han sobrevivido a los abandonos y la falta de palabra de hombres defendidos por los usos de la época. Las mujeres libres, en todo momento, tienen mala prensa. Cuando muere un hombre a las puertas de su casa, la Justicia apunta a Las Cervantas. Serán interrogadas en un intento de enmarañar el proceso; de formar una cortina de humo para cubrir al asesino, un noble. Vamos a asistir al miedo y al orgullo, al humor con el que se defienden estas mujeres de un mundo que las prefiere sumisas. Esas mujeres libres se van a enfrentar también a la pusilánime esposa de Cervantes, más joven, que esperaba por fin llevar una vida tranquila junto a su marido y que ve su pequeño mundo puesto en cuestión.

José Ramón Fernández

 

SINOPSIS

Esta es una historia real. En la noche del 27 de junio de 1605, en Valladolid, junto a una casa a orillas del río Esgueva, donde vive Cervantes con cinco mujeres apodadas Las Cervantas (su esposa, dos de sus hermanas, su sobrina y su hija), un caballero es herido de muerte y pide auxilio a gritos. El herido muere en casa de una vecina,  sin haber querido aclarar los hechos. El alcalde –que encuentra un papel  en el bolsillo del difunto y se lo guarda sin enseñarlo – interroga a la familia Cervantes para encubrir al asesino enlodando el sumario y, junto a otros testigos, enviará a la cárcel al escritor, a una de sus hermanas, su sobrina y su hija, que regresarán a casa bajo un arresto domiciliario que durará seis días. Hace calor,  por las ventanas se cuela el olor nauseabundo del Esqueva. Mientras las Cervantas esperan ser interrogadas, preparan sus declaraciones y las posibles contradicciones en las que puedan incurrir. Conoceremos así a las mujeres que vivieron con el autor de El Quijote e influyeron en su literatura, sus miedos, sus fortalezas y sus modos de enfrentarse a la vida en una época donde una mujer libre, que sabía leer, resultaba sospechosa. El marido, hermano, padre, tío, está en la habitación de al lado, tratando de escribir una novela en la que unos perros discuten justo en la esquina de aquella casa, la casa de las Cervantas.   [caption id="attachment_36137" align="aligncenter" width="741"] LAS CERVANTAS[/caption]  

FICHA

Autores: Inma Chacón y José Ramón Fernández Dirección: Fernando Soto Ayudante De Dirección Mely Herrero. Música Original Jose Luis López Música En Vivo Jose Luis López y Marina Barba Escenografía Mónica Boromello Vestuario Marta Martín–Sanz Iluminación Javier Ruiz de Alegría Diseño Gráfico E Imagen Olga Iáñez Producción Ejecutiva Dania Dévora Y Santiago Pérez Distribución SEDA Reparto: Gracia Olayo, Soledad Olayo, Yaël Belicha, Clara Berzosa e Irene Ruíz Las Cervantas es una producción de EscénaTe y DD&Company Producción Fechas y horarios: Del 20 de octubre al 13 de noviembre De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h. en LAS NAVES DEL ESPAÑOL Facebook: lascervantas

• No es un día cualquiera - Hermanas Olayo

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TEATRO ALFIL

"El Café de Broadway" llegará en otoño al Teatro Alfil

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INTEMPERIE TEATRO

Compañía La Providencia Teatro presenta

LA MARICARMEN (UN BALCON AL AIRE)

De Aron Benchetrit. Dirección de Virginia Flores.

A partir del 21 de marzo

El primer montaje de la compañía La Providencia : LA MARICARMEN (UN BALCON AL AIRE). Una obra de Aron Benchetrit ('Mellizas', 'Bofetadas') con dirección de Virginia Flores,  que se vio en el Teatro Fernán Gómez, regresa a Madrid, esta vez a la Sala Intemperie.

La Maricarmen. Un balcón al aire es una divertida pieza músico-teatral protagonizada por Mamen Godoy e Iván Luis que reflexiona sobre el desaliento y la constante búsqueda de la felicidad. Los sinsabores de la triste y miserable vida de una mujer, no le impiden abrir cada día el balcón de su casa, siempre llena de fe, porque anhela que lleguen los buenos tiempos y la encuentren cantando llena de optimismo.  

SINOPSIS

En el tercer piso de un edificio cualquiera, en medio de una gran ciudad, habita una mujer de mediana edad, La Maricarmen. Su vida es una lucha constante para no sucumbir al vacío más espantoso. Con vistas al éxito de semejante empresa, ella cuenta con un rosario de recursos, diferentes actividades distribuidas a lo largo del día. La Maricarmen canta no menos de 5 canciones por jornada, destinadas a formar parte del espectáculo que ella no pierde la esperanza de montar en un futuro no muy lejano. También bebe, igualmente cinco copas por día, para olvidarse de las escasas probabilidades de existen de montar dicho espectáculo. Podría decirse que Maricarmen es feliz, si no fuera porque no lo es. Pero esto ella no lo sabe. Nuestra protagonista posee una prodigiosa habilidad para darle la vuelta a las cosas y transformar las agresiones de la vida en aparentes bendiciones.  El día que la conocemos se producen dos sucesos imprevistos que alteran su cotidianidad y que la ponen a prueba; y en ese día descubrimos como se pone a prueba su capacidad para mostrarse inasequible al desaliento.   [caption id="attachment_35856" align="aligncenter" width="700"] LA MARICARMEN (UN BALCON AL AIRE)[/caption] Facebook: UnBalconAlAire  

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TEATRO LARA

 

Edu Díaz presenta

SOLE SOLA

Texto Carlos Crespo Dirección Natalia Mateo con Úrsula Gutiérrez

25 de diciembre y 1 de enero a las 19:15h.

Estrenada el 4 de Julio en el off del Teatro Lara, SOLE SOLA ha ido colgando el cartel de localidades agotadas en todas sus funciones gracias a la gran acogida del público y sus buenas críticas. Por ello la obra regresa el 2 de noviembre hasta el 4 de enero de 2017.

SOLE SOLA es un monólogo teatral escrito por el guionista y dramaturgo Carlos Crespo e interpretado por la actriz Úrsula Gutiérrez bajo la dirección de Natalia Mateo. La producción corre a cargo de Edu Díaz (Amores minúsculos).   Sole Sola es una comedia ácida en plena era del postureo con la que todos nos podemos sentir identificados. Como sucede en nuestras vidas, el monólogo se ve interrumpido por notificaciones que provienen de todos los gadgets de Sole en los que vemos intervenciones de las personas más relevantes en su vida, incluyendo a su legión de seguidores en redes sociales. La acción transcurre en una casa caótica, desordenada, propia de una persona que se encuentra al borde de la autodestrucción.  

