Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
TEATRO KAMIKAZE
Los Paraísos Desiertos y El Pavón Teatro Kamikaze presentan
OLIVERIO Y LA TORMENTA
de Ismael Serrano y Jimena Ruiz Echazú
Del 3 al 18 de Junio
El 3 de Junio se estrena en el Pavón Teatro Kamikaze el segundo espectáculo familiar, tras 'A la Luna', programado en el teatro. OLIVERIO Y LA TORMENTA, una producción de Los Paraísos Desiertos y El Pavón Teatro Kamikaze que podrá verse los Sábados y domingos, a las 12:30h.
La obra nace como regalo de Ismael Serrano y Jimena Ruiz Echazú a su pequeña hija, Lila. OLIVERIO Y LA TORMENTA es un pequeño musical infantil recomendado para niños y niñas de 2 a 6 años, escrito y dirigido por Ismael Serrano y Jimena Ruiz Echazú, y con música original de Ismael Serrano. Con canciones originales de Ismael Serrano, OLIVERIO Y LA TORMENTA combina teatro y animación en una historia llena de magia, música y ternura para que padres y madres, pequeños y pequeñas aprendan a bailar durante la tormenta con nosotros. Porque cantar juntos siempre nos hace felices. Durante una gran tormenta dos entrañable amigos, Emma y Oliverio ‘el ratón robacalcetines’, aprenderán a olvidar el miedo y pasar un rato divertido. Porque con un poco de imaginación, cualquier situación puede ser una estupenda oportunidad para pasarlo bien.SINOPSIS
Oliverio y la tormenta nos acerca las peripecias vividas por dos entrañables amigos: Emma (Jimena Ruiz Echazú) y Oliverio (Estrella Olariaga), el ratón robacalcetines. Oliverio es un roedor travieso y divertido, pero esta noche está algo inquieto. Ha llegado una tormenta y se ha ido la luz. Por el contrario, Emma parece disfrutarlo mucho, así que ayudará a su pequeño y revoltoso amigo a descubrir que, con un poco de imaginación, cualquier situación puede ser una estupenda oportunidad para pasarlo bien. De una cajita de música saldrán luciérnagas a revolotear por la casa, sonarán xilófonos, campanas y el ukelele de Emma. Contaremos cuentos, inventaremos canciones y bailaremos hasta olvidar el miedo y que solo queden las ganas de jugar. Porque como dice la canción de Emma, “si tengo miedo pensaré en ti. Cantar contigo me hace feliz”. Si una de las mejores herramientas para combatir el miedo es el humor, Oliverio y Emma lo usarán para enfrentarse a la tormenta y la oscuridad que conlleva. O cómo convertir una situación que asusta en un momento propicio para compartir la risa y usar la imaginación.
ANÁLISIS PSICOPEDAGÓGICO
El mensaje central de la obra es claro y entendible: un estímulo que para los niños puede presentarse en un inicio como potencialmente negativo (las tormentas) se convierte en todo lo contrario con dos herramientas a su alcance: la música y la amistad. La obra resalta la importancia de la música como estrategia para identificar, expresar y gestionar nuestras emociones, centrándose en el ejemplo de superar el miedo a las tormentas que siente Oliverio. Pero además, intercalando diálogos divertidos con canciones y melodías, la obra incide en todos los ámbitos de desarrollo, supone una experiencia de aprendizaje globalizador y favorece el desarrollo integral de todas las capacidades de los niños: capta la atención visual y auditiva de los pequeños, pudiendo incidir en el desarrollo intelectual o cognitivo, lingüístico, motriz y socio-emocional. En el plano intelectual o cognitivo las representaciones ayudan a los niños a reflexionar sobre sí mismos y sobre el mundo que les rodea. La obra Oliverio y la tormenta facilita ampliar el conocimiento que los pequeños tienen del entorno. Se profundiza en el conocimiento del entorno próximo, cómo puede ser una vivienda, qué muebles encontramos en el salón, qué forma tienen, para qué sirven y cómo se llaman. Y también del entorno más amplio, exterior y medioambiental; se presenta de una manera atractiva y respetuosa, despertando en los niños la curiosidad, el interés por conocer y acercarse a la naturaleza. Con las canciones conocen conceptos del entorno: el río, las nubes, el viento, las montañas... los aspectos positivos de la lluvia, el nombre de algunas especies de árboles, se invita a relacionarse con ellos y cuidarlos; se transmiten valores positivos de sostenibilidad ambiental que es fundamental incorporar a estas edades. El lenguaje que se utiliza en la representación es especial, muy enfatizado. Aporta riqueza al vocabulario de los niños, introduce significados de palabras, sonidos nuevos y alguna fórmula social del lenguaje, como los saludos formales. A través de los diálogos entre Emma y Oliverio, los niños reciben un modelo conversacional formal y adecuado a sus características evolutivas (con frases sencillas, no muy largas, mensajes claros…) aprendiendo a respetar los turnos de palabra, entonación, enfatizar mensajes con el lenguaje no verbal... Lo que redunda en una mejora del lenguaje en sus dos planos: comprensión y expresión. En este plano socio-emocional, la obra les ayuda a comprender la realidad social, a valorar la amistad, a empatizar y ser sensible a los sentimientos de otros, a identificar y entender sus propias emociones, aceptarlas y aprender a cambiarlas, superarlas y gestionarlas. Les hace más sociables, despierta las ganas de expresar y compartir sus emociones favoreciendo relaciones positivas de amistad. Oliverio y la tormenta ejemplifica, de manera dulce y espontánea, que una de las mejores herramientas para combatir el miedo es el humor. Oliverio y Emma lo usan para enfrentarse a la tormenta y la oscuridad que trae. Se trata de convertir una situación que asusta en un momento propicio para compartir la risa y usar la imaginación. A través de la música, los protagonistas se enfrentan a la ansiedad y los nervios que produce el miedo, ofreciendo una visión positiva del objeto (la tormenta, la oscuridad) que, en un principio, asusta al ratón. El personaje de Emma supone un modelo para los niños de cómo un mismo estímulo puede ser considerado de diferentes maneras. Las tormentas, que inicialmente aparecen como potencialmente negativas, no tienen por qué serlo. Esta obra de teatro infantil supone un modo de acercar a los niños a la cultura y que puedan vivir por