Histórico

OBRA DE DIOS

 

Txalo y Pentación presentan

OBRA DE DIOS

Texto: David Javerbaum Dirección: Tamzin Townsend

Desde el 8 de noviembre en el TEATRO BELLAS ARTES

 

Al fin llega a España la comedia que triunfa en Nueva York: OBRA DE DIOS, de David Javerbaum.

OBRA DE DIOS es un espectáculo hilarante protagonizado por Mariano Peña, Chema Rodríguez-Calderón y Bernabé Fernández. Bajo la dirección de Tamzin Townsend.   Una cuenta de Twitter inspiró una obra de teatro que fue estrenada en Broadway y que se topó con reseñas mezcladas por parte de la prensa especializada de Nueva York. Jim Parsons es el actor que da vida a Dios en 'An act of God', estrenada en mayo de 2015 en Studio 54, en la que se ve todo tipo de bromas y chistes hechos por el creador, y que se insertan en la disertación que tendría Dios a la hora de explicar por qué tuvo a bien crear a Adán y Eva, en lugar de Adán y Esteban, por ejemplo.  

SINOPSIS

El señor del Universo, creador de los Cielos y la Tierra nos visita en el teatro para reescribir sus diez mandamientos. Al fin llegan las respuestas a todas esas preguntas que nos hacemos desde el comienzo de nuestra era. ¿Por qué creó Dios a Adán?  ¿Era Eva realmente una pecadora? ¿Cuántos animales metió Noé en el arca?  La auténtica historia jamás contada de los protagonistas de la Biblia: Jesús, Abraham, Moisés y Steve Jobs. Todo aquello que usted siempre quiso saber contestado  por el rey del espacio y el tiempo y sus fieles arcángeles. Sólo te aseguramos una cosa... no podrás parar de reír.   [caption id="attachment_50779" align="aligncenter" width="700"] Obra de Dios. Mariano Peña, Chema Rodríguez-Calderón, Bernabé Fernández[/caption]  

FICHA

Texto: David Javerbaum Traducción: Maribí Arrieta Versión: Tamzin Townsend, Chema Rodríguez-Calderón, Mariano Peña Escenografía: Asier Sancho Iluminación: Felipe Sancho Vestuario: Gabriella Salaverri Espacio Sonoro: Asier Acebo Ayudante de dirección: Chema Rodríguez-Calderón Fotos y cartel: Sergio Parra Producción ejecutiva y Gerencia en gira: Ramón Arriba Productores: Xabier Agirre y Jesús Cimarro Producción: Txalo y Pentación Reparto: Mariano Peña, Chema Rodríguez-Calderón y Bernabé Fernández Fechas y funciones: del 8 de noviembre de 2017 al 7 de enero de 2018. Miércoles, jueves y viernes 20.30h. Sábado 19h. y 21.30h. Domingo 19h. en el TEATRO BELLAS ARTES [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2uO8u3R" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]  

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TEATRO DE LA ZARZUELA

 

TEATRO DE LA ZARZUELA presenta

LA REVOLTOSA

Música de Ruperto Chapí Libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw, en versión libre de Guillem Clua

Estrenado en el Teatro de Apolo de Madrid, el 25 de noviembre de 1897 Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

Del 1 al 5 de marzo de 2017

Zarzuela por jóvenes y para jóvenes

  En marzo llega una de las apuestas más destacadas de la temporada del Teatro de la Zarzuela. Se trata del Proyecto Zarza, una iniciativa didáctica que tiene como objetivo acercar el género de la zarzuela a los jóvenes. El título elegido para la ocasión es LA REVOLTOSA de Ruperto Chapí, y estará interpretado por jóvenes cantantes de entre 18 y 28 años, que han sido elegidos en un proceso de selección de más de 300 audiciones. Una versión libre hecha por y para jóvenes. Esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela es una versión libre de la obra de Chapí firmada por Guillem Clua a partir del libreto de José López Silva y Carlos Fernández Shaw. La dirección musical y la escénica correrán a cargo de David Rodríguez y José Luis Arellano respectivamente, y los dieciséis cantantes estarán acompañados por una orquesta de cámara integrada por ocho músicos. Todas las funciones serán en el Teatro de la Zarzuela del 1 al 5 de marzo, y se alternarán funciones escolares (para alumnos de la ESO y Bachillerato), del 1 al 3 de marzo, y funciones para el público general, del 3 al 5 de marzo. Al término de cada representación se celebrará un coloquio de 20 minutos entre artistas y público.   La historia de Felipe y Mari Pepa, dos jóvenes que tras encuentros y desencuentros, celos y desconfianzas, llegarán a descubrir el gran amor que les une, es, en realidad, una historia eterna. Si el sainete original se inscribió en el casticismo del Madrid de 1897, esta nueva versión, que conserva la misma conexión con lo cotidiano y lo costumbrista, se traslada a nuestros días. Por ello puede decirse que lo popular es el aspecto más destacable de esta innovadora puesta en escena. No nos extrañemos, pues, al observar una pradera como un gran muro de Facebook u otros elementos cotidianos de entonces y de ahora, en un intento de aproximar la época de LA REVOLTOSA a nuestros días. Sobre todo ello, la alegre e intensa música de Chapí circula entre LA REVOLTOSA original y nuestra propia experiencia de lo popular.  