SINOPSIS

Sole es una influencer de éxito adorada por sus seguidores, pero lejos de lo que pueda aparentar en redes sociales sus sueños no se han cumplido. Actriz en eterna formación, Sole presencia atónita el gran triunfo de Bárbara, íntima amiga que conserva desde la escuela de interpretación. Ella solo ha optado a alguna prueba fallida para figurante o para cortos de estudiantes. Sin trabajo, sin casa y con la incertidumbre de hacia dónde dirigirse, se plantea qué puede hacer para salir de ese agujero negro y sobre todo cuenta los cartuchos que le quedan antes de desistir. Quizás debe renunciar a ser lo que siempre quiso ser y optar por una vida más sencilla.   [caption id="attachment_35822" align="aligncenter" width="700"] SOLE SOLA. Foto Remedios Regalado[/caption]

FICHA

Texto: Carlos Crespo Dirección: Natalia Mateo Técnica y escenografía: Javier Cala Ayudante de dirección: Edu Díaz Música: Guillermo Neira y Álex Tatnell Fotografía: Emmanuele Grünstein Maquillaje y peluquería: Chus Reyes y Virginia Hernández Producción: Edu Díaz Prensa: Lemon Press Intérprete: Úrsula Gutiérrez Fechas y horarios: 25 de diciembre y 1 de enero a las 19:15h. en el TEATRO LARA Twitter: SoySoleSola   [button link="http://bit.ly/2cV4Tcv" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO VALLE-INCLÁN

 

Centro Dramático Nacional y Barco Pirata Producciones presentan

LA COCINA

de Arnold Wesker Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta

Del 18 de noviembre al 30 de diciembre

"De la Cocina entran y salen personajes, y florecen un sinfín de momentitos. Momentitos cotidianos más o menos trascendentes que nos acercan al juego de la vida en el Londres del 53"

 

El 18 de noviembre se estrena en el Teatro Valle-Inclán LA COCINA de Arnold Wesker. La obra retrata la lucha del hombre contra la sociedad que le oprime.

26 actores bajo la dirección de Sergio Peris-Mencheta ('La puerta de al lado, 'Continuidad de los parques', 'Un trozo invisible de este mundo', 'Incrementum' y 'Tempestad') y con coreografía de Chevi Muraday.   35 únicas funciones para una obra que solo se podrá ver en Madrid, ya que no saldrá de gira debido a su extenso reparto. Se podrá ver del 18 de noviembre al 30 de diciembre en el Teatro Valle-Inclán.   LA COCINA está ambientada en la cocina del restaurante Marango’s de Londres en el año 1953. Se desarrolla a lo largo de un día de trabajo, mientras el personal atiende los servicios de comida y cena. No hay una trama, no existe una historia que se desarrolle en el sentido convencional. A lo largo del día conocemos las vidas de los personajes.   Sergio Peris-Mencheta situa la obra en una fecha concreta: el 8 de agosto de 1953. Ese día se firmó el acuerdo de la condonación de parte la deuda alemana contraída en el periodo de entreguerras.   Curt Allen Wilmer es el encargado de la puesta en escena. "La idea de partida fue la articulación del público a cuatro bandas, es decir, cubriendo 360º. El ámbito de la cocina se ubica así en el epicentro del espectáculo, el público rodea la escenografía de manera inversiva y se genera una energía que busca “atrapar” al espectador en el enjambre de personajes."    Sergio Peris-Mencheta explica que "Durante el primer acto hay 12 minutos en los que no paran de entrar y salir camareros, los cocineros gritan, entran y salen platos. Es un follón de tal calibre que ni un plano general  serviría para poder ver la totalidad. Esos 12 minutos están provocados con toda intención  para que cada espectador elija su propia aventura, elija en qué fijarse. Parece un follón, pero es una coreografía muy ensayada".   La Cocina (The Kitchen) de Arnold Wesker (1957) y se estrenó en el Royal Court en 1959 y desde entonces se ha llevado a cabo en más de 30 países. Estrenada en España en 1973 en el Teatro Goya de Madrid en una producción de Miguel Narros. Arnold Wesker es considerado uno de los mejores dramaturgos del siglo XX. Nació en Londres en 1932 y falleció en el mes de abril de este mismo año. Autor de 42 obras de teatro, también escribió ensayos, novelas, poesías y guiones para televisión. Arnold Wesker perteneció al movimiento literario llamado Angry Young Men  (jóvenes airados). Este grupo de escritores y dramaturgos británicos desarrolló su actividad en los años 50 y manifestó su descontento social y su rechazo a la hipocresía de las clases medias y altas de su país. Tenían en común provenir de familias obreras de pocos recursos y, salvo alguna excepción, no llegaron a tener estudios universitarios.  

“El mundo pudo haber sido un escenario para Shakespeare; para mí es una cocina: donde los hombres van y vienen y no pueden quedarse el tiempo suficiente para comprenderse, y donde las amistades, amores y enemistades se olvidan tan pronto como se realizan.” A. Wesker

SINOPSIS

A las siete de la mañana los trabajadores de la cocina de un gran restaurante van llegando a su puesto de trabajo. Con el primer café hablan distendidamente de sus vidas y mencionan la pelea que la noche anterior tuvieron Peter y Gaston. Comienzan los preparativos de las comidas. El trabajo va subiendo de intensidad. En la cocina se mezclan las conversaciones personales con las propias del trabajo. El trato entre los trabajadores va perdiendo el tono amable del comienzo para ser cada vez más bronco y desagradable. A mitad de la mañana se incorpora un nuevo cocinero, un irlandés llamado Kevin. Los clientes empiezan a llegar y las comandas se agolpan en la cocina. El ritmo es ahora frenético. No hay tiempo para las cuestiones personales, sin embargo, Peter intenta hablar con Monique. Peter cree que no pueden seguir así, que ella debe abandonar a su marido. Monique le esquiva. Kevin se asombra del ritmo de trabajo, le parece que no durará ni un día es esta cocina. Marango, el dueño del restaurante, les recuerda que es de los lugares en que mejor se paga. Acaba el servicio de comidas y todos pueden relajarse. Vuelven a retomar conversaciones personales. Hablan de los sueños que tiene cada uno, escuchan música, bailan. Peter regala a Monique un collar. Ella no lo acepta. Tienen una discusión. Ella le dice que piensa irse con su marido a París. Comienza el turno de tarde. El ritmo vuelve a subir. Se repite la locura del servicio, las prisas, los nervios, las comandas, los ingredientes que faltan… Entra un vagabundo en la cocina, un veterano de la Primera Guerra Mundial que pide comida. Le dan dos chuletas. Cynthia, una de las camareras se desmaya en pleno servido. Tiene que llamar a una ambulancia. Las compañeras saben que es porque está embarazada. El trabajo debe seguir. Peter se encuentra muy alterado después de la conversación con Monique. Un pequeño incidente le hace perder los nervios, se arma con un cuchillo y corta las tuberías del gas. Los hornos se apagan. El ruido de la cocina, que asemejaba a una maquinaria en marcha, se detiene. Marango, el dueño, no entiende cómo le boicotean de esta manera siendo uno de los restaurantes que mejor paga a sus empleados.   [caption id="attachment_38772" align="aligncenter" width="700"] LA COCINA ©marcosGpunto[/caption]  

NOTA DEL DIRECTOR

El Londres de los años 50, en plena posguerra, es el marco elegido por Wesker para bocetar una metáfora del mundo en que vivimos, mezclando nacionalidades, razas y culturas diversas, y obligándoles a colaborar y a convivir –y sobrevivir– en torno al epicentro creativo de un restaurante de 1 000 comensales diarios, donde trabajan y se deshumanizan día a día. Pero no es la deshumanización de los personajes lo que me interesa, sino precisamente el latido, los sueños y los anhelos que aún habitan en ellos. Un elenco heterogéneo formado por veintiséis intérpretes, representando a las diecisiete comunidades autónomas, llenará de palabras en distintas lenguas, de acentos, de gestos, de baile, de música, y sangre, sudor y lágrimas un espacio concebido en 360 grados, en el que la imaginación, la magia, y el trabajo con los sentidos envolverá al espectador durante poco más de dos horas.

