Histórico

 

TEATRO FÍGARO

Arán dramática

presenta

LA RIDÍCULA IDEA DE NO VOLVER A VERTE

 

• La compañía Arán Dramática presenta en el teatro Fígaro la versión del libro de la novelista, que entrecruza la biografía de la científica Marie Curie con la evocación de la muerte de su pareja y reflexiones sobre la creación artística y las relaciones entre mujeres y hombres.
• 
María Luisa Borruel interpreta el papel de la escritora en un monólogo que bucea en recuerdos y memorias como vías que ayudan a superar el dolor que dejan las pérdidas
• La obra ofrecerá once funciones en el teatro madrileño

  La lectura del diario de la científica Marie Curie y la evocación de la muerte de la que fue pareja de la novelista Rosa Montero, desembocaron en un sentido libro de recuerdos, memorias y biografía. En él, una mujer, la propia novelista, bucea en su intimidad y utiliza las palabras como una vía de sanación. La ridícula idea de no volver a verte, publicado en 2013, pasa ahora de las páginas del libro al escenario de un teatro. La compañía extremeña Arán Dramática estrena el 4 de junio en el teatro Fígaro de Madrid una versión para la escena protagonizada por María Luisa Borruel y dirigida por Eugenio Amaya, autor también de la dramaturgia. Rosa Montero, de larga trayectoria periodística y narrativa, tomó como motivo de su libro la vida de la científica y premio Nobel Marie Curie, quien también perdió a su marido tras diez años de matrimonio. Y establece un paralelismo entre los sentimientos de Curie y su relación con su esposo Pierre y los de la propia novelista a lo largo de la relación que mantuvo con su pareja, que en esta obra aparece bajo el nombre de Carlos. En un único escenario, el personaje de la Escritora recorre momentos de la existencia de la científica francesa, de su sufrimiento y marginación como mujer, cuando, por ejemplo, su marido Pierre recibió el Nobel de Física en 1903 y se negó a aceptarlo si no incluían a Marie como premiada, lo que así ocurrió. Sin embargo, el galardón lo recogió solo él; aunque en su discurso atribuyó a ella el mérito del reconocimiento de la Academia sueca.   En un movimiento entre el pasado de Curie, muerta en 1934 a causa de la radiactividad fruto de sus experimentos, y el presente desde el que evoca momentos de plenitud y tristezas vividos con su pareja, la Escritora va construyendo una narración colectiva y personal, de época, sobre las relaciones entre hombres y mujeres, el esplendor del sexo, sobre la ciencia y la ignorancia, sobre la fuerza salvadora de la literatura y de la sabiduría, de quienes aprenden a vivir con plenitud y con ligereza.  “A mí me sucedió que tomé mi duelo como una enfermedad de la que había que curarse cuanto antes –se escucha a la Escritora en escena-- En nuestra sociedad la muerte es vista como una anomalía y el duelo, como una patología. Yo no quería sentirme avergonzada por mi dolor. Así que procuré plegarme a lo que creía que la sociedad esperaba de mí tras la muerte de Carlos. En los primeros días la gente te dice: “Llora, llora, es muy bueno”, y es como si dijeran: “Ese absceso hay que rajarlo y apretarlo para que salga el pus.” Y precisamente en los primeros momentos es cuando menos ganas tenía de llorar, porque estás en shock, extenuada y fuera del mundo”. El