sí mismos y experimentar el placer de las manifestaciones artísticas. Pero además consigue fortalecer las relaciones familiares, pues es una actividad compartida, y se ofrece también algún recurso que los padres pueden incorporar en la relación con sus hijos. La obra apela al talante comprensivo que el adulto ha de tener ante el niño con miedo, transmitiéndole confianza y seguridad, alentando a que enfrente sus temores, fomentando su autoestima, escuchándolo con la calma y la atención que el menor merece. Oliverio y la tormenta, además del objetivo de entretener que toda obra de teatro persigue, posee un alto valor educativo. Se presenta como una oportunidad para incidir en el desarrollo integral de los niños desde el ocio, favoreciendo el desarrollo de capacidades cognitivas, motrices, sociales y afectivas, con la libertad y el disfrute que aporta el aprendizaje en contextos no formales. Se convierte en una herramienta de aprendizaje globalizador, en sintonía con la manera de aprender de los niños, y aprovecha la significatividad que la experiencia tiene para los pequeños para ofrecer aprendizajes importantes por su funcionalidad. Marta Delgado Galán ,psicóloga licenciada en la UNAM y psicopedagoga licenciada en la UNEDFICHA
Creadores y directores Ismael Serrano y Jimena Ruiz Echazú Música original Ismael Serrano Intérpretes Jimena Ruiz Echazú (como Emma) y Estrella Olariaga (como Oliverio) Diseño de iluminación José Osuna Ilustraciones Mar Blanco para el libro La niña que hablaba con los árboles, cedidas por Frida Ediciones Animaciones Oyeme! Producción ejecutiva Álex Foulkes Una coproducción de Los Paraísos Desiertos y El Pavón Teatro Kamikaze Duración: 50 minutos Edad: A partir de 2 años Fechas y horarios: Del 3 al 18 de Junio Sábados y domingos, a las 12:30 horas en el TEATRO KAMIKAZE Facebook: oliverioylatormenta [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0036/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=4qDayU1Pipc&w=640&h=360
IGUAL QUE SI EN LA LUNA
La compañía LA ESTAMPIDA presenta
IGUAL QUE SI EN LA LUNA
Dramaturgia y Dirección José Troncoso Con José Bustos
Del 1 al 17 de diciembre de 2017 en la Sala Mirador
¿Qué harías si tuvieras la oportunidad de volver al pasado?
Tras su estreno en mayo de 2017 en la Sala Guindalera dentro de la programación de la IV Edición de Surge Madrid, La compañía LA ESTAMPIDA ('Las Princesas del Pacífico', 'Lo nunca visto') presenta IGUAL QUE SI EN LA LUNA en la Sala Mirador. Un espectáculo unipersonal creado por José Troncoso y José Bustos. Donde la escenografía (Juan Sebastián Domínguez), la iluminación (Juanan Morales) y el espacio sonoro del propio José Bustos adquieren un gran protagonismo en una obra poética para dejarse llevar por las sensaciones.
El escenario (Juan Sebastián Domínguez) se convierte en un espacio transformable en el que el protagonista (José Bustos) intenta sin éxito colocar los elementos de la forma correcta, inducido a una “eterna mudanza”. Gracias a estas alteraciones escenográficas, apoyadas por proyecciones, viajaremos con “él” al interior de su cabeza, asistiendo a las mutaciones espacio-temporales de su intento. El blanco y el metal del escenario, se teñirán al antojo de nuestro protagonista favoreciendo su recorrido, pero también resistiéndose a cambiar por momentos. Un espacio vivo y cambiante, que actuará como antagonista de nuestro personaje. Alguien que no quiere estar donde está, no escucha lo que ocurre con la calidad del presente.
SINOPSIS
"Hola. He recibido una carta del futuro escrita por mí mismo. Un mapa. Una lista de las cosas que debo hacer para conseguir volver al pasado y estar bien. Y ya no me queda otra que intentarlo… Voy a por ello. Pero la luz no era esta. Esta está mucho mejor. Y se oía esa canción de lejos… ¡Esa! Ahora necesito una mesa verde. ¿Alguien tiene una mesa verde? Y ahora os tenéis que sentar justo así. A ver, tú ahí, tú ahí y tú ahí… No, perdón, tú estabas sentado al fondo. Eso es. Faltan cosas, ¿no? Falta gente. Faltan cosas, falta gente. ¿Alguien me escucha? Y por qué habéis cambiado la luz. Y la canción. No, esta no es la luz de antes, ni la canción de antes. Y tú tienes que estar sentado al fondo y falta gente… ¿Alguien me escucha? ¿Alguien me escucha? ¿Alguien me escucha?"¿QUÉ ES ESTAR IGUAL QUE SI EN LA LUNA?
La Nostalgia es, según nuestro punto de vista, uno de los males del Hombre contemporáneo. Nada ha salido como esperábamos y eso nos hace echar la vista atrás para intentar salvarnos. Estás Igual que si en la Luna si quieres agarrar lo cambiante. Si quieres manejar el reloj a tu antojo y volver a un pasado feliz, detener el tiempo o hacer que pase lo más rápido posible para olvidar este momento. Estás Igual que si en la Luna, si quieres traer al presente tus recuerdos y revivirlos una y otra vez, como si de una película se tratase. Estás Igual que si en la Luna si no quieres conformarte con lo que hay. Y si te conformas, también. Hazte a la idea: No te queda otra que estar Igual que si en la Luna.
FICHA
Dramaturgia y Dirección José Troncoso Ayte. de Dirección: Alicia Rodríguez Diseño de iluminación: Juanan Morales Diseño de escenografía: Juan Sebastián Domínguez Diseño de vestuario: Miguel Ángel Milán Espacio Sonoro José Bustos Fotografía y vídeo Susana Martín Producción Ejecutiva: Kike Gómez Padam Producciones Diseño Gráfico: Agus Burgos Animaciones: Javier Fuentes Distribución: Amadeo Vañó - Cámara Blanca Coproduce Padam Producciones Actor José Bustos Una producción de La Estampida Con el apoyo de la Plataforma de Proyectos Guindalera, que acogió en Residencia el proceso de ensayos y la colaboración de AISGE. Fechas y horarios: Del 1 al 17 de diciembre de 2017 Viernes y sábados 20h. Domingos 19:30h. en la SALA MIRADOR [button title="Comprar Entradas" link="http://clk.tradedoubler.com/click?p=31881&a=2487871&g=0&url=https://atrapalo.com/tracking/A2-3300-2487871/entradas/igual-que-si-en-la-luna_e4809996/" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
TEATRO VICTORIA
Compañía de teatro Paloma Mejía
presenta
LOS MISERABLES
de Victor Hugo
versión y dirección Paloma Mejía
Viernes, sábado y domingo a las 21.30h.