Sergio Peris-Mencheta

 

FICHA

Autor: Arnold Wesker Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta Escenografía: Curt Allen Wilmer Vestuario: Elda Noriega Iluminación: Valentín Álvarez Movimiento escénico: Chevi Muraday Espacio sonoro: Pablo Martín-Jones Reparto: Silvia Abascal, Roberto Álvarez, Fátima Baeza, Aitor Beltrán, Almudena Cid, Víctor Duplá, Patxi Freytez, Javivi Gil, José Gimeno, Ricardo Gómez, Pepe Lorente, Óscar Martínez, Natalia Mateo, Xabier Murúa, Berta Ojea, Diana Palazón, Ignacio Rengel, Xenia Reguant, Nacho Rubio, Alejo Sauras, Marta Solaz, Romans Suárez-Pazos, Mario Tardón, Javier Tolosa, Carmen del Valle, Luis Zahera Producción: Centro Dramático Nacional y Barco Pirata Producciones Fechas y horarios: Del 18 de noviembre al 30 de diciembre de martes a sábado 20:30 horas y domingo 19:30 horas en el TEATRO VALLE-INCLÁN › Encuentro con el público el 15 de diciembre al finalizar la función › Cuaderno de bitácora de Sergio Peris-Mencheta › Escena 360: La cocina, el mayor proyecto transmedia teatral hasta la fecha en España. RTVE › La gran cocina del mundo - El País   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=1&idEspectaculo=185" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][et_pb_gallery admin_label="Galería" gallery_ids="38248,38249,38250" fullwidth="on" posts_number="3" show_title_and_caption="off" show_pagination="on" background_layout="light" auto="on" hover_overlay_color="rgba(255,255,255,0.9)" caption_all_caps="off" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] [/et_pb_gallery][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"] https://www.youtube.com/watch?v=kY47wRrkZk0&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

LA COMEDIA DE LOS ENREDOS

 

Compañía El Gato Negro presenta

LA COMEDIA DE LOS ENREDOS

de William Shakespeare

Bajo la dirección de Alberto Castrillo-Ferrer Versión de Carlota Pérez-Reverte Mañas

Del 28 de julio al 3 de septiembre de 2017 en el Teatro Bellas Artes

 

Una celebración de la torpeza del ser humano, de su testarudez y su ceguera. ¡Vivan los errores!

  LA COMEDIA DE LOS ENREDOS de William Shakespeare. Versión de Carlota Pérez-Reverte. Dirigida por Alberto-Castrillo-Ferrer e interpretada por Rafa Blanca, JJ Sánchez, Julián Ortega, Silvia de Pé, Antonia Paso, Angelo Crotti, Irene Aguilar y Javier Ortiz.   LA COMEDIA DE LOS ENREDOS se estrenó en junio en el Festival de Teatro Clásico de Cáceres con buenas críticas. Tras su paso en septiembre de 2016 por Las Naves del Español, llega el 28 de julio al Teatro Bellas Artes.   La comedia de las equivocaciones (The Comedy of Errors) es la obra más corta de William Shakespeare y una de sus primeras obras (1592-94) . Un "remake" de lujo de la obra de Plauto 'Los Menecmos', inspirada en otra griega: Los Gemelos de Posidipo, y ésta última probablemente basada en un cuento de tradición popular. El Bardo de Stratford nos sitúa la acción en un exótico y misterioso sur de Europa, Efeso (Turquía) y juega magistralmente con las enredos que puede provocar la confusión de un gemelo por otro, enredos que se multiplican exponencialmente al haber dos parejas de gemelos, amos y criados, que se confunden incluso entre ellos mismos. Una fábula que, entre risas, nos dejará un poso de reflexión sobre temas como el destino, la superficialidad, la fragilidad de la vida o el azar del universo. LA COMEDIA DE LOS ENREDOS no se puede entender sin la influencia de la Commedia dell’arte. Por eso tiene tanto sentido proponer esta versión recuperando las máscaras y poniéndolas al servicio del mayor dramaturgo de todos los tiempos.  

SINOPSIS

Dos parejas de gemelos, separadas al nacer, coinciden sin saberlo en una misma ciudad 25 años después, desencadenando un divertido juego de enredos y confusión de personalidades. Antífolo de Siracusa vivirá́ una aventura mágica y casi onírica mientras que su hermano, Antífolo de Efeso, verá su tranquila existencia convertida en una auténtica pesadilla.   [caption id="attachment_46925" align="aligncenter" width="700"] LA COMEDIA DE LOS ENREDOS de William Shakespeare en el Teatro Bellas Artes[/caption]  

NOTA DEL DIRECTOR

Entiendo el teatro como lugar de evasión, pero también de viaje hacia el interior de uno mismo. Desde esa hemeroteca de más de tres mil años de contenidos, comparto con el espectador del Siglo XXI los temas eternos, los que nos preocupan, los que tienen que ver con nuestro yo más profundo: los miedos, los deseos, los conflictos trascendentales… pero me gusta compartirlos con humor, porque los temas serios hay que tratarlos con humor... mucho humor y humildad. El humor nos permite profundizar, hacer sangre, entrar en el problema hasta el fondo. La humildad nos recuerda nuestra imposibilidad de entendernos y de entender el mundo que nos rodea.  ¡Una vez asumido lo no entendido, volvamos a reírnos de nosotros! El universo de los hermanos gemelos nos ha fascinado siempre al resto. ¿Es verdad que tienen sensaciones telepáticas? ¿Tienen una unión verdaderamente especial? ¿En qué momento se forja la personalidad de cada uno? Quizá esto sea uno de los secretos de la comedia: la curiosidad del público por este fenómeno. Sin entrar a disertar sobre el tema de la identidad y la personalidad, La comedia de los enredos nos ofrece un abanico de relaciones humanas: padres/hijos, maridos/mujeres, amos/criados, nativos/extranjeros… etc… todas las relaciones de poder se mezclan en este divertido experimento. Una fábula que, entre risas –muchas risas- nos dejará un poso de reflexión sobre temas como el destino, la superficialidad, la fragilidad de la vida o el azar del universo. No en balde está escrita por El inventor de lo humano.   La forma escogida para su representación es La Commedia dell´Arte. Género popular, dinámico y acorde con nuestro texto. Aunque no se trate de un canovaccio propiamente dicho (existe una versión de la trama escrita por Goldoni: 'I due Gemelli Veneziani') podemos adaptar el espíritu juguetón y dinámico de la Commedia, el trabajo de máscara para algunos personajes, el onirismo y la poesía de ciertos pasajes y la calidad y tradición del teatro popular italiano, gran inspirador de nuestros clásicos del Siglo de Oro. La Commedia dell´Arte nos permitirá intermedios musicales, situaciones corales, trabajo gestual y de composición de personajes para transmitir las bellas palabras del texto y aumentar la comprensión y la comicidad. Con este aderezo de excelentes actores, un estilo de teatro “total”, un texto perfectamente tejido y un equipo técnico-artístico soñado que nos arropa en la parte visual, me siento un director afortunado deseoso de emprender este viaje, deseoso de reír y cavilar, de descubrir los entresijos del texto y de compartir con el mayor número de espectadores esta aventura. Alberto Castrillo-Ferrer  

