Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]
https://www.youtube.com/watch?v=RX8pyYKilLI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO DE LAS AGUAS
Esa Gente presenta
CóMO SEDUCIR A UN HETERO. EL MONÓLOGO
de Diego Manuel Béjar con Antonio Meléndez Peso
Miércoles a las 21h.
Humor adulto ácido e irreverente para dar la vuelta a los estereotipos de identidad y género.
La compañía teatral Esa Gente estrena su primer proyecto: CóMO SEDUCIR A UN HETERO. EL MONÓLOGO, que se podrá ver los Miércoles a las 21h. en el Teatro de Las Aguas. Inspirado en la exitosa novela de marcado caracter gay 'Cómo seducir a un hetero' (Diego Manuel Béjar, editorial Stonewall), y con texto del mismo autor, este monólogo es una ácida sátira de los estereotipos de identidad y género. Se trata de una deconstrucción del hombre (tanto gay como hetero) con pinceladas feministas que durante unos 75 minutos ofrece distintas sorpresas al espectador. Además de reir sin parar, el público también juega e incluso baila. El público asiste a una clase magistral para aprender, a través de un humor cínico e irreverente, pero sin caer en el mal gusto, las claves para seducir a un hetero. Pero no a cualquier hetero, ¡sino a todo un macho alfa! interpretado por Antonio Meléndez Peso. ¡La diversión está garantizada para todos y todas! Antonio Meléndez Peso te ofrece una visión irreverente de los tópicos de homosexualidad y heterosexualidad, dando la vuelta a los estereotipos de identidad y género.SINOPSIS
¡Esto no es un monólogo al uso! Cómo seducir a un hetero, el monológo, es toda una master class. Utilizando como base un humor cínico e irreverente, pero sin caer en las obviedades ni el mal gusto, un profesor con claroscuros imparte una clase magistral al público asistente sobre cómo seducir a un hetero. Mediante el uso de láminas esquemáticas y una pizarra gigante de seis metros cuadrados cargada de fórmulas e instrucciones gráficas, se realizará una deconstrucción atropológica del hombre y la masculinidad desde una visión gay. La clase se desarrolla a través de cuatro lecciones básicas y un examen sorpresa: • La seducción en el mundo gay: por qué ligar en el ambiente no es tan fácil como parece... o sí. • El hetero, ese desconocido: las claves para entender las características especiales del hombre heterosexual. • Ventajas de seducir a un hetero: cómo la revolución sexual nos lleva al concepto del hombre clínex. • El método: explicación de las claves para seducir al hombre heterosexual, con su correspondiente caso práctico. Diversión garantizada para todo tipo de público adulto: los gais se reirán a través del análisis mordaz de su propio mundo, las mujeres se verán vengadas, a través del concepto de hombre objeto y el análisis que de este se hace, y los hombres heterosexuales descubrirán cómo son percibidos tanto por las mujeres como por otros hombres.FICHA
Texto: Diego Manuel Béjar Dirección: Diego Manuel Béjar y Ángel Perulero Grafismo: Miguel González Reparto: Antonio Meléndez Peso De la Compañía Teatral Esa Gente Duración: 75 minutos Fechas y horarios: Miércoles a las 21h. en TEATRO DE LAS AGUAS [button link="http://bit.ly/2eED5ak" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=RX8pyYKilLI&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
NAVE 73
La Trapecista Autómata presenta
MOSCÚ (3.442 KM)
Inspirada en ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov Dramaturgia y dirección Patricia Benedicto
Viernes de febrero a las 20:15h.
...buscando el camino a Moscú
La Compañía La Trapecista Autómata presenta MOSCÚ (3.442 KM). Pieza inspirada en ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov, con dramaturgia y dirección de Patricia Benedicto. Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo forman el reparto. El proyecto, escrito y dirigido por Patricia Benedicto, se inspira en Las tres hermanas de Antón Chéjov para crear un paisaje escénico que pretende hablar de inmovilidad, del paso del tiempo, de los sueños no cumplidos, de la nostalgia, de la infancia, la juventud y de la necesidad de vivir pese a todo, pese al desconcierto que provoca. MOSCÚ (3.442 KM) se podrá ver los viernes de febrero a las 20:15h. en Nave 73 tras su paso por El Umbral de Primavera.MOSCÚ
3.442 son los kilómetros que separan Madrid de Moscú. 3.442 kilómetros es, tal vez, la distancia que nos separa de la posibilidad de ser felices. No lo sabemos. Solo sabemos que estamos en un paisaje nevado esperando que algo pase y que deberíamos caminar si no queremos quedarnos congeladas y morir de hipotermia. La obra se inspira y se nutre de ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov para crear un paisaje escénico que pretende hablar de inmovilidad, del paso del tiempo, de los sueños no cumplidos, de la nostalgia, de la infancia, la juventud y de la necesidad de vivir pese a todo, pese al desconcierto que provoca. Afirmar la vida como un acto de rebeldía. Moscú no es solo un lugar, es un estado de ánimo, un concepto. Moscú es la posibilidad, la oportunidad, el tren que no debemos dejar escapar.SINOPSIS
Moscú (3.442km) habla sobre el lugar que imaginamos pero donde nunca estamos. Irina, Masha y Olga sueñan con dejarlo todo y marcharse a Moscú, pero siempre encuentran algo que hacer: trabajar, preparar la comida, ir al súper, pagar facturas, fingir que quieren a alguien (incluso quererlo de verdad)… se entretienen preguntándose qué significa vivir mientras se olvidan de hacerlo. Como hacemos todos. Pero, ¿existe realmente Moscú? En mitad de este paisaje desolado que es nuestro país, en mitad de esta sociedad descreída y machacada, ¿nos podemos permitir pensar en la posibilidad de un futuro mejor? En esta obra nos preguntamos, no solo si es posible llegar a Moscú, también si existe la posibilidad de Moscú, si vale la pena caminar o es mejor quedarse quietos y ver pasar la vida. ¿Qué hacemos? ¿Caminamos?FICHA
Dramaturgia y dirección: Patricia Benedicto Espacio escénico y vestuario: Lúa Testa - La trapecista autómata Diseño de luces: Juanje de los Ríos Producción y distribución: La trapecista autómata Comunicación: LemonPress Reparto: Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo Duración aproximada: 75 minutos Fechas y horarios: Viernes de febrero a las 20:15h. en NAVE 73https://www.youtube.com/watch?v=aE_TkxoHUBA&w=640&h=360
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LA LOCANDIERA[/caption]
EL UMBRAL DE PRIMAVERA
LA COMPAÑÍA ARTISTAS Y. presenta
LA LOCANDIERA
de Carlo Goldoni Versión y dirección: Lidio Sánchez Caro
Jueves de noviembre a las 20:30h.