proyecto teatral de Arán Dramática plantea respetar el espíritu y la letra del material original, buceando en lo más esencial del texto escrito por Rosa Montero, sintetizándolo para el buen desarrollo de su adaptación a la escena. Este montaje es, según la compañía extremeña, una oportunidad para explorar la relación entre literatura y teatro. La ridícula idea de no volver a verte muestra la atención que Rosa Montero presta en su literatura a la relevancia de mujeres a lo largo de la historia. Su trayectoria como novelista ha sido paralela a su labor como periodista, especialmente como entrevistadora en el diario El País desde finales de los años 70. Ya entonces empezó a publicar literatura, con la que obtuvo premios como el Primavera, por La hija del caníbal,o el Grinzane Cavoir, por La loca de la casa. Otros títulos de su producción son El corazón del Tártaro, Historia del rey transparente, El peso del corazón, La carne o, el más reciente, Los tiempos del odio. Tour de forcede una actriz La versión teatral de La ridícula idea de no volver a vertesupone un nuevo tour de force para la actriz María Luisa Borruel, que ha demostrado en su trayectoria su ductilidad en papeles interpretados en solitario, como recuerdan los de Tejas verdes, de Fermín Cabal, donde asumía a cinco personajes diferentes, o en el monólogo Mujer rota, de Simone de Beauvoir.   Tras el preestreno en Alburquerque (Badajoz), la obra se estrenará el 4 de junio en el teatro Fígaro de Madrid donde ofrecerá un total de 11 funciones. Dos previas al estreno, el 7 y 21 de mayo, y después del 4 de junio, se representará los días 11, 18 y 25 de junio, y los días 1, 8, 15, 22 y 29 de julio. El espacio escénico, que representa el lugar de creación de la escritora, ha sido diseñado por Claudio Martín y la iluminación por Xavi Mata. La música ha corrido a cargo del compositor Oscar López Plaza y Álex Pachón de las proyecciones de fotografías que van apareciendo durante el relato de la protagonista. La ridícula idea de no volver a vertees el último proyecto hasta hoy de la compañía Arán Dramática. Fundada en 1990 por María Luisa Borruel y Eugenio Amaya, debutó ese año con Estrellas en la madrugada, de Alexander Galin. Desde entonces ha realizado más de veinte montajes sustentados en la reflexión crítica sobre la sociedad actual y un tratamiento moderno del teatro clásico, como refleja su presencia en el Festival de Teatro Clásico de Mérida en cuatro ediciones. La compañía ha sido candidata a los Premios Max en 2014 por Anomia,en coproducción con el Centro Dramático Nacional, en las categoría de Mejor autoría teatral (Eugenio Amaya) y Mejor empresa privada de artes escénicas, y en 2015 por Coriolano, en las categorías de Mejor actriz de reparto (María Luisa Borruel), Mejor actor de reparto (Quino Díez) y Mejor versión teatral (Fermín Cabal). Antes de La ridícula idea de no volver  a verte, había estrenado La torre(2016) y En familia, ambas de Eugenio Amaya (2015). Entre otros montajes del grupo extremeño figuran En casa en el zoo, de Edward Albee (2009); Manual del perfecto trepa,  de Miguel Murillo (2006); La serva padrona, de Goldoni (2004);  Los cañones, de Juan José Marín Torvisco (2003); Agripina, de Fermín Cabal (2002), Medea (1998) y Mujer rota, de Simone de Beauvoir (1996).