 

SINOPSIS

Mari Pepa, una hermosa joven que acaba de instalarse en un patio de vecinos, tiene encandilados a todos los hombres de la casa. La indignación de las esposas y de las demás mujeres va en aumento al ver que, uno tras otro, caen alelados ante los encantos de la chulapa. Incluso el guarda de la finca, el serio señor Candelas, es sorprendido coqueteando con ella. Felipe, enamorado de Mari Pepa, oculta sus sentimientos. La convivencia entre los vecinos se hace cada vez más difícil, de manera que a menudo se producen altercados que enfrentan a hombres y mujeres. En la calle, Felipe y Mari Pepa se encuentran y, en un tenso diálogo, expresan cuál sería el hombre y la mujer de sus sueños. De nuevo en el patio de vecinos, todos están celebrando la verbena con el canto de unas guajiras. Mientras, Gorgonia, mujer madura y esposa del sastre Cándido, trama una venganza para cada uno de los hombres convocándoles a una supuesta cita con Mari Pepa a la misma hora. Cuando los vecinos salen para ir a la verbena, los cuatro hombres alegan excusas para quedarse y atender así a la cita con la Revoltosa. Entre todo el revuelo, Felipe y Mari Pepa se encuentran en el patio a solas y se confiesan su amor para separarse luego bruscamente. Sirviéndose del aprendiz, Gorgonia ha hecho que coincidieran al mismo tiempo en casa de Mari Pepa cuatro de sus pretendientes, entre los cuales se encuentra Cándido. Todos llegan cautelosamente, chocan en la oscuridad, disimulan e intentan despistarse los unos a los otros. Pero Felipe los descubre dando inicio a una ruidosa pelea. Finalmente, Gorgonia revela su estratagema y todo acaba bien, con la reconciliación de los dos enamorados y el regreso al redil de los maridos descarriados.  

 

FICHA

Dirección musical: David Rodríguez Dirección de escena: José Luis Arellano Adaptación musical: Javier López de Guereña Escenografía y vestuario: Silvia de Marta Iluminación: Juanjo Llorens Ayudante de dirección / Asistente coreográfico: Andoni Larrabeiti Videoescena: Álvaro Luna Reparto MARI PEPA Ana Cris Marco, FELIPE Alberto Frías, SOLEDAD María José Garrido, ENCARNA Cielo Ferrández, GORGONIA Nuria Pérez, CÁNDIDO Joselu López, TIBERIO José Miralles, ATENEDORO Javier Ariano, SEÑOR CANDELAS Felipe Forastieri, CHUPITOS Natan Segado, CHICOS Paula Sánchez, María Arévalo, Cristina Teijeiro, Beatriz Arenas, José Luis Fernández, Antonio Buendía. Grupo de cámara VIOLINES Cecilia Aivar, Iria Rodríguez, VIOLA Adrián Arechavala, VIOLONCHELO Laura Algueró, PIANISTA Laura Rodríguez, PERCUSIÓN Roberto Fernández, CONTRABAJO Raquel de la Cruz FLAUTISTA Carmen Terol. Fechas y horarios: Del 1 al 5 de marzo de 2017 en el TEATRO DE LA ZARZUELA Funciones para centros escolares: 1 de marzo de 2017 (10:00 h. y 12:30 h.); 2 de marzo de 2017 (10:00 h. y 12:30 h.); 3 de marzo de 2017 (11:00 h.) Funciones para público en general: 3 de marzo de 2017 (19:00 h.); 4 de marzo de 2017 (19:00 h.); 5 de marzo de 2017 (12:00 h.)   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=7&idEspectaculo=570" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]            [button link="http://teatrodelazarzuela.mcu.es/images/PDFs/la-revoltosa-cuaderno.pdf" type="icon" newwindow="yes"] Cuaderno didáctico[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=CRIKvRR-zyY&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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BORJO MEYER

 

El mago Borjo Meyer tiene actualmente dos espectáculos en cartel:

BORJO MEYER & RICARDO SÁNCHEZ el primer jueves de cada mes en El Café La Flauta Mágica y LA TRANSGRESIÓN DEL ABSURDO el segundo y cuarto martes de cada mes en Grada Mágica.

BORJO MEYER & RICARDO SÁNCHEZ

[caption id="attachment_43367" align="aligncenter" width="332"] BORJO MEYER & RICARDO SÁNCHEZ[/caption]  

Borjo Meyer, co-fundador del proyecto Magos Transgresores y fundador de la magia en El Café La Flauta Mágica, presenta junto a Ricardo Sánchez (Magia Estudio) un espectáculo de magia que te propone un viaje por el misterio, las coincidencias imposibles y la auténtica locura.

Dos magos. El Café La Flauta Mágica. Magia, espectadores incrédulos y alguna mentira

Primer jueves de cada mes a las 21:30h. en El Café La Flauta Mágica

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LA TRANSGRESIÓN DEL ABSURDO

[caption id="attachment_43368" align="aligncenter" width="325"] LA TRANSGRESIÓN DEL ABSURDO[/caption]  

Borjo Meyer presenta junto a Javier Alcázar el segundo martes de cada mes su show estrella “La Transgresión del Absurdo 2.0.” en Grada Mágica. Un espectáculo basado en la famosa Teoría del Absurdo de Albert Camús donde el espectador se sumergirá en el particular universo de los Magos Transgresores a través de efectos de magia con vasos y copas de cristal, cubiletes, monedas, barajas de cartas y cuerdas.

En esta nueva propuesta mágica influida por los grandes referentes de la magia, desde Dai Vernon a Miguel Gómez, pasando por Tommy Wonder y Gabi Pareras, junto a la influencia generacional de su tiempo.

Todo en Grada Mágica, el único teatro en toda España especializado en Magia de Cerca.

El cuarto martes de cada mes organiza y dirige las ya famosas Galas Transgresoras en Grada Mágica. Un espectáculo de más de una hora de duración donde se unen algunos de los mejores magos del mundo en el mejor espacio para ver Magia de Cerca del planeta.

Segundo y cuarto martes de cada mes a las 21:30h. en Grada Mágica

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TEATRO DEL ARTE

 

LA CAJA DE NENE VIDA presenta

VENECIA

adaptación de la obra original de Jorge Accame Dirección: Sara Pérez

Jueves y viernes de marzo Los miércoles 12 y 19 de abril a las 21:00 horas.