LA LOCANDIERA es una de las comedias más conocidas del dramaturgo italiano Carlo Goldoni. Con versión y dirección de Lidio Sánchez Caro, la obra se podrá ver en El Umbral de Primavera los jueves de noviembre a las 20:30h.
LA LOCANDIERA está interpretada por Pablo Bigeriego, Claudia Escobar, Borja Floü, Javier Lago, Maykel Nicolás, Salomé Peña, Carolina Touceda y João Ventura. Carlo Goldoni escribió LA LOCANDIERA en 1752, en un solo día, según su propio testimonio. La obra se estrenó en Venecia en 1753. LA LOCANDIERA es la historia de un combate psicológico entre un joven aristócrata reacio a amoríos, y que ha declarado la guerra a las mujeres, y Mirandolina, la dueña de un hostal, que bajo el pretexto de vengar la ofensa que esa actitud inflige a su sexo, se propone enamorarlo. Lo consigue en menos de veinticuatro horas, y una vez logrado su objetivo, termina por despreciarlo, casándose finalmente con el camarero de su negocio. Mirandolina es, ante todo, una mujer que elije, pone en marcha un plan, y consigue su objetivo. Con este argumento, Goldoni destacaba la habilidad de su protagonista para triunfar en un mundo de hombres, una novedad para su tiempo en la que subyace el ennoblecimiento social de la mujer propio del siglo de las Luces. La modesta valoración de la obra en tiempos del autor fue más que compensada a partir del siglo XIX, cuando las actrices de mayor renombre rivalizaron a la hora de interpretar a Mirandolina (Ristori, Duse, Paulova, etc.), superando en el XX a cualquier otra de sus comedias en número de representaciones, traducciones, adaptaciones y representaciones. En LA LOCANDIERA confluyen un perfecto ritmo dramático, diálogos brillantes, una caracterización de personajes a base de acertadas pinceladas, y otras diversas circunstancias que la convierten en una obra maestra.SINOPSIS
Dos aristócratas, un arruinado marqués y un rico conde, discuten sobre quién conquis-tará a Mirandolina, la dueña del hotel. Un joven noble tercia en la discusión, echándoles en cara su interés por las mujeres, y tiene palabras de desprecio para Mirandolina. Ésta, irritada, decide darle una lección y, en menos de veinticuatro horas, con gran sutiliza, consigue enamorarlo. Una vez logrado su objetivo, termina por despreciarlo, y de paso también a los dos aristócratas, casándose finalmente con el camarero de su hotel. [caption id="attachment_37847" align="aligncenter" width="700"] LA LOCANDIERA[/caption]
FICHA
Autor: Carlo Goldoni Versión y dirección: Lidio Sánchez Caro Diseño plástico: María Marcos Patiño Difusión y prensa: Patricia Marcos Producción: ARTISTAS Y. Reparto: Pablo Bigeriego, Claudia Escobar, Borja Floü, Javier Lago, Maykel Nicolás, Salomé Peña, Carolina Touceda y João Ventura Duración: 80 minutos Fechas y horarios: Jueves 3, 10, 17 y 24 de noviembre, a las 20:30 hrs. en EL UMBRAL DE PRIMAVERA Twitter: lalocandiera [button link="http://bit.ly/2ecQSX0" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]
LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS © Vanessa Rabade[/caption]
TEATRO KAMIKAZE
El Pavón Teatro Kamikaze presenta
LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS
de Per Olov Enquist Versión y dirección Miguel del Arco
Del 29 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017
- El director y dramaturgo Miguel Del Arco versiona y dirige un texto de Per Olov Enquist que gira en torno a la poderosa figura del escritor August Strindberg
- Una historia de ‘teatro dentro del teatro’ sobre el empoderamiento femenino y las relaciones de pareja que podrá verse a partir del 29 de noviembre en El Pavón Teatro Kamikaze
El autor Per Olov Enquist, amigo personal de Ingmar Bergman –quien dijo sobre Strindberg “me ha acompañado toda la vida: lo he amado, lo he odiado y he lanzado sus libros contra la pared, pero no he podido deshacerme de él”–, compone un magnífico texto teatral que parte de una profunda investigación sobre la persona y la obra de Strindberg, uno de los más grandes dramaturgos de la historia de la literatura que contribuyó a cambiar radicalmente la forma de escribir y hacer teatro a finales del siglo XIX. A partir de hechos reales, Enquist construye una hipnótica ficción de ‘teatro dentro del teatro’ que nos habla de las relaciones entre hombres y mujeres, el empoderamiento femenino, la misoginia, las intimidades de pareja, la creación artística y sus procesos, la libertad, la identidad personal, el miedo a la soledad…
SINOPSIS
En La noche de la tríbadas corre el año 1889. Acosado por las deudas y la miseria, August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912) decide abrir un teatro en Copenhague para llevar a escena sus obras y seguir experimentando sobre el hecho teatral. Ha nombrado directora de este Teatro Experimental a su mujer, Siri, madre de sus tres hijos, actriz que abandonó las tablas para seguir a su marido al exilio que él mismo se impuso y con la que el escritor está inmerso en un salvaje proceso de divorcio.
