Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
TEATRO DE LA COMEDIA
Presenta
EL DESDÉN CON EL DESDÉN
La obra maestra de Moreto, síntesis de las virtudes de la comedia cortesana, propone, en desenfadada peripecia, un remedio para vencer la indiferencia del ser amado: mediante una frialdad fingida, Carlos logrará restablecer el orden natural del amor, perturbado por los desvaríos escolásticos de Diana. El tema, que no era nuevo en el teatro español del siglo XVII, alcanza aquí dimensiones perfectas, gracias sobre todo a una arquitectura precisa, hecha de sutiles simetrías que se dibujan en el marco frívolo y galante de las Carnestolendas barcelonesas.
Dirige Iñaki Rikarte, responsable de obra como SOLITUDES o ANDRÉ Y DORINÉ
El desdén con el desdén es título y argumento de una comedia fabulosa: Carlos, enamorado de Diana y desdeñado por ella, finge su propio desdén para conquistarla. Sobre esta contradicción, Moreto construye una estructura e cacísima en la que siempre prioriza el juego, abundando las situaciones donde los personajes se ven obligados a mentir, a disimular, a ocultar lo que sienten, conocedor de esa paradoja cruel de la comedia según la cual, cuanto peor lo pasan los personajes, más nos divertimos los espectadores. La contradicción aflora constantemente en los rasgos adolescentes de los protagonistas: son inmaduros, competitivos, tozudos, vanidosos, egoístas, tiranos, manipuladores y, casi al mismo tiempo, pueden mostrarse juiciosos, generosos, empáticos, delicados, autocríticos, ponderados. Es también contradictorio el modo en que ellos mismos describen los efectos del amor o de los celos en sus propios cuerpos: con turbación adolescente y rigor casi científico. Como si fuesen investigador y cobaya al tiempo. Textos como éste destilan y requieren una energía y vitalidad extraordinarias. Encarnarlos es casi un ejercicio atlético. Por eso creo que es una gran noticia que se haya pensado en La Joven CNTC para devolverlo a las tablas.IÑAKI RIKARTE, DIRECTOR
En su traba jo como director destacan “Ildebrando Biribó o un soplo al alma”de Emmanuel Vacca (2002), “La lengua de las mariposas” de Manuel Rivas (2004), “Sísifo B” de Iñaki Rikarte (2010), “André y Dorine” producido por Kulunka (2010), “Babia” de Ganso y Cía (2012), “Pulgarcito” (2013) de Teatro Paraíso, “HappyEnd”(2014) de Vaivén Producciones y “Solitudes”(2015) de Kulunka. Como ayudante de dirección, ha trabajado en “El rey Lear” dirigido por Gerardo Vera para el CDN (2008) y “El hombre que quiso ser rey” escrito y dirigido por Ignacio García May, coproducido por el CDN y la compañía Tigre-Tigre (2008). Además, es autor de los textos teatrales “El perpetuum mobile” (2005), “Gris Mate” (2006) “Sísifo B” (2009) y “Quitamiedos” (2013).
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El amor, a dos carrillos
Iñaki Rikarte dirige 'El desdén con el desdén' con mano ágil, certera y polícroma (por Javier Vallejo)
TEATRO MARÍA GUERRERO
El centro dramático Nacional
presenta
ESPEJO DE VÍCTIMA
Texto: Ignacio del Moral Dirección: Eduardo Vasco
"Siempre me ha parecido una perversa paradoja el hecho de que, cuando nos vemos metidos en un conflicto o confrontación, casi todos deseamos ostentar el papel de víctimas.
Los reyes antiguos buscaban la complicidad de sus pueblos en sus acciones sin disimular sus intenciones agresivas o expansivas, y hacían ostentación de los muchos enemigos a los que habían matado, a ser posible con sus propias manos… Hoy, la propaganda bélica oculta los muertos infligidos al otro bando y disfraza sus matanzas de defensivas, necesarias e inevitables.
De manera que los enunciados más repugnantes, las acciones más viles, se presentan siempre (o lo intentan) como reacciones a una agresión previa. El verdugo le arrebata así a su víctima el derecho a la piedad.