CUATRO INGENUOS QUE SE INVENTAN EL MUNDO

  El 2 de marzo se estrena en el Teatro del Arte VENECIA, la adaptación de Juan Ortega sobre la obra original de Jorge Accame. Con dirección de Sara Pérez y un reparto formado por Marga Escudero, Iñigo Asiaín, María Zárate, Raka López, Mercedes Magro y Juan Ortega. El equipo artístico lo componen: Juanjo Llorens en el diseño de luces, Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juan Ortega en el vestuario y Ricardo Rey en el ambiente sonoro, que cuenta con el tema original “En un momento” de Mayte Pizarro. El diseño gráfico, que incluye la acuarela “Venecia” de Abraham Lacalle y las fotografías de Diego Conesa, está a cargo de Esteban Navarro. La producción es de Gabriel López Piña y es una coproducción de La Caja De Nene Vida y Producciones La Leche.   VENECIA es una cura para el alma, un recreo emocional. Una obra necesaria, cargada de emociones y de ilusión, en la que el autor nos hace vivir, con la misma intensidad que a los personajes de esta obra, el viaje a una ciudad soñada, donde todos tenemos cabida. Juan Ortega es el encargado de la adaptación del guión original, acercándolo al público español y llevando la acción a un pueblo de la Serranía de Ronda, haciendo así un paralelismo tanto estético como lingüístico entre ambas localizaciones.   La Asociación Cultural LA CAJA DE NENE VIDA creada por Gabriel López Piña y Juan Ortega nace para llevar a cabo VENECIA y así poder mostrar un espectáculo lleno de fantasía, teatro dentro del teatro. VENECIA estará en el Teatro del Arte todos los Jueves y Viernes de Marzo.  

SINOPSIS

VENECIA no es una farsa, tampoco es una comedia, es un drama muy cómico, un relato sobre la solidaridad, la inocencia y el amor que se encuentran, en este caso, en un pequeño prostíbulo de la Serranía de Ronda. Sus personajes, tres prostitutas y un cliente habitual, siempre amables pero desencantados de la vida por un cúmulo de desafortunadas circunstancias, se ponen manos a la obra para recrear una situación imposible: deben hacer creer a Dora, la madama anciana y ciega, que vuelve a estar en Venecia con el amor de su vida. Los protagonistas de esta historia no cuentan con que la magia existe y convierten el límite con la realidad en algo maravillosamente frágil, es un juego donde los piratas del barco se acaban creyendo que lo son.  

 

FICHA

Dirección: Sara Pérez Autor: Jorge Accame Adaptación: Juan Ortega Diseño de Luces: Juanjo Llorens Diseño de Escenografía: Arturo Martín Burgos Diseño de Vestuario: Juan Ortega Espacio Sonoro: Ricardo Rey Tema musical original: Mayte Pizarro ('En un momento') Diseño Gráfico: Esteban Navarro Foto: Diego Conesa Acuarela Original: Abraham Lacalle Idea y Diseño de Producción: Gabriel López Piña Producción General: Asoc. Cultural La Caja De Nene Vida Reparto: Marga Escudero, Iñigo Asiaín, María Zárate, Raka López, Mercedes Magro y Juan Ortega. Fechas y horarios: Estreno 2 de marzo Jueves 20h. Viernes 19h. Los miércoles 12 y 19 de abril a las 21:00 horas. en el TEATRO DEL ARTE Facebook: venecialaobradeteatro   [button link="http://bit.ly/2mlQKKo" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS

Ohlala - SEXY - CRAZY - ARTISTIC

Desde el 6 de abril 2017

Después de su arrollador paso por Zurich, el Folie Bergere de París y el U Palatinu de Ajaccio Córcega, llega al Teatro de la Luz Philips Gran Vía de Madrid: Ohlala - SEXY - CRAZY - ARTISTIC, un cabaret-circo con los mejores acróbatas, los campeones del mundo de patinaje, y con bailarines españoles. Un espectáculo donde se pone a prueba la tentación y la sensualidad.

Ohlala – SEXY – CRAZY – ARTISTIC te enseñará lo que es realmente la tentación. Rompe tus límites, abre tus fronteras. Aquí no hay reglas. Todo depende de ti y a donde te lleven tus fantasías. El amor tiene altos y bajos, es imprescindible como la vida misma. Experimenta con nosotros todo un abanico de emociones; el brillo y la oscuridad del amor. Sumérgete en un mundo mágico marcado por coreografías sorprendentes. Una pizca de humor y una pizca de provocación, esto es lo que te espera en Ohlala un espectáculo SEXY - LOCO - ARTÍSTICO ! Bienvenidos a Ohlala ! Existen historias que son contadas infinidad de veces y que se siguen contando. Lo bueno contra lo malo, amor contra traición, inocencia contra tentación. El tema es tan antiguo como la humanidad misma. Eva seduce a Adán haciéndole probar la fruta del árbol del conocimiento. Él es vencido por la tentación y el atractivo de lo prohibido. Para ambos significa la expulsión del paraíso. Hojas de higuera cubren desde ese momento su género como un signo de vergüenza, de su pecado. La seducción ha triunfado. ¿Qué tema podría ser más acertado para «Ohlala» que la cuestión del poder de la tentación y la pérdida de la inocencia? Para la función «Ohlala – SEXY – CRAZY – ARTISTIC», Gregory y Rolf Knie se han dejado inspirar por la obra de ballet de Tchaikovsky “El lago de los cisnes” y la película ganadora del Oscar “Cisne Negro”. Drama, romance, acrobacias impresionantes con un sonido cautivador y moderno - todo esto y mucho más le espera al visitante de «Ohlala». El cisne blanco es un símbolo de la fidelidad y la pureza, la inocencia y el amor verdadero. En la mitología griega también simboliza la transformación. Zeus, el padre de los dioses, se acercó a su amante Leda de incógnito en forma de un cisne para seducirla. Muchas leyendas y cuentos tratan de una hermosa chica que se transforma o es transformada en cisne. A veces para encontrar su verdadero amor o para ser reconvertida por el verdadero amor.Desde tiempos inmemoriales, el cisne es un símbolo para abrirse a todas las cosas agradables y fortalecer la percepción. Él encarna con su delicado encanto la inspiración, la expresión artística y la estética. El cisne combina los elementos del agua, el aire y representa un sentimiento que necesita fluir y para dejar ir la oportunidad. ¡Descubrir algo nuevo y fascinante - eso es «Ohlala – SEXY – CRAZY – ARTISTIC»!   Duración aprox: 120 minutos Edad recomendada: +16 años Web compañía:  OHLALA Fechas y horarios: Martes a viernes 20:30 h. Sábados 19:00 y 22:00 h. Domingos 19:00 horas.  TEATRO DE LA LUZ PHILIPS

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TEATRO ESPAÑOL

 

Teatro Español presenta

USHUAIA

De Alberto Conejero Dirección: Julián Fuentes Reta

Del 16 de marzo al 16 de abril de 2017

- Premio Ricardo López Aranda en 2013 -

El 16 de marzo se estrena en la Sala Principal del Teatro Español USHUAIA. Un texto de Alberto Conejero ('La piedra oscura', 'Cliff') que cuenta con la dirección de Julián Fuentes Reta ('Cuando deje de llover', 'Hard Candy', 'Demonios') y un reparto formado por José Coronado, Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas.