Strindberg siempre había procurado, sin éxito, que Siri encontrara su lugar en el teatro, pero la generosidad del maestro al nombrarla directora tiene una contrapartida interesada: forzar a Siri a que vuelva a su lado con los niños y poder así recomponer la familia que tanto añora. El choque entre estas dos fortísimas personalidades no se hace esperar, y más cuando Strindberg descubre que la actriz a la que su mujer ha confiado el otro personaje femenino de la función que ella misma protagoniza no es otra que su amante, Marie. La tríbada, la lesbiana.
Tanto Siri como Strindberg son conscientes de que poner en escena ‘La más fuerte’, el drama que el autor ha escrito para la ocasión, es su última oportunidad en muchos sentidos: para ella, de volver a los escenarios y recuperar una carrera profesional que la convierta en una mujer emancipada y libre; para él, de recuperar a su esposa proveyéndola del que ha sido su más ferviente deseo.
Pero ninguno de los dos escapa a su propia naturaleza ni a su historia común. La presencia de Marie, que ahora vive con Siri y sus hijos, convierte este peculiar ensayo de teatro –tal y como el propio Strindberg describió en uno de sus libros– en algo “cruel, feo, bello, poético, prosaico, sentimental, crudo, horrible, delicado”.
“Strindberg se pasó la vida sembrando la polémica, cultivando la irreverencia y manteniéndose en constante contradicción. La más grande, profunda y dolorosa que mantuvo fue, seguramente, consigo mismo. Contradicción que en algunos momentos se convirtió en enfermedad esquizoide. Sus tres esposas se plantearon en algún momento la necesidad de internarlo en un centro de salud mental. Y él mismo llegó a dudar en muchas ocasiones si lo que escribía era real o ficción”, cuenta Del Arco. “¿Qué pudo suceder en la vida de Strindberg para que en 1884 escribiera una declaración de los derechos de la mujer, que aún hoy resultan avanzados y tristemente inasequibles, y solo un año más tarde renegara de ella? Este es el espíritu revolucionario, terrorista, polémico y extremo que recorre La noche de las tríbadas, una función que no dejará a nadie indiferente”.
[caption id="attachment_37814" align="aligncenter" width="700"] LA NOCHE DE LAS TRÍBADAS © Vanessa Rabade[/caption]
FICHA
Autor Per Olov Enquist Versión y dirección Miguel del Arco Intérpretes Manuela Paso, Jesús Noguero, Daniel Pérez Prada, Miriam Montilla Escenografía y vestuario Alessio Meloni Iluminación Pau Fullana Diseño de sonido Sandra Vicente (Studio 340) Diseño del cartel Lisa Cuomo Fotografías Vanessa Rábade Realización de escenografía Mambo Decorados Estudiante en prácticas Gabriel Fuentes Una producción de El Pavón Teatro Kamikaze Fechas y horarios: Del 29 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017 en el TEATRO KAMIKAZE Miércoles, 20.30 horas. Jueves y viernes, 22 horas. Sábados, 21 horas. Domingos, 20 horas Miércoles 28 de diciembre, 20.30 horas Jueves 29 y viernes 30 de diciembre, 22 horas Domingo 1 de enero, 20 horas Miércoles 4, jueves 5 y viernes 6 de enero, 22.30 horas Domingo 8 de enero, 21.30 horas [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0012/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]- ‘La noche de las tríbadas’ y las incontroladas turbulencias en el ánimo de Strindberg - José-Miguel Vila
- ‘La Noche de las Tríbadas’, o un tratado sobre la intensidad - Hugo Álvarez. Butaca en anfiteatro
- ¿Quién teme a August Strindberg (y viceversa)? - Marcos Ordóñez
- La sala - Míriam Montilla, Manuela Paso, Jesús Noguero y Daniel Pérez Prada
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" text_font="Open Sans||||" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid"]
¡QUÉ BELLO ES MORIR![/caption]
https://www.youtube.com/watch?v=fwM59KK_WgE&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO BELLAS ARTES
La Fabulosa presenta
¡QUÉ BELLO ES MORIR!
