Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
LA NAO 8
presenta
CARAVAN
del 03-feb al 24-feb 2018 en la NAO 8
A las afueras de Dallas (Texas), en una caravana, Chris, un camello de poca monta acude a su padre para pedirle un préstamo de dinero. ¿La razón? Debe pagar una deuda y si no la cumple es hombre muerto. Una deuda monetaria que la familia no se puede permitir.
Pero el joven tiene una solución que puede resolver todos los problemas económicos de él y de su familia, y para ello contratan a un policía y asesino a sueldo que pondrá fin a sus problemas... o todo lo contrario. Descubre el desenlace en La nao 8.
NAVES DEL MATADERO
Miet Warlop
presenta
MISTERY MAGNET
Del 9 al 11 de febrero en las Naves del Matadero
Las obras de la artista belga Miet Warlop son lienzos vivos con brochazos de un humor silencioso. Su trabajo, considerado como un referente de la nueva vanguardia europea, se mueve entre las artes visuales, la performance y el teatro. Master en Multimedia Arts de KASK (Gante), por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild ganó el Premio del Jurado Franciscus Pycke y el Premio al Mejor Trabajo de Teatro Joven 2004. Desde entonces ha presentado sus obras alrededor del mundo rompiendo los moldes de todos los géneros.
Con Mystery Magnet (2012) fue seleccionada por la directora de teatro británica Katie Mitchell para el Stuckemarkt, parte del reconocido festival alemán de teatro Theatertreffen (Berliner Festspiele, Berlin) donde los jóvenes creadores escénicos se dan a conocer. Mitchell alabó el control sobre la teatralidad, el humor y la inconfundible firma visual de Warlop.
Mystery Magnet es un espectáculo absurdo y mágico, en constante transformación donde nada es lo que parece. Representa el surrealismo contemporáneo, un terreno experimental donde la ternura estrafalaria, la crueldad desensibilizada, las promesas brillantes y una destrucción imparable comparten espacio común.
Como espectador uno se mete dentro de la mente de Warlop, ¿y qué ve? Seres peludos, un coro de maniquíes, dardos gravitatorios, globos, mujeres caballo, personas que salen disparadas y un tiburón hinchable. Figuras aparentemente desconectadas y esculturas que reclaman su espacio como criaturas teatrales. “Mystery Magnet representa un mundo hechizado donde el humor nace de la tristeza y la magia de lo prosaico”, dice Warlop. Un universo inspirado en el cómic y en la acción pictórica para desarrollar una lucha incesante de materiales, formas y colores. El resultado es una sucesión de escenas que se hilvanan sin lógica aparente y que buscan sorprender al espectador llevándolo, junto a los actores, a los límites de lo imaginable.
Ficha artística
Creado y representado por: Miet Warlop, Wietse Tanghe, Sofie Durnez, Christian Bakalov, Laura Vanborm, Ian Gyselinck, Kristof Coenen
Sustituciones: Seppe Cosyns, Seppe Baeyens, Ondrej Vidlar, Artimis Stavridi, Gilad Zloto Ben Ari, Erik Nevin, Paola Zampierolo
Escenografía: Miet Warlop
Música: Stefaan Van Leuven y Stephan De Waele
Dirección técnica: Hugh Roche Kelly
Asistencia técnica: Helmi Demeulemeester, Bennert Vancottem
Outside eye: Nicolas Provost, Danai Anessiadou y Pol Heyvaert
Producción: Irene Wool vzw (Gante, Bélgica)
Producción original: CAMPO (Gante, Bélgica)
Coproducción: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Göteborgs Dans & Teater Festival (proyecto coproducido con NXTSTP)
Con el apoyo de: Cultural programme of European Union
Y la ayuda de: Vooruit (Gante, Bélgica)
Estreno el 10 de Mayo de 2012 en Kunstenfestivaldesarts (Bruselas)
Fechas y horarios: Del 9 al 11 de febrero. Horario20.30h en las NAVES DEL MATADERO
MYSTERY MAGNET from Miet Warlop on Vimeo.