Alberto Conejero nos plantea un mundo poético a través de unos personajes atrapados en su pasado en USHUAIA, un texto magnífico escrito en las ciudades de Ushuaia y Madrid entre los años 2011 y 2013. La obra se encuentra publicada en la Colección Serie Literatura Dramática Iberoamericana de la ADE en 2014. Alberto Conejero obtuvo con esta obra el Premio Ricardo López Aranda en 2013. Un drama sobre la conciencia, la persistencia de la culpa y la capacidad redentora del amor, que tiene como escenarios la Salónica ocupada por los nazis y los glaciares de Ushuaia en un confín del mundo.   USHUAIA se podrá ver del 16 de marzo al 16 de abril de 2017 en el Teatro Español.  

 

NOTA DEL AUTOR

Vuelvo a estas líneas de María Zambrano sobre el sentido de la confesión para poder hablar de Ushuaia: “Lo grave es ser un extraño para sí mismo, haber perdido o no haber llegado a poseer intimidad consigo mismo; andar enajenado, huésped extraño en la propia casa. ¿No estaremos necesitando de una verdadera e implacable confesión?”. En cierto modo ésta es la historia de una confesión, una indagación sobre la necesidad que tenemos todos de ser verdaderos ante alguien y de cómo sólo podemos entendernos y perdonarnos ante los ojos de otro.  Hay otra cita de Tennessee Williams que aúna estas dos ideas: “Nadie es realmente libre hasta que confiesa la verdad sobre uno mismo y la vida que nos ha tocado. Escríbela, cuéntasela a un amigo en apuros, o a un extraño que necesite entretenimiento. Todos estamos aquí para ser el testigo de algo, para ser la guía y consuelo de otra persona”. Creo que ésta es una de las potencias del teatro: hacer presente un fragmento de la experiencia humana para tratar de comprender algo en un mismo espacio y tiempo aunque de modo singular. Mateo vive prácticamente aislado, “huésped extraño en la propia casa” en Ushuaia: “fin del mundo, principio de todo”, tal como reza el lema de la población.  Si en cualquier texto para el teatro el espacio dramático es siempre realidad y símbolo, arquitectura y metáfora, geografía y misterio, en Ushuaia deviene casi en un estado del alma. Un confín de la tierra donde tratar de apaciguar los fantasmas, el margen en el que aprender el silencio cuando el horror ha vuelto inútil toda palabra. Poco a poco el bosque austral deja de ser una amenaza para convertirse en un lugar sagrado, un espacio para la redención, tal como lo entendió Thoreau, lleno de “luz no usada”. Además el propio texto dramático es un bosque de textos: el Apocalipsis, Moby Dick, una vieja canción sefardí… Por eso en estas notas he decidido tomar prestadas algunas ideas de otros para hablar de Mateo y Nina, de Rosa y Matthäus. Aunque tengan nombre propio, los fantasmas de Mateo nos pertenecen a todos. Somos los nietos de un horror que ahora nos parece de otro mundo y que, sin embargo, nos acecha. Desgraciadamente reconocemos sus nuevas formas, sus nuevos lenguajes. Es por eso que tenemos el deber de memoria y también el de vigilancia. Tarkovski alentaba a que los creadores compartiesen con los espectadores el esfuerzo y la alegría de la creación de una imagen poética. Es lo que he pretendido con la estructura y las distintas capas de sentido de este texto. Quizá para algunos sea un thriller de impostores y espías, para otros una reflexión sobre la herida y la redención, o quizá sobre el abandono del lenguaje y la vuelta a la naturaleza; puede que la suma de alguna de estas líneas o puede que otras no sospechadas por mí.  Ojalá, y ésta es la última cita, el viaje hasta Ushuaia sea rico en experiencias, en conocimientos, como pedía Cavafis; que nos permita entender algo más de lo terrible y hermoso que hay en este mundo. Y entonces tomar la más importante de nuestras decisiones: hacia qué lugar inclinar nuestros corazones. Alberto Conejero  

SINOPSIS

En Ushuaia, la ciudad más austral de mundo, Mateo vive recluido en el corazón del bosque. Allí el misterioso hombre custodia las reliquias de una historia de amor imposible. Esa vida solitaria se quiebra cuando, acuciado por una incipiente ceguera, contrata a Nina. Pronto descubriremos que la joven asistenta esconde también más de un secreto. La casa se convierte entonces en el tablero de un juego de identidades donde se confunden presente y pasado, necesidad y deseo, víctimas y victimarios, realidad y ensueño.   En ese paisaje glaciar —"fin del mundo, principio de todo"—, el tiemplo se plegará sobre sí mismo para enfrentarnos a los fantasmas de Europa, nuestros fantasmas... Ushuaia es fundamentalmente una exploración sobre la persistencia de la culpa y la potencia redentora del amor.  