Autores: Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco, Fernando J. López
Del 21 de octubre al 16 de diciembre
Una comedia para morirse de risa
El 21 de octubre se estrena en el Teatro Bellas Artes la comedia QUÉ BELLO ES MORIR, que bajo el subtítulo de 'Una comedia para morirse de risa', nos presenta siete historias desternillantes que te harán reír, perder un montón de miedos y exclamar: qué bello es morir!!! Siete historias escritas por Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco y Fernando J. López. Con dirección de Esperanza Lemos y un reparto formado por Josele Román, Beatriz Rico y Fran Antón. Siete autores que desafian a la muerte en una obra estructurada en sketches y que contará con un gran número musical como colofón. Una mirada desenfadada a la muerte, desde el lado más desternillante, a veces caótico o absurdo, pero siempre esperanzador y cómico. Y es que al parecer, el más allá es mucho más divertido que nuestra aburrida vida terrenal. Todos los viernes a las 23:30h. ¡QUÉ BELLO ES MORIR! Una comedia para morirse... de risa!!! te espera en el Teatro Bellas Artes.SINOPSIS
¡Qué bello es morir! es algo más que una función de teatro: siete historias en las que se trata el tema de la muerte desde diferentes situaciones y puntos de vista: un muerto que no se sabe si lo está, una mujer que descubre que sí lo está cuando ve su propia esquela en el periódico, una pareja de ex que se encuentran en el más allá y descubren que en la otra dimensión también hay que rellenar papeles y ponerse a trabajar, unos espíritus que deciden encantar una casita en la playa para estar de permanente veraneo o una madre que se le aparece a su hija en el momento que ésta solicita su ayuda para, de paso, explicarle lo bien que se vive en el infierno y cómo disfrutó del concierto de David Bowie… [caption id="attachment_37809" align="aligncenter" width="600"] ¡QUÉ BELLO ES MORIR![/caption]
FICHA
Autores: Antonia San Juan, Félix Sabroso, Màxim Huerta, Alfonso Zurro, J. Manuel Serrano Cueto, Alberto Velasco, Fernando J. López Dirección: Esperanza Lemos Dirección Técnica e Iluminación: Jorge Abad Reparto: Josele Román, Beatriz Rico y Fran Antón Ambientación: Esperanza Lemos Fotografía / Diseño Gráfico: Juanma Sierra Director de Producción: Rubén Ramírez Producción Ejecutiva: La Fabulosa Fechas y horarios: Del 21 de octubre al 16 de diciembre Viernes a las 23:30h. en el TEATRO BELLAS ARTES Facebook: QueBelloEsMorir Twitter: QueBelloEsMorir [button link="http://bit.ly/2bLCPqC" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=fwM59KK_WgE&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
[et_pb_section][et_pb_row][et_pb_column type="4_4"][et_pb_text admin_label="Texto" background_layout="light" text_orientation="left" use_border_color="off" border_color="#ffffff" border_style="solid" text_font="Open Sans||||"]
Sonia De Munck – Soprano Ligera
Julio Morales – Tenor
Antonio Torres – Barítono
Cristina Arias – Bailarina/Coreógrafa
Francis Guerrero – Bailarín
Celsa Tamayo – Piano
Dirección de escena – Luis Olmos
Diseño y Realización Audiovisual – Gustavo Moral
Diseño y Realización de Iluminación – Lía Alves
Coordinación artística y musical – Celsa Tamayo y Julio Morales
Fechas y horarios: Días 6, 13, 20 y 27 de noviembre y 4, 6, 8, 11 y 18 de diciembre de 2016 12:30 horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS
[button link="http://bit.ly/2c6g0y7" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS [/button]
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https://www.youtube.com/watch?v=BIrA5EsUdws&w=640&h=360
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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS
Compañía Montatanto Producciones presenta
AIRES DE ZARZUELA
Dirección de escena Luis Olmos
6, 13, 20 y 27 de noviembre y 4, 6, 8, 11 y 18 de diciembre
Aires de Zarzuela es un recorrido por una cuidada selección de algunos de los mejores momentos musicales del gran género lírico español. Romanzas, dúos y danza, nos acercan los aromas de aquellas calles, de aquellas flores, de aquellos recuerdos y amores que reviven gracias a compositores como Vives, Moreno Torroba, Chueca , Sorozábal, Chapí, Bretón… “AIRES DE ZARZUELA” es un concierto – espectáculo ambientado en los años cuarenta y configurado en una sola parte sin descanso con una duración de 90 minutos, en lo que iremos viviendo diferentes sensaciones gracias a la composición de un programa elegido desde la belleza el sentido del Ritmo de espectáculo. Una compañía se dispone a realizar el último y definitivo ensayo antes de la emisión del gran concierto de Zarzuela, por el sistema de radiodifusión española. La compañía al completo depende de la buena acogida por parte de anunciantes y patrocinadores… Son magníficos artistas (aunque algunos un poco despistados) y están preparados… Va a ser el mejor espectáculo de sus vidas…. Una gran escena en la que participa toda la compañía, coreografiada por nuestra bailarina solista y coreógrafa Cristina Arias, con la música del preludio de la obra La Revoltosa inaugura la primera parte. Se sucederán entonces una consecución de escenas confeccionadas a partir de las romanzas, dúos, intermedios… que nos brinda este repertorio, entre los que cuentan El dúo de la africana, La boda de Luis Alonso, Doña Francisquita, El niño judío… así como la gran jota de La Dolores en la que participan todos los integrantes del espectáculo creando una escena coral cantada y bailada.EL ELENCO
María Rodríguez – Soprano Lírica
Sonia De Munck – Soprano Ligera
Julio Morales – Tenor
Antonio Torres – Barítono
Cristina Arias – Bailarina/Coreógrafa
Francis Guerrero – Bailarín
Celsa Tamayo – Piano
Dirección de escena – Luis Olmos
Diseño y Realización Audiovisual – Gustavo Moral
Diseño y Realización de Iluminación – Lía Alves
Coordinación artística y musical – Celsa Tamayo y Julio Morales
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PROGRAMA LA REVOLTOSA (R. Chapí) Preludio (Coreografía bailarines y toda compañía) AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE (F. Chueca) Preludio y escena (Bailarina y TODOS) LA DEL MANOJO DE ROSAS (Pablo Sorozábal) “Hace tiempo que vengo al taller…” ( Duo- Soprano/ Barítono) “Madrileña bonita….” (Romanza Barítono) DOÑA FRANCISQUITA (Amadeo Vives) “Canción del ruiseñor” (Romanza/Soprano) EL DUO DE LA AFRICANA (Manuel Fdez Caballero) “No cantes más la Africana…..” (Duo Tenor/Soprano) LA BODA DE LUIS ALONSO (Mtro. Jiménez) “Intermedio” (Baile paso a dos) EL NIÑO JUDIO (Mtros. Soutullo/ Vert) “De España vengo…” (Romanza-Soprano) LA LEYENDA DEL BESO Dúo “Amor mi raza…” (Tenor-Soprano) “Intermedio” (Baile paso a dos) LOS EMIGRANTES (Tomás Barrera) “Granadinas” (Romanza –Julio) LOS DIAMANTES DE LA CORONA(F.A. Barbieri) “Niñas que a vender flores…” (Duo Sop./Sop.) EL BARBERILLO DE LAVAPIÉS(F.A. Barbieri) “No seas tirana…” (dúo, Soprano/Barítono) “Las Caleseras” (Cuarteto.) LA DOLORES (T. Bretón) “Aragón la más famosa…” (Jota. TODOS) |
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En un tiempo caracterizado por un desequilibrio económico que, en el fondo, es una crisis de valores, es lógico que el teatro recupere aquellos textos del pasado que nos ayudan a entender las razones de la inestabilidad. Tartufo se descubre, así, como un asombroso precursor del espejismo del capitalismo salvaje y su capacidad para seducir incautos. El personaje Tartufo puede ser visto como un falso devoto, como un feliz habitante de la impostura, pero también como un especulador: a la manera de los bancos, seduce a Orgón con la promesa de un bienestar espiritual al tiempo que intenta establecer derechos sobre la hija, sobre la esposa y finalmente sobre los bienes materiales de su víctima.
