Histórico

 

TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

 

El Coro de Hombres Gays de Madrid presenta

Una noche en Madrid - CHGM

Una noche en Madrid, nuevo espectáculo de El Coro de Hombres Gays de Madrid. En su quinta temporada, dedicará su nuevo repertorio a los cantantes españoles de mayor reconocimiento en el país de la talla de Rapahel, Rocio Durcal o Mecano entre otros, con una puesta en escena que une música, baile y actuación que promete adentrarnos al Madrid de las fiestas y las verbenas.

  El Coro de Hombres Gays de Madrid (CHGM) presenta su nuevo espectáculo MUNDO. En su cuarta temporada, el coro recordará los hechos históricos que marcaron avances en los derechos de la comunidad LGTBI en el mundo. El espectáculo contará las historias de 4 extraños de diferentes culturas y partes del mundo, que se unen en diferentes tiempos por un mismo hecho… la búsqueda de la felicidad. Su ya conocida puesta en escena, que une baile, música y actuación, hará un recorrido por alguna de las canciones más conocidas del mundo, incluyendo canciones de Raphael, Calle 13 y Los Beatles, entre otros. La dirección coral estará a cargo de José Mena, la música por Xavier Lozada y el guion por Pamela Pons. Las adaptaciones corales de las canciones son realizadas por Kodiak Agüero, conocidas por trabajos en el mundo coral, lírico y teatro musical.

Concierto en apoyo al legado de Pablo Raez

El CHGM se une este año a la lucha activa a favor de la donación de médula ósea y así apoyar el legado de Pablo Raez, quien dedicó su vida a concienciar a través de las redes sociales sobre la importancia de la donación de médula tras ser diagnosticado en 2015 de leucemia. El CHGM donará una parte de lo recaudado de sus conciertos a la investigación contra la leucemia.  

La asociación del coro

El Coro de Hombres Gays de Madrid es una asociación artística sin ánimo de lucro creada para fomentar la integración social a través de la cultura y las artes escénicas. Como objetivo principal, busca la normalización de la visión y opinión de la sociedad a cerca de la homosexualidad fuera de los clichés y estereotipos que se adjudican a la Comunidad LGTB.   Fechas y horarios: Lunes 25 de junio de 2018. 21:00 horas en el TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

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TEATRO NUEVO APOLO

El Ballet Chongqing presenta

BALLET SHANGRI-LA

Del 6 al 9 de Julio a las 21h.

Una fusión de danza contemporánea y artes marciales con treinta bailarines en escena

   

Regresa al Teatro Nuevo Apolo de Madrid la magia de Oriente con el BALLET SHANGRI-LA, un espectáculo original de Ballet nacional y moderno que podrás disfrutar del 6 al 9 de julio a las 21h.

 

Presentado por el Ballet Chongqing, el séptimo grupo de Ballet de China formado por unos bailarines muy jóvenes, con una edad media de 23 años.

El prestigioso Ballet Chongqing de China, con una treintena de bailarines en escena, traslada al público a un escenario fantástico y misterioso a través de la música, la danza, la escenografía y un cuidado vestuario. En definitiva, la magia de Oriente. El Ballet ha ganado premios en los diversos concursos nacionales de China e internacionales en Shang Hai, Macao etc.

El BALLET SHANGRI-LA cuenta la história de Shangri-La a través de Ballet, una forma artística muy conocida por los públicos. Shangri-La combina los elementos de danza nacional y internacional, moderno y clásico. El equipo de producción muestra al público un escenario fantástico y misterioso a través del vestido, la música, la iluminación y la danza. El Público va a disfrutar el espectáculo por la visión, el oído y la escenografía.   La inspiración de la creación artística de "Shangri-La" proviene de la novela inglesa "Horizontes Perdidos" de James Hilton. Describe la historia que Dan Qing, un pintor joven, que busca una tierra que simboliza la paz y la tranquilidad. Shangri-La es el topónimo de un lugar ficticio y por extensión, el nombre se aplica a cualquier paraíso terrenal, pero sobre todo a una utopía mítica del Himalaya: una tierra de felicidad permanente, aislada del mundo exterior. En la novela, las personas que viven en Shangri-La son casi inmortales, de modo que aventureros y exploradores intentaron hallar ese paraíso perdido. El espectáculo cuenta la historia a través de dos líneas. Por un lado describe la vida de la ciudad moderna, y por otro muestra la tranquilidad de la tierra maravillosa, a través de combinar los elementos orientales y occidentales.   Fechas y horarios: Del 6 al 9 de Julio a las 21.00h en el TEATRO NUEVO APOLO  

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TEATRO LARA

 

OJOS DE SAPO presentan

LOS BUITRES o la muerte de los amantes

Dramaturgia y dirección: Carles Harillo Magnet

Del 3 de abril al 29 de mayo

Un juego teatral intenso y tormentoso

 

-Texto publicado por Ediciones Antígona -

Tras haber sido una referencia en la programación de La Casa de la Portera y La Casa de las Pulgas con excelentes críticas, la producción de Ojos de Sapo LOS BUITRES llega a la Sala Lola Membrives del Teatro Lara el 3 de abril.