 

FICHA

Autor: Alberto Conejero Dirección: Julián Fuentes Reta Ayudante de dirección: Jorge Muriel Escenografía: Alessio Meloni Iluminación: Joseph Mercurio Vestuario: Berta Gasset Audiovisuales: Néstor Lizalde Música y espacio sonoro: Iñaki Rubio Fotografía: Javier Naval Reparto: Jose Coronado, Ángela Villar, Olivia Delcán y Daniel Jumillas. Una producción del Teatro Español Fechas y horarios: Del 16 de marzo al 16 de abril de 2017 De martes a sábado a las 20h y domingos a las 19h. en el TEATRO ESPAÑOL (9 de abril: función con sobretítulos para personas sordas y sobretítulos en inglés)    

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https://www.youtube.com/watch?v=A5fk0sHLpec&w=640&h=360  

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TEATRO ESPAÑOL

 

Teatro Español presenta

FURIOSA ESCANDINAVIA

de Antonio Rojano

Del 9 de marzo al 16 de abril

- Texto ganador del Premio Lope de Vega 2016 -

El 9 de marzo se estrena en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español FURIOSA ESCANDINAVIA. Un texto de Antonio Rojano ('Ascensión y caída de Mónica Seles', 'La ciudad oscura', 'Dios K') que cuenta con la dirección de Víctor Velasco y un reparto formado por Sandra Arpa, Irene Ruíz, David Fernández y Francesco Carril.

FURIOSA ESCANDINAVIA se podrá ver del 9 de marzo al 16 de abril.   La historia de FURIOSA ESCANDINAVIA, inspirada en la lectura de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust, se centra en el abismo de una mujer que es abandonada y la llegada a su vida de un joven misterioso.  

NOTA DEL AUTOR

Un homenaje a Proust Se cumplen con exactitud 104 años de la aparición del primer volumen de En busca del tiempo perdido. Era 1913 y Marcel Proust, un escritor en la cuarentena alejado del éxito, autoeditó Por el camino de Swann, el primer tomo de una novela que pasaría a la historia de la literatura universal. Entre sus logros, hoy sabemos que su novela fue capaz de atrapar el espíritu de una época que se desmoronaba sobre otra. La tarea no fue sencilla, necesitó para ello revelar un nuevo lenguaje a través del uso de un innovador dispositivo literario. Su gran obra, escrita durante diecisiete años febriles, traería una nueva literatura que tendría su reflejo en los cambios históricos que acontecieron en el recién estrenado siglo XX. Esta mirada al pasado quiero que sirva para introducir mis aspiraciones como autor de Furiosa Escandinavia. El texto ―auspiciado por la Fundación BBVA en su desarrollo― surgió como un homenaje al escritor francés y el único modo de afrontarlo era siendo fiel a su herencia. Por un lado, como ser humano, pienso que nos enfrentamos a un tiempo histórico emergente, a una época por-venir que espera, imagen de una anquilosada sociedad que se resiste a caer frente a diversos movimientos sociales que irrumpen con fuerza. Por otro lado, como autor, si entendemos que vivimos en una nueva realidad, compleja en cuanto a sus manifestaciones, también estoy obligado a buscar correspondencias en el modo en que construyo historias a partir de ella. Como escribía Chéjov en boca de Tréplev, para cada tiempo “necesitamos nuevas formas”, por lo tanto, una ambición proustiana de renovación acompañó el reto de la escritura Furiosa Escandinavia respeta los temas que desde hace un siglo obsesionaban a Proust, pero conforma con ellos un nuevo relato. Su estructura se concentra en los mecanismos poco fiables del recuerdo. Un recuerdo, siempre inexacto, que actúa como falacia o simple reconstrucción de lo real. También, la obra trata de configurarse como un canto íntimo sobre la memoria del amor, pero lo hace a través de su opuesto: el olvido. Ante la ausencia de T., la “pérdida amorosa” de Erika nos embarca, con el inestimable auxilio del humor, en un emocionante viaje que culminará frente a un paisaje helado. Toda huida hacia el exterior, aunque nos arrastre a los límites del lejano norte, se convierte en una huida hacia el interior, transformándose en una mirada que se inclina sobre nosotros mismos, sobre nuestras heridas, sobre el pasado que dejamos atrás. Una mirada que afila el dolor de nuestras derrotas y que emborrona los olvidos, pero que recoge también las necesarias ficciones que hemos inventado para ocultar el vacío de la existencia. Quizá sólo con esos ojos, a través de la luminosa mirada de la creación, aún sepamos sobrevivirnos. Antonio Rojano  

NOTA DEL DIRECTOR

Furiosa Escandinavia es un periplo donde la experiencia del viaje se convierte en metáfora de la existencia. “Quiero conectar lo geográfico con lo emocional”, escribe Balzacman en su tesis sobre Proust. Y es que todo viaje conlleva una búsqueda y una pérdida, desconocimiento del futuro y revisión del pasado. Conflicto presente en una generación inmersa en la incertidumbre y desencantada con el futuro; desilusión profunda que sobre todo afecta a las relaciones, porque Furiosa Escandinavia es también una historia de amor, o, mejor dicho, de desamor, que pone en duda la relación entre realidad y ficción, verdad y mentira, y recuerdo y olvido. En este texto, como sobre el escenario, el futuro está por hacer. Y la obra se convierte en una especie de mapa del tesoro que se va construyendo a medida que se recorre, un itinerario que personajes y espectadores habrán de transitar. Para llegar, seguramente, a la conclusión de que no es el destino el objetivo del viaje, sino el viaje mismo. Víctor Velasco  

 

SINOPSIS

Erika conoce a Balzacman en Internet y establece con él una relación marcada por la ausencia y la extrañeza. La mujer acaba de ser abandonada por T. y el amor perdido se ha transformado en un hondo abismo del que no es capaz de salir. Con la ayuda del joven misterioso, un apasionado de la literatura francesa que se esconde tras un sombrero de cowboy, Erika emprenderá una huida hacia adelante enfocada en el olvido. Pero allí donde la mujer decide borrar el agrio pasado, luchando contra su memoria, Balzacman se aferra al recuerdo lanzándose a un demente viaje en busca de T., aquél que fue el amor de Erika y que ya sólo es la inicial de un nombre o, quizás, de un lugar. FURIOSA ESCANDINAVIA es la respuesta a este viaje sin escapatoria, un texto inspirado en la lectura de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust que bucea en temas como la memoria, el amor y la pérdida.  