Es paradójico que en una sociedad tan narcisista y exhibicionista como la nuestra, al final parezca preferible causar lástima antes que admiración. Tal vez porque ser víctima nos exonera de cualquier obligación. De esto hablan las dos piezas especulares que hoy les mostramos. Ha sido una inmensa alegría poder hacerlo de la mano de un Eduardo Vasco veinte años más sabio que la primera vez que coincidimos".
Ignacio del Moral"Hay pocas veces en las que uno lea un texto, entienda que habla de algo urgente e importante y sienta grandes deseos de llevarlo a escena. Espejo de víctima tocó mi fibra de amante del teatro desde la primera lectura y me sorprendí al momento haciendo cábalas con un posible reparto y una puesta en escena en la que ahora, afortunadamente, trabajo junto a Ignacio. Dos actores en un combate a dos asaltos en el ring de la actualidad poniendo en tela de juicio asuntos que nos preocupan a diario y sirviendo, a través de acción y emociones, las inquietudes que nos asaltan; enfrentándonos a un espejo incómodo. Y más, porque hay que entender que es inevitable que ambos —el autor y quien esto escribe— entendamos este proyecto como un feliz reencuentro, ya que hace 20 años —realmente 21— abordamos, también de la mano del CDN, otra obra suya, Rey negro, en aquella Sala Olimpia de la que tantos buenos recuerdos guardamos muchos de nosotros".
Eduardo Vasco
TEATRO ARLEQUÍN GRAN VÍA
Trece Gatos
presenta
DOÑA ROSITA LA SOLTERA O EL LENGUAJE DE LAS FLORES
Federico García Lorca
Poema granadino del novecientos, dividido en varios jardines, con escenas de canto y baile
La compañía Trece Gatos presenta la última obra estrenada en vida por Federico García Lorca, convirtiéndola en un cuento fantástico, y un viaje a través del tiempo y sus emociones. “Cuando se abre en la mañana, roja como sangre está, la tarde la pone blanca con blanco de espuma y sal y cuando llega la noche, se comienza a deshojar…”Rosita es una doncella en flor, joven, grácil y hermosa. Toda la esperanza del mundo está en ella. Aunque huérfana de padres, vive feliz con sus tíos, siempre rodeada de rosas. En su juventud despreocupada la vida es aún un juego. La muchacha está apasionadamente enamorada y en medio de tanta alegría recibirá una terrible noticia: su novio ha de viajar a Tucumán a hacerse cargo de la hacienda de sus padres. Sin embargo, ella mantiene viva la esperanza y antes de separarse, los enamorados se prometen amor eterno, quedando Rosita sola y una indefinida promesa de matrimonio en el aire.
Partiendo de esta premisa, Lorca logra exprimir la sencillez de los sentimientos universales para exponer una obra que es probablemente lo mejor de su teatro y se cuenta, sin duda, entre lasobras maestras del teatro universal del siglo XX. Los distintos aspectos de la condición humana se reflejan con maestría en este mágico cuento, que plantea una reflexión sobre la huída del tiempo y los sueños, abordando el tema de la soltería y la presión social con romanticismo, humor y sensibilidad poética.