LOS BUITRES, escrita y dirigida por Carles Harillo cuenta con el vestuario y espacio escénico de Pier Paolo Alvaro. Carmen Mayordomo, César Sánchez, Xavier Murúa y Josi Cortés forman el reparto.   LOS BUITRES habla de las relaciones tóxicas. Relaciones donde el odio se convierte en amor y donde las acciones más apasionadas son fruto del odio (o del amor perdido) Teatro de salón con fuertes tintes de Strindberg, Baudelaire o Poe, que habla de las relaciones tóxicas, del miedo a la muerte, de la perversión del amor sin aire y de la difícil batalla por no desviarse del camino del bien.  

NOTA DE DIRECCIÓN

Ambientado en un tiempo pretérito sin identificar y un espacio donde se hace patente el paso del tiempo, el peso del polvo. Se trata de un espacio en pausa. Ambiente cargado. Agobiante. Fuera de ese espacio el mundo sigue girando, pero ahí dentro, uno puede sentir como  se transporta a otro tiempo, a otro lugar. El texto parte de lo grotesco, de lo polvoriento, de lo cruel, para intentar que esos espejos ocultos  nos permitan ver el reflejo de los personajes en  los propios espectadores. Una obra circular, opresiva, agresiva, con subrayados, con repeticiones,  con acciones llevadas al límite. Los personajes viven en una jaula de palabras, y  unos actores valientes, entregados al juego, llevarán de la mano la acción a través de un pozo sin fondo en el que nadie sale bien parado, ni siquiera el espectador pasivo. En definitiva, el objetivo es ofrecer un espectáculo que no deje indiferente, involucrar al espectador en un ambiente ajeno (pero reconocible) y hacerlos partícipes de una atmósfera opresiva que al mismo tiempo les haga reflexionar sobre la salud de sus relaciones. Carles Harillo  

SINOPSIS

Un HOMBRE y una MUJER celebran su décimo aniversario esperando a alguien. Una relación cimentada en el odio y en el desgaste que se verá reafirmada con la llegada de un AMIGO del pasado, cargado de secretos, que acaba envuelto en una lucha por la supervivencia moral hasta las últimas consecuencias.  

FICHA

Dramaturgia y dirección: Carles Harillo Magnet Vestuario y Espacio Escénico: Pier Paolo Alvaro Espacio Sonoro: Boby Lauren Diseño de Luces: Jesús Antón Ayudante de Dirección: Zoilo Carrillo Jefe de Producción: Gabriel Sánchez Ayudante de distribución: Pinar Bernudo Producción Ejecutiva: Manuel De Comunicación: Josi Cortés Comunicación Reparto: Carmen Mayordomo, César Sánchez, Xavier Murúa y Josi Cortés. Una producción de OJOS DE SAPO Fechas y horarios: del 3 de abril al 29 de mayo Los Lunes a las 22:15h. en el TEATRO LARA Twitter: losbuitresteatr   [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-los-buitres/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=53mARzHXBwk&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TOTEM DE CIRQUE DU SOLEIL 

Un viaje a la evolución de la humanidad

Escrita y dirigida por Robert Lepage

Desde su estreno mundial en el año 2010, más de 2 millones de personas en todo el mundo han sido hipnotizado por la intimidad y la belleza de TOTEM.  Con un elenco de 46 acróbatas, actores, músicos y cantantes, TOTEM es una combinación de atletismo, comedia, emoción y efectos visuales sorprendentes. Escrito y dirigido por Robert Lepage, TOTEM recorre el fascinante viaje de la especie humana, desde su original estado anfibio hasta el deseo final de volar. Los personajes evolucionan en el escenario evocando una tortuga gigante, el símbolo del origen de muchas civilizaciones antiguas. Inspirado en muchos mitos fundacionales, TOTEM ilustra, a través de un lenguaje visual y acrobático, el progreso evolutivo de las especies. Entre la ciencia y la leyenda, TOTEM explora los lazos que unen al Hombre con otras especies, sus sueños y su potencial infinito.

TOTEM celebra los logros de la humanidad con un reconocimiento del público sencillamente espectacular. Por eso nos gusta el Cirque du Soleil, y siempre nos gustará.

LOS ANGELES TIMES

TOTEM

Dúo en trapecio fijo

 Cuando la marca mantiene el artificio. MadridEsteatro

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TEATRO MARQUINA

 

La Compañía de Danza Clásica las Artes presenta

ROMEO Y JULIETA

de William Shakespeare Dirección: Adela González Dirección Artística: Julia Olmedo