El PORQUÉ DE LA COMMEDIA DELL, ARTE

La Commedia dell´Arte – Commedia Popolare, Teatro all´Improvviso, Teatro degli Istrioni, Commedia degli Zanni, Commedia dell´Arte – Estos son algunos de los términos que intentan definir esta forma de Teatro que localiza sus orígenes en la Italia del siglo XVI. La Commedia dell´Arte surge como un elemento teatral sorprendente, con el nacimiento de las primeras compañías profesionales de la historia, la llegada sobre el escenario de la figura femenina interpretada por una mujer, la comunión en una sola representación de diferentes formas de espectáculo (danza, canto, pantomima, esgrima, acrobacia) Teatro de situación fundado sobre el diálogo y la acción, del monólogo hablado y del gesto, la Commedia dell´Arte nace en las calles y plazas de Italia para divertir a toda Europa gracias a sus personajes enmascarados.    La Commedia dell´Arte nace como un teatro de actores, actores y actrices que han sabido hacer que se hable de ellos durante siglos gracias a la calidad de su actuación y una generosidad escénica poco común. Esta es la generosidad con la que debemos abordar este trabajo. Un trabajo de equipo, de composición, verdad, ritmo y complicidad con el público.    Me gustaría que nuestro juego actoral nazca del placer de estar en escena y que aprendiesemos a compartirlo con el público. La commedia de las equivocaciones es un canovaccio de lujo, donde las situaciones rocambolescas permiten y fomentan el juego del actor, la imaginación, el onirismo y la risa.    El trabajo de máscaras nos puede ayudar a recrear ese ambiente de misterio con el que Shakespeare envuelve su comedia, situándola en un lugar exótico y desconocido para un escritor nórdico del Siglo XV, aunque por lo que podemos apreciar por las localizaciones de sus obras, enormemente atractivo y sugerente. Pero la commedia no son sólo máscaras, es duende, chispa, complicidad, amor por el público, es espíritu de juego y sentimiento a flor de piel. La commedia es teatro “total”, teatro en estado puro. Y eso es esta Comedia de las Equivocaciones, una celebración de la torpeza del ser humano, de su testarudez y su ceguera. ¡Vivan los errores!  La Commedia dell´Arte es la manera natural de llevar a escena este texto. No es un experimento más, es fidelidad al espíritu burlón del genio de Stratford, que tanto bebía de las fuentes italianas.   [caption id="attachment_48529" align="aligncenter" width="700"] LA COMEDIA DE LOS ENREDOS ©Emilio Tenorio[/caption]  

FICHA

Dirección

Alberto Castrillo-Ferrer

Reparto

Rafa Blanca  (Antífolo de Efeso) J. J. Sánchez (Antífolo de Siracusa/Mercader) Julián Ortega (Dromio de Efeso/Dromio de Siracusa) Silvia De Pé (Adriana) Antonia Paso (Duquesa/Mejillonera) Javier Ortiz (Duque/Kerem/Mercader/Guardia/Abadesa) Irene Aguilar (Luciana/Sacerdotisa) Angelo Crotti (Egeón/Pinch/Angelo)

Ficha artística

Versión Del Texto Carlota Pérez-Reverte Mañas Encarni Corrales Ayudante De Dirección Anna Tussel Diseño De Escenografía Arantxa Ezquerro Diseño De Vestuario Alejandro Gallo Diseño De Iluminación Manuel Vicente Diseño Gráfico Manolo Pellicer Construcción Escenografía Jimena Díaz-Ocón Fotografía Javier Ortiz Producción Joseba García A Priori Gestión Teatral Distribución María Díaz Prensa Compañía El Gato Negro Fechas y horarios: Del 28 de julio al 3 de septiembre de 2017 Miércoles, jueves y viernes 20:30h. Sábados 19h. y 21:30h. Domingos 19h. en TEATRO BELLAS ARTES

  [button link="http://bit.ly/2rGYiFQ" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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TEATROS DEL CANAL

 

Rafael Álvarez ‘El Brujo’ presenta

TERESA O EL SOL POR DENTRO

Del 14 al 25 de septiembre

Teresa o el sol por dentro es un recital con las composiciones poéticas de Santa Teresa más significativas, sobre las notas sostenidas de un solo instrumento: un violín abierto al oído hacia el sonido secreto escondido, al asalto del “castillo interior”. El violín predispone y desbroza el camino. La poesía hace el resto.

Del 14 al 25 de septiembre en la Sala Verde de los Teatros del Canal.  

Nota de Rafael Álvarez ‘El Brujo’