(más…)LA CAJA DEL TERROR
La Caja del Terror presenta
EL FUNERAL
ESCAPE-CLUEDO DE TERROR
Estreno 27 de abril a las 20:30h.
Nunca has vívido nada igual. Es un escape, es un cluedo y es mucho más.
Medio año se cierne ya desde que el único teatro en España dedicado al terror abriera sus puertas. La Caja del Terror con el respaldo de los seguidores del género y la creación de nuevos espectadores sigue ofrecido a la capital una nueva forma de ocio teatral. Una mezcla idónea de disciplinas como la magia, el terror con el teatro interactivo como base han terminado dando su fruto. Ahora nos presentan otra variante en sus producciones interactivas, la creación de un mitad cluedo, mitad escape room y 100% teatralizado marca de la casa.: EL FUNERAL. Con una ambientación cinematografica, te verás envuelto en el Funeral más escalofriante y misterioso. Con la ayuda de una médium tu grupo tendrá que descubrir quién cometió el crimen. Se te sumará a un grupo de hasta 20 invitados al Funeral. Madame Blavastky, médium, les acaba de invitar a asistir al Velatorio del señor Osario. Donde se hará la mayor demostración de vida después muerte. ¿Fuiste tu el asesino? ¡Preguntémosle al difunto! Con la marca de calidad de La Caja del Terror. Con la ayuda de una mediúm y un extraño mayordomo, en un ambiente victoriano, serás guiado en este singular velatorio, tu y tu grupo sois sospechososo de haber acabado con la vida del anfitrión, deberás encontrar al asesino de la forma más escalofriante que hay… preguntando al difunto allí presente… verás, sentirás y oiras a los espiritus… ¿Te atreves a venir al nuevo espectáculo de La Caja del Terror?…NOTA ACLARATORIA:
Nuestro escape-cluedo de terror ¡¡NO ES UN ESCAPE ROOM AL USO!!, es mucho más, es una experiencia interactiva y teatral. 100% Teatralizado y ambientado en una antigua mansión. Jugarás en grupo de hasta 20 personas donde tendrás que averiguar quién mató al difunto invocándole. Te podemos decir que verás y sentirás su espíritu. Una idea innovadora y distinta basada en los juegos de escape y en el famoso cluedo.
Género: Escape-Cluedo de terror interactivo Duración: 70min aprox
Fechas y horarios: Del 27 de abril al 27 de mayo Jueves a las 20:30h Viernes y Sábados a las 17:00 y 22:00h en LA CAJA DEL TERROR[button link="http://bit.ly/2q2Pey1" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
https://www.youtube.com/watch?v=s0zZVYb8ME4&w=640&h=360
PLOT POINT
La Mala Compañía presenta
MUJERES HASTA EL COÑO
Texto y dirección Mónica Negueruela López
Los sábados de mayo a las 20h.
¿Qué pasaría si toda una generación desapareciese de repente? ¿De quién aprenderían los nuevos venidos?
La dura realidad de ser y sentirse mujer en esta sociedad
- ¿De qué estás harta? El género femenino va a decir lo que piensa y siente.
- Cuatro mujeres sin mordaza dejan claro lo que consideran que es superfluo en sus vidas.
FICHA
Texto y dirección: Mónica Negueruela Maquillaje: Sabine Lane Diseño de Cartel: Mónica Negueruela Reparto: Natalia Bermejo, Sabine Lane, Remedios Renog, Teresa Ruíz Compañía La Mala Compañía Fechas y horarios: Los sábados de mayo a las 20h. en PLOT POINT [button link="http://bit.ly/2oIm9E2" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=nEXecRKJVXs&w=640&h=360
NAVE 73
Grumelot y la Escuela Nave 73 presentan
DIVINAS PALABRAS
Versión libre de la obra de Valle-Inclán Dramaturgia y dirección Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro
Miércoles y jueves 3, 4, 10 y 11 de mayo a las 20:30h.
Un clásico como las DIVINAS PALABRAS de Valle-Inclán se vuelve más actual que nunca a través de la vuelta de tuerca que protagonizan los alumnos del #AnualDeMontaje de Grumelot y la Escuela Nave 73. Un potente trabajo de investigación y reinterpretación de los clásicos dirigido por Carlota Gaviño e Íñigo Rodríguez-Claro que podrá disfrutarse en cuatro únicas funciones.
Los actores de la promoción 2016-2017 del #AnualDeMontaje de Grumelot y la Escuela Nave 73 se enfrentan, por un lado, al estudio de los lenguajes, las posibilidades y los mecanismos de lo que Lehmann llamara a principios del siglo teatro postdramático y, por otro, a la exploración de la obra de Ramón María del Valle-Inclán desde las preguntas: ¿cómo entenderla hoy? ¿Dónde reside su universalidad y relevancia para nuestros días? Adela Bértolo, Lluna-Issa Casterá, Javier Cuartero, Abel García, Marta Hervás, Melisa Meseguer, Aitana Torrero y Estíbaliz Racionero Balsera forman el reparto.SINOPSIS
Divinas Palabras es la historia de un adulterio, dos asesinatos, la profanación de un cadaver, una violación, la explotación de un joven con discapacidad, dos robos, una lapidación pública. El caleidoscópico retrato de toda una comunidad azotada por la miseria material y moral, en los calurosos días de agosto en los que se celebra la Feria de Viana. Una exploración sobre la capacidad humana para la crueldad, la irrebatible existencia del mal y, quizá, también sobre la posibilidad del perdón.FICHA
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Carlota Gaviño, Íñigo Rodríguez-Claro MOVIMIENTO: José Juan Rodríguez, Lucas Condró LUCHA ESCÉNICA: Mon Ceballos COLABORACIÓN VESTUARIO: Paula Castellano FOTOGRAFÍA Y DISEÑO GRÁFICO: Ana Pizarro Pérez INTÉRPRETES: Adela Bértolo, Lluna-Issa Casterá, Javier Cuartero, Abel García, Marta Hervás, Melisa Meseguer, Aitana Torrero, Estíbaliz Racionero Balsera Fechas y horarios: Miércoles y jueves 3, 4, 10 y 11 de mayo a las 20:30h. en NAVE 73 [button link="http://bit.ly/2qsGyNR" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=Xwflu1nQEhE&w=640&h=360
TEATRO REAL
PROGRAMACIÓN TEATRO REAL 2017-2018
La próxima temporada marca la culminación de la doble celebración del Teatro Real: el 20 aniversario de su reapertura y los 200 años de su fundación
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ÓPERA