Del 30 de mayo al 11 de junio

La Compañía de Danza Clásica Las Artes representa la épica obra de William Shakespeare ROMEO Y JULIETA en el teatro Marquina de Madrid a partir del 30 de mayo hasta el 11 de junio 2017 en 12 pases consecutivos. Producida por Adela González, directora de la Compañía, y adaptada por la coreógrafa y directora artística Julia Olmedo, cuya creación original pretende ser un reto en todos los sentidos, ya que muestra un trabajo de adaptación irrepetible. Destaca en este trabajo la selección de textos originales de la obra escrita que son interpretados por el mismo W. Shakespeare, personaje que, como narrador e hilo conductor, nos muestra en escena la historia de los amantes, dando paso a cada encuentro, dirigiendo la danza entre lo poético de las emociones y la narrativa prosaica de la historia conocida por todos pero, nunca contada de tal manera. Además de mostrar la base pura de la danza clásica en esta obra, con notas coreográficas neoclásicas, la música seleccionada que la acompaña es de Serguéi Prokófiev consiguiendo un formato más dinámico y breve pero sin perder profundidad. La Compañía Las Artes destaca por dar cabida a nuevos talentos de la danza, potenciando su proyección profesional y artística, perfeccionando técnicas de baile en su escuela y por ser un motor de producción y gestión cultural para Madrid.   Del 30 de mayo al 11 de junio en el Teatro Marquina  

SINOPSIS

Tomando como base una antigua leyenda acerca de la rivalidad entre dos familias Capuletos y Montescos de la Italia medieval, William Shakespeare encarnó en la tragedia de Romeo y Julieta el símbolo universal por excelencia del amor juvenil contrariado. La feroz enemistad entre estos clanes no puede evitar que dos jóvenes miembros de ambos se enamoren y lleguen a casarse en secreto, unión que la oposición de sus progenitores y las pasiones ajenas se tornarán funesta.  

FICHA

Autoría: Julia Olmedo Galván (versión original) Dirección: Adela González Dirección Artística: Julia Olmedo Adaptación: Julia Olmedo Escenografía: Julia Olmedo Vestuario: Julia Olmedo y Rita Galván Música: Serguei Prokofieff Iluminación: Alvaro Estrada Sonido: Alvaro Estrada Una producción de La Compañía de Danza Clásica las Artes Fechas y horarios: Del 30 de mayo al 11 de junio De martes a sábados 20:30h. Domingos a las 19h. en el TEATRO MARQUINA   [button link="http://bit.ly/2oaLkOV" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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https://www.youtube.com/watch?v=JLeNAbKvQos&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

 

TEATRO KAMIKAZE

 

Serena Producciones presenta

IPHIGENIA EN VALLECAS

de Gary Owen Dirección: Antonio C. Guijosa

Un proyecto de María Hervás y Serena Producciones

PREMIOS MAX 2019 A MEJOR ESPECTÁCULO REVELACIÓN Y MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Y XXVII PREMIO UNIÓN DE ACTORES MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

 

Regresa al Ambigú del Teatro Kamikaze IPHIGENIA EN VALLECAS de Gary Owen. María Hervás adapta y protagoniza la obra que cuenta con la dirección de Antonio Castro Guijosa.

Ifigenia en Splott (UK Theatre Award Best new play 2015) del dramaturgo y guionista de Gales Gary Owen se estrenó en el Teatro Sherman Desde el 22 Jun 2018  

SINOPSIS

El viento desaparece y la flota griega no podrá avanzar hasta que los dioses ofendidos sean resarcidos. El pago por las ofensas es sacrificar a Iphigenia, hija del rey. La ciudad entera, a excepción de Aquiles, espera que ella se entregue por el bien común. IPHIGENIA EN VALLECAS (“Iphigenia in Splott”) recoge como tema principal el sacrificio individual en pos de un bien colectivo. Pero en esta historia Iphigenia no es una princesa. Muy al contrario, es una joven maleducada, ordinaria, con muy pocos recursos económicos y con un bagaje cultural prácticamente nulo. Es lo que se conoce popularmente como una choni. Vive en los márgenes más bajos de nuestra sociedad. Su historia es un retrato social de los efectos que tienen las políticas de nuestros gobiernos sobre la gente de a pie, especialmente sobre los que menos tienen. La historia de nuestra Iphigenia encierra la historia de otras muchas gentes. Es aparentemente una historia de amor, hasta que los vientos dejan de soplar y alguien debe responder. Entonces esta nueva Iphigenia vuelve a enfrentarse al sacrificio. Sólo que ya no es una princesa ni tiene a un Aquiles que salga a su rescate. Muy al contrario, nuestra Efi es una joven de muy pocos recursos cuyos únicos apoyos son su abuela jubilada y su compañera de piso medio drogadicta. Su camino dibuja un paisaje que no nos agrada mirar pero que no por eso deja de existir: barrios marginales, garitos de mala muerte, pobreza, drogas, prejuicios, violencia, estereotipos. ¿Quién esperamos que se sacrifique cuando algo va mal? ¿Quién es efectivamente sacrificado cuando los que mandan quieren algo? ¿Quiénes están sobrellevando el coste de esta crisis? ¿qué es lo que se les está obligando a sacrificar? Y sobre todo ¿qué va a pasar cuando los sacrificados ya no lo soporten más?  

   

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TEATRO ESPAÑOL

 

Milonga Producciones y Producciones Abú presentan

LOS UNIVERSOS PARALELOS

 de David Lindsay-Abaire Versión y dirección: David Serrano

Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017

 

LOS UNIVERSOS PARALELOS se estrenó con éxito el 17 de marzo en el Teatro Palacio Valdés. Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017 se podrá ver en el Teatro Español.