Hacer un espectáculo sobre una figura prominente no entraña una especial dificultad, a menos que no sea una dificultad estrictamente técnica, cifrada en los pasos habituales de un proceso que para mí ya es bien conocido: documentación, estudio, selección de contenidos, escritura del texto, memorización, ensayos y finalmente la presentación ante el público, a partir de la cual vienen aún más cambios, ya que es ahí donde se encuentra la medida y la decantación final de ese proceso. Este es el camino habitual en la juglaría moderna y en algunos estilos tradicionales como La Comedia del Arte, por ejemplo. Y esta es mi línea de trabajo, aplicada con frecuentes resultados satisfactorios. Pero la verdadera y real dificultad en esta ocasión, consiste en que la figura prominente es una referencia decisiva de las letras del Siglo de Oro español y al mismo tiempo de la mística occidental. Los juglares y narradores de todas las tradiciones siempre cantaron la excelencia y las gestas de grandes personajes glorificados por la leyenda. Ese es el canon, pero en este caso ¿cuál sería la gesta y la leyenda? ¿qué es lo significativo de la vida y la obra de una figura señera de la mística del S. XVI para un espectador del S. XXI? o lo que es lo mismo en otros términos ¿qué es la mística para nosotros hoy? Elémire Zolla en el prólogo a su "ANTOLOGÍA DE LOS MÍSTICOS DE OCCIDENTE" señala que "a partir de la revolución científica los equívocos al respecto se han multiplicado en exceso" No soy de los que piensan que la tecnología y el progreso conllevan invariablemente el deterioro espiritual y moral, pero estoy de acuerdo con este autor en que hoy en día la expresión "abandonado a Dios", por ejemplo, se entiende como "rechazo de cualquier iniciativa, anonadamiento hipnótico, sumisión acrítica, etc..." Todo esto se asocia a veces con "la mística" además de otros tópicos particularmente reincidentes en el caso de Santa Teresa o San Juan de la Cruz. Siendo así ¿cómo podría descubrirse el tesoro perenne de estas "figuras de la gesta", los místicos, para el hombre moderno, posmoderno, "desplazable" como dijo B. de Jouvenel, o sea "sustituible", forzado a satisfacer perentorias y ficticias necesidades y obligado a reprimir sus instintos, sin imaginar si quiera que cabe la posibilidad de trascenderlos? Esta sí que podría ser una interesante gesta moderna, accesible al trabajo de un moderno juglar: la conmoción del corazón por medio de la belleza de la vida de estas figuras de la gesta espiritual. Esa sería sin duda, una gesta del arte. Por mi experiencia con espectáculos como "El Evangelio de San Juan" o "San Francisco, juglar de Dios" de Dario Fo, me consta que actualmente podría interesar (¡y mucho!) la vida y la obra de alguien que se lanzó a la aventura (¿quijotesca?) de sustituir el miedo por la reverencia a la divinidad. El testimonio escrito de estos hombres y mujeres muestra que esta aventura formaba parte de su propia y vital experiencia. Esto es lo que, utilizando un lenguaje moderno, se podría llamar "una completa y total curación". ¿No podría ser esta una forma actual de entender "el relato" del siervo que deja de serlo y se convierte en amo, o lo que es lo mismo, en "hijo" del "Padre"? Todos sabemos por experiencia que retirar la atención de nuestros propios sentimientos, percepciones e ideas obsesivas es sin duda una ascesis que supera con creces las renuncias de tipo físico y no pocas veces conduce a una refrescante e higiénica liberación. De la misma manera con un lenguaje tocado por "la gracia poética" Santa Teresa habla de lo que hoy llamaríamos "tendencia neurótica que busca a toda costa la seguridad", que sacrifica el ideal caballeresco y el sabor de la aventura por la "compulsiva necesidad" de encajar cualquier experiencia en un sistema lógico donde la experiencia pueda ser reelaborada, y en definitiva manipulada. Yo reconozco esta obstrucción de la espontaneidad vital como un síntoma claro de la patología del miedo. Pero ¿existe el miedo a la plenitud? Como diría Hamlet: "...hay muchas cosas...muchas más de las que jamás ni por asomo, soñó nunca nuestra filosofía". Por lo tanto, mente abierta, perspectiva infinita y valor frente a las rarezas imprevisibles de la filosofía. O sea, caballería andante, una vez más. Santa Teresa habla en "El Castillo interior" con un lenguaje en el que todavía resuenan los ecos caballerescos y el ideal poético de la gesta, pero ¿cómo se podría hablar hoy, con la misma claridad y contundencia, de un castillo interior? San Francisco de Asís, que era un artista y utilizaba "el performance", decía que la belleza era el único camino para tocar el corazón del hombre, inclinado por naturaleza a la tiniebla. Esto ya, dicho así, por sí solo es belleza. Pero Robert Musil nos recuerda en el Siglo XX que "si hoy alguien quiere hablar con los pajaritos debería estar dispuesto a hundirse bajo el suelo y meterse incluso dentro de los cables de la conducción eléctrica". Se exhibe aquí una extraña belleza en la expresión. (En los libros de texto de mi infancia se decía de la princesa de Éboli: "mujer de extraña belleza", extraña porque era tuerta) El arte se alimenta del imaginario colectivo de su tiempo y nuestro tiempo tiene su extraña belleza escondida. En fin, Santa Teresa habla del secreto vibrante del alma y la poesía en ella es un florido estandarte. Mi proyecto para este espectáculo, por lo tanto, es un recital con sus composiciones poéticas más significativas, sobre las notas sostenidas de un solo instrumento: un violín abierto al oído hacía el sonido secreto escondido, al asalto del "Castillo interior". El violín predispone y desbroza el camino. La poesía hace el resto. Pero no sólo eso. Debería haber otra parte, o contraparte, tomada de la sustancia de la biografía pero pasada por el tamiz de la juglaría: los episodios escogidos de la biografía teatralizados e intercalados con los poemas. Para lograr el equilibrio entre estas dos fuerzas contamos con la inestimable ayuda del Espíritu Santo. Es decir, el humor, que como corriente eléctrica vivifica, despoja, limpia y puesto en su sitio, conduce hacía otros propósitos. Me explicaré con un breve ejemplo: Hay en el claustro del Monasterio de Silos un relieve en la piedra que muestra al peregrino de Emaús caminando junto a los apóstoles, pero el peregrino lleva, curiosamente, colgada en su cinto una concha del camino de Santiago. ¿cómo es posible? Como hoy suele decirse, al ambientador histórico que asesoró a este cantero "se le fue, sin duda, la pinza" ¿a dónde iba realmente el peregrino a Emaús o a Santiago de Compostela? Con este pequeño, "subversivo" detalle se abre una brecha en el tiempo y se muestra una luminosa sugerencia: un guiño que nos advierte que aquello que "fue" está "siendo" ahora. La vida de Santa Teresa podría ser la aventura que se desarrolla en la conciencia de cualquier mujer, de cualquier hombre del siglo XXI. Y estas cosas a veces ocurren (como en el caso del peregrino) por el efecto sencillo de un "gag". Un desliz. El humor como técnica expresiva al servicio de algo escondido en la forma. Un signo. El peregrino podría aparecer hoy también con un GPS, preguntando, perdido en mitad del camino... Aunque nos parezca algo demasiado elevado, irreal o distante todos tenemos derecho a la mística (¡el camino!) como a la instrucción, la sanidad o la salubridad de las aguas. Aún más si cabe. A fin de cuentas la vida moderna nos obliga a una ascesis forzosa que pasa por la renuncia, en muchos aspectos, a la vida sencilla, en contacto con la naturaleza. En ese sentido hay una cierta semejanza, por oposición, a la vida de los grandes místicos de la antigüedad. Ellos trascienden la naturaleza y a nosotros la vida moderna nos priva de ella. Como dice Elémire Zolla, lo más parecido en la vida profana a la intensidad y alegría de la vida de un místico, tal vez sea un abrazo. Ya lo dijo el poeta: "el amor rige la corte, el campo y el bosque. A los hombres abajo y en lo alto a los santos. Porque el amor es el cielo y el cielo es amor". La predilección de los místicos por las metáforas amorosas no es casual. He ahí la llave maestra: un abrazo entre Santa Teresa y el público del S. XXI. Esta es mi propuesta para este recital-espectáculo. El abrazo es un gesto que provee la energía ancestral del teatro.

Rafael Álvarez ‘El Brujo’

  [caption id="attachment_35554" align="aligncenter" width="800"] TERESA O EL SOL POR DENTRO[/caption]  

FICHA

Cuadro Artístico Fotografía: Félix Méndez Regidor: Juan Bastida Realización de Vestuario: Talleres Moustellier Director Musical Javier Alejano Música Javier Alejano Realización Escenográfica Diseño de Iluminación Miguel Ángel Camacho Escenografía Equipo Escenográfico PEB Diseño gráfico H&R Dirección Rafael Álvarez Intérprete El Brujo Equipo Directora de Producción Herminia Pascual Jefe Técnico Oscar Adiego Distribución Gestión y Producción Bakty, S.L. Redes sociales Xatcom.net Fechas y horarios: Del 14 al 25 de septiembre De martes a sábados 20.30 h. Domingos 19.30 h en los TEATROS DEL CANAL Web: elbrujo.es

• Imprescindibles - Rafael Álvarez "El Brujo"

  [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=TERESATC2016&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=s2Ssg7bKtco&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO KAMIKAZE

 

Ángel Verde producciones presenta

PERRA VIDA

Versión libre de 'El casamiento engañoso', de Miguel de Cervantes Texto y dirección José Padilla

Premio Almagro Off 2016 al Mejor montaje

Del 15 de septiembre al 2 de octubre

¡Viva la verdad y muera la mentira!

  Perra vida forma parte de la iniciativa denominada 'Teatros ejemplares'. 'Teatros ejemplares' es un homenaje a la figura de Cervantes que consiste en la adaptación teatral contemporánea de las 'Novelas ejemplares' realizadas por 19 dramaturgos contemporáneos, y su posterior publicación digital:  teatrosejemplares.es Con texto y dirección de José Padilla y un reparto formado por Nerea Moreno, Elisabet Altube, Diego Toucedo y Samuel Viyuela. Perra vida, que pudo verse en Madrid en julio en el IV Festival Experimental de Teatro Clásico, llega al Ambigú del Teatro Kamikaze, donde podrá verse del 15 de septiembre al 2 de octubre.   Perra vida es una historia de mentiras, engaños y apariencias en un alejado Bar de carretera abierto las veinticuatro horas. Una historia fragmentada por saltos temporales, donde el presente se contrae y deja al descubierto el resultado del engaño en un futuro no muy lejano. Al final de la obra Campuzano le entrega a Peralta unos papeles donde queda escrito el primer coloquio entre Cipión y Berganza. Pues 'El casamiento engañoso' es el prólogo de 'El coloquio de los perros'.  

NOTA DEL DIRECTOR

El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes está invadido por el polvo que le pega zarpazos al tiempo, el aire irrespirable de aquello que pudo haber sido y no fue. La peripecia del zarandeado alférez Campuzano convoca a la soledad del vaquero en el desierto. Al principio de la novela lo conocemos loco y solo, pero Cervantes nos viaja a aquel momento en que lo tuvo todo para, poco después, todo perderlo. Hoy no le queda, nada le basta, hoy sólo habla y escucha a los perros. En esta novela ejemplar (prólogo de la fantástica El coloquio de los perros) se abre paso una historia de puro sabor fronterizo. El paso aterrador entre la cordura y la locura, un embaucador estafado, clásico personaje de western, que vino a timar y terminó con la lección aprendida pero sin poder aplicar la moraleja a nada más que su tristeza. Abandona toda esperanza si entras aquí, Campuzano. Su orgullo, su ostentación en lo castrense y una chulería rampante, finalmente, serán su perdición. Hay una fantástica película de vaqueros en El casamiento engañoso, el destino por pistolero, y el tabaco mascado se escupe sobre una sola diana, el rostro del alférez Campuzano. Llevar lo áspero de la frontera hasta nuestros días, viajar a la locura, hablar con los animales… Una aventura demasiado suculenta como para decir que no.