Siguiendo la estela de su historia, la nueva programación pretende enriquecer el repertorio del Teatro Real con títulos imprescindibles que todavía no figuran en su acervo musical, como Die Soldaten, de Bern Alois Zimmermann, que por su gran complejidad, dimensión y número de intérpretes sigue sin estrenarse en España 52 años después de su creación. Esta magna obra del siglo XX, que nació marcada por la imposibilidad de ponerse en escena dilatando los límites de la ópera, sobresale en una programación cuyo marco conceptual es, precisamente, la noción de límite, de frontera como lugar de indefinición y tránsito, clave en el devenir y evolución de los estilos, formas, estéticas y lenguajes artísticos. Pablo Heras-Casado asumirá el gran reto de dirigir este ambicioso estreno, con una aplaudida coproducción de la Ópera Cómica de Berlín y de la Ópera de Zurich, con dirección escénica de Calixto Bieito. Lucio Silla, escrita en el siglo XVIII, se ubica también en un espacio resbaladizo entre dos estilos: aunque Mozart la compuso con apenas 16 años, su estructura clásica está ya impregnada de licencias formales que marcarán el lenguaje pre-romántico en el que desembocará la genial producción operística del compositor. Esta ópera, de 1772, nunca se representó en el escenario del Real, por lo que su presentación con el mismo tándem que acaba de triunfar en Rodelinda ─Ivor Bolton en la dirección musical y Claus Guth, en la escénica─ reparará una deuda del Teatro con Mozart y con el público de Madrid. [caption id="attachment_45816" align="aligncenter" width="700"]
Lucio Silla de Wolfgang Amadeus Mozart © A. Bofill[/caption]
Enlazando el reciente éxito de Billy Budd con el estreno, la próxima temporada, de Gloriana, el Teatro Real prosigue la presentación de la magnífica producción operística de Benjamin Britten iniciada desde su reapertura. En esta ocasión Ivor Bolton estará acompañado del prestigioso director de escena escocés David McVicar, en una nueva coproducción con Londres (ENO), Nápoles, Amberes y Valencia, cuyo estreno será en Madrid.
Gloriana se encuentra también en la frontera incómoda entre el compromiso con la celebración de la coronación de Isabel II de Inglaterra, en 1953, y el personal lenguaje dramatúrgico de Britten, cuya partitura fue incomprendida y marginada, pese a su indudable calidad artística, que el Teatro Real quiere reivindicar.
Otra obra limítrofe de mediados del siglo XX, arrinconada por su mestizaje, es Street Scene de Kurt Weill, que se encuentra entre el musical y la ópera, sin lograr un espacio confortable entre ambos. Denominada por su autor “ópera estadounidense”, se estrenó en Broadway en 1947, pero no volvería a sus salas.
Basada en la obra homónima de Elmer Rice, ganadora de un premio Pulitzer, Street Scene es una lograda síntesis entre la ópera europea y el teatro musical americano, destilando la tradición musical de ambos mundos, entre los que se encontraba su autor, Kurt Weill, judío alemán afincado en Estados Unidos. La obra se estrenará en Madrid en una nueva coproducción con las Óperas de Colonia y Monte-Carlo, con dirección musical de Tim Murray ─que vuelve al Real después de su exitosa lectura de Porgy and Bess─, y puesta en escena de John Fulljames, nuevo director artístico de la Ópera de Dinamarca.
Dead Man Walking, estrenada en San Francisco en el año 2000, es también una obra que reivindica “explorar un medio que no sea ni teatro tradicional ni ópera tradicional, sino una verdadera combinación de ambos: un drama musical, una ópera-musical, teatro-ópera” de acuerdo con sus autores: el compositor Jake Heggie y el dramaturgo Terrence McNally.
Basada en el libro de la hermana Helen Prejean ─que originó también la famosa película de Tim Robbins protagonizada por Susan Sarandon y Sean Penn─ la ópera incide en la entrañable y honda relación confesional que se establece entre la monja y el reo condenado a muerte, relegando a un segundo plano las cuestiones relativas a la pena capital que han dado fama al film homónimo.
Para su estreno en Madrid la ópera contará con la producción de la Lyric Opera de Chicago, con dirección de escena de Leonard Foglia y un reparto de lujo encabezado Joyce DiDonato, Michael Mayes y Measha Brueggergosman, que actuarán bajo la dirección musical de Mark Wigglesworth.
Como colofón a esta serie de óperas híbridas estará el estreno mundial, en los Teatros del Canal, de El pintor, de Juan José Colomer, prolífico y versátil compositor valenciano afincado en Los Ángeles, que debutará en la ópera con la nueva producción del Teatro Real con dirección musical de Manuel Coves y libreto y dirección de escena de Albert Boadella, que prosigue su acercamiento al repertorio lírico que se va imponiendo en los últimos años de su fructífera carrera.
Alternándose con estas propuestas fronterizas, el Teatro Real ha programado cuatro óperas del repertorio operístico, de las que se ofrecerán un gran número de funciones fuera de abono: Carmen, La bohème, Aida y Lucia di Lammermoor.
Carmen, de Georges Bizet, volverá al Real con 18 funciones y tres repartos, en una producción de la Ópera de París que recupera la puesta en escena “naturalista” y taurina de Calixto Bieito estrenada en el Festival de Peralada, en esta ocasión con dirección musical de Marc Piollet.
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Carmen de Georges Bizet © Vincent Pontet[/caption]
Dos repartos se alternarán en las 19 representaciones de La bohème, de Giacomo Puccini, en las que el Teatro Real se ha unido una vez más a la Royal Opera House, coproductora de la nueva producción que se estrenará en Londres poco antes de su desembarco en Madrid. La puesta en escena será del prestigioso director teatral inglés Richard Jones y la musical del milanés y pucciniano Paolo Carigniani. Ambos debutarán en el Real.
Para la reposición de la “super-producción” de Aida, de Giuseppe Verdi, que inauguró la segunda temporada del nuevo Teatro Real en 1998, Hugo de Ana, director de escena, escenógrafo y figurinista de la ópera, presentará una revisión de su creación anterior como un homenaje a la reciente historia del Teatro en el 20 aniversario de su reapertura. Tres repartos participarán en las 17 representaciones de la ópera, que tendrá dirección musical de Nicola Luisotti.
La producción de la English National Opera de Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti, traerá nuevamente al Real al director de escena estadounidense David Alden, que dirigió Alcina y el Otello inaugural de la presente temporada. Dos repartos se alternarán en las 15 funciones de la ópera, que estará dirigida musicalmente por el israelí Daniel Oren.