  Rabbit Hole (Los universos paralelos) es una obra de David Lindsay-Abaire estrenada en el Biltmore Theatre en 2006. La obra tuvo cinco nominaciones a los Premios Tony, incluido el de Mejor Obra, y Cynthia Nixon ganó el Tony a la Mejor Actriz. Y en 2007 obtuvo el Premio Pulitzer de Teatro. En 2010 fue llevada al cine por John Cameron Mitchell con guión del propio David Lindsay-Abaire y protagonizada por Nicole Kidman.   David Serrano adapta y dirige la versión española, LOS UNIVERSOS PARALELOS. Malena Alterio , Belén Cuesta, Daniel Grao, Carmen Balagué e Itzan Escamilla forman el reparto. Considerada la obra maestra de David Lindsay-Abaire, LOS UNIVERSOS PARALELOS aborda la forma en que una familia afronta la pérdida y el dolor. David Serrano describe la obra como "Una pequeña, sencilla y hermosísima historia que anima a los seres humanos a no quedarse enganchados al dolor y a seguir luchando, incluso en las situaciones más adversas, para tener una vida razonablemente feliz."   [caption id="attachment_48683" align="aligncenter" width="700"] LOS UNIVERSOS PARALELOS[/caption]  

SINOPSIS

LOS UNIVERSOS PARALELOS, de David Lindsay-Abaire,  es una bella y emocionante historia sobre cómo los miembros de una familia se enfrentan a la pérdida y al dolor. Patricia y Alberto, un matrimonio acomodado, intentan reconducir su vida tras la muerte de su hijo pequeño. Hace tan solo ocho meses eran una familia feliz; ahora se encuentran inmersos en un laberinto de recuerdos, añoranzas y culpabilidades del que les resulta casi imposible salir. Pero lejos de rendirse, los dos lucharán con todas sus fuerzas para encontrar un camino de vuelta a una vida que podría seguir siendo hermosa.  

NOTA DEL DIRECTOR

David Lindsay-Abaire es uno de los dramaturgos más interesantes surgidos en los últimos veinte años.  Ha sido galardonado con los más importantes premios teatrales, sus funciones se han representado en decenas de países y cada uno de sus estrenos es esperado en Estados Unidos con muchísima expectación.  Las obras de David Lindsay nos hablan de gente normal, personajes que parecen salidos directamente de un documental sobre la clase media y en los que podemos reconocer con absoluta facilidad rasgos de nuestros amigos, familiares e incluso de nosotros mismos. Sus historias nacen casi siempre de conflictos cotidianos y, a menudo, tratan sobre situaciones difíciles cuando no directamente dolorosas. Pero David Lindsay no parece tener ninguna afinidad por las tragedias ni por los melodramas y huye de ambos cada vez que se sienta a escribir. Todas sus funciones, incluso las que parten de una situación más dura como Los universos paralelos, están impregnadas de muchísimo humor y en sus finales encontramos una puerta abierta a la esperanza que invita a los seres humanos a seguir adelante hasta en los momentos más desoladores. De toda su brillante producción, él mismo y la crítica especializada han señalado a Los universos paralelos como su obra maestra. Es éste, quizá, el texto en el que mejor ha conseguido esa mezcla tan personal de comedia y drama que encontramos en todas sus obras y en el que sus siempre brillantes diálogos han alcanzado las cotas más altas de calidad. David Serrano   [caption id="attachment_48682" align="aligncenter" width="700"] LOS UNIVERSOS PARALELOS[/caption]  

FICHA

Autor: David Lindsay-Abaire Versión y dirección: David Serrano Diseño de Escenografía y Vestuario: Elisa Sanz Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo Ayudante de Dirección: Maite Pérez Astorga Producción Ejecutiva: Lola Graiño Dirección de Producción: Ana Jelin Fotografía: Javier Naval Distribución: Producciones Teatrales Contemporáneas Comunicación y prensa: María Díaz Reparto: Malena Alterio, Daniel Grao, Carmen Balagué, Belén Cuesta e Itzan Escamilla. Una producción de Milonga Producciones y Producciones Abú Fechas y horarios:  Del 20 de septiembre al 15 de octubre de 2017 De martes a sábado 20h. Domingos 19h. en el TEATRO ESPAÑOL   [button link="https://teatroespanol.shop.secutix.com/selection/event/date?productId=1095340696" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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Trailer Los universos paralelos de David Lindsay-Abaire from PTCTeatro on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATRO BELLAS ARTES

 

Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Suripanta presentan

LOS PELÓPIDAS

de Jorge Llopis

del 29 de marzo al 2 de abril de 2017

¡Tebas mañana será republicana!