José Padilla

 

SINOPSIS

Peralta es un hombre del que lo ignoramos todo, a excepción quizá de su profesión: es comercial. Viaja de un lugar a otro y hace un alto en un Bar de carretera situado en un área de servicio abierto las veinticuatro horas. Allí se encuentra con Campuzano, antiguo compañero de la Legión a la cual ninguno de los dos pertenece hoy. Campuzano ha cambiado, y mucho. Es un vagabundo, está enfermo y la cabeza no le rige mejor de lo que pinta. Dice que habla con los perros, y en su mundo parece ser el único bien que atesora. Por otra parte, Lorenzo es dueño del mismo bar. Es joven, guapo y se las sabe todas. Su mundo comienza a tambalearse cuando contrata a Estefanía, una camarera exigente que lo ve venir de lejos. Lorenzo se enamora perdidamente de ella… Y finalmente ella de él. O eso parece. Viajaremos con estas dos parejas, a un lugar de no retorno, de engaños, apariencias y de carreteras perdidas.   [caption id="attachment_35518" align="aligncenter" width="700"] PERRA VIDA[/caption]  

FICHA

Dirección y dramaturgia: José Padilla (Versión libre de El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes) Diseño de luces: Pau Fullana Técnico de luces: Álvaro Guisado Diseño de escenografía: Eduardo Moreno Creación sonora y composición musical: Alberto Granados Diseño de vestuario: Sandra Espinosa Dirección de producción: Ángel Verde Ayudante de dirección: Marta Matute Reparto: Nerea Moreno, Elisabet Altube, Diego Toucedo, Samuel Viyuela Con la colaboración de: IV Centenario Cervantes, Cooperación Española, Teatros Ejemplares, Conde Duque e INAEM Fechas y horarios: del 15 de septiembre al 2 de octubre Jueves y viernes a las 22h. y Domingos a las 20h. en el TEATRO KAMIKAZE   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0007/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

• Hoy empieza todo con Marta Echevarría - Perra vida

 

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https://www.youtube.com/watch?v=EnlO09aZzr4&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATROS DEL CANAL

Barco Pirata Producciones y Parking Lleno presentan

EL PACK

Texto y dirección de Áurea Martínez Con Marta Solaz

Del 17 de abril al 7 de mayo de 2017

Hiperconectados pero más solos que nunca

El 17 de abril de 2017 llega a los Teatros del Canal EL PACK, una comedia de Áurea Martínez interpretada por Marta Solaz, con música de Carmen París y coreografía de Chevi Muraday. La obra mezcla escenografía, iluminación y música... con las nuevas tecnologías digitales que interactuan con la fuerza dramática de la protagonista. Sergio Peris Mencheta, Ana Rayo, María Forqué, Felix Gómez, Manuela Vellés, Jorge Usón, Laura Gómez- La Cueva y María José Moreno acompañan a la protagonista virtualmente. EL PACK se estrenó en febrero de 2016 en el Palacio Valdés de Avilés. Se podrá ver en los Teatros del Canal del 17 de abril al 7 de mayo de 2017.

NOTA DE LA AUTORA

Vivimos en un contexto de sobreinformación, en el que todos somos manipulados, y que además nos ofrece una idea distorsionada de la realidad y en la que la “verdad virtual” se impone. Nosotros mismos hemos comenzado a convertirnos en ficciones, todos llevamos una cámara en el bolsillo por lo que todos somos personajes representando papeles. Como Thais, la protagonista de la obra, nos informamos, trabajamos y nos comunicamos a través de pantallas; detrás de las cuales también nos protegemos de nuestros propios miedos. Cada vez estamos más aislados en una falsa proximidad. Todo es un lugar de paso, la gente es de paso, las conexiones se hacen más superficiales y los compromisos más livianos. La precariedad de los vínculos laborales, personales, de ciudadanía, la desconfianza, el temor a los extraños, como resultado todo ello tiene consecuencias en nuestro comportamiento y en nuestras decisiones. Si la tecnología nos permite hoy poder elegir entre el mundo real y otro paralelo más placentero ¿acabaremos por vivir rodeados de fantasmas? En EL PACK la tecnología digital no es solo un elemento escenográfico sino un personaje más de la obra, indisociable de la temática que plantea: la deriva de las relaciones humanas en la época de las redes interconectadas. Chaplin en “Tiempos modernos” se vio atrapado en el engranaje de una máquina que le convertía en una pieza más de una sociedad cada vez más tecnificada. Ese tipo de máquinas ya son la prehistoria, sin embargo hay una maquinaria que sigue sometiéndonos. Siglo XXI: el digital nos hace suyos. Incluso los que nacieron analógicos se preguntan cómo se podía vivir sin móvil, sin internet… Porque la virtualidad nos seduce y se hace imprescindible en nuestro día a día. Confiamos en ella y dejamos que alimente nuestra vida con sus nuevas aplicaciones y contenidos. Por poco dinero y a toque de clic, nos brinda un mundo lleno de posibilidades del que, además, nos creemos protagonistas. Hiperconectados -pero mucho más solos que nunca- nos esforzamos en obtener un resultado personal espectacular, mostrando el dominio de las redes que manejamos… ¿o que nos han atrapado?

Áurea Martínez Fresno

SINOPSIS

Thais habita en un espacio aséptico, donde lo único vivo es una planta que está en las últimas. Disfruta de su relación con el mundo hasta que descubre que la virtualidad le ha pasado por encima y que todos somos personajes representando papeles ante las múltiples pantallas que construyen nuestras vidas. Siglo XXI: el digital nos hace suyos. Incluso los que nacieron analógicos se preguntan cómo se podía vivir sin móvil, sin internet… Porque la virtualidad nos seduce y se hace imprescindible en nuestro día a día. [caption id="attachment_35483" align="aligncenter" width="700"] EL PACK[/caption]

FICHA

Dirección artística y texto: Aurea Martínez Actriz: Marta Solaz Composición Musical: Carmen París Actores Virtuales: Sergio Peris Mencheta, Ana Rayo, María Forqué, Felix Gómez, Manuela Vellés, Jorge Usón, Laura Gómez- La Cueva y María José Moreno. Coreografía: Chevi Muraday Con las voces de Maria Vázquez, Lorena Berdún y Nacho Rubio. Distribución: GG Produccions Teaser: Joe Alonso Dirección de producción: Aurea Martínez Producción Ejecutiva: Nuria Cruz-Moreno Ayudante de Producción: Clara Martín Ayudante de Dirección: Maite Pérez-Astorga/María Giraldez Dirección Técnica y luces: Lali Canosa/Braulio Blanca Audiovisual: Natalia Moreno Escenografía: Lali Canosa Vestuario: Ana Rodrigo Operador de cámara: Marco Caneda Jefa de Prensa: María Díaz Una producción de Barco Pirata Producciones y Parking Lleno Fechas y horarios: Del 17 de abril al 7 de mayo de 2017 en la Sala Negra de los TEATROS DEL CANAL DESCARGAR DOSSIER

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Zebra Producciones presenta

UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE

de Tennessee Williams Versión y Dirección Amelia Ochandiano

Amelia Ochandiano es la encargada de la versión y dirección de Una gata sobre un tejado de zinc caliente. Una producción de José Velasco.