TEATRO REINA VICTORIA

TALYCUAL en coproducción con La Alegría, Pentación, La Claqueta y Kubelik

presenta

TRIGO SUCIO

del 5 de mayo al 4 de julio

TalyCual produce junto a Pentación, La Alegría, La Claqueta y Kubelik, Trigo sucio, la última comedia de David Mamet, estrenada recientemente en Londres con John Malkovich como protagonista y dirigida por el propio autor, que pone el foco en el escándalo de Harvey Weinstein bajo el prisma del humor.

Del 15 de abril al 28 de junio de 2020

Protagonizada por Nancho Novo, Eva Isanta, Candela Serrat  y Fernando Ramallo, dirigida por Juan Carlos Rubio en versión de Bernabé Rico, Trigo sucio se estrena el 29 de noviembre en el Teatro Guimerá dentro de la programación de Telón 2019, el Festival de Artes Escénicas de Tenerife. Tras este estreno, en enero comenzará su gira por España antes de recalar en Madrid en la primavera de 2020. Más allá del movimiento #MeToo de rechazo a los abusos sexuales a mujeres, el propio Mamet recalca que Trigo sucio es “una comedia”, género del que afirma que “no es más que una tragedia rotada 90 grados”.

Sinopsis En la meca del cine, el jefe de un estudio cinematográfco dedica su tiempo a seducir a artistas guapas, comprar a la prensa y hacer películas de nulo interés cultural. Para él tan sólo importa el sexo, el poder y el dinero. Hasta que una joven aspirante a actriz se resiste a ponerle precio a su carrera, lo que precipitará la caída del magnate hasta lo más hondo del escalafón social. Nota de David Mamet Tolstoy escribió una vez que leemos el periódico por la misma razón que fumamos: por la agradable sensación de aturdimiento que nos provoca. El negocio de la prensa sensacionalista consiste en vender crímenes y sexo. Por desgracia su análoga más elevada opera de forma similar, enalteciendo la gravedad de la noticia en lugar de simplemente comunicarla. Los escándalos en las altas esferas siempre han sido la principal fuente de ingresos de la prensa. Los seres humanos nos deleitamos en el hundimiento del poderoso. La alegría o tristeza que sentimos por la revelación de sus pecados excusan y por lo tanto validan nuestros propios sueños de grandeza. Pero ya lo dice el proverbio británico: “Un hombre puede robar un caballo mientras que a otro no se le deja mirar por encima de la cerca”. Acusados de los mismos delitos, algunos ​​serán absueltos o levemente castigados y otros serán masacrados solo porque "no caen bien". La falta de conciencia, de vergüenza o de cuidado puede llevar a muchos a complacerse en conductas abusivas y delictivas. Los poderosos o favorecidos, que además no suelen preocuparse por ser descubiertos, se exponen sin tapujos ante aquellos que están bajo su poder (o deseando tenerlo). En ningún sector es esto más cierto que en el cine. La inmediata y profunda transformación del poderoso es, naturalmente, la esencia de la Tragedia. Aristóteles en La poética nos enseñó que el protagonista, al final de la Tragedia, debe pasar por la aceptación y el restablecimiento de la situación. Esto, dicen, despierta en nosotros los espectadores lástima y temor. Lástima por el pobre necio, único ser en todo el teatro que no supo discernir el destino que se le venía encima; y temor, al reconocer en lo más profundo de nuestros corazones el mismo grado de ofuscación e ingenuidad. Una Comedia no es más que una Tragedia rotada noventa grados. Otelo podría reescribirse como farsa en una mañana; estructuralmente es una farsa de alcoba. Una Tragedia nos permite experimentar sin riesgo el concepto de que todos somos pecadores; la Comedia, de que todos somos necios. La Tragedia termina con el orden restaurado al reconocer el protagonista su propia culpa. La Comedia tradicionalmente termina en matrimonio, es decir, con un “fueron felices y comieron perdices” donde el Deus Ex Machina nos asegura, mientras rescata al ingenuo héroe, que ya somos libres de volver a intentarlo (y de nuevo fracasar). En la Tragedia el público se siente aliviado por su moraleja; en la Comedia ocurre a través de la liberación fisiológica de la risa. Siempre he sospechado que el teatro está más cercano a las observancias religiosas de las que procede que lo que nos gustaría admitir. Es por eso que todos llegamos igualmente tarde al teatro que a la Iglesia o la Sinagoga; tarde y preocupados por si aún nos dejarán entrar. De modo que el hecho teatral conlleva ansiedad. Quizás esta sea fruto del temor primario causado por la revelación de nuestra propia naturaleza humana. En cualquier caso, la aceptación de esa premisa me ha proveído sustento durante un gran número de años. Trigo sucio es una Comedia.

Nota del director Tradicionalmente, Mamet ha mantenido siempre una especial relación con España. Nominado al Premio Princesa de Asturias de las Letras 2017, no sólo se ha montado en este país la inmensa mayoría de sus obras sino que siempre han sido producciones de primer nivel. Su nueva obra, con temas recurrentes como el abuso de poder y los juicios mediáticos, no es una excepción. Ni tampoco es excepcional que la haya dejado en manos de la misma compañía que ya trajo a estepaís Muñeca de porcelana y La culpa, asegurando de nuevo los mejores teatros y unos elementos artísticos al mismo nivel que las anteriores. Por eso, España será de nuevo el primer país donde se verá Trigo Sucio después de su estreno mundial en Londres protagonizado por John Malkovich.

• Hollywood is a hell hole.
• Everything in Hollywood is for sale except the awards, which are for rent. Bitter Wheat is a play about a depraved Hollywood mogul.
• CANDELA SERRAT: «‘TRIGO SUCIO’ TRATA EL #METOO, UN TEMA MUY SERIO, PERO LO ENFOCAMOS CON HUMOR»
• Eva Isanta: «Yo creo que se puede hacer comedia con todo»

https://twitter.com/TEATROMADRID/status/1391103052275453955?s=20

 