  Del 29 de marzo al 2 de abril se podrá ver en el Teatro Bellas Artes dentro del ciclo ‘Festival de Mérida en Madrid‘ LOS PELÓPIDAS la obra más representativa de Jorge Llopis. Estrenada con un rotundo éxito de público y crítica en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.   Para llevarla a escena nos hemos vuelto a poner en manos de Esteve Ferrer, uno de los grandes del Teatro en nuestro país y un especialista en un género tan difícil como la Comedia en el que se mueve como pez en el agua. Por su dominio del ritmo, del juego cómico, su enorme talento para dirigir actores y construir personajes, su imaginación para exprimir la comicidad de cada escena, su capacidad para conectar con el público y hacerle reír, nadie mejor que él para abordar este texto. Cuidando al máximo nuestra producción, nuevamente hemos contado también con otros tres grandes nombres de las Artes escénicas en nuestro país: Juanjo Llorens en el diseño de iluminación, Ana Garay en el de escenografía y Maite Álvarez en el de vestuario.   En el equipo actoral, 100% extremeño, cuatro actores y cuatro actrices dan vida a los 10 personajes y al peculiar coro  que intervienen en la obra: Pedro Rodríguez, Paca Velardiez, Simón Ferrero, Eulalia Donoso, Juan Carlos Tirado, Ana García, Jesús Martin Rafael y Eva Gómez.  

SINOPSIS

En este 2017 se cumplen 51 años del estreno de Los Pelópidas, la obra más simbólica del autor alicantino Jorge Llopis, que precisamente se produjo en el mismo Teatro Bellas Artes. Es una muy buena ocasión para recuperar y rendir homenaje a esta gran comedia, caricatura de la tragedia griega que bebe de los grandes modelos del género paródico y versificado, que busca la comicidad verbal en el retruécano, la ocurrencia y el ingenio de su estructura dramática. Al igual que Pedro Muñoz Seca, que con su hilarante “La venganza de Don Mendo” diera una completa vuelta de tuerca a los lacrimógenos dramas históricos, Jorge Llópis en Los Pelópidas hace lo mismo con los acongojantes y dolorosos dramas griegos y consigue una de las obras más juerguistas y representativas de este peculiar género. La cuidada versión de Florián Recio, fiel a la estructura y al texto en verso original, conserva el aire ingenuo, de humor mordaz pero elegante, festivo, lúdico, jocoso y de pleno disfrute que tiene la obra, a la vez que la revitaliza y acerca al espectador de nuestros días con pinceladas de actualidad. Llopis nos ofrece una revisión personalísima de los dramas griegos, construyendo una sátira desmitificadora, alegre, irónica, jocosa, maravillosamente disparatada, mostrándonos, desde una perspectiva muy distinta, a través del humor más sano, algunos de los héroes, historias, conflictos y situaciones por todos conocidos de las grandes tragedias griegas. Personajes arquetipos de aquel teatro, como el ídolo traicionado, la reina infiel y vengativa, el rey usurpador del trono, el mensajero portador de noticias tremebundas, el filósofo instructor, la fúnebre pitonisa, la entregada nodriza, los omnipresentes dioses, el pueblo descontento, …se presentan ante el espectador con una finalidad diferente para la que fueran concebidos, hacerle reír y desmitificar. Ántrax, rey de Tebas, cual Ulises, después de muchos años guerreando valientemente en la Guerra de Troya, regresa a su tierra de riguroso incógnito, acompañado de su fiel consejero y pensador constante, Faetón de Estraza. Estupefacto, encuentra a su ciudad y a su pueblo en la más total de la ruina, y a su querida esposa Elektra en brazos de un tal Phideos que además ha usurpado su trono, gobernando con manifiesta incompetencia. Promete venganza y restablecer el orden trastocado. Los dioses, claro está, aparecerán en el momento oportuno para echarle una mano, o liarla más. Cuando todo parece que vuelve a su cauce y Ántrax consigue poner las cosas en su sitio, entrará en juego un inoportuno mensajero que, convertirá la trama en el incesto criminal más enrevesado, embarazoso e imposible que pueda imaginarse. Esteve Ferrer

 

FICHA

Dramaturgia: Jorge Llopis Dirección: Esteve Ferrer Versión: Florián Recio Diseño de escenografía: Ana Garay Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Diseño de vestuario: Maite Álvarez Producción Ejecutiva: Suripanta S.L

Reparto: Eva Gómez, Simón Ferrero, Eulalia Donoso, Ana García, Paca Velardiez, Juan Carlos Tirado, Pedro Rodriguez, Jesús Martín Rafael

Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Compañía Suripanta (Badajoz)

Fechas y horarios: Del 29 de Marzo al 2  de abril de 2017 Miércoles, jueves y viernes a las 20:30h. Sábados y domingos a las 19h. en el TEATRO BELLAS ARTES

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TEATRO REINA VICTORIA

 

Avercleo Producciones presenta

THE SPIRIT OF MAGIC

¡La Magia del Inglés!

25 de Marzo; 1, 8 y 22 de Abril a las 12h.

El 25 de marzo se estrena en el Teatro Reina Victoria THE SPIRIT OF MAGIC: ¡La Magia del Inglés!.

Un nuevo espectáculo educativo íntegramente en inglés dirigido a un público infantil desde los 3 hasta los 12 años. Magia, emoción, misterio y muchas sorpresas esperan a los más pequeños en The Spirit of Magic: ¡La Magia del Inglés! Todo aderezado con mucha dosis de humor para conseguir que los niños (y no tan niños) adoren el inglés.   Avercleo Producciones es una compañía de teatro enfocada en promover el bilingüismo en los colegios mediante experiencias lúdicas. Mezclan teatro, magia e inglés para crear espectáculos educativos divertidos y únicos.  