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La obra de Federico García Lorca Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las floresse estrenó en Barcelona, con carácter mundial, el 12 de diciembre de 1935. La protagonista de la obra fue Margarita Xirgu, y el director de la compañía Cipriano Rivas Cherif.[Hace cinco años la retomó Nuria Espert, que la ha representado en el montaje de Jorge Lavelli por toda España y por varios países del mundo y que considera que ésta es "una de las más bellas y perfumadas" obras de Lorca, "de una profundidad encubierta, como la de Chéjov"]. El argumento lorquiano surgió de la imagen de los tres tiempos de la vida efímera de la rosa. El poeta vio en la historia de la rosa mutabile, como él la llamó, el oscuro drama de la soltería de las muchachas españolas sacrificadas por el medio social que condicionaba el futuro de sus vidas a una virginidad estúpida, que esterilizaba sus ilusiones y su alegría de gozar. El poeta no dudó en hacer de Granada su escenario. Evoca la Alhambra, la Puerta de Elvira, con sus manolas,"...las que se van a la Alhambra, / las tres y las cuatro solas.../ Pero en el mundo hay galanes que se tapan con las hojas". El nudo sentimental de Doña Rosita pertenece a una vivencia amorosa protagonizada por una prima del autor, Clotilde García Picossi. Esta mujer se identificó con el personaje, desvelándonos su secreto hace tan sólo unos años: su novio, primo hermano, se le fue al argentino Tucumán y allí se casó con otra; ella lo esperó durante mucho tiempo. Doña Clotilde nos descubrió también otras anécdotas de su juventud que andan incorporadas al acervo del mundo dramático lorquiano. Desde niños, los dos primos estuvieron muy unidos; de su mano salió el poeta por primera vez a un escenario, cuando tenía tres o cuatro años, a actuar de comparsa en la zarzuela La alegría de la huerta, en unas funciones de aficionados, en Fuentevaqueros. Doña Clotilde pasaba una buena parte del año en su huerta del Tamarit, cercana a la huerta de San Vicente, en la vega de Granada, residencia veraniega de la familia García Lorca.
TEATRO DEL BARRIO
Impulso
presenta
LACURA
· El jueves 17 de octubre inicia temporada en el Teatro del Barrio, LACURA de Bibiana Monje, un solo teatral en el que esta creadora representa a más de siete personajes y que cuestiona las creencias personales a través de la sátira y el humor. La obra estará los días 17, 18, 19, 24, 25 y 26 a las 20h y domingos 20 y 27 de octubre a las 20:30h. Un solo teatral, una comedia de auto ficción que dirige la mirada exterior hacia uno mismo, cuestionando las creencias personales a través de la sátira y el humor. Una actriz encarnando más de siete personajes en distintos estilos teatrales -pantomima, teatro coreográfico, proyecciones, parodia, realismo mágico, musical, stand up comedy- intentando desquebrajar en su argumento la idea social de soledad y separación.Sobre la obra: Bibi, es un personaje del enfermo sigloXXI, hilarantemente poseída por los espíritus que la habitan, decide contarnos como loca su propia mirada al mundo. Familia, amantes, temores y paisajes psicológicos serán el hilo conductor de la historia, llevándonos hacia un viaje interior sin retorno a través del dolor y la risa, dándole la vuelta a la tortilla y descubriendo que no hay huevos.Lacura es un solo teatral, una comedia de auto ficción que dirige la mirada exterior hacia uno mismo, cuestionando las creencias personales a través de la sátira y el humor. Lacura utiliza lo personal como ejemplo de conciencia colectiva, a través de un viaje autobiográfico por la psique de la artista, “el cuento de su propia enfermedad al vivir en un mundo que no ha inventado ella”, evidenciando la responsabilidad del poder que todos tenemos: Crear realidades. La actriz investiga los límites entre lo íntimo y lo privado, haciendo del trauma una trama y exponiendo, con agudo sentido del humor, las heridas ocasionadas por algunas creencias personales/sociales. Más de siete personajes encarnará la protagonista utilizando distintos estilos teatrales -pantomima, teatro coreográfico, proyecciones, parodia, realismo mágico, musical, stand up comedy- intentando desquebrajar en su argumento la idea social de soledad y separación.
TEATROS LUCHANA
presentan
MEATFISH
MEATFISH, una obra de Elena Seguí que se representará a partir del 3 de marzo en los Teatros Luchana. Y se podrá ver todos los domingos de marzo a las 20:45.
Meatfish o el viaje del género fluido, llegará a los Teatros Luchana el próximo día 3 de marzo. Una versión libre basada en ‘As you like it’ de Shakespeare dirigida por Elena Seguí y protagonizada por un elenco joven y coral que proviene del último curso de la escuela WorkinProgress de Darío Facal y que con esta obra profesional- al igual que lo hicieran sus compañeros en otras ediciones con gran éxito- culmina su formación. Ellos son: Patricia Peñalver, Patricia Fuertes, Rocío León, Irene Hidalgo, Paula Sancho, Xacobe Sanz, Marta Guillén y Santana Lantigua.