NAVES DEL MATADERO
Compañía Daniel Teba
presenta
EN UN TIEMPO OSCURO
Desde el 13 de febrero en las Naves del Matadero
Daniel Teba presenta En un tiempo oscuro, una producción creada en residencia en Naves Matadero, que bebe de la tragedia clásica para, con una estética kitsch, explorar la figura del héroe en el mundo en el que vivimos.
El actor, dramaturgo y director de escena Daniel Teba ha estado en residencia en Naves Matadero creando esta pieza que ahora presenta al público. Forjado como actor en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, también ha trabajado en el Teatro de la Zarzuela y paralelamente se ha formado con figuras internacionales como Brigid Panet y Katya Benjamin de RADA, Owen Horsley, Will Keen de la Cheek by Jowl o Greg Hicks de la Royal Shakespeare Company.
En 2013 funda su propia compañía con la obra En el cielo de mi boca, del dramaturgo Jose Padilla, dirigida por Iñigo Rodríguez-Claro y que presenta en París. Y dos años más tarde, tras concluir el Master en Creación Teatral en Universidad Carlos III de Madrid, firma su primer espectáculo como autor y director de escena con El espectro de Brocken. Desde esta pieza su trabajo se va centrando cada vez más en la búsqueda de un teatro contemporáneo apoyado en un estilo y lenguaje personal como creador escénico, concibiendo la actuación, la dramaturgia y la dirección como un mismo camino hacia la expresión dramática. Daniel Teba es una de las nuevas voces jóvenes a tener en cuenta.
¿Qué se encontrará el espectador en En un tiempo oscuro?
Un espacio desnudo compuesto por fluidos polimorfos y música kitsch.
Cinco cuerpos, como nunca has visto y jamás volverás a ver.
Bailan. Jalean. Están radiantes. Centellean.
Son los perros que protegen al rebaño,
transformados esta noche en fieras enloquecidas.
No hay luna llena, pero como si la hubiese.
Han recibido la llamada.
Y han de cazar al dragón.
Abandonados en una suerte de extrañamiento que oscila entre lo trágico y lo onírico; Vasco Imperioso, Petunia del Desierto, Bella Cruzada, Galope Supremo y Chico Fabuloso tendrán que hacer frente de manera individual a un rito de paso para salvarse a sí mismos en un mundo convulsionado por la religión, la ética, el amor y la filosofía donde no existe transformación posible sin sacrificio. En una sola noche experimentarán un viaje como el de Ulises o Hércules, lleno de pruebas e iluminaciones para testar su existencia, siendo ésta una incógnita a despejar.
¿Qué se encontrará el espectador en En un tiempo oscuro?
Un espacio desnudo compuesto por fluidos polimorfos y música kitsch.
Cinco cuerpos, como nunca has visto y jamás volverás a ver.
Bailan. Jalean. Están radiantes. Centellean.
Son los perros que protegen al rebaño,
transformados esta noche en fieras enloquecidas.
No hay luna llena, pero como si la hubiese.
Han recibido la llamada.
Y han de cazar al dragón.
Abandonados en una suerte de extrañamiento que oscila entre lo trágico y lo onírico; Vasco Imperioso, Petunia del Desierto, Bella Cruzada, Galope Supremo y Chico Fabuloso tendrán que hacer frente de manera individual a un rito de paso para salvarse a sí mismos en un mundo convulsionado por la religión, la ética, el amor y la filosofía donde no existe transformación posible sin sacrificio. En una sola noche experimentarán un viaje como el de Ulises o Hércules, lleno de pruebas e iluminaciones para testar su existencia, siendo ésta una incógnita a despejar.