SINOPSIS

En THE SPIRIT OF MAGIC conocerás a Tom, un chico curioso y atrevido, con ganas de descubrir los misterios que habitan en el desván de su casa. Allí, escondidos en una vieja y polvorienta caja de cartón, encontrará lo que parecen ser los artilugios de magia de alguien, pero… ¿Cómo conseguir que todo eso funcione? Para ello, rodeado de misterio e ilusión, aparecerá El Espíritu de la Magia, como si de un genio de la lámpara un tanto peculiar se tratase, para guiar a nuestro joven amigo en sus divertidas lecciones, hasta conseguir por sí mismo ser un gran mago. Sin embargo, no sólo será magia lo que aprenda Tom, ya que, poco a poco, irá descubriendo lo que nadie más sabe de su nuevo y particular maestro. Todo esto y muchas más sorpresas te esperan en THE SPIRIT OF MAGIC: ¡La Magia del Inglés!  

FICHA

Dirección: Gerard Clua Reparto: Eduardo del Olmo, Dani Walter y Cristina Lavado Idioma: Íntegramente en inglés Edad recomendada: Niños de 3 a 12 años Duración: 60 minutos Una producción de Avercleo Producciones Fechas y horarios:  25 de Marzo; 1, 8 y 22 de Abril a las 12h. en el TEATRO REINA VICTORIA Facebook: Thespiritofmagic   [button link="http://bit.ly/2nmZy26" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

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THE SPIRIT OF MAGIC Teaser from Avercleo Producciones on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

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TEATROS LUCHANA

 

TEATRO EN SERIE presenta

EL EREMITA

Dirección y dramaturgia: Luis López de Arriba

Domingos a las 19:45h.

Regresa EL EREMITA ¡A encerrarse todo el mundo!

  Estrenada con éxito en noviembre de 2016 en la Sala Mayko, la comedia EL EREMITA llega los domingos de abril a los Teatros Luchana.   EL EREMITA es la nueva producción de Teatro en Serie ('La Casa De Huéspedes') y el primer espectáculo 'no serial' de la compañía. Escrita y dirigida por Luis López de Arriba y con un reparto formado por Miguel Uribe, Inma Gamarra, Marcos Fernández y Andrea Hermoso. En palabras del autor "La idea de El Eremita parte de una noticia que leí hace tiempo sobre los hikokomori, un fenómeno social japonés que puede traducirse como “aislamiento social agudo”. Son normalmente jóvenes en edad escolar que, por diversos factores, deciden encerrarse en la soledad de sus cuartos, modernos y desequilibrados anacoretas encerrados en sus torres de marfil con el adsl y los videojuegos como única compañía." EL EREMITA es una fábula cómica de la vida íntima y doméstica en tiempos de globalización. O, como diría Fray Luis: “¡Qué descansada vida / la del que huye del mundanal ruïdo, / y sigue la escondida / senda, por donde han ido / los pocos sabios que en el mundo han sido”…  

SINOPSIS

En la vida eremítica asceta, el ermitaño busca la soledad para la meditación, la contemplación y la oración sin las distracciones de contacto con la sociedad humana, el sexo, o la necesidad de mantener otros estándares socialmente aceptables (por ejemplo, de alimentación o vestimenta). Miguel ha pasado de empleo en empleo sin pena ni gloria, incapaz de adaptarse a una dinámica normal de trabajo en sociedad. Así, animado por sus sesudas lecturas sobre los antiguos anacoretas toma una determinación: apartarse del mundo de manera indefinida. Marcos, padre, divorciado, ingeniero, inseguro, inflexible, trata de convencer al eremita, pero es imposible. Entonces, urde un absurdo plan: la tentación tiene cuerpo de mujer. Pero Milady no seduce sino que es seducida y se une al retiro. Entonces, Marcos se une también, a modo de ermitaño infiltrado. Y Andrea, su hija, no lo puede creer: no hay un padre más imbécil que el suyo. Pero es el único que tiene. Bienvenidos al retiro de EL EREMITA.  

 

FICHA

Dirección y dramaturgia: Luis López de Arriba Diseño técnico: Luis López de Arriba Diseño de iluminación: Roberto Cerdá Escenografía: Mónica Florensa Vestuario: Mónica Florensa Fotografía y diseño del cartel: Norberto Gutiérrez Banda sonora: Infumables Espacio sonoro: Quique Mingo Reparto: Miguel Uribe, Inma Gamarra, Marcos Fernández, Andrea Hermoso. Una Producción de Teatro en Serie Fechas y horarios: Domingos a las 19:45h. en los TEATROS LUCHANA   [button link="http://bit.ly/2nhlecm" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

ANNIE JR

 

Asociación Cultural Glee Club Paracuellos presenta

 

ANNIE JR

Inspirado en tira cómica “Little Orphan Annie” de Harold Gray. Letra: Martin Charnin Libreto musical original: Thomas Meehan