TEATROS LUCHANA

Verano y humo

presenta

NO FUCKING WAY

Sábados de Mayo y Junio a las 22:15h

El azar llega a los Teatros Luchana con la obra NO FUCKING WAY

El público “decidirá” el orden de las tres escenas en cada función

La compañía Verano y Humo Producciones

  nos trae la nueva obra de teatro “NO FUCKING WAY” interpretada por Judit García, Hugo Alejo y Carlota Baró. Los Teatros Luchana serán los encargados de acoger su estreno el próximo sábado 4 de mayo bajo la dirección de Laura Ortega y deLorena Paz como dramaturga. Una propuesta en la que el público y el azar tendrán un papel fundamental para el sentido y orden de las tres escenas que se desarrollan en cada función. La obra es un recorrido por las vidas de aquellos hombres y mujeres que nos entretienen con sus aventuras en películas de sesión vespertina, pero a los que nunca se les concede una oportunidad para dejar ese juego de azar en el que se ha convertido su camino. “Un camino que no pueden abandonar. Un juego en el que no suele ganar nadie”. Se trata de un viaje por esas ‘road movies’ del cine americano con ambientes sórdidos, muchos secretos, vidas difíciles, burdeles de mala muerte y demasiada colonia barata. Escenarios poco propicios para llevar vidas apacibles. En No Fucking Way casi todos necesitan escapar y para conseguirlo juegan sus últimas y mejores cartas. Comprar entradas

 

Octubre, Come y Calla, Barco Pirata y producciones Rocambolescas

presentan

CONDUCTAS ALTERADAS

  Conductas alteradas” es una divertida comedia tan loca como realista. Parte de una situación casi normal que se va de las manos, Cande (Ana Morgade) y Sebas (Canco Rodriguez) llevan demasiados años guardando debajo de la alfombra sus problemas y estos no hacen mas que crecer y con ellos el caos en el que se ven inmersos.. La necesidad de poner solución a sus caóticas vidas y de arreglar los “problemillas” familiares les hace sacar la versión de ellos mismos más vergonzosa.    

 

CIRCO PRICE

presenta

MISS MARA

el 9 al 12 de mayo

  “Es muy duro nuestro trabajo, requiere una gran riqueza de espíritu. Tenemos que darlo siempre todo, sin quitar nada, esté el circo lleno o vacío. Es un sacrificio constante. Quien se reserva, no es artista”. Miss Mara (San Fernando, 1933-Madrid, 2013). En la pista de circo, dos trapecistas y una actriz se reúnen para acercarse a la fascinante biografía de María del Pino Papadopoulos, más conocida como Miss Mara, una de las artistas españolas del trapecio con mayor reconocimiento internacional. A través  de los acontecimientos y decisiones de Miss Mara, las voces del pasado vienen al presente para iluminar, cuestionar e inspirar a tres mujeres que, como Miss Mara, han dedicado sus vidas al mundo del espectáculo. Un equipo de excepción, formado por artistas de diferentes generaciones y disciplinas escénicas, se lanza al reto de esta escritura híbrida, entre el circo y el teatro, entre lo íntimo y lo histórico, por y para Miss Mara. Dirigido por Teatro en Vilo- Andrea Jiménez y Noemí Rodríguez-, encarnado por las trapecistas Sabrina Catalán y Graziella Galán, la actriz Fátima Baeza y la músico Lise Belperron.

CARTA DE LAS DIRECTORAS

“Llegamos a esta mujer y a este proyecto de la mano de la actriz Fátima Baeza, apasionada investigadora de Miss Mara. Fátima no ha conocido a Miss Mara pero desde que descubrió su figura y sus proezas encima del trapecio, no ha cejado en su empeño por conocer a la mujer detrás de la artista. A esta devoción y a los esfuerzos de la dirección de Teatro Circo Price por rescatar el legado histórico circense debemos nuestra colaboración en este hermoso proyecto. En nuestro intento de acercarnos y acercar la vida de Mara al público, nos hemos visto atrapadas por una historia fascinante, que nos lleva desde su nacimiento en 1933 en el camerino de un circo en San Fernando, hasta su muerte en Madrid en 2013. Es la de Mara una biografía llena de éxitos y proezas, logros impensables, triunfos internacionales e infinitos premios. Pero ¿quién es la mujer detrás de esta “diosa del aire”?  ¿Qué lleva a alguien a arriesgar su vida sobre un escenario?  ¿De dónde nace la extraña fuerza que sostiene a alguien cada noche sobre un trapecio sin seguridad a 14 metros de altura? ¿Qué sacrificios se esconden detrás de quienes trabajan por el aplauso del público? ¿Hasta dónde estamos dispuestas a llegar para rozar la grandeza? Y ¿qué pasa cuando, después de tocar el cielo, el cuerpo ya no aguanta más? A través de esta pieza, queremos entender mejor a Mara, sus anhelos, sus sueños, sus renuncias; pero también entender más sobre el increíble mundo del circo y del espectáculo en general. Lo haremos desde la mirada de tres mujeres que se han sentido profundamente conmovidas e inspiradas por la personalidad y la biografía de Miss Mara, y que son a su vez artistas en activo: ellas son la actriz Fátima Baeza y las trapecistas Sabrina Catalán y Graziella Galán, que serán acompañadas en escena por la músico francesa Lise Belperron”.   Dedicamos un agradecimiento muy especial a las personas que han contribuido al proceso de investigación: Nuria Moreno, Isabel Laso, Gonzalo Arias, Fernando Sánchez-Cabezudo, Elena Ros, Aránzazu Riosalido, Natalia Mateo, Pepe Palacio, Pedro Rocamora y María Díaz  