Dos acciones, dos lugares: la ciudad y un Festival Queer en el bosque. En la ciudad dos hermanos se odian y dos primas se aman. Una ubicación donde a posteriori se desarrolla la acción, el Festival de música iDentifY(X). Un lugar donde, encontraran divertidos e inteligentes personajes, con quienes realizarán un viaje de transformación interior. La conversión de la tristeza en poder y alegría. El amor como concepto universal.
Elena Seguí, basa en este caso su adaptación, precisamente en un viaje, una búsqueda de lo fluido en el género y plantea un universo donde todos tenemos una dualidad. Una comedia hilarante, donde el juego y la diversión priman.
Sinopsis
Con una versión libre de ‘As you like it’ de Shakespeare, MeatFish es una búsqueda de lo fluido en el género, un viaje que se plantea las fronteras entre lo que significa ser hombre o mujer. Y que va más allá: ¿Verdaderamente significa algo?
Se abre el telón. En un camerino comienza la acción familiar de los personajes, dos hermanos y dos primas. Determinados sucesos les llevarán a un festival poco convencional llamado iDentitY(X). Allí encontrarán personajes y situaciones disparatadas pero reveladoras y se enfrentarán a un viaje de descubrimiento personal.
La Comunidad de Madrid y La joven compañía
presentan
FEDERICO HACIA LORCA
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de Federico hacia Lorca, de La Joven Compañía, de Irma Correa y Nando López, a partir de textos de Federico García Lorca, con dirección de Miguel del Arco. Este montaje, una coproducción entre la Comunidad de Madrid y La Joven Compañía (Fundación Teatro Joven), estuvo en la Sala Roja del 21 de marzo al 7 de abril, en 2019
Miguel del Arco dirige a La Joven Compañía en un viaje hacia la juventud de un Lorca que se soñaba poeta
Los treinta y ocho años de Federico García Lorca están atravesados de vida, literatura y muerte. Tres ejes que nos guiarán en este viaje hacia aquel joven que se soñaba poeta y hacia el poeta que jamás dejó de ser joven. Un camino habitado por los paisajes andaluces de su infancia y de su adolescencia, por el Madrid de la Residencia de Estudiantes o por el convulso Nueva York de fines de los años 20 hasta llegar, en un vil giro del destino, a las sombras siniestras de la noche y de la bala que lo atravesó. Perdidos y libres, como el autor a la caza de imágenes con que llenar sus páginas, atravesaremos con él su vida y su obra, asomándonos al Lorca joven, vivo, y también al Lorca amigo, al excesivo, al viajero, al amante de la piel y de las palabras. Al poeta capaz de hacernos respirar en sus versos la luz y la sangre, la carne y el amor. Al hombre y, sobre todo, al joven cuya voz sigue resonando, vibrante y lúcida, más allá de la miseria de la Historia.Irma Correa y Nando López / Dramaturgos de Federico hacia LorcaEn 1919, un jovencísimo Federico García Lorca viajaba a Madrid con el objetivo de asegurarse una plaza en la Residencia de Estudiantes. Cien años después, la Comunidad de Madrid lo celebra con un gran abanico de actividades culturales entre las que se incluye la coproducción de este espectáculo: Federico hacia Lorca. Los treinta y ocho años de Federico García Lorca están atravesados de vida y de muerte. Burbujas de ambos transitan su vida y le hacen respirar la luz y la sangre, la carne y el amor. Imaginamos un texto habitado por momentos desde su llegada a Madrid hasta la última mirada a la bala que lo atravesó. Un acercamiento al Lorca joven, vivo y también al Lorca amigo, al excesivo, al viajero, al amante de la piel y de las palabras. Federico hacia Lorca cuenta con escenografía de Paco Azorín, iluminación de Juan Gómez-Cornejo, vestuario de Guadalupe Valero, música de Arnau Vilà, espacio sonoro de Sandra Vicente, videoescena de Pedro Chamizo y coreografía de Andoni Larrabeiti. El elenco está formado por Julen Alba, Óscar Albert, Ana Bokesa, Katia Borlado, Álvaro Fontalba, Xoán Fórneas, Pascual Laborda, Jesús Lavi, Rosa Martí, Nono Mateos, Íñigo Santacana y Carmen Tur. Esta obra