Donizetti ha sido, a lo largo de la discontinua historia del Teatro Real, uno de los compositores más programados y más queridos del público. Su ópera La favorite ─de la que existe la versión italiana La favorita─ fue la primera en subir a escena en el Teatro Real cuando abrió sus puertas en 1850. Para celebrar esta representación inaugural en el año del Bicentenario se han programado dos funciones de la ópera en versión de concierto, con dirección musical de Daniel Oren, con una Gala conmemorativa del 20 aniversario de la Reapertura del Teatro Real el 2 de noviembre.
En versión de concierto se presentarán otras dos óperas con función única: Ariodante, de Georg Friedrich Händel, con Les Arts Florissants dirigidos por William Christie, y Thaïs, de Jules Massenet, bajo la batuta de Patrick Fournillier, con Plácido Domingo en el papel protagonista para barítono.
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Lucia di Lammermoor de Gaetano Donizetti © Robert Workman[/caption]
GRANDES RETRANSMISIONES, SEMANA DE LA ÓPERA Y UNIVERSAL MUSIC FESTIVAL
Una de las iniciativas más importantes que desarrolla el Teatro Real para impulsar su apertura a nuevos públicos y el acercamiento de la ópera a la ciudadanía son las retransmisiones nacionales e internacionales de sus espectáculos, que se incrementarán la próxima temporada, incluyendo proyectos pioneros en China y Iberoamérica. Así, tras el éxito y enorme repercusión de las retransmisiones realizadas en Facebook de I puritani y El holandés errante, el Teatro Real conmemorará sus aniversarios con la retransmisión en directo de Carmen, en octubre de 2017, y de Lucia di Lammermoor, en julio de 2018, en más de 200 espacios de toda España, con pantallas instaladas en plazas y edificios emblemáticos, además de la retransmisión abierta en redes sociales y plataformas online de todo el mundo. Sus producciones más populares se proyectarán en cines de todo el país, estando ya programadas La traviata, el 16 de noviembre de 2017, y Madama Butterfly, el 10 de mayo de 2018. Proseguirán también las retransmisiones de los espectáculos infantiles y juveniles de El Real Junior en centros escolares y cines de todas las comunidades, estando previstas las proyecciones matinales de Sueño de una noche de verano, el 10 de octubre de 2017 ─para celebrar el día internacional de la música─ y El gato con botas, el 6 de mayo de 2018, coincidiendo con los Días Europeos de la Música. Palco Digital seguirá ofreciendo retransmisiones en directo de gran parte de las producciones del Teatro, ampliando su catálogo de espectáculos online de ópera, ballet y conciertos. Asimismo, con el impulso del trienio conmemorativo de su Bicentenario, el Teatro Real llevará a cabo nuevas ediciones de dos propuestas artísticas muy diversificadas y ya consolidadas: la Semana de la Ópera, con una creciente participación e implicación del público, y el Universal Music Festival, en verano, que congrega a relevantes músicos de pop, rock, jazz, o flamenco para despedir cada temporada.DANZA
La programación de danza estará compuesta por espectáculos protagonizados por cuatro compañías. El Víctor Ullate Ballet interpretará Carmen en los Teatros del Canal, con coreografía de Víctor Ullate y música de Georges Bizet y Pedro Navarrete, anticipando las funciones de la ópera homónima en el Teatro Real. El Ballet Nacional de España traerá al Real su espectáculo Sorolla, con coreografías de Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Antonio Navarro y música de Juan José Colomer, Paco de Lucía, Enrique Bermúdez, además de temas populares, con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Manuel Coves. La Dresden Frankfurt Dance Company interpretará cuatro coreografías de Jacopo Godani: Metamorphers (música de Béla Bartók), Echoes from a Restless Soul (música de Maurice Ravel), Postgenoma y Moto Perpetuo, con música de 48NORD. The Royal Ballet cerrará la temporada de danza del Teatro Real con su nueva y esperada producción de El lago de los cisnes, con coreografía de Liam Scarlett. La música de Piotr Ilich Chaikovski será interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real en las seis funciones.EL REAL JUNIOR, EL PROYECTO DE FORMACIÓN Y EL PROYECTO SOCIAL
El Teatro Real reafirma su compromiso con la educación, formación y consolidación del público infantil, juvenil y universitario en colaboración activa con centros educativos y universidades a través de proyectos tan diversificados como El Real Junior, el LOVA (La ópera, un vehículo de aprendizaje), el Club Joven, La Universidad a escena, los talleres La ópera al descubierto, los Cursos monográficos etc., reforzados con una política de incentivos económicos a los menores de 30 y 35 años que les permite acceder a los espectáculos por precios muy asequibles. En la programación de El Real Junior destaca el estreno de cinco nuevas producciones del Teatro Real para diferentes edades y con distintos formatos: Mi madre la oca, con música de Maurice Ravel, en la Sala principal; Cine antiguo con músicas nuevas, con películas de Charles Chaplin y música en vivo, en la Sala Gayarre; La cara oculta del piano en la Sala de orquesta; la ópera de Gian Carlo Menotti El teléfono, o el amor a tres, en la Sala principal y Pulcinella, espectáculo de danza con música de Stravinsky en la Sala Gayarre. Asimismo, se repondrán dos producciones: el espectáculo de títeres El desván de los juguetes y la aplaudida versión para jóvenes de la ópera de Henry Purcell Dido & Eneas, a Hipster Tale en la Sala principal, y continuarán los talleres ¡Todos a la Gayarre! con temas paralelos a la programación de ópera. También los niños en situaciones desfavorables, ya sean físicas, psíquicas o sociales, continuarán, una temporada más, sus actividades en el Aula Social del Teatro Real, cuyo programa se desarrolla en sus salas utilizando la música como vehículo integrador y terapéutico, con el apoyo de la fundación Acción Social por la Música.TEATRO CALDERÓN
MUNDO FICCION PRODUCCIONES presenta
COMPADRES PARA SIEMPRE
de Alfonso Sánchez, con la colaboración de Ana Graciani
Con Alberto López y Alfonso Sánchez
Del 9 al 11 de Junio
Este año se cumplen 10 años de la aparición de dos personajes que se han convertido en fundamentales para la trayectoria de Alberto López y Alfonso Sánchez. Y con este motivo, regresan a los escenarios con COMPADRES PARA SIEMPRE.