 

EL UMBAL DE PRIMAVERA

Surge Madrid

presenta

HAY UN AGUJERO DE GUSANO DENTRO DE TÍ

  "Los otros pueden ser mis fantasmas, una madre que quiere operarse la cabeza en otro planeta, una película protagonizada por Nicole Kidman e incluso el tema de una conferencia antropológica a dos voces. Los otros son los ingenieros aeroespaciales que diseñan naves para lanzar almas al espacio cósmico con tal de no ser olvidados. Todas estas posibilidades están dentro del agujero de gusano, un fenómeno igual de especulativo que dedicarse al teatro. Esto es un intento por hablar de los otros para acabar hablando de nosOTROS. "  Este espectáculo ha sido seleccionado en la VI Muestra de Creación Escénica Surge Madrid en residencia con El Umbral de Primavera.  

Nota del director

Es una pieza que nos habla sobre lo hemos perdido en el tiempo. Dentro de esta pérdida hablamos de nuestra infancia, del lenguaje, del amor, el contacto humano, la música o personas que nunca llegaron a pasar a la Historia a pesar de haber hecho cosas importantes.  Para hablar de todo esto utilizamos el fenómeno del agujero de gusano como puente espacio temporal porque nos permite hacer un viaje en el tiempo para ver cómo SOMOS y qué es lo que hemos PERDIDO. También se aborda está temática a través de otras disciplinas como, por ejemplo; la antropología o un idioma extranjero; como el polaco. El equipo está formado por cinco intérpretes que realizan un trabajo visual, poético y dancístico dentro del mundo de la obra. Además, lo acompañan con momentos musicales en directo tocando al piano y contando con la participación del público.  También se utilizan proyecciones para trasmitir dos universos completamente distintos que podría ser el real y el imaginado. La dramaturgia corre a cargo de todo el equipo.  Los intérpretes se han hecho cargo de crear sus propios textos con el objetivo de incluir el punto de vista personal de cada uno.  

La Compañía

Malala Producciones nace en el año 2014 con motivo del festival Talent Madrid con "Labels, desahogo social" en los Teatros del Canal (Sala Verde). En los siguientes trabajos el objetivo de la cía ha sido fusionar el lenguaje del texto con el del cuerpo para potenciar un estilo propio y reconocible. Y el resultado fue "#noLUGAR". Una pieza de danza-teatro que fue seleccionada en el festival IMPARABLES 2016 de nave 73. Posteriormente también estuvo programada en el Umbral de Primavera. Y consiguió el premio a “mejor obra, mejores actrices de reparto y mejor técnico” en el festival MUTIS de teatro independiente de Barcelona (2017). ​ También trabajan obras cuya base es el texto, como por ejemplo "En La Capital" escrita y dirigida por Tomás Cabané en Espacio Labruc (2016) y en Espacio DT (2018). Otro de los proyectos de la cía es "El viento hace la veleta" del dramaturgo alemán Philipp Löhle que se estrenó en nave 73 en Julio. Recientemente se estrenó “En La Capital” en la ciudad de Lima, Perú gracias al colectivo escénico Las Crías.