Un padre de familia, encarnado por Juan Diego , cumple 70 años. Sus dos hijos Eloy Azorín y José Luis Patiño acuden con sus mujeres, Begoña Maestre y Marta Molina a la casa familiar. Y lo que tenía que ser una fiesta en su honor se convierte en un intenso drama. Ana Marzoa es la madre de familia.

El estreno absoluto de esta adaptación de Una gata sobre un tejado de zinc caliente fue el 25 de Noviembre en el Auditorio del Centro Niemeyer de Avilés, agotando las entradas en pocas horas.

VER OBRA COMPLETA

https://vimeo.com/201645712

Una gata sobre un tejado de zinc caliente es uno de los grandes clásicos del siglo XX, un intenso drama familiar, profundo, honesto, divertido y sensual. Conflictos universales y eternos (la muerte, la mentira, el sexo, la represión, la homosexualidad, la ambición, la frustración) en una de las tormentas familiares más famosas del teatro clásico contemporáneo.

La tormenta se aproxima y la tensión va subiendo en esta obra maestra de Tennessee Williams, crispando aún más las difíciles relaciones entre todos los miembros de la familia. La obra maestra de Tennessee Williams 'La gata sobre el tejado de zinc' (Cat on a Hot Tin Roof), Premio de la Crítica y por la cual ganó su segundo premio Pulitzer, fue estrenada en 1955 en Broadway con dirección de Elia Kazan. Además es la favorita del autor. La obra fue llevada al cine por Richard Brooks en 1958, con Elizabeth Taylor y Paul Newman. La versión española fue revisada por el propio Williams y fue estrenada en España en el Teatro Eslava de Madrid el 30 de septiembre de 1959, bajo la dirección de José Luis Alonso.

LA VERSIÓN

Estalla la tormenta de esta crisis familiar Una gata sobre un tejado de zinc caliente gira en torno a tres personajes arquetípicos que aún hoy son reconocibles. Una de las características principales de su teatro es el carácter especial de sus personajes. Hipersensibles y contradictorios, se convierten inmediatamente en personas vulnerables y frágiles, que siempre acaban fracasando ante sus dilemas. El desencadenante de todo es la celebración del último cumpleaños del Abuelo, el patriarca de la familia, que tiene un cáncer en estado terminal, pero la trama se ha tejido mucho antes a base de mentiras, culpa y ambición. Una gata sobre un tejado de zinc caliente es un intenso drama familiar, trasmitido de forma sincera, profunda y llena de ese sentido del humor que nos hace reír en momentos profundamente dramáticos. Esta versión de Una gata sobre un tejado de zinc caliente busca conmover al espectador, hablar de conflictos universales y eternos como la muerte, la mentira, el sexo, la represión, la homosexualidad, la ambición, las frustraciones y todo lo que ocurre ante una gran crisis dentro del núcleo familiar, lugar especializado desde hace siglos en albergar grandes tragedias como Hamlet, Macbeth, Bernarda Alba o Edipo. Merece la pena volver a este clásico, es puro teatro. [caption id="attachment_43371" align="aligncenter" width="700"] UNA GATA SOBRE UN TEJADO DE ZINC CALIENTE[/caption]

NOTA DE LA DIRECTORA

Gracias a un amigo hace unos meses llegó a mis manos la última versión del texto de esta famosa Gata. Una última versión que escribe Williams y que introduce algunos cambios a sugerencia de Elia Kazan. A los pocos minutos de empezar su lectura había olvidado la -por otro lado maravillosa- película de referencia y estaba descubriendo un magnífico texto de teatro. Una función dura y romántica, con una prosa capaz de hacernos volar pero que nos mantiene atados a la realidad, un drama familiar contemporáneo lleno de sinceridad, hondura, poesía y sentido del humor, porque Williams fue un poeta romántico del teatro y consigue con esta obra maestra, emocionarnos y sobrecogernos a partes iguales. Un texto escrito para ser representado por grandísimos actores y que en palabras del propio autor es “un intento por atrapar la verdadera naturaleza de un grupo de personas, ese intercambio turbio, tembloroso, evanescente -¡tan fieramente cargado!- de los seres humanos en la tormenta de una crisis corriente”. Un enorme reto para todo el equipo implicado en esta producción al que, desde aquí, quiero agradecer su confianza y su entusiasmo.

Amelia Ochandiano

SINOPSIS

Al Abuelo (Juan Diego), que cumple 70 años, le están preparando una fiesta de cumpleaños en la flamante finca que comparte con su mujer desde hace cuarenta años, un hombre enfermo pero que mantiene la esperanza de comprar la vida eterna. Sus dos hijos con sus mujeres han acudido a la casa familiar para celebrar la onomástica y la, aparentemente, recuperada salud del Abuelo. Brick (Eloy Azorín), el hijo menor, pegado a una botella de whisky desde hace unos meses y despreciando a su mujer, Gooper (José Luis Patiño), el mayor, con su esposa Mae (Marta Molina) y sus seis retoños haciendo méritos para hacerse con la posible herencia del patriarca y Maggie la Gata (Begoña Maestre), en medio de todos, una nuera bella y ansiosa, dispuesta a arañar a todo aquel que ose arrebatarle lo que la vida puede ofrecerle, una vida que nunca ha sido demasiado generosa con ella pero que ahora le brinda una oportunidad a la que se agarra con uñas afiladas. Todo ello va a desatar la tormenta perfecta y algunas sorpresas inesperadas. Un brillante y potentísimo texto que transcurre a lo largo de una asfixiante tarde de verano. [caption id="attachment_40519" align="aligncenter" width="700"] Una gata sobre un tejado de zinc caliente[/caption]

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TEATRO RIALTO

 

MAYUMANA y SOM Produce presentan

RUMBA!

el nuevo espectáculo de MAYUMANA en colaboración con Estopa

Del 12 de enero al 4 de junio

EL NUEVO SHOW DE MAYUMANA

  Rumba! es el nuevo espectáculo de MAYUMANA, con la música de ESTOPA. Del 12 de enero al 4 de junio en el Teatro Rialto de Madrid.   Rumba! narra, a modo de 'Romeo y Julieta', la historia de dos familias que viven enfrentadas en el mismo barrio y que verán como en medio de sus disputas y su odio nace un romance inesperado que desencadenará el conflicto. El reparto, formado por Javier Guerra, María Ordóñez, Lucía Ambrosini, Bruno Gullo, Miguel Ángel Belloto, Nuria Luna, Pablo López Vizcaíno, Alejandra García Alcañiz, Redouan Senhaji, Marcos Martínez, Palmira Cardo, Vicente de Andrés y Olga Magaña, han estado meses en Tel Aviv para aprender las técnicas y la forma de expresarse de Mayumana. Estopa pone la banda sonora a Rumba! con 14 de sus canciones, entre ellas sus mayores éxitos, como 'Partiendo la pana', 'La raja de tu falda' o 'Como Camarón', además se incluye un tema inédito 'Miriam'.   MAYUMANA es una compañía israelí fundada en 1996 por Eylon Nuphar y Boaz Berman. Hoy, con más de 100 miembros pertenecientes a distintas etnias y nacionalidades, que configuran tres grupos de artistas que operan simultáneamente en distintos países, MAYUMANA es un grupo reconocido internacionalmente.  

SINOPSIS

A través del lenguaje único de MAYUMANA, Rumba! narra la historia de dos familias que viven enfrentadas en el mismo barrio. En medio de su odio y disputas nace un romance inesperado que trasformará su vida. La música de ESTOPA aporta la banda sonora de un espectáculo desbordante, interpretado por un extraordinario elenco de artistas que cantan, bailan y tocan todos los instrumentos para generar el milagro rítmico y visual que distingue a todos los espectáculos de MAYUMANA,  ya disfrutados en España por más de 1.000.000 de espectadores.  