Ficha artística
Texto y dirección: Daniel Teba
Intérpretes: María Álvarez, Sandra Arpa, Héctor Carballo, Gerardo Quintana y Daniel Teba
Ayudante de dirección: Roberto Rojas
Idioma: Español
DOSSIER:
En un tiempo oscuro de Daniel Teba from Compañía Daniel Teba on Vimeo.
TEATRO LA PUERTA ESTRECHA
TEATRO DE LOS INVISIBLES
presenta
LA LIBERACIÓN DE LA LOCURA
Dirigida por Camila Vecco
¿Es posible que una persona esquizofrénica pueda tener una vida sana sin medicación? ¿Hasta qué punto son buenos los fármacos? ¿Es posible que el remedio sea peor que la enfermedad? ¿Cómo es posible que el tratamiento de esta enfermedad sea únicamente fármacos?
LA LIBERACIÓN DE LA LOCURA es una pieza de teatro documento que quiere indagar en la esquizofrenia para derrumbar los tabúes que hay construidos alrededor de ella y descubrir qué se encuentra detrás. No se pretende enfatizar en el dolor ni en la perdida de la concepción de la realidad, sino en el aprendizaje que conlleva superarla y convivir con ella. La liberación de la locura, una pieza de teatro documento que recopila testimonios de personas diagnosticadas con esquizofrenia que quisieron abrirse y compartir sus vivencias desde la risa, el dolor o la superación; sencillamente desde la humanidad. La obra busca derribar las barreras del estigma social, mostrando testimonios reales no solo de esquizofrénicos, sino también de sus familiares y de los especialistas en salud mental, tanto de la psiquiatría occidental como de medicina oriental y conocimientos ancestrales. La propuesta quiere arrojar luz sobre este colectivo y calar en una sociedad que estigmatiza a las personas enfermas. La compañía Teatro de los Invisibles pretende dar visibilidad a los olvidados por la sociedad y a las minorías que sufren por la separación. Su objetivo es transformar la lejanía y rechazo en cercanía y comprensión, contando y difundiendo al público la verdad sobre las personas diagnosticadas con esquizofrenia. No en vano, la mejor manera de hablar de un colectivo es a través de las historias individuales de los que lo componen. Sobre el teatro de los invisibles: Teatro de los Invisibles es un colectivo artístico que busca dar voz a todos aquellos que están atados, amordazados y escondidos tras el orden social actual. Acercarse y escuchando a seres humanos de grupos minoritarios aparentemente abatidos, que sufren por estas cadenas. Una vez cerca y unidos, nuestros prejuicios desaparecen y cuando esto sucede sabemos que estamos listos para compartirlo con vosotros de la mejor manera que conocemos. Esa manera es el teatro. Esa manera es el teatro de los invisibles. Así ya no seremos invisibles. Queremos liberarnos y empezaremos por darnos voz. Sobre Camila Vecco: Camila Vecco, directora del proyecto, es diagnosticada con un trastorno depresivo mayor y, a partir de esto, se dedica a indagar en el teatro como curación. Estudia teatro en Perú y Alemania antes de instalarse en Madrid para trabajar con Jaroslaw Bielski. Entre sus trabajos, destaca su labor como asistente de dirección en Psicosis 4.48, de Sarah Kane, como directora y dramaturga de la obra infantil Rescatar el Dolor y como ayudante de dirección en la performance Ambre, de George Marinov. Sobre la obra: “La Liberación de la Locura” es una recopilación de testimonios de miembros del Teatro de los invisibles diagnosticados con esquizofrenia que quisieron abrirse y compartir sus vivencias desde la risa, el dolor o la superación; sencillamente desde la humanidad. Contaron sus historias porque sabían que queríamos escucharlas más allá de los prejuicios y los tabúes. Se busca la verdad, y la verdad resultó ser muy diferente a lo que nos habían contado, tal vez demasiado diferente.FICHA