Fali (Alberto López) y Rafi (Alfonso Sánchez), los sevillanísimos Compadres seguirán compartiendo su particular visión del mundo con COMPADRES PARA SIEMPRE, ahora desde el escenario. Para hacernos reír con sus historias, y sorprendernos con situaciones imprevistas, hasta llegar al punto de poner en tela de juicio algo sagrado, intocable e inquebrantable, su amistad. Estrenada el 30 de diciembre de 2016 en Sevilla, COMPADRES PARA SIEMPRE llegan al Teatro Calderón de Madrid donde podrá verse del 9 al 11 de Junio.SINOPSIS
Una obra protagonizada por dos compadres, RAFI y FALI, dos inmaduros amigos cercanos a la cuarentena que han compartido andanzas desde la juventud. En este nuevo espectáculo, Carmen, la mujer de RAFI, harta ya de tantas tonterías, echa a su marido de una vez por todas de su casa dejándolo en la calle con una mano delante y otra detrás. Así que la única opción que tendrá RAFI para poder sobrevivir será la ayuda de su mejor amigo, de su hermano, de su compañero de fatigas, de su compadre FALI, que ya le ha salvado la vida en numerosas ocasiones. FALI por su parte está atrapado en una jaula de oro desde que hace 12 años dejó preñada a la que hoy es su mujer Cayetana de Urquijo, una rica heredera madrileña, una noche loca en El Rocío y con la que se casó de penalti. Su suegro nunca le perdonará que dejara embarazada a su única hija. Así que desde entonces le hace la vida imposible, pero siempre a espaldas de ella. ¿Y qué mayor marrón que la presencia de su compadre RAFI instigador de aventuras y entuertos de todo tipo?. Por eso, desde el primer momento FALI intentará deshacerse de su compadre pero estará dividido entre la necesidad de no poner en peligro su status quo y la lealtad que tiene hacia su amigo y compañero de fatigas. En la vida existen grandes personas que van a estar contigo, en lo bueno y en lo malo, y se hacen llamar entre ellos... COMPADRES
FICHA
Guión: Alfonso Sánchez, con la colaboración de la dramaturga Ana Graciani Dirección: Alfonso Sánchez Vestuario: Consuelo Bahamonde Música: Juan Cantón Iluminación: Benito Jiménez Sonido: Fernando Reyes Reparto: Alberto López y Alfonso Sánchez Una producción de Mundo Ficción Producciones Fechas y horarios: Del 9 al 11 de Junio de 2017 Viernes 9 a las 21h. Sábado 10 a las 19h. y 22h. Domingo 11 a las 19h. en el TEATRO CALDERÓN [button link="http://bit.ly/2ozgHDI" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]https://www.youtube.com/watch?v=CeVzPVDw-9c&w=640&h=360
TEATRO KAMIKAZE
Teatro Saraband presenta
ANA KARENINA
De León Tolstoi Adaptación Armin Petras Dirección: Francesco Carril
Del 30 de mayo al 20 de junio
Estrenada el 26 de Noviembre de 2016 en la sala Hacería de Bilbao, la producción de la Compañía Teatro Saraband ANA KARENINA llega al Pavón Teatro Kamikaze el 30 de mayo y permanecerá en cartel hasta el 20 de junio.
El clásico de León Tolstoi, ANA KARENINA, llega al Pavón Teatro Kamikaze adaptado por el dramaturgo alemán Armin Petras y bajo la dirección de Francesco Carril. Mamen Camacho (Ana Karenina), Georbis Martínez (Karenin), Andrea Trepat (Dolly), Sergio Moral (Stiva), Diego Toucedo (Levin), Gracia Hernández (Kitty), y Mateo Franco (Vronski) forman el reparto. Francesco Carril es un actor descomunal, director de Teatro, tiene su propia compañía: Teatro Saraband y en cine es uno de los fijos de las joyas de Jonás Trueba. En palabras del propio Francesco Carril "La versión es fiel al original, pero se centra en los siete personaje principales. La función habla de cómo nos comportamos cuando amamos y cuando no somos amados. Los personajes hablan muchas veces en tercera persona de ellos mismos, como si trataran de analizar sus acciones, muchas veces equivocadas e inútiles. Como si a través de sus actos, trataran de comprender mejor quiénes son. Como si comprendieran que no podemos controlar y entender lo que sentimos, pero sí lo que hacemos. Armin ha mantenido esto y para mi es un acierto, gran parte de la poesía y la belleza de la novela está en las descripciones, en lo puramente narrativo."
SINOPSIS
Ana y Vronski se conocen por casualidad. Les une una poderosa atracción. A Karenin, marido de Ana, se le tambalea la base de su felicidad. Levin pierde a Kitty, el amor de su vida. Dolly trata de unirles, ella sabe lo que es un matrimonio infeliz. Stiva trata de recuperar a Dolly tras una infidelidad. El hambre de amor y sus consecuencias y una profunda adicción a la desesperada felicidad individual es el punto de unión de estos siete personajes que tratan de definir qué es amar.NOTA DEL DIRECTOR
Ana Karenina es un intento de definir qué significa amar. Después de una hora y media de función, Ana aún dice: El amor es... el amor es... el amor es... Son sus últimas palabras y, de algún modo, parece que ha fracasado en su intento. El amor como concepto se ha vuelto trivial. Es difícil hablar sobre él o ponerlo en escena sin que haya cliché o superficialidad de por medio. Me parece que en la versión de Armin Petras esto no ocurre. De algún modo, mi puesta en escena trata de ser una especie de investigación casi arqueológica sobre qué significa amar y de cómo nos comportamos cuando amamos. Digo arqueológica porque los personajes “reviven” momentos de sus vidas y, a la vez, analizan en el presente sus acciones. De alguna manera llevan a cabo una tarea casi científica. Escena tras escena, no se habla de otra cosa sino de qué hace el ser humano cuando ama y cuando no es amado. Una de las preguntas que me hago con esta puesta en escena es: ¿El amor nos hace más libres? Si pensamos en la amistad, pareciera que esta fuera una crítica al amor, nos entregamos a ella sin necesidad de beneficios ni de las gratificaciones implícitas en lo erótico. La amistad, como dice Steiner, podría definirse como el acto gratuito, pero profundamente significativo, de quienes están en libertad. Francesco Carril
FICHA
