Histórico
Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos
Corral Cervantes
CERVANTES BAILA
Compañía: BRONCE DANZA
HOY SÁBADOV3 DE AGOSTO, EN LA TAQUILLA DEL CORRAL CERVANTES,NOMBRANDO "PROMO MADRIDESTEATRO" LAS ENTRADAS TE CUESTAN 2 EUROS CADA UNA
Corral Cervantes
EL BUSCÓN
Compañía: TEATRO DEL TEMPLE
Fechas: Del 13 al 17 de octubre
Horario: 21:00 horas
En la realidad escénica, nos mueve la convicción de que es mucho más sencillo para el espectador contemporáneo vivir la literatura clásica que leerla. El teatro nos da esa posibilidad. El Buscón es uno de esos textos que reúnen todas las condiciones previas para crear un espectáculo para todos los públicos. No es que pensemos que los clásicos son divertidos. Es que, en muchas ocasiones, si no son divertidos, es que no son clásicos. De la mano de Quevedo, queremos seducir al espectador con una risa que provenga de una vivencia escénica singular y cercana.
El Buscón del Teatro del Temple intenta encontrar a la persona que Quevedo oculta deliberadamente detrás de sus aventuras y desventuras. Pablos no existe en virtud a su propia individualidad, sino sólo en función de todo lo que le ocurre, embarcado en una carrera por superar una serie ininterrumpida de obstáculos que dificultan su propósito: ser otro. Es decir, el conflicto que con más recurrencia y efectividad se ha planteado en la historia del Teatro.
SINOPSIS
En mitad de un sofocante verano de 1626, en la imprenta zaragozana del maestro Vergés, se edita por primera vez La vida del Buscón llamado don Pablos, de Francisco de Quevedo. Esa primera edición se realiza sin su consentimiento. Es, en cierto sentido, una copia pirata. Es una ironía a la altura de la historia el hecho de que las aventuras de uno de los antihéroes más incorrectos de la historia de la literatura española tengan como carta de presentación un acto de piratería editorial.
Don Pablos, el Buscón, es un ser marginal que intenta rebelarse contra su destino de desheredado de la fortuna. Hijo de padres de conducta discutible, su viaje en busca de la honorabilidad y sus intentos inútiles por ascender en la escala social de la época, lo ponen en contacto con todos los estamentos: el clero, la milicia, el mundo del dinero, el de las comedias, los chulos, las meretrices, los alguacilillos… Cuanto más virtuoso intenta ser, más tortuosos son los senderos que tiene que recorrer. Y de ese contraste entre realidad y deseo, tan antiguo como el propio ser humano, brota un sentido del humor incontenible, torrencial y peripatético. Y también, insospechadamente, el amor. Y el salto a América, a donde, probablemente, el bueno de Pablos nunca llegará.
ARTESPACIO PLOTPOINT
Garamendy y Beluna Artistas s.l.
Presenta
DESCUBRIENDO A GILA
- En este 2019 se cumplen 100 años del nacimiento de Miguel Gila, humorista, actor y dibujante y el actor Pepe Garamendy presenta este espectáculo basado en la adaptación de textos y cuentos cortos del cómico. - Descubriendo a Gila se estrenó en la Sala Picadero de Buenos Aires y estará en la Sala Plot Point de Madrid todos los domingos de agosto a las 20h. -Nacido en Madrid 1919, el 13 de julio de 2001 en Barcelona fallecía uno de los grandes cómicos de nuestra historia. Así que es un momento perfecto para seguir Descubriendo a Gila.
TEATRO LAGRADA
Claqué Teatro
presenta
REAS
Reas, una llamada a las mujeres que toman las riendas de su destino. La obra cuenta la historia de dos mujeres que cruzan sus vidas en la lavandería de una prisión, entablando una relación de odio y amistad que las llevará a develar los secretos más ocultos de cada una, sus pasiones, deseos, pero sobre todo el papel que juegan los hombres en sus vidas, ¿hasta dónde están dispuestas a llegar por ellos?Gracias a sus recuerdos, sueños y relatos se enfrentarán a los motivos por los que tienen manchadas sus manos de sangre. De la mano de los pensamientos de la “Madre” en Bodas de sangre y Yerma se encuentran los personajes de esta pieza teatral. Lorca nos da Mujeres fuertes, llenas de alma, de dolor y ansias de libertad. Realidades que no eran relevantes para su contemporaneidad pero que con su sensibilidad supo mostrar al espectador. De aquí que Reas se vuelva una pieza que desde el pasado de estos personajes se nutra para representar algunas realidades de la mujer. Dos vidas encerradas en una cárcel, dos luchadoras que rompen el destino escrito para ellas. Dos mujeres que desde esta propuesta teatral nos muestran su verdadero rol en la sociedad. Creando un nuevo estandarte de Lucha, transgresión y vida. Claque teatro es un colectivo artístico colombiano fundado en el 2012. Conformado por artistas profesionales en diferentes ramas artísticas, quienes convencidos de que el arte es un elemento potente y transformador de sociedades, buscan crear piezas artísticas donde se toquen, expongan y analicen problemáticas socio - políticos actuales de los diferentes territorios donde Claque Teatro haga presencia. EL colectivo trabaja a partir de la técnica de creación colectiva, tanto para el tratamiento de materiales dramatúrgicos como para la creación de textos originales. Creando piezas teatrales que conjugan la realidad social y la visión del grupo frente al mismo.