Dirección: Camila Vecco, Jesús Irimia Asistente de dirección: Zaida Alonso, Júlia Solé Diseño de vestuario: Josias Dylan Zaida Alonso Diseño de iluminación: Andrea Rodríguez, Javier Pardo Asesoría de movimiento: Jesús Irimia, Leyre Urquidi Música: Ruy Hinostroza, Camila Vecco Escenografía: Marcela Tamayo Compañía: Teatro de los Invisibles Fechas y horarios: Del 6 del al 27 de abril. viernes 21:30h. en el TEATRO LA PUERTA ESTRECHA [button title="Comprar Entradas" link="" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
La magia de Tchaikovsky, la originalidad de Wagner y el esfuerzo de Mendelssohn
1 de febrero a las 19.30h. en el AUDITORIO NACIONAL
No es fácil reunir en un solo concierto las mejores cualidades de tres de los grandes músicos del siglo XIX. Pero lo ha logrado, una vez más, Fundación Excelentia que ha programado para el 1 de febrero a las 19:30 en el Auditorio Nacional de Madrid tres obras maestras, que recogen la magia de Tchaikovsky, la originalidad de Wagner y el esfuerzo de Mendelssohn. Bajo la presidencia de honor de SM la Reina Doña Sofía, la Orquesta Clásica Santa Cecilia, el virtuoso del violín Aleksey Semenenko y la batuta del director polaco Lukasz Borowicz, se ofrecerá el Concierto para violín y orquesta de Tchaikovsky, los Maestros Cantores de Nuremberg de Wagner y la Sinfonía Escocesa de Mendelssohn.
Tchaikovsky escribió su Concierto para Violín y Orquesta en re mayor, Op. 35, durante un periodo de vacaciones en 1878, en la localidad suiza de Clarens. Más que vacaciones, fue un tiempo de recuperación anímica y física porque Tchaikovsky había hecho un intento de suicidio después de su fallido matrimonio con Antonina Milyukova. Pero esos malos momentos, como otros muchos en su vida no impidieron la frondosa creatividad del maestro que acababa de componer su Sinfonía nº 4 y la ópera Eugene Onegin. Tchaikovsky es el mago de las melodías, su música tiene la capacidad de fluir de una forma natural pese a haber tenido una vida en la que pocas cosas fueron fáciles. Su único concierto para violín Tchaikovsky quiso dedicarlo al violinista que él pensó para el estreno, Leopold Auer, pero éste lo rechazó porque dijo que era imposible de tocar. Finalmente lo estrenó Adolph Brodsky en 1881 en Viena. Con poco ensayo y pobremente acompañado la crítica no lo acogió demasiado bien, ni fue considerada una obra maestra, situación diametralmente opuesta en nuestros días. Sin embargo hoy es uno de los conciertos para violín y orquesta más apreciados por los grandes solistas. Acompañan al concierto de Tchaikovsky el Preludio de los Maestros Cantores de Nuremberg de Wagner, una pieza de concierto brillante y muy estimada, compuesta en forma de sonata muy libre, en la que se anuncian algunos de los temas o motivos más importantes de la larguísima ópera, la más extensa en la producción wagneriana, compitiendo con El ocaso de los dioses. Comienza con el motivo solemne de los maestros cantores en la resplandeciente tonalidad de Do mayor. Los Maestros Cantores de Nüremberg ocupa un lugar privilegiado en la obra de Wagner. Es la única comedia entre sus óperas de madurez y es, junto con "Rienzi", de las pocas obras basadas en un tiempo y espacio bien definidos históricamente