De León Tolstoi Adaptación Armin Petras Dirección Francesco Carril Vestuario Laura Renau Diseño de iluminación Joaquín Navamuel Espacio escénico Francesco Carril Asistencia de dirección Joaquín Navamuel Fotografía Pablo Gámez Vídeo y comunicación Ione Gelabert y Andreas Hillebrand Dirección de producción Sofía Gasset y Paloma Zavala Reparto Mamen Camacho (Ana Karenina), Georbis Martínez (Karenin), Andrea Trepat (Dolly), Sergio Moral (Stiva), Diego Toucedo (Levin), Gracia Hernández (Kitty), Mateo Franco (Vronski) Fechas y horarios: Del 30 de Mayo al 20 de Junio en el TEATRO KAMIKAZE Martes 30 mayo, 20:30 horas (estreno) Domingos, 21:30 horas Lunes y martes, 20:30 horas Facebook: anakteatron [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0034/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]PERPLEJO
ILMAQUINARIO TEATRO presenta
PERPLEJO
de Marius Von Mayenburg dirección Tito Asorey
6 de Mayo a las 20h. en Auditorio Municipal Pilar Bardem 27 de Mayo a las 20h. en el Centro Cultural Paco Rabal
Regresa a Madrid la premiada PERPLEJO de iLMaquinario Teatro
La compañía iLMaquinario Teatro se encuentra de gira con sus dos últimas producciones: la premiada Perplejo, que tras más de 40 representaciones en Galicia, País Vasco, Castilla y León y Madrid continúa con su éxito sobre las tablas. Y Resaca, su nuevo montaje en el que apuesta por el teatro documental, estrenada en gallego en Ourense y en castellano el pasado marzo dentro de la programación de DFeria (Donosti), se estrena internacionalmente el próximo 11 de mayo en el Festival Chantiers D´Europe de Paris. Tras visitar en los próximos meses Amorebieta y Durango (28 y 29 de abril, respectivamente), Perplejo regresa a Madrid tras su paso por el Teatro Galileo en Junio de 2016. Estará el 6 de mayo en Rivas-VaciaMadrid y el 27 de mayo en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid. Bienvenidos al universo de PERPLEJO, de ilMaquinario Teatro. Por primera vez en nuestro idioma, el último éxito del dramaturgo alemán Marius Von Mayenburg (“El Feo”). Con dirección de Tito Asorey y un elenco formado por miembros-fundadores de la Compañía iLMaquinario Teatro: Melania Cruz, Laura Míguez, Fernando González y Fran Lareu. En Perplejo, de Marius Von Mayenburg -referente de la vanguardia teatral alemana-, la compañía construye una delirante comedia sobre la dificultad de encontrarnos a nosotros mismos dentro de esta sociedad tan vertiginosa que nos ha tocado vivir en el siglo XXI. ¿Qué queda de nosotros mismos ante este vértigo de personalidades múltiples que nos impone la sociedad actual? ¿Quiénes somos realmente? ¿Sigue vigente el Fascismo? ¿Cómo tratamos al inmigrante en Occidente? Estas son algunas de las cuestiones que plantea iLMaquinario Teatro con su versión de Perplejo, una propuesta llena de gags continuos, giros sorpresivos de guión, transformación de personajes, humor surrealista y un ritmo increíble. Tito Asorey, director de Perplejo y Resaca, ha recibido el Premio María Casares a Mejor Dirección 2015 y fue candidato a los Premios ADE 2016 también a Mejor Dirección por Perplejo, que ha sido seleccionada como candidata a Mejor Espectáculo Revelación de los XX Premios Max de las Artes Escénicas 2017.SINOPSIS
Laura y Fernando vuelven a casa después de las vacaciones, pero al rato de entrar perciben en ella pequeños aunque extraños cambios: una nueva planta aparece en la cocina, su gato no aparece y la luz está cortada por falta de pago, a pesar de que unos amigos de la pareja, Fran y Mela, se habían quedado al cuidado de las cosas en su ausencia. Cuando esta nueva pareja aparece en escena, la situación da un giro, pues parece que ellos son los verdadeiros y legítimos propietarios de la vivienda. La perplejidad de Laura y Fernando ante la nueva situación se transforma en aceptación, acabando por retirarse de la vivienda… ¿De quién es realmente la casa? ¿Quiénes son realmente ellos? ¿Tuvieron alguna vez un gato? Cuando Laura y Fernando vuelven a aparecer en la casa, lo hacen bajo el rol de hijo y de au-pair de la otra pareja. A partir de este momento la pieza entrará en un continuo juego de intercambio de roles, donde el espectador será trasladado a un vertiginoso devenir de escenas donde los actores-personajes deberán transformarse para adecuarse a una realidad en constante cambio. El teatro pasa a convertirse en una metáfora de nuestra realidad actual, donde todos tenemos que imponernos determinadas máscaras sociales para hacer frente a las nuevas situaciones que la vida nos presenta. La cuestión es: ¿qué queda de nosotros mismos ante este vértigo de personalidades múltiples? ¿Quiénes somos realmente?
FICHA
Autor: Marius Von Mayenburg Adaptación y Dirección: Tito Asorey Traducción: Catuxa Pato Espacio escénico: Luis Iglesias “Luchi” Vestuario: Yaiza Pinillos Realización del disfraz de Laura: Diego Valeiras Iluminación: Tito Asorey y Germán Gundín Espacio Sonoro: Tito Asorey y Laura Míguez Diseño gráfico y proyecciones (vídeo mapping): Expresiva Estudio Fotografía: Aitor Uve Distribución: CRÉMILO Prensa y comunicación: La Locomotora Comunicación Producción: Laura Míguez (ilMaquinario Teatro) Reparto: Melania Cruz, Laura Míguez, Fernando González y Fran Lareu Fechas y horarios: 6 de mayo a las 20h. en Auditorio Municipal Pilar Bardem de RIVAS VACIAMADRID[button link="https://www.giglon.com/evento/perplejo" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
Fechas y horarios: Sábado 27 de Mayo a las 20h. en el Centro Cultural Paco Rabal[button link="http://bit.ly/2oTUOBH" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]
https://www.youtube.com/watch?v=5nOxKgfAOTA&w=640&h=360
TEATROS LUCHANA
Primas de Riesgo Producciones presenta
MATRIOSKAS
de Ernesto Caballero
Del 26 de mayo al 28 de julio
La compañía Primas de Riesgo regresa a la cartelera con un nuevo espectáculo, MATRIOSKAS, reivindicativo y cargado de ironía.
- Un alocado homenaje al oficio del actor –en este caso, a las actrices– en estos tiempos convulsos donde la remuneración por el trabajo realizado se puede convertir en un “riesgo”.
- El dramaturgo Ernesto Caballero ha revisitado el texto shakesperiano de Hamlet para construir este cómico thriller, teatro dentro del teatro, a través de una parodia de la escena de los comediantes del drama inglés.
- Matrioskas estará en cartel desde el 26 de mayo, todos los viernes, en los Teatros Luchana.