TEATRO MARQUINA
presenta
JORGE BLASS INVENCIÓN
Una idea, un momento de inspiración de una sola persona puede tener un gran impacto en la humanidad, incluso llegar a transformarla. Como ilusionista trato de reinventarme, crear efectos sorprendentes nunca antes vistos, con el objetivo de ilusionar y entretener a millones de personas. Éste show representa mi visión de cómo es la magia en el siglo XXI, un arte milenario reinventado a lo largo de siglos hasta nuestros días. En Invención no verás conejos, chisteras ó juegos de cartas. Es mi última propuesta teatral donde exploraré los misterios de la magia moderna, un viaje interactivo en el que abriremos juntos una ventana al futuro, en el que descubriremos la magia que aún no ha sido inventada” Jorge Blass.Jorge Blass: "En Invención no hay conejos ni chisteras, sino robots
TEATROS DEL CANAL
Aquafilms
presenta
VOLAR ES HUMANO, ATERRIZAR ES DIVINO
Enrique Piñeyro ha sido médico, comandante de línea aérea, actor, productor y director de cine. Siempre ha afirmado que se hizo piloto para no viajar en clase turista. A partir de esto crea un espectáculo hilarante, tranquilizante para los que temen volar e inquietante para el resto. Volar es humano, aterrizar es divino es uno de los grandes éxitos del Teatro Maipo de la calle Corrientes de Buenos Aires.
La obra recrea un vuelo de Avianca durante su aterrizaje en Nueva York. A partir de aquí, y gracias a su experiencia como comandante de línea aérea, su formación de médico y sus observaciones sobre los errores humanos, descubre los fallos habituales en la comunicación diaria y los contrapone a la comunicación aeronáutica. Para ello, toma ejemplos de la publicidad, la política, la educación, la justicia y la salud.
La puesta en escena logra una fusión perfecta entre el cine, el teatro y el monólogo de humor. El autor sorprende con su ironía y convierte este original espectáculo en un nuevo género que alterna sin pausa entre la risa y la reflexión.
Enrique Piñeyro ha logrado que su nombre sea reconocido en el cine y teatro como productor, actor y director; en la aviación, como comandante de línea aérea e investigador de accidentes; como activista en derechos civiles y denunciante contra la corrupción enquistada en la actividad aerocomercial argentina. Es también médico especializado en medicina aeronáutica.
Participó como investigador de parte de la Federación Internacional de Pilotos de Líneas Aéreas, en el accidente de Austral 2553, ocurrido en Gualeguaychu (Argentina, 1997). Colaboró en la desgrabación de la caja negra en Washington, en el National Transportation Safety Board (NTSB) y fue testigo en la causa penal instruida a raíz de este accidente.
En 1999, después de desempeñarse como piloto durante más de once años en la línea aérea LAPA, renunció a su cargo dejando por escrito una dura advertencia sobre la inevitabilidad de un accidente que ocurriría dos meses después. El vuelo 3142 de la compañía se estrellaba causando la muerte de 65 personas. Su ópera prima, Whisky Romeo Zulú (2004), sobre el trágico accidente le consagró como un referente de la seguridad aérea en Argentina y en el mundo.
Su actividad pública ha estado marcada por la lucha contra la corrupción que, en el caso de la aviación, ponía en riesgo vidas humanas. Con un fuerte impacto mediático, sus documentales han contribuido, no solo a denunciar irregularidades, sino a generar conciencia y producir cambios en la esfera pública, judicial y política de la sociedad argentina.