FICHA

Autor:  Antonio Rojano Dirección: Víctor Velasco Ayudante de dirección: Oscar Nieto Escenografía: Alejandro Andújar Vestuario: Ana Rodrigo Música y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo Iluminadora: Lola Barroso Video: Bruno Praena Fotografía: Javier Naval Reparto: Sandra Arpa, Irene Ruíz, David Fernández y Francesco Carril Una producción del Teatro Español Fechas y horarios: Del 9 de marzo al 16 de abril de 2017 De martes a sábado a las 20.30h y domingos a las 19.30h. en el TEATRO ESPAÑOL   [button link="http://teatroespanol.es/descargas/d37_a.pdf" type="icon" newwindow="yes"] Revista Pedagógica[/button]   [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

• «Furiosa Escandinavia»: mapas del desamor - ABC
• Furiosa Escandinavia. Sala Margarita Xirgu - David García Vázquez (Desde el patio)
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TEATRO KAMIKAZE

 

LA COMPETENCIA PRODUCCIONES presenta

TRAINSPOTTING

basado en la novela de Irvine Welsh adaptación teatral de Harry Gibson versión Rubén Tejerina dirección Fernando Soto

Del 8 de abril al 7 de mayo

La obra que conmocionó a quienes la vieron antes de ser película

TRAINSPOTTING, la primera producción teatral de LA COMPETENCIA, llega al Teatro Kamikaze el próximo 8 de abril

  El 8 de abril llega a Madrid la adaptación teatral de TRAINSPOTTING, producida por La Competencia Producciones. La adaptación recupera la esencia y crudeza de la obra de Welsh cuando se acaban de cumplir veinte años de la película, y a las puertas del estreno mundial de su segunda parte, con una mirada contemporánea e incisivamente purgada en una versión de Rubén Tejerina y la dirección de Fernando Soto. La sordidez de ese universo será retratada por cinco actores de amplia trayectoria profesional que pondrán voz y cuerpo a esta historia cargada de humor corrosivo y mordaz, pero con una potentísima carga emocional. Ellos son Críspulo Cabezas (Renton), Luis Callejo (Begbie), Víctor Clavijo (Sick Boy), Sandra Cervera (Lizzie), y Mabel del Pozo (Alison). TRAINSPOTTING recupera y revisa la experiencia escénica que llevó al escenario la novela de Irvine Welsh, publicada en 1993, y que Danny Boyle, en 1996, convertiría en película también de culto. La novela se convirtió en un fenómeno social aclamado tanto por la crítica como por el público, pero fue al verla en escena cuando Welsh se hizo consciente de la potencia y transcendencia de su obra. Esta revisión del clásico moderno llegará a la cartelera madrileña el 8 de abril.  

NOTA DEL DIRECTOR

Trainspotting es un reflejo de la miseria del hombre, de la crudeza de la vida cuando eligiendo un camino u otro, el ser humano se distancia de lo establecido. Originariamente la historia está localizada en el Edimburgo de los 80, pero podría suceder en cualquier ciudad y en cualquier época, nos plantea una cuestión cíclica, que se repite a lo largo de periodos y sociedades. ¿Qué hacer con mi vida?... Trainspotting nos plantea un concepto muy claro, el concepto de la elección. Hoy en día , viviendo en una sociedad en la que el consumo y lo tecnológico imperan sobre cuestiones mucho más importantes, más vitales, donde la competitividad, la prisa por llegar a algún lado, la obtención de resultados ,es decir una sociedad de un soñado “bienestar”, hace que tengamos la sensación de estar viviendo una huida hacia delante, que no seamos dueños realmente de nuestras elecciones, o todo lo contrario, que haya tanta oferta que nos haga vivir en una continua demanda y realmente no elijamos lo que demandamos. En esta especie de centrifugado se encuentran los personajes de Trainspotting. Ellos deciden firmememente el camino de la droga, para no tener que elegir, para  huir y poder permanecer, estar simplemente. No pretendo poner en escena la búsqueda de una supuesta moral que nos lleve a ser felices, sino buscar una salida a todos los convencionalismos que nos son impuestos y realmente poner encima de un escenario miles de preguntas que son cruciales para decidir que tipo de vida queremos vivir. Aportar una nueva visión. Respecto a lo puramente dramatúrgico, Trainspotting es una novela cargada de ingredientes muy interesantes para el teatro: un humor corrosivo y mordaz como medio de acercarnos a lo mas dramático, un proyecto que necesariamente precisa una gran labor interpretativa y unos personajes de carne y hueso que solo podrán ser abordados por actores de un alto nivel, y una realidad aplastante con la que golpear al espectador. Un buen titular que podría resumir este proyecto es una cita de uno de los grandes del teatro como es Brecht : “Si la gente quiere ver sólo las cosas que pueden entender, no tendrían que ir al teatro: tendrían que ir al baño." ... Subámonos a este tren Fernando Soto  

 

FICHA

Versión: Rubén Tejerina Dirección: Fernando Soto Ayudante de dirección: Laura Ortega Iluminación: Javier Ruiz de Alegría Escenografía: Mónica Boromello Vestuario: Marta Martín-Sanz Música: MAPA MÚSICA Videoescena: Bruno Praena Asesora de movimiento: Paula Quintana Distribución: SEDA Reparto: Críspulo Cabezas (Renton), Luis Callejo (Begbie), Víctor Clavijo (Sick Boy), Sandra Cervera (Lizzie), y Mabel del Pozo (Alison). Una producción de LA COMPETENCIA PRODUCCIONES Fechas y horarios: Sábado 8 abril, 21:30 horas (estreno) Domingo 9 abril, 21:30 horas Viernes, 22:30 horas Sábado y domingo, 21:30 horas en el TEATRO KAMIKAZE   [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0026/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

• Atención Obras - Versión teatral de "Trainspotting"

 

