Histórico

TEATRO ESPAÑOL

K Producciones

presenta

SIVERIA

Texto de Francisco Javier Suárez Lema 

DEL 11 AL 28 DE FEBRERO DE 2021

El día 23 de julio de 2019 fue asesinada en San Petersburgo la conocida activista Yelena Grigórieva. Yelena se había dedicado los últimos años a la defensa de los derechos del colectivo LGTBI ruso. Grigórieva, de 41 años, había denunciado que llevaba un tiempo recibiendo amenazas de grupos homófobos y ultranacionalistas. La policía halló su cuerpo, cosido a puñaladas, en plena calle, escondido tras unos matorrales.

El 31 de enero de 2014 se inició un proceso contra Yelena Klimova, activista y fundadora del grupo en la red social Vkontakte, en el cual se publican las cartas de adolescentes LGTBI de varias regiones de Rusia. Klimova fue acusada de generar “propaganda homosexual” y condenada a pagar una multa de 50.000 rublos.

Avalada con la Mención de Honor del Premio Leopoldo Alas Mínguez 2015, Siveria quiere ser un homenaje a todas las Yelenas, trazando una semblanza sobre los fanatismos y la traición, con Virginia Woolf y la música de Jeff Buckley como fuentes de inspiración.
K Producciones

Elena y Kristof son dos activistas que comparten piso en una ciudad de la Rusia de Putin. Desde su apartamento, esquivan las leyes gubernamentales que prohíben la propaganda homosexual, editando una página web que da apoyo a jóvenes LGTBI rechazados por sus propias familias. Todo parece funcionar hasta el día en que la policía secreta, que ha estrechado el cerco, se lleva detenida a Elena y le somete a un interrogatorio en el que un implacable inspector pondrá a prueba su lealtad a la causa por la que ella siempre ha luchado. Basada en hechos reales, Siveria recrea, de modo libre, con las hechuras del género del suspense clásico, los días previos a la detención y el interrogatorio de la activista rusa Yelena Klimova.

TEATRO ESPAÑOL

AJ Claqué, Mardo, Juan Carlos Castro y María Díaz Comunicación

presenta

MARIANA PINEDA

De Federico García Lorca 

DEL 27 DE ENERO AL 7 DE FEBRERO DE 2021

En ocasiones, el amor es un mar profundo donde morimos ahogados, un lugar que al mismo tiempo es prisión y horizonte, un tiempo parado donde ni tan siquiera el aire sucede. En ocasiones el amor es un verano nevado…una quimera, un cuento que nos contamos a nosotros mismos para poder seguir viviendo.

El amor de Mariana Pineda es así.

Se ha hablado mucho de Mariana Pineda, tanto del personaje histórico como del personaje creado por el gran poeta Federico García Lorca, se ha debatido sobre si Mariana era una mujer revolucionaria o si por el contrario tan sólo era una mujer enamorada. Sin embargo, cada vez que releo el texto del genial poeta granadino, una idea me asalta la cabeza, Mariana Pineda es una persona que se atreve a perseguir sus certezas hasta las últimas consecuencias. Una mujer que se rebela contra todo lo establecido en su sociedad moviéndose al compás de su propio corazón, un corazón libre que no entiende de normas, de géneros y que sobre todo, no entiende de miedo.

Y hemos de preguntarnos como espectadores de esta carta de amor que nos escribe Federico, qué tipo de persona somos nosotros, si un torrente como Mariana o por el contrario somos islas, eternamente quietas y rocosas, como el resto de los personajes de la trama. Y no importa si hablamos de ideales, de sueños… o simplemente de amor…. hay certezas que se tienen tan solo una vez en la vida…

Mariana y Federico lo sabían…y por eso las defendieron… hasta el último aliento.
Javier Hernández-Simón

Mariana Pineda | De Federico García Lorca

En 1924, Federico García Lorca escribe esta obra teatral cuya voz principal, la de Mariana Pineda Muñoz, aflora de una mujer que fue condenada a muerte en el siglo XIX por su sólida defensa de ideas liberales. 