Al día siguiente del estreno de su segundo largometraje, el documental Fuerza Aérea Sociedad Anónima (2006), el entonces presidente de Argentina, Néstor Kirchner, quitó el poder de la Aviación Civil a la Fuerza Aérea. Enrique Piñeyro declaró en el juicio donde serían imputados seis altos jefes militares. Fue testigo de la Fiscalía en varias causas resonantes. Hizo las pericias que llevaron a la condena de dos pilotos implicados en los vuelos de la muerte durante la dictadura argentina.
Su documental El Rati Horror Show (2010) tuvo un papel fundamental para la liberación de Fernando Ariel Carrera, víctima de una causa judicial manipulada y condenado injustamente a treinta años de prisión. La Corte Suprema aceptó el documental como prueba y liberó y absolvió a Carrera. Cuatro años más tarde, se asoció con la organización estadounidense Innocence Project y fundó su filial en Argentina donde, junto a un equipo de abogados, trabaja para liberar a inocentes erróneamente condenados.
Además de colaborar con múltiples medios, Enrique Piñeyro ha sido orador invitado por la NASA, la Organización de Aviación Civil Internacional dependiente de la ONU, la Cámara de Diputados española, el Senado colombiano, la Federación Internacional de Pilotos de Líneas Aéreas, Innocence Networ Conference, la Escuela Penitenciaria de la Nación Dr. Juan José O’Connor entre otras instituciones de Argentina y el mundo, para hablar como referente en la seguridad aérea y la justicia.
Su trayectoria actoral consta de más de 15 películas, entre las que se encuentran Garage Olimpo (1999), Esperando al mesías (2000) o la mini serie La fragilidad de los cuerpos (2017). Además, su trabajo como productor y director bajo la firma de su productora, Aquafilms, le ha granjeado varios premios. Con Whisky Romeo Zulú, obtuvo el Sol de Oro a la Mejor Película en el Festival de Biarritz. En 2011, fue reconocido por la Fundación Konex con el premio Konex de Platino 2011, como Documentalista de la Década. En 2013 el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires le honró con una Retrospectiva de su Obra en el Cine El Plata.
Desde el 2014, es productor, director y actor del espectáculo teatral Volar es humano, aterrizar es divinoque, en 2018 llegó por primera vez a las salas españolas.
PALACIO MUNICIPAL DE CONGRESOS DE CAMPO DE LAS NACIONES
Proactiv y Planeta Junior
presenta
MIRACULOUS
del 21 al 29 de diciembre
El debut en vivo de los personajes de Marinette Dupain, LadyBug, y Adrien Agreste, Cat Noir, cuenta con la participación de Jeremy Zag, uno de los principales artífices de la serie francesa que triunfa en todo el mundo y que ha creado un guion y unas partituras originales para este espectáculo. Se trata de una producción que permitirá ver a LadyBug como nunca antes se había visto fuera de la televisión: con más de veinte personajes en acción, vuelos escénicos, pantallas led, momentos mágicos y la esperada transformación de Marinette en la superheroína a la que todos los niños y niñas adoran. El equipo creativo, en su mayoría formado por talento nacional, está trabajando en la actualidad para llevar a cabo esta producción de proyección internacional, que también recorrerá Europa i Latinoamérica, una vez finalizado su periplo español. ‘MIRACULOUS’ es la primera coproducción entre Proactiv y Planeta Junior. “El show de Miraculous es un proyecto ambicioso, en el que llevamos trabajando junto con Planeta Junior desde hace varios años. Siempre es un desafío dar vida a los personajes de una serie animada, y aquí no sólo eso, sino que es el primer show que se hace a nivel europeo cuyo guion también esta creado por uno de los autores de la serie. Hemos puesto toda nuestra experiencia en espectáculos para que esta producción trasporte al público, niños y adultos, al mundo de Ladybug como nunca antes” comenta Horacio Renna, CEO y Fundador de Proactiv. “No siempre la audiencia es consciente del trabajo de años que implica una producción como esta. Pensar en grandes magnitudes, para luego crear cada detalle que te haga sentir “dentro de la serie”. Generar emociones es uno de los trabajos más difíciles y al mismo tiempo gratificantes. Para nosotros el show tiene que transmitir lo que siente el personaje en cada parte de la historia. Pero además con el agregado de que lo debe lograr para todo tipo de público, en cualquier parte del mundo”, palabras de Nicolás Renna, Managing Director de Proactiv. Por su parte, Ignacio Segura. General Manager de DeAPlaneta destaca que: “Estamos muy ilusionados con este proyecto, que es la culminación del viaje apasionante del fenómeno mundial Miraculous: Las aventuras de Ladybug y Cat Noir. Y qué mejor socio para hacerlo que Proactiv, cuya dilatada experiencia asegura un espectáculo lleno de sorpresas y emoción para toda la familia. Estamos deseando que todos los fans de Marinette y Ladybug puedan vivir en directo las aventuras que hasta ahora solo podían ver en televisión y en su propia imaginación. ”
TEATRO LARA
presenta
ASÍ SE ESCRIBIÓ NUESTRA VIDA
Así se escribió tu vida es una fantástica comedia que se representa en la Sala Lola Membrives a partir del 9 de julio.