Del 6 al 27 de diciembre de 2017 en el Teatro Reina Victoria

 

Regresa el musical ANNIE jr al Teatro Reina Victoria

  El 6 de diciembre vuelve el entrañable Musical ANNIE JR. Que junto con TARZÁN el Musical configuran la cartelera infantil para estas navidades del Teatro Reina Victoria. El musical ANNIE JR, es un espectacular montaje, con 34 niños en escena y que cuenta un decorado y vestuario exclusivo ambientado en los años 30. El espectáculo está creado por Glee Club Paracuellos, dirigido por Sonsoles Rodríguez Villar y Lola Briceño.   ANNIE JR. es una versión adaptada del clásico musical ANNIE. Está especialmente creada para ser realizada por los jóvenes en una versión acortada, con licencia de Music Theatre International's Broadway Junior collection. ANNIE es un clásico musical familiar cuya producción original tuvo su estreno mundial el 10 de agosto de 1976, en el teatro de la ópera de Goodspeed en East Haddam, Connecticut. En Broadway se estrenó en 1977 y permaneció en cartel durante casi seis años, estableciendo un récord para el teatro de Alvin (ahora el Teatro Neil Simon). Fue nominada a once premios Tony, ganando siete de ellos. El espectáculo se cerró el 2 de enero de 1983, después de un total de 2.377 actuaciones. Después del éxito en Broadway, la obra se trasladó a otros países, y fue adaptada dos veces al cine, en 1982 y 1999; la más exitosa fue la primera, dirigida por John Huston y protagonizada por Aileen Quinn como Annie. Las canciones del musical "Tomorrow" y "Hard Knock Life" son algunos de sus números musicales más populares.   ANNIE JR. está producida por Glee Club Paracuellos, una Asociación Cultural cuyo objetivo es fomentar las artes escénicas entre la población infantil y servir como plataforma para el desarrollo de variadas iniciativas artísticas protagonizadas por niños, asienta su creación y crecimiento en el trabajo conjunto de padres y colaboradores desinteresados, que con fines altruistas, pretenden otorgar a los pequeños la oportunidad de experimentar el arte musical y teatral.  

SINOPSIS

Annie Jr cuenta la entrañable historia de una pequeña huérfana, decidida a encontrar a unos padres que la abandonaron hace años en la puerta de un orfanato de la ciudad de Nueva York de los años 30. A diferencia de la mayoría de los otros niños del hospicio de la señorita Hannigan (la directora), Annie, una entrañable huérfana, cree que sus padres aún están vivos y que algún día volverán a reclamarla. Así que cuando el señor Warbucks se ofrece a adoptarla, le pide al hombre más poderoso de Estados Unidos que le ayude a encontrar a su verdadera mamá y papá, y él está de acuerdo. La enorme recompensa de los Warbucks atrae la atención de los estafadores Rooster, Lily y de la malvada señorita Hannigan, quienes traman un complot para secuestrar a Annie y recibir la recompensa de $ 50,000. Pero este clásico musical familiar tiene un final feliz para Annie, Daddy Warbucks y toda la pandilla. Tras divertidas aventuras, Annie frena las maquinaciones malvadas de Miss Hannigan y encuentra un nuevo hogar.  

 

FICHA

Inspirado en tira cómica “Little Orphan Annie” de Harold Gray. Letra: Martin Charnin Libreto musical original: Thomas Meehan Dirección: Sonsoles Rodríguez-Villar Escenografía: Anabel Oliva Producción y Coreografía: Lola Briceño Reparto: 34 niños de edades comprendidas entre los 7 y los 17 pertenecientes a Glee Club Una producción de Asociación Cultural Glee Club Paracuellos Idioma: Canciones (Inglés), Diálogos (Español) Duración: Aprox. una hora y 20 minutos (Descanso incluido) Fechas y horarios: Del 6 al 27 de diciembre de 2017 6, 7, 8 y 23 a las 17h. 26 y 27 a las 12h. y a las 17h. en el TEATRO REINA VICTORIA Twitter: GleeClubParac [button title="Comprar entrada" link="http://bit.ly/2mSmnrD" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]  

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TEATRO DE LA COMEDIA

 

CNTC, LA LLAVE MAESTRA PRODUCCIONES y TRASPASOS KULTUR presentan

SUEÑOS

de Francisco de Quevedo versión libre de José Luis Collado Dirección Gerardo Vera

Del 7 de abril al 7 de mayo de 2017

La Compañía Karamázov presenta SUEÑOS de Francisco de Quevedo, su segundo proyecto tras 'Los Hermanos Karamázov'.

Gerardo Vera dirige SUEÑOS el clásico de Francisco de Quevedo en una versión libre de José Luis Collado con dramaturgia de Gerardo Vera. Juan Echanove, Óscar de la Fuente, Markos Marín, Antonia Paso, Lucía Quintana, Marta Ribera, Chema Ruiz, Ferrán Vilajosana, Eugenio Villota y Abel Vitón forman el reparto. La obra cuenta con iluminación de Juan Gómez-Cornejo, vestuario de Alejandro Andújar y música de Luis Delgado. Y se podrá ver en el Teatro de La Comedia del 7 de abril al 7 de mayo de 2017.  