La representación en los escenarios de Mariana Pineda se vio condicionada por las trabas que impuso la censura de Primo de Rivera. El estreno tuvo lugar en 1927, en el Teatro Goya de Barcelona. El papel principal lo encarnó Margarita Xirgu y las escenografías fueron diseñadas por Dalí.

Mariana Pineda constituye una obra de juventud de García Lorca, pero en ella están ya presentes todas las virtudes del poeta y dramaturgo granadino. La subordinación del universo político al emocional humaniza el nudo dramático de la narración y le otorga un sentido eterno y universal: ?¡Yo soy la Libertad, porque el amor lo quiso!?

sinopsis
La protagonista borda una bandera liberal para don Pedro de Sotomayor, su enamorado y cabecilla del movimiento revolucionario. Don Pedro se reúne con otros conspiradores en casa de Mariana, pero la llegada de Pedrosa, autoridad gubernamental, los obliga a escapar. Pedrosa, que conoce la conspiración, intenta que Mariana acceda a sus requerimientos amorosos a cambio de desconocer su implicación. Ella no cede y es apresada, la condenan a muerte y queda recluida en un convento.

• «Mariana Pineda se atrevió a perseguir sus certezas hasta el final, hasta las últimas consecuencias»

TEATRO LA LATINA

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Mixtolobo y Pentación

presentan

ANFITRIÓN, de Molière

Versión y dirección: Juan Carlos Rubio

Desde el 7 de julio de 2021

Un robo, señoras y señores. Eso fue lo que cometió Molière con Anfitrión, el divertido texto original del autor latino Plauto. Y dueño ya de ese suculento botín lo transformó a su antojo gracias al enorme talento que poseía. 
Ahora mi querido Pepón Nieto me ha ofrecido ser cómplice en un nuevo hurto y darle forma a la dramaturgia y dirección de este renovado Anfitrión, tomando como base el texto del dramaturgo francés. Y, amparándome en la célebre frase de “quien roba a un ladrón tiene cien años de perdón”, no me han dolido prendas en hacer lo que intuyo que Molière hubiera hecho de haber vivido en nuestros días. Por un lado, adaptarse a la realidad y reescribir el papel de las mujeres, convirtiéndolas no en simples peones en el varonil tablero de juego sino en verdaderos motores codo con codo con los personajes masculinos. Por otro, profundizar en el juego de la duplicidad y la imagen. 

¿Qué son las redes sociales, tan en boga, más que un desesperado intento por observarnos desde fuera, darle forma a nuestro propio ser y mostrarnos (con filtros) al mundo y, por extensión, a nosotros mismos? ¿Necesitamos vernos para creernos? ¿Somos víctimas de nuestra propia imagen y semejanza? Anfitrión es una historia de seres clonados que viven la asombrosa paradoja de verse de piel hacia fuera, una mezcla de lo divino y lo humano, las pasiones y los odios, las infidelidades y los deseos, las risas y algún que otro sentimiento con el sano propósito de entretener. Para poder construir el universo que permite a un texto pasar del papel a las tablas, hemos contado con un equipo de lujo que ha ido aportando, paso a paso, idea a idea, incluso pelea a pelea, todo lo necesario para poder levantar el telón esta noche. Y ahora, pasen y vean, el mayor espectáculo del mundo está a punto de comenzar. Claro que, quizá, en la pista, se encuentren a sí mismos, ¿están preparados? Y, por cierto, si ven a Molière sentado por ahí, díganle que no se olvide de apagar el teléfono móvil.             

Juan Carlos Rubio
Director

Anfitrión es la comedia de la suplantación, el enredo ideado por Plauto y que Moliere acomoda al gusto imperante de la Francia de mediados del siglo XVII. Esta versión nada entre dos aguas: la de la eficacia de la pieza bien hecha y la de la locura de las divinidades, los amos y los esclavos que celebran la vida y sus extrañas maneras de encontrarse y confrontar.