más que en un ambiente mítico o legendario. Es, además, la única ópera de Wagner que se basa en una historia enteramente original, ideada por el propio Wagner. Es un homenaje a la burguesía de la Alemania medieval, a la música contrapuntística de Bach y al espíritu teutón. Los Maestros Cantores es, como "Tannhäuser”, una obra musical en la que la composición forma parte esencial de la historia. También se interpretará la Sinfonía Escocesa de Mendelssohn, una obra en parte autobiográfica ya que trata de expresar lo que el joven Félix Mendelssohn vivió en tierras escocesas. Su acaudalado padre procuró a sus tres hijos holgura material y un hogar cultivado, frecuentado por los intelectuales más notables de la época, entre otros el geógrafo Alexander von Humboldt, el poeta y ensayista Heinrich Heine y el filósofo Hegel. Con veinte años el joven Félix comenzó un periplo por Europa para dar a conocer su, ya por entonces, reconocido talento. En la obra se descubren los brumosos pensamientos en el lumínico Mendelssohn: un viento gris, sobre un antiguo castillo invadido por la yedra cerca de Edimburgo, donde habían asesinado a Rizzio, le susurró el tema con el que abriría su Sinfonía nº3, llamada "Escocesa" que tardó 13 años en componer. El peculiar tema italiano en el primer movimiento, el ánimo descendente en el desarrollo, el "viento cromático" del Allegro, el Scherzo, basado en un certamen de gaiteros, el inmortal Adagio, el Finale de carácter "guerriero" parece disiparse al final en su propia poética como un himno triunfal, afirmativo, que cierra la Sinfonía. FECHAS, HORARIOS Y LUGAR: 1 de febrero a las 19.30h. en el AUDITORIO NACIONAL [button title="Comprar Entradas" link="http://bit.ly/2FtqMtZ" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [button title="Reserva Parking Cercano" link="https://parclick.es/parking/madrid/teatros-madrid/?affiliate=5a21316f" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""] [divider height="20" style="default" line="default" themecolor="1"]
LA JOVEN COMPAÑÍA
presenta
PLAYOFF
de Marta Buchaca
Una tragicomedia de Marta Buchaca que transcurre íntegramente en el vestuario de un equipo de fútbol femenino.
TEATRO DEL BARRIO
LA DONA IMMOBILE
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: RAKEL CAMACHO
Miércoles 7, 8 y 15 de febrero a las 20h. Miércoles 14 a las 22.30h.
DORMIRSE VIRGEN Y DESPERTAR MADRE DE GEMELOS
(a partir del cuento original de La bella durmiente)
FICHA ARTÍSTICA
Reparto: Rebeca Matellán, Trigo Gómez y Rakel Camacho
Espacio sonoro: Músico en escena: Julio Sanz (Erizonte)
Coreografía y movimiento: Patricia Torrero (Arrieritos danza)
Espacio Escénico: Ana Montes de Miguel
Audiovisual: Sebastián Flores
Vestuario: Fila 0 Sastrería y La Intemerata Teatro
Colaboraciones dramatúrgicas: María Folguera, Álvaro Vicente, Dolores Garayalde y Angie Martín
Iluminación: Mariano Polo
Ayudante de dirección: Helena Soria
Katana: Javier Lillo y Álvaro Chicharro
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: RAKEL CAMACHO
Fechas y horarios: Miércoles 7, 8 y 15 de febrero a las 20h. Miércoles 14 a las 22.30h., en el TEATRO DEL BARRIO
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TEATROS DEL CANAL
Una coproducción del Teatre Lliure de Barcelona (2015), La Brutal (2015),
presentan
MAMMÓN
Una road movie teatral con personajes que parecen salir de El Gran Lebowski