NOTA DEL DIRECTOR

Enfrentarse a Quevedo y, sobre todo, zambullirse en ese caudaloso discurso brillante y doloroso sobre la decadencia de un imperio, es una insensatez de la que solo eres consciente cuando ya estás con el agua al cuello, tratando de sobrevivir a esa embestida directa contra las conciencias que es la obra magna del gran cronista de la realidad española sin adornos, sin coartadas, yendo a lo más profundo de la herida aunque te empapes en su sangre. Como un reflejo poderoso, esa herida es el manantial del que brota la obra de Quevedo. Y esa llaga abierta a partir de su encierro en la Cárcel de San Marcos, tan física que impregna todos sus escritos. Su obra se transforma en una sangría existencial, un tránsito doloroso de lo pasajero a lo eterno. El testamento de un artista, pero sobre todo de un hombre que padecía en carne propia el desistimiento de unas fuerzas llevadas a su límite en un tiempo en el que ya no se podía soñar, donde lo épico se degradaba en retórica, la valentía en soberbia, la nobleza en herencia sin merecimientos. La realidad del XVII era tan contundente que «solo se podía vegetar o vivir en carne viva». Y así vivió Quevedo, contemporáneo de Velázquez, pintor también de la liquidación española. Eso hemos intentado reflejar a partir de su obra más personal, sus Sueños, crónica dolorosa y lúcida de una España presa de la corrupción de las monarquías absolutas de Felipe III y Felipe IV, víctima del ocio y de la ignorancia, donde la filosofía era esclavizada por la teología. En un momento, también, donde todo olía a corrupción en Madrid y en las Españas, y ahí es donde nos asombran y nos deslumbran esos sueños, chismosos y veraces, caricatura, testimonio, dolor y carcajada, escritos por una mano atravesada por el sufrimiento que rezuma su propia herida interior. Quevedo se convierte, sin querer, en el testigo más fiel de cómo un imperio empieza a descomponerse. Y ya desde lo propiamente teatral, es tan profunda su reflexión sobre la realidad de su época que nos hace trasladarnos hasta nuestro tiempo, otra vez la putrefacción, en un viaje extraordinariamente lúcido y poderoso donde pueden convivir J. S. Bach, El Bosco, Monteverdi, Velázquez, Béla Bartók, y Mozart. Ese es nuestro camino. Gracias a Helena Pimenta y la CNTC por acompañarnos en este viaje con su complicidad incondicional y su ánimo. A Juan Echanove, grande y generoso, el alma de este proyecto. Gracias a su pasión por el teatro y a unos actores en estado de gracia hemos emprendido ya un viaje estimulante y necesario. Gracias a José Luis Collado por su dedicación y su desvelo otra vez en este nuevo reto teatral después de su adaptación de Karamázov. Y como no podía ser de otra manera, gracias a todo mi equipo, Arellano, Luna, Cornejo, Andújar, Delgado… A mi lado siempre. Seguro que sin todos ellos yo no sería capaz de ponerlo sobre un escenario. Gerardo Vera  

FICHA

REPARTO Quevedo: Juan Echanove Diablo / Cardenal: Óscar de la Fuente Osuna / Prosperidad / Villena: Markos Marín Portera / Envidia: Antonia Paso Aminta / Enfermera: Lucía Quintana Muerte / Doña Fábula: Marta Rivera Judas / Hombre / Negro / Capitán: Chema Ruiz Doctor / Carne: Ferran Vilajosana Montalbán / Mundo / Desengaño: Eugenio Villota Principessa / Viejo / Dinero: Abel Vitón Dirección: Gerardo Vera Versión libre: José Luis Collado Dramaturgia: Gerardo Vera Diseño de escenografía: Gerardo Vera y Alejandro Andújar Diseño de Iluminación: Juan Gómez-Cornejo (A.A.I.) Diseño de vestuario: Alejandro Andújar Montaje musical: Luis Delgado Videoescena: Álvaro Luna Movimiento: Eduardo Torroja Ayudante de dirección: José Luis Arellano y José Luis Collado Producción: Mikel Gómez de Segura y Zuriñe Santamaría Ayudante de Producción: Marco Hernández Fotografía: Javier Naval Ayudante de iluminación: David Hortelano Ahumada Ayudante de vestuario: Carmen Mancebo Coordinación técnica y regiduría : Fernando Cuadrado Técnico de vestuario: Marco Hernández Técnico de sonido: Javier Hernández Distribución: Charo Fernández Insausti Una producción de CNTC /  La llave maestra / Traspasos Kultur Fechas y horarios: Del 7 de abril al 7 de mayo de 2017 Martes y domingos a las 19h. De miércoles a sábados a las 20h. en el TEATRO DE LA COMEDIA   [button link="https://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=10&idEspectaculo=23" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

• Los Sueños de Quevedo en genial revelación escénica - Horacio Otheguy Riveira
• Juan Echanove en La hora cultural
• Atención obras - Los "Sueños" de Quevedo
• Barroco blanco - Marcos Ordóñez

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