Nos cuenta la historia de una mujer ha sido abandonada por su pareja y será capaz de todo por recuperarla, incluso se atreverá a enfrentarse a la persona responsable de escribir la historia de su vida.
TEATRO ESPAÑOL
Seda y Tanttaka Teatroa
presentan
EL SIRVIENTE
El sirviente habla de la gruesa línea fronteriza que existe entre clases sociales…Una relación de poder donde cohabitan la ambigüedad, la sumisión y la manipulación. Una relación cargada de suspense emocional en la que la lucha moral y sexual se mezcla sibilinamente con la lucha de clases. Una relación entre amo y sirviente, en la que el criado aniquila con perseverancia, ingenio y minuciosidad las barreras sociales, dinamitando pacientemente los roles preestablecidos hasta controlar la voluntad de su amo. Una relación de dominación, de atracción, de dependencia y de emancipación. Mireia Gabilondo TONY: Esta es la norma que debe recordar. Nada de agobios. BARRET: Me esforzaré en lograr su comodidad. TONY: Espléndido. Le espero mañana por la mañana. Buenas noches, Barret. BARRET: Buenas noches, señor.SinopsisTony, un londinense de fortuna, contrata a Hugo Barret como su criado. Al comienzo, Barret parece tomar con tranquilidad su nuevo trabajo, y él y Tony forman un vínculo tranquilo, manteniendo ambos su posición social. Sin embargo, el vínculo comienza a cambiar con la aparición de Susan, la emocionalmente forzada novia de Tony, que sospecha de Barret y aborrece todo que él implica. Barret presenta a Vera, de quien dice es su hermana, para optar a un trabajo como criada del dueño de casa, pero resulta que en realidad Vera es su amante. Ambos comienzan un juego perverso de maquinaciones, que poco a poco van transformando sus papeles de una manera tan sutil como perversa, hasta reemplazar de hecho los de Tony y Susan.
Eusebio Poncela y Pablo Rivero llevan, en una versión teatral, al límite la relación homosexual y de enfrentamiento social de la novela de Robin Maugham, que adaptó al cine Joseph Losey
TEATRO DE LA ABADÍA
Bella Batalla
presenta
SEA WALL
Del 12 de septiembre al 24 de octubre, 2020. 18:30 h. Jardín de la Abadía.
La Abadía sigue apostando por presentar espectáculos en vivo, trabajos profesionales retribuidos, para así apoyar la imprescindible labor de los artistas, uno de los colectivos más afectados por la crisis del COVID-19 y el cierre de los teatros. Todas las funciones tienen un precio simbólico de 5€ y en este caso ambas compañías han decidido donar sus retribuciones y fondos recaudados a #YoMeCorono (www.yomecorono.com/).
“¿Qué es eso, Álex?”, me dicen. “Parece que tienes un agujero enorme atravesándote todo tu centro.” El jardín del Teatro de La Abadía acoge Sea Wall, una experiencia teatral para veinte espectadores que junto a Un roble, espectáculo también dirigido por Carlos Tuñón, compone un díptico sobre la ausencia y el dolor. La pieza se representa al atardecer, a lo largo de una hora, desde que empieza a caer el sol hasta que se oculta por completo. Nacho Aldeguer interpreta a Álex, un fotógrafo amante de la vida, de su mujer, de su hija pequeña y de las conversaciones con su suegro, un exmilitar jubilado con quien tan pronto habla de cervezas como de tenis o de Dios. Sea Wall nos cuenta las consecuencias de un acontecimiento dramático y cómo intenta continuar hacia delante, devolviéndonos la belleza de la vida con todas sus contradicciones y sinsentidos aparentes.
Es un texto breve e intenso escrito por Simon Stephens, uno de los dramaturgos británicos más premiados y estrenados de las últimas décadas.Surgió a raíz de un encargo del Bush Theatre de Londres, que necesitaba programar obras que pudieran representarsemientras llevaban a cabo reformas en el teatro. De ahí, la sencillez de su puesta en escena. Después, Sea Wall ha sido un fenómeno teatral entre crítica y público pasando entre otros por el National Theatre, el Old Vic y festivales como los de Edimburgo o Dublín.