no solo permitirá a los jóvenes conocer parte de la biografía y literatura de Lorca, una de las figuras esenciales en el currículum literario de Secundaria y Bachillerato, sino que también les invitará a aproximarse a él de un modo muy diferente al que encuentran en sus libros de texto. En este caso, el viaje hacia el conocimiento lo realizarán desde la empatía, de modo que elespectáculo les permitirá sentir al autor andaluz como un joven más, a la vez que reconocen en sus palabras las inquietudes, sueños y anhelos que ellos, ahora mismo, también sienten. Además, al acercarse al Lorca joven aprenderán también de sus contemporáneos, los hombres y mujeres de la generación del 27, y el significado y la relevancia que dicho grupo tuvo en nuestra historia cultural. En este viaje podrán asomarse a motivos tan diversos como la revolución estética de las nuevas voces del 27, la presencia reivindicativa y libre de Las Sinsombrero, la labor cultural de la Barraca o el paralelismo entre la juventud de los miembros del 27 y la juventud de un país. Y, presidiendo todo ello, la figura gigante y universal de Lorca. Un Lorca que aquí no se presenta desde la dimensión del genio consagrado, sino desde la emoción y la pasión del joven creador que está descubriendo la vida a la vez que inventa, palabra a palabra, su propio mundo. Para conmemorar la llegada de Lorca a la Residencia de Estudiantes, esta propuesta ahonda en su parte más juvenil y, por tanto, también más desconocida. Un montaje que recupera diversos textos lorquianos –cartas, documentos personales, obras inacabadas, primeros poemas- con la voluntad de reconstruir, desde una mirada contemporánea, el mundo juvenil del autor que había de revolucionar la poesía y la escena española en el primer tercio del siglo XX. Ajena a cualquier tipo de linealidad y alejada, en cuanto a estilo y estructura, del biopic convencional, la obra nos propone un viaje emocional, desordenado y, ante todo, honesto y sentido a través de muchos de los momentos que definieron la juventud del poeta, tanto desde el punto de vista de lo vivencial como en lo que atañe a su incesante búsqueda creativa. Además de las funciones para público general, en sesiones matinales de martes a viernes se realizarán funciones de campaña escolar por las que pasarán alrededor de 7500 jóvenes de centros educativos.
Tras el rastro del amigo Federico
La Joven Compañía estrena en los Teatros del Canal una obra que sale a la búsqueda de los momentos personales del genial Lorca.
Es de noche, suena un fogonazo y, al fondo, se escuchan los aullidos de los perros. Lorca camina aterrorizado bajo la escasa luz de la luna. El hombre que ensalzó como nadie la paz y el amor cae asesinado, a los 38 años, en el barranco de Biznar, en Granada. Con el disparo que acaba con la vida del poeta se inicia un viaje, enajenado y feliz, en el que el propio Lorca sale en busca de Federico, ese enorme amigo de todos.
TEATRO DEL BARRIO
Espai Dual
presenta
BE GOD IS
La compañía Espai Dual presenta BE GOD IS, un frenético slapstick show.
Este delirante y adictivo espectáculo combina la virtuosidad musical, el gesto y la imaginación para embarcar al espectador a un ambiente donde las preguntas y el sentido común pasan a un segundo término.
Es así como estos tres personajes mudos se ven envueltos en una vorágine de surrealistas situaciones inesperadas con las que tendrán que lidiar para poder terminar lo que han empezado.
Pinceladas de circo, danza y fantasía brindada por tres genuinos intérpretes que no dejan a nadie indiferente.
“BE GOD IS”: espectaculazo. Me habían dicho que Espai Dual eran buenos pero no creí que fueran TAN, TAN y TAN buenos. (…) ¡Menudo trío! Clowns superlativos, con energía a chorros y un control milimétrico de los movimientos. Músicos fenomenales, que tocan y cantan como hacía tiempo que no veía tocar y cantar en un escenario. Y bailarines. Y acróbatas. (…) Si nuestros programadores están alertas, lo pillarán al vuelo, porque esta joya ha de seguir y seguir.”