[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO INFANTA ISABEL
VENEZIA TEATRO presenta
TARTUFO EL IMPOSTOR
de Molière Versión: Pedro Víllora Dirección: José Gómez-Friha
Del 15 de agosto al 1 de octubre de 2017 en el Teatro Infanta Isabel
Escrita en el siglo diecisiete por Molière, Tartufo (1664), una de las obras mayores de la literatura dramática universal, es la referencia teatral sobre la falsa devoción y la hipocresía.
El propio Molière insistía que el tema de su obra era "la crítica de los falsos devotos, de los hipócritas que se presentan bajo la apariencia de personas con fuertes valores cristianos y que esconden otros intereses". La compañía Venezia Teatro presenta con TARTUFO EL IMPOSTOR una visión contemporánea donde aparecen todos los elementos de la obra de Moliere. Con dramaturgia de Pedro Víllora y dirección de José Gómez-Friha. Alejandro Albarracín da vida al Tartufo que es descrito como un monstruo y se nos presenta sólo desde su dialéctica embaucadora y sus acciones. Completan el elenco Lola Baldrich, Vicente León, Nüll García, Ignacio Jiménez y Esther Isla. Pedro Víllora, responsable de la versión, traslada la historia al día de hoy, para que podamos descifrar a los tartufos que vagan acechándonos. ¿Se ha encontrado Vd. alguna vez con alguno? ¿Ha sido alguna vez Vd. un Tartufo?NOTA DEL DIRECTOR
¿Qué es lo que hace diferente a nuestro Tartufo y qué podemos contar con él? Tartufo posee una inteligencia muy elevada que utiliza para radiografiar las debilidades y las virtudes del prójimo. Se acerca a las personalidades manipulables, las que puede manejar a su propio antojo y se aleja y recela de las que le identifican a él como un impostor. Y es así como Tartufo, a partir de la manipulación y el saber estar cerca de quién debe estar, construye su imperio.La ambición es un componente básico de la sociedad. Y esa ambición puede llevar a controlar lo que se necesite para conseguir los objetivos que uno quiera. Se pasa por encima de lo humano para conseguir lo material. La religión en el Tartufo es para mí anecdótico. Son circunstancias. La verdadera esencia del Tartufo reside en contar la historia de alguien que es capaz de pasar por encima de LA MORAL para robar, apropiarse del bien ajeno y destruir una familia, o una sociedad.
¿No vemos esto todo los días en las noticias? La falta de conciencia, de valores éticos, de honestidad. Hay muchos Tartufos, con mayúsculas, pero ¿somos nosotros Tartufos? ¿Hemos actuado alguna vez como un Tartufo, con nuestro egoísmo como capitán de un barco que arrasa con todo lo que encuentra a su paso? Y sin importar las consecuencias… Tartufo es la síntesis de este afán en su estado más puro. Por eso la dramaturgia de Pedro Víllora modifica el final de la comedia.
En el siglo diecisiete Tartufo, acababa con la intervención del rey y del poder judicial castigando las acciones de El Impostor. Pero hoy día, ¿podríamos mantener esta acción, si poder y leyes son los primeros corruptos? Tartufo se queda con Todo. Tartufo gana. Porque la reflexión que tenemos que hacer para parar a esos Tartufos que nos rodean deben nacer de ver en escena la injusticia. El final conformista no es real, es idílico. El teatro no debe ser idílico, debe plasmar la realidad artística, sí, pero real. Tras el análisis del Tartufo identifico en mí mismo sus pensamientos y también los del resto de personajes. Confieso, con y sin vergüenza, haber sido un poco Tartufo a veces. Y también haber sufrido el daño de ladrones de propiedades. Hay que acabar con todos esos Tartufos, los pequeños que viven dentro de nosotros y los que se han hecho grandes a nuestro alrededor.José Gómez-Friha, director
En un tiempo caracterizado por un desequilibrio económico que, en el fondo, es una crisis de valores, es lógico que el teatro recupere aquellos textos del pasado que nos ayudan a entender las razones de la inestabilidad. Tartufo se descubre, así, como un asombroso precursor del espejismo del capitalismo salvaje y su capacidad para seducir incautos. El personaje Tartufo puede ser visto como un falso devoto, como un feliz habitante de la impostura, pero también como un especulador: a la manera de los bancos, seduce a Orgón con la promesa de un bienestar espiritual al tiempo que intenta establecer derechos sobre la hija, sobre la esposa y finalmente sobre los bienes materiales de su víctima.