El director

Tomás Cabané es Egresado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Actualmente trabaja como profesor de interpretación para adolescentes en Primera Toma Coach. Entre sus últimos trabajos ha dirigido una lectura dramatizada de un texto de Paco Gámez en el Pavón Teatro Kamikaze y participa en Guerrilla del Conde de Torrefiel en los teatros del Canal.  Lo último que ha dirigido ha sido El viento hace la veleta, del dramaturgo alemán Philipp Löhle en nave 73 que estuvo cuatro meses en cartel. Hizo sus prácticas en el teatro de la Abadía con Alfredo Sanzol con La ternura y ha trabajado como asistente de dirección en PeepBox 350, una creación de Mey Ling-Bisogno. Ha recibido tres premios con su pieza de danza-teatro #noLUGAR en el festival Mutis de teatro independiente de Barcelona. También escribe y dirige sus propias obras como, por ejemplo; Costa da Morte, En la Capital y Labels. Completa su formación con profesionales como Sergio Blanco, Guillermo Cacace, Pau Aran y Laia Santanach.     Comprar entradas

TEATRO DEL BARRIO

Kendosan Producciones

presenta

EL HOMBRE Y EL LIENZO

A partir el 12 abril, miércoles a las 22h.

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Y AHORA: Cantajuego presenta Elena ¿Sabías qué?

 

TEATRO MARÍA GUERRERO

presenta

METÁLICA  [Escritos en la escena III]

Íñigo Guardamino (Texto y dirección)

 

 

TEATROS DEL CANAL

CARLOTA FERRER / DRAFT.INN

presentan

EL ÚLTIMO RINOCERONTE BLANCO

Versión sobre El pequeño Eyolf de Ibsen donde conviven palabra e imagen, teatro y danza, tradición y modernidad

  Lo nuevo de Draft.Inn, la compañía de la actriz y directora Carlota Ferrer y del dramaturgo José Manuel Mora, mira a Ibsen después de mirar a Lorca. El tándem creativo que conforman ha cuajado ya un puñado de montajes donde la palabra convive con la imagen, el teatro con la danza y la tradición con la modernidad. Ese sello característico va a estar también en esta versión libre sobre El pequeño Eyolf, un texto de la etapa final del autor noruego (fechado en 1894) que rara vez se ha montado por aquí. Ferrer y Mora quisieron dialogar desde nuestro presente con una obra escrita hace 120 años porque encontraron una historia tan fascinante como inquietante en la relación de sus dos protagonistas, el matrimonio formado por Allmers y Rita, con el hijo de ambos. Allmers, al principio, es un hombre entregado en cuerpo y alma a su trabajo de escritor y pensador y al libro que lleva tiempo confeccionando sobre la educación de los hijos. Rita siente que no entra en esa ecuación. Pero un acontecimiento fortuito en un viaje por un fiordo da un giro de timón inesperado en la vida de ambos, cuando Allmers renuncia a seguir con su libro para pasar de la teoría a la práctica y ocuparse, de verdad, de la educación de su hijo, el pequeño Eyolf, del que realmente Rita no se ha ocupado nunca como madre. José Manuel Mora, que ha intervenido en el texto para rebajar su tono melodramático, propio de la época, asegura sin embargo que, “de ese melodrama noir, seco, nórdico que plantea la obra en un principio, la historia acaba proponiendo un drama existencial, metafísico y espiritual. Los diálogos de la pareja son de un voltaje emocional tremendo, son puro Bergman. Y el texto contiene unas imágenes poderosísimas”. La obra les interesó porque encierra un conflicto absolutamente contemporáneo: la responsabilidad de todos, hombres y mujeres, sobre lo que dejamos a quienes nos suceden y, sobre todo, esa asunción o no del mandato biológico de la maternidad.  

CARLOTA FERRER

Divide su quehacer teatral entre la interpretación , la dirección e interpretación. Actualmente en cartel interpreta a Angustias en las hermanas Rivas dirigida por Adriana Roffi, firma la coreografÌa de El misántropo, próximo estreno del director Miguel del Arco y asiste en la dirección a Alex Rigola en Maridos y mujeres en el Teatro de la Abadia, teatro en el que trabaja hace ya más de una década, donde ha trabajado como actriz, directora, ayudante de dirección o asesora de movimiento escénico con los directores Ana Vallés, Alex Rigola, José Luis Gómez, Krystian Lupa, por citar algunos. Fuera de La Abadía colabora artísticamente con el proyecto Draftinn con José Manuel Mora con quien forma pareja artística autor-directora desde que se conocieron estudiando en la Resad.   Comprar entradas

 