Marcos Ordóñez, 26 de noviembre 2015
Premio al mejor espectáculo 20a Mostra de Teatre de Barcelona – Teatre del Raval 2015
Premio al mejor actor para Oriol Pla 20a Mostra de Teatre de Barcelona – Teatre del Raval 2015
Primer premio en el Festival “STRIPART 2014” XIX Muestra de Arte Joven De Horta-Guinardó (Barcelona)
Primer Premio en el Festival “Besmina 2014” Festival de Arte Joven de Calle (Barcelona)
Primer Premio “Mostra Mínim 2013” Centro Cívico Sarrià (Barcelona)
Premio del Público “Estrena’t 2014” Centro Cívico Casa Groga (Barcelona)
Tres tigres excéntricos en un trigal
'Be God Is' es un espectáculo lleno de orfebrería humorística y acción trepidante
Este espectáculo no fue coproducido por el Kunsten Festival des Arts ni por el Wiener Festwochen. Tampoco sube a escena a gente corriente para darse pátina social ni pretende ser la expresión de un profundo malestar. Sus artífices no se autodenominan creadores, sino artistas.
SALA NUEVE NORTE
presenta
LA PRINCESA TIENE CÁNCER
Año 2225. Reino de España. Un hecho acontecido en las cocinas de palacio hace saltar todas las alarmas. Una de las reposteras encuentra en el horno un papel a medio arder que diagnostica una grave enfermedad. Al mismo tiempo, la princesa Aurora pasa por una misteriosa depresión de la que nadie sabe nada. Esta es una historia de madres e hijas, de reinas y reposteras, y de tres mujeres que se unen para intentar salvar a otra.
TEATRO DEL BARRIO
Las Niñas de Cádiz
presenta
CABARÉ A LA GADITANA
Tras la experiencia teatral con la Compañía Chirigóticas a lo largo de más de una década, volvemos a los escenarios con un nuevo proyecto profesional, LAS NIÑAS DE CÁDIZ. En esta nueva aventura damos un paso más en nuestro particular lenguaje escénico. LAS NIÑAS DE CÁDIZ es una pirueta más en nuestra búsqueda de una expresión artística cada vez más genuina, menos transitada, y más depurada. Buscamos la esencia, qué es aquello que podemos ofrecer en su forma más pura y auténtica, sin aditivos. Nuestro producto ya no viene envuelto, no es carnaval, no es teatro, sino todo lo contrario. Directo a la yugular de la carcajada, sin anestesia. Irreverente y sin complejos. Así nace nuestro primer espectáculo de cabaret musical, CABARÉ A LA GADITANA. Que no es otra cosa que la explosión, loca y divertida, pero también consciente y experimentada, de una manera de entender el hecho escénico y la relación con el público. Es un espectáculo a medio camino entre el cabaret, la performance, el concierto, el teatro, y desde luego de lo que alguien como el productor musical Luis Lázaro ha llamado “El arte de la poca vergüenza”.Sinopsis
Un desfile de personajes e historias surrealistas, pero no por ello menos reales y cotidianas, donde caben una “malita de los nervios”, una cabaretera embarazada de un peón de la construcción, una vegana renegando de la comuna, una becaria sobreexplotada, una canciller alemana e incluso la mismísima Juana la Loca explicando la verdad de su vida. El objetivo: buscar la risa del espectador a través de la sinceridad y el exabrupto, mostrando sin pudor almas desnudas de mujeres. Mujeres que se plantan en el escenario, en la calle, en donde sea, sin pedir permiso ni perdón. Como decía Chavela Vargas: “Yo no vengo a ver si puedo, sino porque puedo vengo”.
TESEO TEATRO
presenta
KAFKA CABARET
Kafka Kabaret es un viaje a través de la mente de Kafka, de sus últimos días. En clave de cabaret con canciones y música en directo, vivirás con él sus deseos, sus odios y sus miedos desde muy muy cerca.
Sus pensamientos se hacen acción y se empapan de música a través de la boca de personajes de su propia vida y de sus textos tratando de transportarnos a su universo absurdo, poético y socarrón.