Pedro Víllora, dramaturgo
SINOPSIS
Tartufo entra en casa de los Pernelle de mano del señor Orgón, como un mendigo que necesita asilo. Poco a poco, cual virus que se va extendiendo, empieza a apropiarse de los bienes de la familia. Engaña a quien puede engañar, pasando por encima de los que sí ven en él la verdadera cara de su alma y lo que hay detrás de sus oscuros ojos... El falso devoto: la bondad y la fe del prójimo utilizadas en favor del beneficio personal. Tartufo posee una inteligencia muy elevada que utiliza para radiografiar las debilidades y las virtudes del prójimo. Se acerca a las personalidades manipulables, las que puede manejar a su propio antojo y se aleja y recela de las que le identifican a él como un impostor. Y es así como Tartufo, cualquier tartufo, a partir de la manipulación y saber estar cerca de quién debe estar, construye su imperio.FICHA
Dirección: José Gómez-Friha Versión: Pedro Víllora Diseño de vestuario Sara Roma y Venezia Teatro Confección de vestuario Rafael Solís Diseño de escenografía José Gómez-Friha Diseño de iluminación Marta Cofrade Cartel María Lacartelera Maquillaje para cartel Alicia Barón Ayudante de dirección y producción David Ávila Prensa Josi Cortés Reparto: Alejandro Albarracín, Lola Baldrich, Vicente león, Nüll García, Ignacio Jiménez, Esther Isla Producción VENEZIA TEATRO S.L.U. Fechas y horarios: Del 15 de agosto al 1 de octubre de 2017 De martes a viernes a las 20:30h. Sábados 20h. Domingos 19h. en el TEATRO INFANTA ISABEL [button link="http://bit.ly/2tU953y" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA
ToyProducciones
presentan
LA BELLA DURMIENTE
Guion y dirección: Jesús Sanz Sebastián
Del 1 al 16 de septiembre de 2018
Los personajes de Charles Perrault cobran vida a ritmo de pop y góspel con un mensaje feminista
El 1 de septiembre llega al Teatro de La Luz Philips Gran Vía LA BELLA DURMIENTE. El clásico de Charles Perrault, con guion y dirección de Jesús Sanz Sebastián, llegará cargado de números musicales originales de Julio Vaquero y Javier Medina, un vestuario espectacular firmado por Xoan López y Rocío González, y divertidos números de marionetas a cargo de David Pizarro. Paula Moncada, Rafael Bueso, Natan Segado, Marina Agapito, Yolanda Altabert y Cristina Gallego darán vida a los personajes que en esta ocasión contarán una historia de princesas del Siglo XXI desde los valores de la igualdad, la generosidad y la superación. LA BELLA DURMIENTE es uno de los musicales familiares más esperados, producido por Barabú Producciones y ToyProducciones. Un espectáculo de 6 actores y marionetas de gran formato que harán las delicias de grandes y pequeños.SINOPSIS
LA MARAVILLOSA HISTORIA DE LA BELLA DURMIENTE, es uno de los musicales familiares más esperados, producido por Barabú Producciones y ToyProducciones, que han puesto el máximo cuidado y esmero para que resulte uno de los espectáculos más maravillosos e inolvidables para todos los públicos. Una magnífica puesta en escena, fantástica escenografía, maravillosos vestuarios, originales marionetas, que conformarán uno de los musicales más importantes de España de los últimos años. Todo a ritmo de grandes números musicales que van desde el Pop hasta el Góspel. Un gran espectáculo que ayudará a los asistentes a trasladarse al maravilloso mundo de los cuentos con el objetivo de emocionar, divertir con un bonito mensaje de fondo. La Malvada Bruja Malicia ha cumplido su encantamiento y ha sumido a la Princesa Alba en un eterno sueño, solo las Hadas podrán otorgar algo de esperanza para la Bella Durmiente, buscando a un Príncipe que le despierte con un beso de amor verdadero. Pero todo se complica cuando el Príncipe que encuentran las tres Hadas no resulta ser tal y como ellas esperaban pues carece de memoria y ni siquiera él sabe quién es. Un gran Musical para toda la familia donde las princesas no quieren ser princesas, las Brujas no son tan malas ni los príncipes tan románticos. Un viaje lleno de aventuras, magia y números musicales donde pequeños y mayores podrán aprender valores como la diversidad y el respeto a los que son diferentes. Una divertida forma de aprender a aceptar y entender. [caption id="attachment_37687" align="aligncenter" width="700"]
LA BELLA DURMIENTE[/caption]
FICHA
Guion y dirección: Jesús Sanz Sebastián Composiciones musicales: Julio Vaquero y Javier Medina Producción ejecutiva: Fernando Gonzalo, Juan A. Canaleda y Carlos Rojas Vestuarios: Xoan López y Rocío González Marionetas y escenografía: David Pizarro Diseño de luces: Jesús Sanz Sebastián Técnico de iluminación: Javier Reyes Reparto: Paula Moncada, Rafael Bueso, Natan Segado, Marina Agapito, Yolanda Altabert y Cristina Gallego Una producción de Barabú Producciones y ToyProducciones Fechas y horarios: Del 1 al 16 de septiembre de 2018. Sábados y domingos a las 12:30 horas, en el TEATRO DE La Luz PHILIPS GRAN VÍA[button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2L8m38d" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
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TRAILER 300 EL X 50 EL X 30 EL (ENG) from Toneelhuis on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
TEATROS DEL CANAL
FC Bergman / Toneelhuis presenta
300 EL x 50 EL x 30 EL
11 y 12 de noviembre de 2016 a las 20 horas
Teatro y cine se entrelazan en un lenguaje que sacude directamente en las tripas