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Zapatos de Papel presenta

  EL TREN DE LAS 22:27 es una comedia romántica realista; diferentes historias de amor y desamor con las que cualquiera puede sentirse identificado. Tratando temas como la lealtad, la infidelidad, el miedo a la soledad y el amor propio, entre otros. Nos invita a realizar un viaje en tren que podría tratarse de cualquier proyecto de nuestra propia vida. En este viaje nos propone temas y debates que nos harán reflexionar sobre la complejidad del amor. Esta historia quiere dejar atrás los amores de príncipes y princesas y conseguir que, por un momento, nos paremos a pensar qué es realmente lo que nos hace felices, qué merece o no la pena y motivarnos a arriesgarnos y luchar sólo por los verdaderos sentimientos. Historias que nos empujarán a valorarnos y nos ayudarán a ver que lo más importante en esta vida es el amor hacia uno mismo. Además de hacernos ver, como en la vida misma, que no todas las historias acaban bien; o, mejor dicho, que el hecho de que no llegue el final esperado, no es quizás un mal final. Quizá este final es sólo un nuevo principio.     [caption id="attachment_43178" align="aligncenter" width="800"] EL TREN DE LAS 22:27[/caption]   Dirección: Manuel M. Velasco Dramaturgia: Irene Soler Reparto: Veky Velilla / Axel Medrano / Llorenç Miralles / Cristina Platas / Irene Soler / Tamara Rosado / Ángela Chica /  Emmanuel Medina Producción: Edu Díaz Ayudante de dirección: Cristina Platas Sonido y luces: Area Martínez Música: Sin Rumbo Vestuario: Sergio Rodríguez Escenografía: Lucía Setuain Diseño gráfico: Anxo Martínez

Fechas y horarios: Del 1 de diciembre de 2017 al 4 de enero de 2018 Viernes 22:15h. en los  TEATROS LUCHANA    

Funciones navideñas: Diciembre: 26 a las 20h. 28 a las 22:30h. Enero: 2 a las 20h. 4 a las 21:45h. [button title="Comprar entrada" link="http://clk.tradedoubler.com/click?p=31881&a=2487871&g=0&url=https://atrapalo.com/tracking/A2-3300-2487871/entradas/el-tren-de-las-22-27_e4795966/" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

 

COMPAÑÍA ESTUDIO LÍRICO DE MADRID y LA ORQUESTA FILARMÓNICA MEDITERRÁNEA presentan

MADAME BUTTERFLY

de Giacomo Puccini libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en la obra Madame Butterfly de David Belasco. Director de Escena: Jesús Cordón Director Musical: Fernando Alvarez Catanese

Del 28 de marzo al 2 de abril de 2017

La segunda de las óperas que presentan La Compañía Estudio Lírica y la Orquesta Filarmónica Mediterránea es MADAME BUTTERFLY, ópera de Giacomo Puccini en tres actos con libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica basado en la obra Madama Butterfly de David Belasco.

Su estreno tuvo lugar en el Teatro alla Scala de Milán el 17 de febrero de 1904. Madama Butterfly está ambientada en Japón y para su composición, Puccini investigó a fondo en la música popular japonesa, y aunque la ópera es claramente italiana, Puccini tomó algunas tonalidades de la música de Japón para ambientar su ópera.   MADAME BUTTERFLY es una de las óperas más representadas por todo el mundo. Con arias célebres como 'Un bel dì, vedremo', 'Viene la sera' o 'Che Tua Madre Dovrà'.  

ARGUMENTO

El oficial de la marina estadounidense Pinkerton consigue casarse con Madama Butterfly gracias a Goro, un casamentero. Ella, repudiada por su familia por contraer matrimonio con un extranjero, espera que su matrimonio dure toda la vida. Para su esposo sólo se trate de una pequeña aventura fuera del país, por eso, acaba regresando a Estados Unidos donde rehace su vida mientras ella, embarazada, espera su regreso. Cuando Pinkerton vuelve a Japón de visita con su nueva esposa y conoce a su hijo, decide llevárselo a Estados Unidos. Es entonces cuando Madama Butterfly, ante la ausencia de sus seres queridos, decide suicidarse.  

FICHA

Compañía Estudio Lírico Orquesta: Filarmónica del Mediterráneo. Coro: Titular de la Compañía. Director Musical: Fernando Álvarez Catanese Director de Escena: Jesús Cordón Atrezzos: propios de la compañía Vestuario: propio de la compañía / París Transporte: Telefurgo Escenografía y Decorados: Carlos Carvalho Montaje: Carlos Calvalho Ayudantes de Montaje: David Rodríguez y Carlos Marín. Control y diseño de luces: Israel Hidalgo Regiduría: Belkys Dominguez Sastrería y peluquería: Esther Escobar/ Carmen M. Socias Dirección artística: Belkys Domínguez. Dirección General: Jesús Cordón Produce: Compañía Estudio Lírico/ ARTAE S.E.CE, SLU Fechas y horarios: Del 28 de marzo al 2 de abril de 2017 De martes a viernes 20:30 h., sábados 20:00 h., y domingos19:00  horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA   [button link="http://bit.ly/2ljuQmA" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA

 

COMPAÑÍA ESTUDIO LÍRICO DE MADRID y LA ORQUESTA FILARMÓNICA MEDITERRÁNEA presentan

MARINA

de Emilio Arrieta adaptación de la zarzuela de Francisco Camprodón de Miguel Ramos Carrión Director de Escena: Jesús Cordón Director Musical: Fernando Alvarez Catanese

Del 23 al 26 de marzo de 2017

La Compañía Estudio Lírica y la Orquesta Filarmónica Mediterránea traen de nuevo la Ópera para todos los públicos al Teatro de la Luz Philips Gran Vía con 'Marina' y 'Madame Butterfly'.