En general anfitrión, recién casado, marcha a la guerra, circunstancia que aprovecha el dios Jupiter para suplantarle tomando su apariencia y gozando libremente de la mujer del militar. Mercurio tomará a su vez la forma de Sosia, esclavo de Anfitrión duplicando las situaciones cómicas y sembrando de dudas cualquier acontecimiento que ocurra en Tebas. ¡Pura Comedia!!

• Brotes verdes en el Teatro Romano
• Fele Martínez: Las redes sociales, un escaparatismo ilustrado de hipocresía
• Llega 'Anfitrión', el segundo estreno del Festival de Mérida
• Había una vez un circo... romano

Teatro Español, Come y Calla y Silvia de Pé.

presentan

De Laila Ripoll, basado en un personaje de la novela La carne de Rosa Montero 

Martes y miércoles, 20h.

TEATRO ESPAÑOL

Octubre Producciones y Teatro Español

presentan

LOS ASQUEROSOS

Manuel ha herido a un policía y se ha dado a la fuga, refugiándose en casa de su tío. No sabe el alcance de la lesión pero su tío le aconseja que desaparezca: sea cual sea la gravedad, darán con él y pasará un largo tiempo en la cárcel. Manuel no tiene otra opción que escapar aprovechando la noche y se refugia en un pueblo perdido y abandonado, un pueblo al que ambos deciden llamar Zarzahuriel. Allí, a pesar de no contar con casi nada y subsistir de milagro, Manuel descubre su vida chula. Solo tiene contacto telefónico con su tío, que le ayuda en lo que puede desde la distancia. La paz, la tranquilidad y la libertad que Manuel respira en Zarzahuriel no le hacen echar en falta nada, al contrario, su precariedad es lo que le acerca, hasta casi tocarla, a la felicidad. Y esto es así hasta que una familia urbanita, los mochufas, como él los llama, decide disfrutar la vida rural y adquiere y se instala en otra de las casas abandonadas de Zarzahuriel. Esta convivencia inesperada trastocará la existencia de Manuel y ensuciará para siempre su paraíso.

La adaptación teatral de la novela de Santiago Lorenzo recoge toda la aventura a través de la mirada de los dos hombres, Manuel y su tío. Cada cual desde su espacio van viviendo juntos los distintos estadios por los que pasa la vida de Manuel, separados por la distancia pero unidos en escena como si estuvieran en un mismo lugar: el miedo inicial a perder la libertad, el descubrimiento de la felicidad de la vida solitaria y precaria, la ridícula facha de los mochufas domingueros ensuciando su paraíso, la vuelta a la ciudad y el final definitivo a la búsqueda de la libertad absoluta. Todo ello a través del castellano radical e inclasificable de Santiago Lorenzo, que dota a la historia de un sentido del humor que es, simplemente, distinto a lo que conocemos.

SOBRE EL AUTOR

Se llama Santiago Lorenzo. Los astros se alinearon para que naciera un buen día de 1964 en Portugalete, Vizcaya, España, Europa, la Tierra. el Universo. Primero miró, luego observó, después filmó y ahora escribe. En todas esas etapas vivió y en ninguna hizo lo que hacen los actores: actuar. Denle una goma de borrar Milan y unas tijeras y les creará un mundo. Aunque hace tiempo que con un teclado hace lo mismo y mejor. Este artista pretecnológico de pulsaciones lentas (quizás por su corazón grande) vive a caballo (o a autobús de varios caballos) entre Madrid y un taller que ha elegido en una aldea de Segovia que podría servir para ejemplificar la recurrente expresión "alejado del mundanal ruido".