El estreno absoluto de 300 el x 50 el x 30 el tuvo lugar el 28 de enero de 2011 en Amberes y la pieza no ha dejado de girar alrededor de todo el mundo desde entonces. Los días 11 y 12 de noviembre se podrá ver en la Sala Roja de los Teatros del Canal dentro de la programación del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. “300 el × 50 el × 30 el es la historia de un grupo de personas, de una comunidad que trata de dar respuesta a la pregunta de qué es un colectivo o cómo la gente vive en sociedad, pero lo hacen de una manera bastante fundamentalista. Habla de religión. Y del miedo a perder el control sobre nuestras propias vidas. Pero debemos decir que se trata de un proyecto inusual para FC Bergman, porque es nuestra pieza más narrativa hasta la fecha. La “viabilidad de la vida” es otro de los asuntos que se abordan casi literalmente en 300 el x 50 el x 30 el. El protagonista principal, un soldado solitario, cree que puede manejar el destino con sus propias manos. Los demás no. Los demás no se hacen responsables de sus propias vidas porque creen que eso es algo que está fuera de su alcance. En FC Bergman, nos sentimos más conectados con el soldado, que intenta controlar su vida, aunque sepa que no va a ser posible. Al final, eso es exactamente lo que vemos: que nunca funciona. Es una historia maravillosa, sabemos él no va a tener éxito, pero también vemos que lo está intentando”.Thomas Verstraeten & Stef Aerts
FC Bergman creó 300 el x 50 el x 30 el para el Antwerpse Kleppers Festival de 2011 en el corto plazo de un mes. Con un elevado número artistas invitados, seis extras y una población entera sobre el escenario, el colectivo belga -considerado como una de las formaciones más interesantes de la escena contemporánea europea de los últimos tiempos- sacó a escena un pueblo unido por la amenaza de una inminente inundación. Lo que ocurre dentro de las casas se muestra en una gran pantalla. Teatro y cine se entrelazan de forma espectacular y hablan un lenguaje que te sacude directamente en las tripas. Un evento en vivo toma forma, un espectáculo visual se desarrolla. Ningún esfuerzo ha sido poco para poner en pie 300 el x 50 el x 30 el. Una población entera rodeada por un oscuro bosque de pinos envueltos por la niebla ha sido construida sobre el escenario. Con la mirada fija en el público, un pescador se sienta inclinado sobre un estanque. La luz se funde con las pequeñas casas de madera y le imprime un resplandor íntimo a la escena. El olor de las hojas esparcidas sobre el suelo se siente entre la audiencia y, durante un instante, parece como si el mundo real estuviera allí adentro. Un equipo de vídeo se pasea por el borde del escenario, permitiendo que el público pueda ser testigo de lo que ocurre dentro de las casas a través a tres grandes pantallas. Vemos a un anciano en la cama y una cena familiar en la que se masca la tragedia; a una pareja que ha perdido todo síntoma de inhibición el uno frente al otro y a varios amigos que experimentan con juegos sádicos con el más vulnerable del grupo. Todas son situaciones extremas: divertidas y exageradas, pero también repulsivas. Encierran la verdad de una sociedad que todos reconocemos como muy parecida a la nuestra. La gente de esta pequeña y hermética comunidad aguarda ansiosamente una inundación. Esta espera hace que afloren aspectos de su carácter que normalmante la gente prefiere mantener ocultos para sí misma. Un estado de ánimo sombrío y varias escenas inteligentes aunque también desagradables ayudan a crear una atmósfera siniestra. Como si se tratase de un thriller, la cámara sigue a una joven mientras se adentra en el oscuro bosque, a través de las ramas y de la niebla, con una luz blanca deslumbrante que ilumina su cara distorsionada. Las imágenes son impresionantes y hermosas. Una sensación de malestar desciende sobre la audiencia, se posa en todas partes y nos inquieta, aunque los intérpretes nos arrancan también carcajadas gracias a su audacia.
FICHA
Producción: FC Bergman Creación e interpretación: Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten y Marie Vinck Intérpretes invitados: Wim Verachtert, Paul Kuijer, Gert Portael, Herwig Ilegems, Shana Van Looveren, Celine Verbeeck, Marijke Pinoy, Gert Winckelmans, Ramona Verkerk, Arne Focketeyn, Flor Decleir, Matthieu Sys, Luc Agemans y Cas van Neef Vestuario: Judith Van Herck Cámara de vídeo: Thomas Verstraeten Director de producción: Celine van der Poel Director de producción técnica: Ken Hioco Técnicos de escenografía: Niels Antonissen, Kobi Gruyaert y Fik Dries Iluminación: Henk Vandecaveye Sonido y vídeo: Paul Van Caudenberg Escenografía: FC Bergman Productor ejecutivo: Toneelhuis Duración aprox: 1 hora y 10 minutos Fechas y horarios: Días 11 y 12 de noviembre de 2016, a las 20 horas en los TEATROS DEL CANAL [button link="https://entradas.teatroscanal.com/janto?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=300FOPTC2016&id_origen=MET" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]TRAILER 300 EL X 50 EL X 30 EL (ENG) from Toneelhuis on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
ESPACIO GUINDALERA
presenta
JUAN SIN MIEDO
Versión de Álex Tormo a partir del cuento de los Hermanos Grimm
Sábados a las 17:00h
La Caja del Terror inaugura su programación infantil con un cuento de los Hermanos Grimm sobre el miedo, el amor y la responsabilidad que conlleva crecer: Juan sin miedo.