La primera será MARINA, ópera en tres actos de Emilio Arrieta, del 23 al 26 de marzo. La dirección escénica corre a cargo de Jesús Cordon y la dirección musical de Fernando Álvarez Catanese. Emlio Arrieta compuso inicialmente MARINA como zarzuela, con libreto de Francisco Camprodón, estrenándose en el Teatro del Circo el 21 de septiembre de 1855. El gran tenor Enrico Tamberlick logró convencer a Emilio Arrieta para que reconvirtiera la obra en ópera. El libreto fue reformado por Miguel Ramos Carrión y la ópera se estrenó el 16 de marzo de 1871 en el Teatro Real de Madrid con gran éxito.   Esta producción, que va a combinar material musical de sus dos versiones —la ópera y la zarzuela—, avanza en el tiempo desde el puerto de pescadores inicial hacia el puerto industrializado, en que el petróleo y el acero marcan el ritmo de vida de los personajes. La acción transcurre en Lloret de Mar y cuenta los amores y desamores de Marina, Jorge y Pascual. MARINA, la más popular de las óperas españolas, tiene momentos memorables como el brindis 'A beber, a beber y a apurar' o 'Costas las de Levante'.  

ARGUMENTO

Marina y Jorge son dos jóvenes que se han criado juntos. Entre ambos se ha desarrollado un amor secreto, pero ninguno de los dos sabe si el otro le corresponde. Para saberlo, Marina hace que Pascual, que también está enamorado de ella, pida a Jorge su mano, de modo que éste tenga excusa para dar salida a sus sentimientos. Sin embargo, Jorge aceptará la propuesta de Pascual, pensando que Marina no le ama. El equívoco provocará de infelicidad de todos hasta que los celos de Pascual provoquen una situación en la que los sentimientos reales puedan aflorar.  

FICHA

Compañía Estudio Lírico Orquesta: Filarmónica del Mediterráneo. Coro: Titular de la Compañía. Director Musical: Fernando Álvarez Catanese Director de Escena: Jesús Cordón Atrezzos: propios de la compañía Vestuario: propio de la compañía / París Transporte: Telefurgo Escenografía y Decorados: Carlos Carvalho Montaje: Carlos Calvalho Ayudantes de Montaje: David Rodríguez y Carlos Marín. Control y diseño de luces: Israel Hidalgo Regiduría: Belkys Dominguez Sastrería y peluquería: Esther Escobar/ Carmen M. Socias Dirección artística: Belkys Domínguez. Dirección General: Jesús Cordón Produce: Compañía Estudio Lírico/ ARTAE S.E.CE, SLU Fechas y horarios: Del 23 al 26 de marzo de 2017 Jueves y viernes 20:30 h., sábado 20:00 h.,y domingo 19:00 horas. TEATRO DE LA LUZ PHILIPS GRAN VÍA   [button link="http://bit.ly/2mmOZtd" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=yIqtstLQaiE&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO KAMIKAZE

 

El Loco Produce y Bella Batalla presentan

EL AMANTE

de Harold Pinter Adaptación y dirección de Nacho Aldeguer

Desde el 17 Mar 2018

 

Tras agotar entradas la pasada temporada, El amante salta del Ambigú a La Sala de El Pavón Teatro Kamikaze

Desde el 17 Mar 2018 regresa al Teatro Kamikaze EL AMANTE de Harold Pinter. Nacho Aldeguer adapta y dirige la obra, una experiencia gastro-escénica protagonizada por Daniel Pérez Prada, Verónica Echegui y con la colaboración de Álex García y el chef Diego Guerrero, que ha creado para la ocasión un aperitivo para degustar durante la obra.

   

LA OBRA

Te invitamos a una fiesta. Una fiesta en una casa. Una cerveza “maestra”. Un cóctel sorprendente. Y un aperitivo muy especial creado por Diego Guerrero para la ocasión. Podrás jugar… o mirar. Si vas a venir, te propongo algo. Responde en voz baja: ¿Tienes o has tenido pareja? ¿Has querido pasar tu vida con esa pareja? ¿Has pensado tener un amante durante esa relación? ¿Lo has tenido? El amante.  

NOTA DEL DIRECTOR

La probabilidad mayor es que usted y yo aún no nos conozcamos. La realidad es que el objetivo de este texto es convencerle de que ver nuestro montaje de El amante, de Harold Pinter, es una buena idea. Parto con la ventaja de que usted me está leyendo, lo cual muestra un interés por su parte que agradezco. Le invito a conocer a Sarah, Richard (y John) en una velada exclusiva para su círculo más cercano y querido de amigos. Le brindo la oportunidad de ser, durante unos instantes, uno más de la fiesta sobre el escenario. O de elegir ser un espectador observando desde su butaca. Un voyeur. A su libre elección. No puedo contarle mucho más si no quiero estropearle la experiencia. Como podrá intuir, me gusta hablar directamente con el espectador. Es uno de los temas principales que plantea Pinter. El miedo a decir las cosas. Las vueltas que damos para decirlas. Las vueltas que he dado para decirte que esto es un sueño personal. Que elegí esta obra porque muestra lo valiente que hay que ser en la vida en pareja. Y lo miedosos que somos a veces en el amor. Sí. He dado todas estas vueltas para pedirte que nos conozcamos. He dado todas estas vueltas para decirte que me encantaría que vinieras. Nacho Aldeguer  

 

FICHA

De: Harold Pinter Dirección y adaptación: Nacho Aldeguer Intérpretes: Verónica Echegui (Sarah), Daniel Pérez Prada (Richard), Álex García y Nacho Aldeguer (John) Ayudante de dirección: Mayte Barrera Escenografía: Monica Boromello Vestuario: David García Miras y Sofía Stein luminación: Juanjo Llorens Espacio sonoro: Kike Mingo Experiencia gastronómica: Diego Guerrero Fotografía y vídeo: Carlos Luque Diseño gráfico: Aníbal Egido Producción ejecutiva: Joseba Gil Una producción de El Loco Produce y Bella Batalla, S.L. Fechas y horarios: Desde el 17 Mar 2018 en el  TEATRO KAMIKAZE  Sábado 17 de marzo, 22 h. (Reestreno) Domingo 18 de marzo, 20:15 h. Martes 27 de marzo, 20:15 h. Lunes, 20:15 h. Sábados, 21.15 h. Domingos, 21:15 h.   [button title="Comprar Entradas" link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0047/Performances" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  

Una experiencia francamente sorprendente y festiva....  

       

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https://www.youtube.com/watch?v=VTjOXWJaoYo&w=640&h=360