“Disputas de odio y sangre anhelando supremacía, todos yaceréis muertos sobre el fango cuando el sol despida el día.” Cerca de la antigua Khalpe (el actual Alepo), en el centro de un valle lleno de cuevas rebosantes de piedras preciosas, dos familias conviven en armonía, admirando la belleza natural de estos minerales como los niños contempla los andares de un caballo: sin querer dominar sus huellas. Pero con la llegada de un hombre misterioso, la paz se ve alterada y aparecen odios y rencores entre los herederos de cada familia. Mammón, que en arameo significa «riqueza» y en hebreo «tesoro», es para los cristianos el diablo de la avaricia y era para los fenicios el Dios de la bonanza. El relato mitológico de esta figura nos servirá para abordar la cuestión de la actual Siria, un país inmerso en una de las guerras más crueles de nuestro siglo. Nao Albet y Marcel Borràs
ARGUMENTO/PROPUESTA
MAMMÓN de Nao Albet y Marcel Borràs forma parte de la trilogía TOT PELS DINERS (TODO POR EL DINERO). Nace de la propuesta de La Brutal y el teatro Lliure de Barcelona, 2105. La crisis económica actual nos ha abierto la puerta, a los ciudadanos, para npreguntarnos qué relación tenemos con el dinero. Hablamos más y más amenudo, pensamos en qué valor le damos en el conjunto de nuestra vida, en cómo nos empujan o dificultan en el día a día, en cómo nos afectan. La dimensión social del sistema en que estamos inmersos afecta directamente,la intimidad de cada cual, la dimensión emocional. Y esta dimensión es lamateria sensible para la propuesta que el teatro Lliure de Barcelona hizo a Nao Albet, Marcel Borràs, Iván Morales, David Selvas y Victoria Szpunberg. Después de meses de trabajo, la trilogía « TODO POR EL DINERO » fue el resultado. Con MAMMÓN hablamos de donde están los límites íntimos de lo que estamosn dispuestos a hacer por dinero. La cultura, articula temáticamente el espectáculo.
A MUST SEE, UTTERLY CAPTIVATING, A TRIUMPH, A BURST OF JOY
NAVE 73
FUNDACIÓN INQUIETARTE presenta
MUJERES QUE AMAN
TEXTO Y DIRECCIÓN Nacho Hevia
Domingo 4, 11, 18 y 25 de febrero. Hora: 13:00h
A mi alrededor veo gente dispuesta a luchar y matar por sus dioses, gobernantes y cualquier figura que les transmita poder y promesas. Mi fe no entiende de creencias religiosas, políticas o ideológicas. Yo adoro algo más bello.
Fauces es una obra dividida en escenas independientes que tratan la adoración como sentimiento que une a las personas, desde un amante a un terrorista.
*Todas las funciones se representan con intérprete de lengua de signos y audioguía para ciegos.
TEXTO Y DIRECCIÓN
Nacho Hevia
INTÉRPRETES
Aldha Pozo, Elena Escalante, Elena Vergara, Libertad Pozo,
Nieves González, Paz Díaz, y la perra Gaona
PRODUCCIÓN
Fundación InquietARTE
MÚSICA
Music Library & SFX
ARREGLOS SONOROS
NO MARK-Marcos del Valle
INTÉRPRETE EN LENGUA DE SIGNOS
Carlos Lombao
VOZ DE LA AUDIOGUÍA
José Pascual Abellán
COLABORAN
Siluro Concept
Fechas y horarios: Domingo 4, 11, 18 y 25 de febrero. Hora: 13:00h en NAVE 73
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NAVE 73
VIVISECCIONADOS presenta
FAUCES
TEXTO Y DIRECCIÓN José Andrés López
Miércoles 7, 14, 21 y 28 de febrero. Hora: 20:30h
A mi alrededor veo gente dispuesta a luchar y matar por sus dioses, gobernantes y cualquier figura que les transmita poder y promesas. Mi fe no entiende de creencias religiosas, políticas o ideológicas. Yo adoro algo más bello.
Fauces es una obra dividida en escenas independientes que tratan la adoración como sentimiento que une a las personas, desde un amante a un terrorista.