Secuencia 3
presenta
NERÓN
Dani Muriel da vida al ambicioso Nerón, el emperador que se cree que incendió Roma en el año 64, en un montaje de Eduardo Galán inspirado en el Quo vadis? de Henryk Sienkiewicz y dirigido por Alberto Castrillo-Ferrer, que llega al Teatro Bellas Artes de Madrid, del 27 al 31 de marzo. Nerón se estrenó en la 64 edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida el 11 de julio de 2018 y es producción del Festival y Secuencia 3.
“Nuestro Nerón es un drama histórico, lleno de fuerza y pasión, desarrollado mediante una estructura moderna (varios flash-back y escenas simultáneas con espacios variados desde el palacio o el teatro romano de Nápoles a las catacumbas). Arte, política y ambición, locura y poder se funden en este Nerón”, afirma Galán, quien se ha apoyado también en textos del novelista Petronio y del historiador Suetonio para crear la obra. Alberto Castrillo-Ferrer describe al Nerón que se verá en el Teatro Bellas Artes de Madrid como un personaje “atractivo, sensual, con mucha fuerza, con mucha garra”. Acompañan a Muriel Chiqui Fernández como Agripina, José Manuel Seda en el papel de Marco Vinicio, Diana Palazón como Popea, Francisco Vidal como Petronio, Javier Lago como Tigelino, Daniel Migueláñez en el rol de Esporo y San Pablo y Carlota García como Ligia. Todos ellos personajes históricos y ficticios que recordarán al espectador la película protagonizada por Robert Taylor, Peter Ustinov y Deborah Kerr y también basada en la novela de Sienkiewicz Quo vadis?https://youtu.be/F8rewc4EaIc Nerón pasó a la historia como el emperador que provocó el incendio de Roma para llevar a cabo la reconstrucción de la ciudad según un nuevo proyecto urbanístico moderno y artístico. Los estudios históricos actuales consideran que, en realidad, Nerón no incendió Roma, pero que, una vez incendiada la ciudad, sí aprovechó para reconstruirla a su gusto. “Podemos considerar a Nerón como el emperador artista, amante de la cultura y de todas las artes. Esto no significa que no fuera a la vez un tirano cruel y déspota”, asegura Galán. La obra muestra cómo a lo largo de la historia los pueblos cometen siempre el error de permitir la tiranía de locos sanguinarios por acción u omisión de los que están cerca del tirano. Sinopsis Nerón pasó a la historia como el emperador que provocó el incendio de Roma para llevar a cabo la reconstrucción de la ciudad según un nuevo proyecto urbanístico moderno y artístico. Los estudios históricos actuales consideran que, en realidad, Nerón no incendió roma. Una vez incendiada la ciudad, aprovechó para reconstruirla a su gusto. Podemos considerar a Nerón como el emperador artista, amante de la cultura y todas las artes. La obra muestra cómo a lo largo de la historia cómo los pueblos cometen siempre el error de permitir la tiranía de locos sanguinarios por acción u omisión de los que están cerca del tirano. Así Petronio asume en la obra que debe sumarse a la conjura para derribar al emperador y se lamenta su pasividad.VER OBRA COMPLETA
Notas del autor
Nerón pasó a la historia como el emperador que provocó el incendio de Roma para llevar a cabo la reconstrucción de la ciudad según un nuevo proyecto urbanístico moderno y artístico. Los estudios históricos actuales consideran que, en realidad, Nerón no incendió Roma, pero que, una vez incendiada la ciudad, sí aprovechó para reconstruirla a su gusto. De hecho, podemos considerar a Nerón como el emperador artista, amante de la cultura y de todas las artes. Esto no significa que no fuera a la vez un tirano cruel y déspota, como era lo habitual en su tiempo, capaz de asesinar a su madre Agripina, a su hermanastro Británico, a su primera mujer Octavia y, de alguna manera, a su segunda mujer Popea.
Se casó luego con un esclavo al que ordenó castrar y vestirse como la emperatriz recientemente fallecida. Quiso sobrevivir al juicio de la historia como artista: cantaba, tocaba la lira, componía versos, recitaba e interpretaba obras teatrales. También reavivó los juegos olímpicos para participar en ellos. Además, fue el responsable de la primera gran persecución de los cristianos, a los que acusó del incendio de Roma.