El 26 de Mayo se estrena MATRIOSKAS, escrita por Ernesto Caballero y dirigida por Karina Garantivá. Nanda Abella, Sandra Gade, Sandra Gade, Cristina Palomo y Maribel Vitar forman el reparto.
MATRIOSKAS es una obra escrita por Ernesto Caballero que surge de un taller de investigación llevado a cabo en el Laboratorio Primas de Riesgo ('Runners') bajo la dirección de Karina Garantivá. MATRIOSKAS ha sido producida colectivamente por las cinco actrices que forman el reparto y su directora, en el marco del Laboratorio Primas de Riesgo. El proyecto visibiliza la desigualdad de oportunidades a la que se enfrentan las mujeres artistas. [caption id="attachment_48726" align="aligncenter" width="700"]
Matrioskas[/caption]
NOTA DEL AUTOR
Siempre me he preguntado por la suerte de esa troupe de cómicos que, siguiendo las indicaciones del príncipe Hamlet, representaron su accidentada comedia delante del rey Claudio. ¿Qué pudo haber sido de ellos? Se me antojaban sombras tan espectrales como la propia del padre del infortunado personaje, vagando por el castillo en pos de su siempre demorado pago por los servicios prestados: el cachet del bolo, que diríamos hoy en la jerga titiritera. Conjeturé con que esta penosa circunstancia de impago o, en el mejor de los casos, de exasperante retraso en la retribución constituía un inequívoco hecho diferencial del mundo de la farándula, un desaire que no contemplaba excepciones ni en el tiempo ni en el espacio. A partir de ahí concebí una historia, trasunto de la propia trama shakesperiana, protagonizada por una peculiar compañía de nuestro tiempo compuesta toda ella por actrices (el eslabón laboral más frágil de toda la cadena de la industria teatral), obligada, igualmente, a desempeñar su trabajo en un espacio no convencional: en este caso las lóbregas estancias de la fortaleza danesa se convirtieron en los suntuosos salones de una pretenciosa mansión en la milla de oro marbellí. Así nacieron estas Matrioskas de Puerto Banús, un rendido homenaje a las miserias y miserias de una profesión que, paradójicamente, en ocasiones alcanza una inusitada y deslumbrante grandeza tanto en la escena como en la vida, acaso por la inveterada capacidad de adaptación de sus oficiantes así como por la determinación y el compromiso de éstos para con su arte: el arte de sobrevivir en el arte, si se me permite el pleonasmo. Así pues, larga vida a estas matrioskas que en el escenario del mundo han sido, son y serán, cuya última muñeca encierra un corazón de oro y una risa amable e indulgente sobre su propia condición. Ernesto CaballeroSINOPSIS
Una mansión en la ciudad balnearia de Puerto Banús. Cinco actrices son contratadas a través de su sitio web por unos magnates rusos para hacer un espectáculo a medida. “Canciones ligeras, el calorcito que viene del Sur, baile sexy”…con esas consignas, Mila, Azu, Bego, Caro y Leti preparan un repertorio especialmente diseñado para el gusto de sus nuevos clientes. Sin un céntimo en el bolsillo, ni oportunidades de trabajo en el futuro cercano –ni lejano— la compañía se embarca en un “bolo” aparentemente sencillo y extremadamente rentable. Sin embargo, la realidad de las protagonistas dará un giro inesperado al verse sumergidas en una tragedia propia del mismo William Shakespeare. En un paralelismo impensado pero singular, las Matrioskas encarnarán una versión contemporánea de los famosos comediantes de la tragedia de Hamlet. [caption id="attachment_45686" align="aligncenter" width="800"]
MATRIOSKAS en los Teatros Luchana[/caption]
FICHA
Dramaturgia: Ernesto Caballero Dirección: Karina Garantivá Ayudante artístico Pablo Quijano Coreografías Esther Acevedo Asesoría Vocal María Herrero Fotografías Gonzalo Mayoral Iluminación Paco Ariza Cartel Dusan Arsebik Prensa Raquel Berini Reparto: Nanda Abella, Sandra Gade, Sandra Gade, Cristina Palomo y Maribel Vitar Producción: Primas de Riesgo Producciones Fechas y horarios: Del 26 de mayo al 28 de julio de 2017 Viernes a las 20h. en los TEATROS LUCHANA [button link="http://bit.ly/2qsTZAU" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]TEATROS LUCHANA
Editorial Mongolia presenta
MONGOLIA, EL MUSICAL 2.0.
Comedia de la Revista Mongolia 18 de mayo a las 20h.
Tras el éxito de Mongolia, el Musical con 2 temporadas en cartel y mas de 10.000 espectadores, Mongolia regresa con MONGOLIA, EL MUSICAL 2.0. porque la actualidad política y social no para quieta y ellos tampoco. Mongolia, El musical irrumpió en España, agotando entradas en Madrid, Sevilla, Bilbao, Torrelavega, Oviedo, Avilés, Albacete, Alicante, Santander, Pamplona, Gijón, Santiago, Valencia y Barcelona... Un éxito mongol que abre la posibilidad de una gira mundial, inclusive extraterrestre... Después de que más 25.000 espectadores lo hayan visto en toda España, ¡actualizamos todo el espectáculo porque nuestro país está muy, muy loco! Nuevos gags, nuevos sketches, vídeos y chifladuras en la nueva sátira de actualidad política de Mongolia. Escándalos de corrupción a granel, monarquía descarriada, y religión absolutista son diseccionados a fondo por el equipo de la revista Mongolia, en un espectáculo pirotécnico visual que no te dejará indiferente.
SINOPSIS
Hemos detectado que España ha cambiado y nuestros sistemas ya no lo soportan: nuevos pactos, fuerzas políticas diferentes y las mismas monjas secuestradoras de siempre. Atención: la revista satírica Mongolia recomienda ver la actualización de su celebradísimo varieté cómico "Mongolia, el Musical", ahora MONGOLIA, EL MUSICAL 2.0., en la que habrá muchos nuevos gags, vídeos, chifladuras y en el que seguiremos maltratando a animales en directo. Como dijo uno de los que fusilaron a Lorca, "esto se lo voy a contar a mis nietos".FICHA
Producción: Editorial Mongolia Dirección: Revista Mongolia Dramaturgia: Revista Mongolia Reparto: Darío Adanti como Darío Adanti, Eduardo Galán como Eduardo Galán Fechas y horarios: 18 de mayo a las 20h. en los TEATROS LUCHANA[button title="Comprar Entradas" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fentradas%2Fteatros-luchana_l16089%2F" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]
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