TEXTO Y DIRECCIÓN
José Andrés López
INTÉRPRETES
Carlos Gorbe, Román Méndez de Hevia, José Andrés López
PLÁSTICA TEATRAL Y AYUDANTE DE DIRECCIÓN
Antiel Jiménez
MÚSICA EN DIRECTO
María de la Rosa
ESPACIO SONORO
Carlos Gorbe
CARTEL
Virginia Rota
ILUMINACIÓN
Antiel Jiménez, Virginia Rota
PRODUCCIÓN
Viviseccionados
Fechas y horarios: Miércoles 7, 14, 21 y 28 de febrero. Hora: 20:30h en NAVE 73
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NAVE 73
presenta
ESCORIA
TEXTO Y DIRECCIÓN Juan Frendsa
Viernes 2, 9, 16 y 23 de febrero. Hora: 20:00h
Bajo la premisa de qué pasa cuando se reúne una comunidad, a la que le da igual todo, y mostrando sus consecuencias más inmediatas en forma de drama político y social, el público asiste a las reuniones clandestinas de 7 adolescentes que planean el mayor atentado de la historia del país. Todo parece funcionar hasta que la llegada de un nuevo miembro a la banda demostrará las debilidades de cada uno y las nuevas oportunidades que pueden surgir con este cambio.
El montaje está protagonizado por Jorge Clemente, Ángela Cervantes, Héctor Molina, Laura Rozalén, Nacho Núñez, Jorge Alcocer, Helena Lanza / Roser Vilajosana, interpretando a los autores de un organizado plan del que el espectador es testigo en cada paso. Esta obra se ubica en las afueras de Barcelona, en una atemporalidad con elementos reconocibles, como un barrio oxidado por la sociedad o las frustraciones y circunstancias de nuestra juventud más actual.
“Este es un homenaje a mi generación. Siempre he pensado que se han contado muchas historia sobre la guerra civil, pero muy pocas sobre la guerra que estamosviviendo y, sobretodo, la que estamos a punto de presenciar si no cambian las cosas”, comenta el director y dramaturgo. Para Frendsa, es el tercer texto que sube a un escenario, después de estrenarse con Pornosotros y continuar con Oirotalev.
Escoria también cuenta con el trabajo de Enrique Sánchez-Fortún como ayudante de dirección, Iván Belizón en iluminación, Marina Blanc como técnico, Abraham Blázquez en fotografía y diseño y con la colaboración de Tana Payno, Gema Abad, Paul Rodríguez y Pablo L. Torres. Los viernes de febrero a las 20h en Nave 73.
Notas del dramaturgo/director
¿Qué pasa cuando se reúne un grupo personas que les da igual todo? ¿Qué sucede cuando tu enemigo quiere tu derrota y no hay negociación posible? Navegamos entre rabia, celos, ambición, poder, mentiras, miedos y gritos ahogados. La adolescencia es una etapa complicada de la que no todos salimos bien parados. Este es un homenaje a mi generación. Siempre he pensado que se han contado muchas historia sobre la guerra civil, pero muy pocas sobre la guerra que estamos viviendo y sobretodo la que estamos a punto de presenciar si no cambian las cosas. Pienso en qué puede pasar si unas cuantas personas se cabrean más de la cuenta y en cuales pueden ser las consecuencias. De esto habla Escoria, este es el tema en el que nos sumergimos para intentar salir indemnes.
Juan Frendsa
TEXTO Y DIRECCIÓN
Juan Frendsa
AYUDANTE DE DIRECCIÓN
Enrique Sánchez-Fortún
INTÉRPRETES
Jorge Clemente, Ángela Cervantes, Héctor Molina, Laura Rozalén, Nacho Núñez, Jorge Alcocer, Helena Lanza / Roser Vilajosana
ILUMINACIÓN
Iván Belizón
TÉCNICO
Marina Blanc
FOTOGRAFÍA Y DISEÑO
Abraham Blázquez
AGRADECIMIENTOS
Tana Payno, Paul Rodríguez, Álvaro Moreno
Fechas y horarios: Viernes 2, 9, 16 y 23 de febrero. Hora: 20:00h en el NAVE 73
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SALA NUEVE NORTE
LAS PAREDES OYEN
de Juan Ruiz de Alarcón
del 04-feb al 25-feb 2018
Las paredes oyen es una de las obras clave del teatro clásico español. Su trama desarrolla la popular temática del amor no correspondido y la perseverancia de quien realmente se ha enamorado. Ruiz de Alarcón, distinguido por la perspectiva ética de sus obras y por su contribución a la comedia de carácter, nos presenta a don Juan, un hombre poco agraciado que siente por doña Ana un amor profundo y sincero. Para enamorarla deberá vencer no sólo los obstáculos de su físico y su pobreza, sino también a sus rivales, más bellos y poderosos. Con todo, éstos quedarán desacreditados a los ojos de doña Ana por su comportamiento deshonesto, que preferirá finalmente a don Juan, un hombre virtuoso. En Las paredes oyen, Ruiz de Alarcón logra un magnífico equilibrio entre la ironía y la comedia de enredo, y es considerada una de las mejores nobras del dramaturgo novohispano.