El Nerón que llega a Mérida muestra cómo, a lo largo de la historia, los pueblos cometen siempre el error de
Nuestro Nerón es un drama histórico, lleno de fuerza y pasión, desarrollado mediante una estructura moderna (varios flash-back y escenas simultáneas con espacios variados: desde el palacio o el teatro romano de Nápoles a las catacumbas). El argumento se inspira en la célebre novela Quo vadis?, de Henryk Sienkiewicz, y en textos del novelista Petronio (consejero suyo) y del historiador Suetonio. El espectador podrá recordar la famosa película protagonizada por Robert Taylor, Peter Ustinov y Deborah Kerr. Por la obra desfilan personajes históricos y ficticios como Petronio, Marco Vinicio, Agripina, San Pablo, Ligia, Popea, Tigelino o Esporo.
Poder y arte, política y ambición, locura y poder, todo ello se funde en Nerón.
Eduardo Galán
TEATRO VALLE INCLÁN
el Centro Dramático Nacional
presenta
TOPS GIRLS
Top Girls es una obra de 1982 de Caryl Churchill. Se trata de una mujer llamada Marlene, una mujer impulsada por su carrera que solo está interesada en el éxito de las mujeres en los negocios. En la famosa escena de apertura, organiza una cena para un grupo de mujeres famosas de la historia.
Top Girls está considerada la obra más importante de Caryl Churchill. Estrenada en 1982 en el Royal Court Theatre de Londres, ha contado con el fervor del público, tanto en Inglaterra como en Norte-América, y ha estado representada mucho tiempo en Nueva York. En el 2001 se estrenó en el Teatro Lagrada, siendo el debú en la dirección de Magüi Mira. Churchill alerta en su obra de que la mujer se ve obligada a elegir entre su trabajo y su vida personal, lo que implica no realizarse completamente como ser humano. La obra es un clásico del teatro sobre la mujer, en el que, sin embargo, tanto hombres como mujeres se ven reflejadosSinopsisEn una escena de carácter onírico, un grupo de mujeres se reúne para celebrar el ascenso de Marlene, la protagonista, la directora de la prestigiosa agencia "Top Girls". Son personajes que han conseguido el éxito pero han pagado el precio de una vida llena de renuncias, agresiones y vejaciones: Griselda, musa de Bocaccio; Dull Gret, salida de un cuadro de Bueguel; Nijo, cortesana del emperador de Japón. En otra, las empleadas de "Top Girls" bajo el triunfo social, han tenido que elegir entre su futuro profesional y su condición de mujeres. Finalmente, Marlene, que abandonó a su hija Angie, recién nacida, al cuidado de su hermana Joice, las visita con la intención de recuperar el pasado. El enfrentamiento de ambas mujeres desde vivencias muy distintas, pondrá al descubierto las contradicciones y obstáculos a los que debe enfrentarse la mujer, desde el pasado hasta nuestros días.
Notas del director"Top Girls fue estrenada en 1982 en Londres. El éxito fue inmediato, trasladando la producción ese mismo año a Nueva York. En cambio, la creación artística de Caryl Churchill es conocida por pocas personas en nuestro país, a pesar de ser una de las autoras británicas más representadas en otras naciones, atrayendo a crítica y público por su continua experimentación estilística. Caryl Churchill nos invita a escuchar a dieciséis mujeres, cada una con sus antecedentes históricos, sociales, culturales, políticos, religiosos, y con sus diversos ámbitos de opresión. Es una pieza que desconcierta, que nos produce perplejidad, repleta de contradicciones. Churchill, con su mirada feminista y socialista, no exenta de ironía y humor, cuestiona la actitud de algunas mujeres que han conseguido el poder absoluto, o relativo, y que imitan la conducta patriarcal en la ejecución de ese poder. Diversos ensayos teóricos sobre Top Girls coinciden en que la obra produce “extenso placer”. Disfrutemos pues de la perplejidad, y de las contradicciones". Juanfra Rodríguez
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¿Qué hacemos con Margaret Thatcher?
El mensaje feminista de la dramaturga británica Caryl Churchill brilla en la interpretación de estas actrices (por Raquel Vilades)