El miedo es uno de los problemas infantiles que más preocupan a madres y padres. Pero quién no tiene miedo en este mundo, qué adulto no se enfrenta o se oculta diariamente en todos los que encierra dentro de su corazón. Una versión libre de uno de los cuentos de hadas de los Hermanos Grimm contenidos en sus Cuentos para la infancia y el hogar―después de la Biblia de Martín Lutero la obra en lengua alemana más conocida en todo el mundo e incluida, además, en el Programa Memoria del Mundo de la Unesco en 2005―: Cuento del que fue a aprender lo que era el miedo, popularmente conocido como Juan sin miedo. Creada y dirigida por Álex Tormo ―vinculado a la sala Guindalera con numerosas obras e imbuido en el teatro infantil con éxitos como Cuento de Navidad, Los viajes de Gulliver o la dirección de piezas como Momo, de Ende, El sueño de Titania y Peer Gynt―, en esta versión propia envuelta en el mundo mágico de los Hermanos Grimm y en el peculiar e imaginativo estilo del actor madrileño ―humor, fantasía y amor al teatro y la literatura―, Juan, que no le teme a nada y quiere conocer qué es el miedo, sale en su busca hacia un castillo embrujado de Transilvania, donde un rey ha prometido que quien logre pasar una noche se casará con la princesa y le será entregado un cofre lleno de tesoros. Con una escenografía cuidada y “encantada”, la participación del público en sencillos y asombrosos juegos de magia, un títere para ser manipulado por el espectador, música y canciones ―pues “el que canta su mal espanta”― y divertidos personajes que los niños tendrán que interpretar en escena (entre otros, una linda brujita que quiere crear pócimas especiales para montar un restaurante, una momia que pretender ser enfermera y un esqueleto al que le castañean los dientes de hambre y frío), quién sabe si Juan encontrará el miedo o si nada será lo que parece; si de repente Juan tendrá que enfrentarse a responsabilidades, al hecho de crecer… O quizá a que aparezca el amor, o a perderlo... O si ya todo está en nuestro corazón. Como en los cuentos, que protegen los pequeños misterios de la vida y nos inducen a iluminarlos. [caption id="attachment_37673" align="aligncenter" width="700"]
JUAN SIN MIEDO[/caption]
El mensaje de casi todos los cuentos es que hay que ser valeroso, que no quiere decir que sea negar el miedo o no sentirlo. “Coraje”, del latín Cor, significa corazón. Por eso tener coraje o ser valiente es vivir con el corazón. Como este Juan, héroe que se enfrenta a todos los problemas que le surgen con humildad, humor y determinación, con curiosidad, con ganas de superarse. En definitiva, con la esperanza de saber quién es. “La vida es deseo y los deseos nos llevan al encuentro con los demás, nos enfrentan a lo incierto y lo desconocido del mundo”. Por eso todos temblamos sin saber la razón, quizá porque “la vida también es el temblor de lo desconocido"
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SALA AZARTE
La Vidriera Producciones presenta
LOVE SONG, EL MUSICAL
de Roberto Guerra Dirección: Alejandra Nogales
Domingos a las 20h.
‘LOVE SONG, el musical’ es el resultado de más de diez años de vida, de historias de amor, de ilusiones y decepciones del autor, que se entrelazan en una conmovedora, erótica y divertida puesta en escena. Combinando teatro, cabaret y stand-up comedy - al más puro estilo americano-, los personajes interactúan con el público haciéndole partícipe de sus miedos, egos, prejuicios y deseos; de su amor, algo que nos afecta a todos. Hoy en día, la indiferencia, la soledad y el miedo al compromiso hacen más fácil conseguir sexo que encontrar el amor. Peligro y Azul no están tan lejos de esta realidad. El mundo de la noche, de las drogas y del alcohol unen a un hombre de negocios que lo tiene todo menos tiempo y a un hombre de “otro tipo de negocios” que lo quiere todo y le sobra tiempo. Ambos entrarán en el juego de la seducción y el amor confundiendo los términos, los límites. Las drogas y el alcohol les desinhiben, quizá demasiado, y a la vez les muestra la realidad.
FICHA
Dirección: Alejandra Nogales Autor: Roberto Guerra Producción musical: Bruno OG Producción audiovisual: Sebastián Ventura Coach vocal: Lorena Joaquín Voz coros en estudio: Tania Castillo Estudio de grabación: Panema S.L Diseño y realización de escenografía y vestuario: La Vidriera Producciones Fotografía: Álvaro Serrano Sierra Diseño de cartel: Elisa Forcano Producción general: La Vidriera Producciones REPARTO Alejandro San Martín: Peligro Eduardo de Tena: Azul Fechas y horarios: Domingos a las 20h. en la SALA AZARTE [button link="http://bit.ly/2fZaWh4" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button][/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]
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EL TRATO[/caption]
SALA TÚ
LA MATILDE TEATRO presenta
EL TRATO
Texto y dirección Pinar Bermudo
Sábados 23h.
La ópera prima de Pinar Bermudo, 'El trato', ha prorrogado su estancia en la Sala Tú de Madrid los sábados de octubre a las 23h.
Todo comienza cuando la Muerte se va de vacaciones...
SINOPSIS
La Muerte quiere irse de vacaciones y para ello necesita que alguien ocupe su lugar. El elegido será Enrique, el cual morirá a las 21:10h de un ataque al corazón a no ser que acepte un trato con la Parca: “Hacer su trabajo”. Éste accederá, lo que no sabe es que será más difícil de lo que se imaginaba. El trato es una comedia que nace de algo que todos nos hemos cuestionado más de una vez. La Muerte. ¿Cómo será eso de morirse? ¿Se sentirá algo?… Éstas y otras preguntas se resuelven a lo largo de la obra: La muerte es fácil y divertida.“En El trato irrumpe el más severo de los personajes, el más grave, ése que siempre está esperándonos y que puede presentársenos en cualquier momento para anunciarnos que no habrá más momentos. Pinar Bermudo consigue convertirlo en personaje de comedia. Ocurre que esta joven autora y directora tiene olfato para construir situaciones descacharrantemente paradójicas y oído para la frase que descuajeringa la situación solemne. Tiene mucho Pinar, sí, de ese don tan escaso que se llama gracia. Una gracia tierna, nunca cínica. También la tienen sus estupendos cómplices Carlos Corchero, Agustín Mateo, Javier Galán e Irene Maquieira. Todos ellos consiguen que nos riamos con tres pequeños seres humanos, tan parecidos en su fragilidad a cualquiera de nosotros, y con aquel otro, inhumano, que, cansado de serlo, viene a proponer, a proponernos, un extraño trato.” Juan Mayorga[caption id="attachment_37657" align="aligncenter" width="700"]
EL TRATO[/caption]