Bonjour mon amour en coproducción con Teatros Romea y TCM

presenta

VOLVIÓ UNA NOCHE

 

TEATRO REINA VICTORIA

Pentación

presenta

ESPERANDO A GODOT

del 3 al 27 de septiembre

Godot es hoy en día más que una obra de teatro, un clásico del siglo XX. Forma parte la imaginación colectiva. La fuerza, el humor, la poesía, la ternura, el dolor, la risa que nos transmite esta obra, metáfora de la vulnerabilidad y el coraje del ser humano, siguen vigentes. El público merece ver representada esta maravilla. Una obra que Beckett defnió cómo horriblemente cómica. Dos amigos, casi hermanos, una extraña pareja que mientras están esperando, hablan, discuten, juegan, se desafían, se reconcilian, se aman, se repelen. Llega otra extraña pareja, aún más extraña, el juego se diversifca. Godot no llega, pero llega su emisario. Raudales de humanidad en personajes desamparados, errantes, desacoplados, que nos recuerdan que el ser humano, aun en situaciones muy difíciles, es capaz de levantarse o por lo menos como hace Estragón en el fnal de la obra, de volverse a poner los pantalones, que, a falta de cinturón, se ata con una humilde cuerda. Un espectáculo fundamentado en la humanidad y comicidad de sus sensacionales actores, en la palabra y el espacio, en la poesía y el humor. La obra está dividida en dos actos. La trama trata de Vladimir (también llamado "Didi") y Estragon (también llamado "Gogo"), quienes llegan a un lugar junto a un camino, al lado de un árbol, para esperar la llegada de Godot. Vladimir y Estragon parecen ser vagabundos: su ropa es andrajosa y no les viene bien; otra teoría es que podrían ser refugiados o soldados desplazados de un conflicto, como la Segunda Guerra Mundial, que acababa de terminar y que inspiró mucho la dramaturgia de Beckett. Pasan el tiempo conversando y a veces discutiendo. Estragon se queja de que las botas no le vienen, y Vladimir presume de piernas agarrotadas debido a un doloroso problema de vejiga. Hacen vagas alusiones sobre la naturaleza de sus circunstancias, y sobre las razones para encontrarse con Godot (pero el público nunca llega a saber quién es Godot o por qué es tan importante). Pronto les interrumpe la llegada de Pozzo, un hombre cruel pero lírico que afirma ser el dueño de la tierra donde se encuentran, junto con su criado Lucky, a quien parece controlar por medio de una larga cuerda. Pozzo se sienta para darse un festín de pollo, y más tarde tira los huesos a los dos vagabundos. Los entretiene haciendo a Lucky bailar animadamente, y entonces les da un sermón improvisado sobre las teorías de George Berkeley. Tras la partida de Pozzo y Lucky, un niño llega con un mensaje de Godot: "aparentemente, no vendrá hoy, pero vendrá mañana por la tarde". El muchacho también confiesa que Godot pega a su hermano y que él y su hermano duermen en la buhardilla de un granero. El segundo acto sigue un patrón similar al del primero, pero cuando Pozzo y Lucky llegan, Pozzo se ha vuelto inexplicablemente ciego, y Lucky, mudo. De nuevo el chico llega para anunciar que Godot no vendrá, si bien el muchacho afirma no ser el mismo niño que el día anterior había traído el mismo mensaje. [gallery columns="5" link="file" size="medium" ids="94182,94183,94184,94185,94186"] Cuando en 1953 se estrenó en París Esperando a Godot, casi nadie sabía quien era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocían como ex secretario de otro irlandés, no menos genial, James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de su obra literaria; sin embargo, para muchos, pasó a ser «el autor de Esperando a Godot». Se dice que, desde aquella primera puesta en escena –que, realizada por el gran Roger Blin, causó estupefacción y obtuvo tanto éxito– hasta nuestros días, no ha habido año en que, en algún lugar de nuestro planeta, no se haya representado Esperando a Godot. ¡Más de cuarenta años en los escenarios del mundo! El propio Beckett comentó en cierta ocasión, poco después de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1969, que Esperando a Godot era una obra «horriblemente cómica». Sí, todo lo horriblemente cómica que puede resultar, a fin de cuentas, la angustiosa situación límite de dos seres cuya vida y grotesca solidaridad se forjan el la absurda y vana espera de ese quién sabe qué (o quién) al que llaman Godot...

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