El periódico The Guardian dijo sobre el montaje original: “Una de las experiencias más devastadoras que puedas vivir en el teatro. Un monólogo empapado de dolor, de un hombre que lo pierde todo […]. Cada palabra se instala en tus huesos y se enfría allí.”
Andrew Scott, Tom Burke and Simon Stephens at the Sea Wall guest night
Tragedia para diez espectadores
MET OPINA: Para aquellos que tienen la gran suerte de tener una entrada para Sea Wall (todas las entradas agotadas!) en la Abadía, ya pueden ser felices. Un trozo de carne lleno de vísceras, amor y dolor que te lleva justo a la boca del estómago. GRACIAS!. SEA WALL
TEATRO ALFIL
Esperanza Pedreño
presenta
CONEJA
Esperanza Pedreño regresa a las tablas en el teatro Alfil, con su apuesta más personal: "Coneja. Trilogía de la desaparición" .
Pedreño, la magistral y ya mítica Cañizares de Cámera Café, vuelve además a ese terreno que domina a la perfección: el humor. Un humor, por cierto, no reñido con la crudeza de un relato que dispara directo tanto a la realidad como al surrealismo. En ambos lugares, por cierto, Pedreño se mueve muy bien. Por eso puede decirse que Coneja. Trilogía de la desaparición es Esperanza Pedreño en estado puro. Sí, eso que se dice tanto ahora y que muchas veces no es para tanto... No sé de qué puro me habla, ni quién en qué estado... Coneja, primera parte de Trilogía de la desaparición, es una payasada que gira en torno a los sueños rotos. Con la clara intención de ofrecer un disparate surrealista que trata de manera subversiva los conflictos internos que surgen durante el embarazo, la conciliación y en la educación de los hijos. Un monólogo con auténtico gancho escrito por una rebelde que se atreve a poner el dedo en la llaga de las cosas que nadie te cuenta y que te hará reflexionar sobre el desplazamiento al que se ve abocada la mujer una vez que se convierte en madre. Bueno, "Coneja. Trilogía de la desaparición", escrita, dirigida, interpretada, y hasta casi digerida y ahora a vuestro servicio, por Esperanza Pedreño es teatro, y ella misma, en estado puro por todo esto que se cuenta. Sin más. Estaréis convencidos. Si resultó genial en Mi relación con la comida, de Angélica Liddell, y parecía que la obra era suya desde el primer momento, ahora Esperanza Pedreño se lanza a las tablas en lo que es todo un triple salto... vital, esperemos... Porque se la juega desde la escritura, dirección y producción. Porque, aunque deja los personajes colgados en el perchero del camerino, y le gusta pasear de vuelta a casa, y poco a poco no ser la chica que estaba en el escenario sino ser alguien normal, y, por ejemplo, tomarse un buen verdejo para despedir el día, de lo que no le va a quedar duda a nadie, querido espectador, crítico o periodista, es de que Esperanza Pedreño siempre actúa, vive y juega en serio. Por eso, nadie en su sano juicio debería perderse Coneja, lo nuevo de Pedreño. Esperanza Pedreño es todas la mujeres y ella misma en Coneja, una historia de humor dramático desde un lugar en el que habitó el amor. Es humor sin demagogia, porque no sabe hacerlo de otra forma. No hay oportunismo en Coneja porque es el relato de la vida misma, contado como sólo ella, Pedreño, sabe hacerlo, agarrada a una varita mágica en la que el surrealismo es la viva expresión de la realidad. Es decir, no hace nada por nada, y el artificio está al servicio de lo que cuenta. Consigue, como hizo en sus anteriores trabajos, ir colocando el espejo narrativo sin que te des cuenta. Hasta que descubres que lo que está contando ese personaje se va acercando al espectador hasta que se ve uno mismo. A partir de ahí, el juego está servido: la historia de una mujer, madre, mujer de un marido que ya no está, mujer en presente, mujer con todas las mochilas de la vida con las que tiene que cargar una mujer para que la balanza siempre esté descompensada en contra de ellas. La carga de profundidad adquiere aquí una virtud que la actualiza cuando junto al humor que hace pensar, también es un ejercicio cómico para reírse de la vida. Haga lo que haga, siempre es Esperanza Pedreño en estado puro. Como le gusta complicarse la vida de artista, he aquí Coneja, una historia de humor sobre la mujer que no se queda solo en eso sino en reivindicar su propia existencia.