NOTA DE LOS DIRECTORES

Rumba! es un espectáculo creado desde el corazón y desde las entrañas. Desde el primer momento de su concepción Geri y yo nos sentimos firmemente comprometidos para crear una historia de amor con las canciones de Estopa a través del lenguaje rítmico de MAYUMANA. Queríamos romper con ciertos límites artísticos y en el proceso sentímos que con Rumba! MAYUMANA ha entrado en un territorio nuevo e inexplorado en movimiento, ritmo, coordinación y musica. Para nosotros, este salto a lo desconocido ha sido muy excitante y emocional, y estamos particularmente agradecidos por disfrutar de la oportunidad de hacer esto juntos, como colabores artísticos y como marido y mujer. A través de un riguroso proceso de selección tenemos la bendición de contar con un elenco artístico excepcional. A título individual, cada uno de ellos es único y distinto; como grupo resplandecen en su conexión dinámica. Su trabajo duro y su dedicación han alimentado nuestra energía creativa. El proceso se ha convertido en una aventura fenomenal y jubilosa. Boaz Berman y Geri Berman   [caption id="attachment_40439" align="aligncenter" width="798"] Mayumana RUMBA! . Foto: Javier Naval[/caption]  

FICHA

Dirección: Boaz Berman y Geri Berman Arreglos musicales: Boaz Berman Producción Ejecutiva: SOM Produce Director Asociado: David Ottone (Yllana) Coreografías: Talia Bik Diseño de Vestuario: Juan Ortega Diseño de sonido: Javier Isequilla Diseño de escenografía: Eduardo Moreno Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Reparto: Javier Guerra, María Ordóñez, Lucía Ambrosini, Bruno Gullo, Miguel Ángel Belloto, Nuria Luna, Pablo López Vizcaíno, Alejandra García Alcañiz, Redouan Senhaji, Marcos Martínez, Palmira Cardo, Vicente de Andrés y Olga Magaña. Una producción de MAYUMANA y SOM PRODUCE Fechas y horarios: Del 12 de enero al 4 de junio Miércoles, Jueves y viernes 20.30h. Sábados 18.00h. y 20:30h. Domingos 17h. y 19:30h.  TEATRO RIALTO Web: mayumanarumba   [button link="http://bit.ly/2feVqtJ" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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  [/et_pb_text][et_pb_video_slider admin_label="Control deslizante de vídeo" show_image_overlay="hide" show_arrows="on" show_thumbnails="on" controls_color="light"] [et_pb_video_slider_item src="https://www.youtube.com/watch?v=pR-YC_2PhRs" image_src="//i.ytimg.com/vi/pR-YC_2PhRs/hqdefault.jpg" background_layout="dark" /][et_pb_video_slider_item src="https://www.youtube.com/watch?v=e7qdyo_gS4E" image_src="//i.ytimg.com/vi/e7qdyo_gS4E/hqdefault.jpg" background_layout="dark" /][et_pb_video_slider_item src="https://www.youtube.com/watch?v=jAodcd7v88c" image_src="//i.ytimg.com/vi/jAodcd7v88c/hqdefault.jpg" background_layout="dark" /][et_pb_video_slider_item src="https://www.youtube.com/watch?v=EuR5gIXziL0" image_src="//i.ytimg.com/vi/EuR5gIXziL0/hqdefault.jpg" background_layout="dark" /] [/et_pb_video_slider][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE

 

Centro Dramático Nacional y San Sebastián 2016 presentan

TRATOS

A partir de 'Trato de Argel' de Miguel de Cervantes

Versión y dirección Ernesto Caballero

Del 14 al 24 de septiembre

Ernesto Caballero traslada la obra de Cervantes a un hipotético centro de internamiento de inmigrantes africanos.

Versión libre de Ernesto Caballero a partir del texto 'Trato de Argel', de Miguel de Cervantes. El reparto lo forman un elenco internacional de actores que ha vivido la experiencia de ser inmigrantes en Europa. Sus vivencias y testimonios se integrarán en un proceso creativo coordinado por Ernesto Caballero, en el marco del Laboratorio de investigación teatral Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional. Dos han sido las premisas que han servido de punto de partida para esta propuesta: la revisión desde una óptica contemporánea del texto cervantino y la voluntad de concitar un equipo multicultural de intérpretes y creadores cuyas peripecias individuales como inmigrantes se vean plasmadas en la estructura del espectáculo. Partiendo de la situación planteada en Trato de Argel, esto es, el confinamiento de un grupo de españoles secuestrados por piratas berberiscos, se pretende llevar a cabo una radical trasposición donde es ahora un grupo de inmigrantes africanos el que se encuentra recluido en un hipotético centro de internamiento peninsular.   Tratos es una coproducción del Centro Dramático Nacional y San Sebastián 2016, incluida en el programa oficial del IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes. Pablo Berástegui (Director general de San Sebastián 2016) afirma que "La misión de San Sebastián 2016 es fomentar la convivencia a través de la cultura. Con Tratos, Ernesto Caballero continúa la crónica iniciada por Cervantes sobre un relato viejo como el mar y los pueblos que habitan sus márgenes. No se me ocurre mejor manera de fomentar la cultura para convivir." Tratos se podrá ver en la Sala de Bóvedas del Centro cultural Conde Duque del 14 al 24 de septiembre.  

NOTA DEL DIRECTOR

"Cervantes escribió la obra en 1580, inmediatamente después de ser liberado de su cautiverio en Argel. Se trata de un ejemplo de literatura testimonial basada en la propia experiencia autobiográfica del autor. Como señala el profesor Enrique Fernández, “Trato de Argel tiene el claro compromiso político de las obras testimoniales de quienes han sobrevivido a cautiverios colectivos. Primo Levi, Jorge Semprún o las víctimas de la represión en Latinoamérica mostraron su compromiso no sólo con su militancia política tras su liberación sino con sus obras testimoniales que reivindicaban a los compañeros muertos o aún cautivos.” De la misma manera que el autor de El Quijote en su comedia se sirve de una estructura episódica propia del martirologio cristiano, Tratos toma como punto de partida el texto clásico para desarrollar una narración autónoma en sintonía con esta nueva realidad de confinamiento y deslocalización que tiene  lugar en los centros de internamiento para extranjeros. Tratos desarrolla la experiencia vital de una pareja confinada en un CIE que, tras abandonar su país de origen, pretende vivir dignamente en el continente europeo.."

Ernesto Caballero

  [caption id="attachment_35279" align="aligncenter" width="801"] ©marcosGpunto[/caption]  

FICHA

Versión y dirección Ernesto Caballero Escenografía Javier Ruiz de Alegría Iluminación Paco Ariza Vestuario Monica Boromello Música Luis Miguel Cobo Asesor dramaturgia Ramón Paso Coordinación artística Aitana Galán Ayudante de dirección Víctor Velasco Diseño cartel ByG / Isidro Ferrer Fotos marcosGpunto Producción ejecutiva Traspasos Kultur Reparto: Chema Adeva, Carmen Gutiérrez, Ione Irazabal, Astrid Jones, Primo José Meñan, Elton Prince. Coproducción Centro Dramático Nacional y San Sebastián 2016 Colabora Centro Cultural Conde Duque y Tabakalera Fechas y horarios: Del 14 al 24 de septiembre De martes a domingos, a las 19:30 h. en el CONDE DUQUE   [button link="http://bit.ly/2c5Vxey" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=DWHIihFm7pY&w=640&h=360