SOBRE LAS PAREDES OYENA 400 AÑOS DE SU ESTRENO EN MADRID
Juan Ruiz de Alarcón debió escribirla hacia 1617, pocos años después de instalarse en la Corte. Si no es, por tanto, de las primeras de su producción, tampoco es de las tardías como se ha pensado dada su perfección artística. Su publicación tuvo lugar en 1628, en la Parte primera de las comedias alarconianas. Se representó pormprimera vez en 1617, y tuvo posteriores reposiciones palaciegas en 1627 y 1636. Sin embargo, la primera noticia de una representación se da en la capilla mayor del
convento de Nuestra Señora de la Victoria, en Madrid, por la compañía del reconocido autor Baltasar de Pinedo, el 3 de febrero de 1618. La función, solicitada por el convento, le costó a Pinedo y su compañía una denuncia ante el vicario del
obispado. En el auto de procesamiento se lee que: “Mucha nota y escándalo y pendencias que hubo por entrar a verlos representar, con muchas espadas desnudas”.
Como fuentes remotas de esta comedia se han citado una fábula latina atribuida aFedro y conocida e imitada por la poesía medieval, donde dos rivales, uno rico y deforme y el otro pobre y agraciado se disputan a una doncella. La fábula latina
tuvo derivación directa en el fabliau Le vair palefroi, del poeta de finales del XIII, Houn le Roi, quien hace viejo al pretendiente rico, además de traidor, y al pobre joven y valiente caballero. En Las paredes oyen Alarcón transforma radicalmente los
papeles: es el caballero pobre el deforme y el rico el gallardo. Si la fábula latinanexalta la belleza, la historia medieval exalta la juventud y el valor caballeresco, triunfantes sobre la perfidia. Sin embargo, el dramaturgo, según su concepción ética, destaca la dignidad humana que triunfa sobre la maledicencia del personaje rico y apuesto. Alarcón retomó, en suma, la trama novelesca, pero la modificó ideológicamente. Lope de Vega se sintió atraído por un esquema argumental parecido que elaboró más tardíamente en El premio del bien hablar (1625).
FICHA
Adaptación y dirección: Lidio Sánchez Caro.
Producción: Artistas y. Coreografía: Soumaya El Jaouhari.
Reparto: Nadia Alonso, Raúl Fernando, Alejandra Guiol, Nacho León, Sara Mata, Maykel Nicolás, José Carlos Palcios, Jesús Redondo, Isaac Romo. Fechas y horarios: del 04-feb al 25-feb 2018 Domingo 19:30 h. SALA NUEVE NORTE Twitter: @paredesoyen2018 Facebook: paredesoyen2018 [button title="Comprar Entradas" link="http://tc.tradetracker.net/?c=15982&m=12&a=299186&u=https%3A%2F%2Fwww.atrapalo.com%2Fentradas%2Flas-paredes-oyen_e4812847%2F" target="_blank" align="" icon="" icon_position="" color="" font_color="" size="2" full_width="" class="" download="" rel="" onclick=""]