No siempre fue así. Estudió imagen y guión en la Universidad Complutense y dirección escénica en la RESAD de la capital del reino. Siempre tuvo claro que ante problemas reales, sólo sirven las soluciones imaginarias, así que en ese año constelación que fue 1992 creó la productora El Lápiz de la Factoría, con la que dirigió cortometrajes como Bru, Es asunto mío o el aplaudido Manualidades.

Porque además de eso, al artista artesano Lorenzo siempre le gustó construir maquetas imposibles trabajadas con las manos: una cómoda con cajones que se abren por los dos lados, puertas por donde sólo podría pasar el Hombre más Delgado del Mundo y teatritos donde los Madelman son los protagonistas. Si no gozara del don de la escritura, podría haberse empleado en cualquier oficio antiguo: sereno, porque tranquilo lo es un rato, o jefe de estación ferroviaria, porque los trenes portátiles le gustan más que a un hombre alegre una pandereta. En 1995, produjo Caracol, col, col, que le valió pisar con calma la alfombra roja de los Premios Goya, que ganó en la categoría a Mejor Corto de Animación.

Cuatro años después se empeñó en estrenar Mamá es boba, la historia palentina de un niño algo alelado, pero a la vez muy lúcido, acosado en el colegio  (la película fue una de las primeras en abordar el tema del bullying) y con unos padres que, a su pesar, le provocan una vergüenza tremenda. La película pasará a la historia como uno de los filmes de culto de la comedia agridulce y podría servir como mito fundacional del post-humor que busca la risa helada e incómoda. Con ella fue nominado, para su sorpresa, al Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Londres. En 2001 abrió, junto a Mer García Navas, Lana S.A., un taller dedicado al diseño de escenografía y decorados con el que hicieron tanto muñequitos de plastilina para el anuncio del euro como la catedral que aparece en una de las entregas de Torrente. En 2007 estrenó Un buen día lo tiene cualquiera, donde volvía a elevar una historia de una persona para explicar un problema colectivo: la incapacidad, afectiva e inmobiliaria, para encontrar un sitio en el mundo (o un piso en la ciudad, para el caso).

Harto de los tejemanejes del mundo del cine, decidió cederle sus ideas a esto de la literatura, por lo que en 2010 publicó la novela Los millones (Mondo Brutto), uno de los libros del año con un gancho cómico y un golpe más bien trágico: a uno del GRAPO le toca la lotería primitiva; no puede cobrar el premio porque carece de DNI. Desde entonces, ha escrito Los Huerfanitos, se ha deleitado con ábsides de catedrales y ha continuado atacando los vicios de la sociedad de la única forma posible: con la risa, el recurso de los hombres que gozan de una inteligencia libre de presunción. También ha seguido hablando con voz grave, lanzando chanzas coheteras y fumando un pitillo a cada hora en punto con tiros cortos. Ha hecho, en definitiva, muchas cosas, pero su mayor temor continúa siendo caerse a la ría desde lo alto del puente colgante de Portugalete, patrimonio de la Humanidad desde 2006.

• «Los asquerosos»: los mochufas toman el teatro
• 'Los asquerosos' o cómo una historia gestada en la España vaciada llega al Teatro Español y (próximamente) a la gran pantalla
• ‘Los asquerosos’, una comedia olvidable

TEATRO ESPAÑOL

Teatro Español, Narea Producciones, Producciones Come y Calla

presentan

EL BESO

de Ger Thijs

Del 16 de junio al 11 de julio

Un paisaje de montaña. Los Países Bajos. En Europa. Dos personas ascienden un sendero. Un hombre, una mujer, la naturaleza. Ella va en busca de unos resultados clínicos al hospital de su comarca. Él, supuestamente, pasea en busca de inspiración. Los dos caminan sin saber que van a encontrarse, es el azar, lo fortuito del destino, el que decide su encuentro en esa fase de la vida en la que los sueños empiezan a caer o el amor se vuelve más agrio, en donde el éxito y el fracaso ya no son una cuestión social sino íntima. ¿Estamos solos? ¿Nos seguimos deseando a pesar de las heridas? ¿Qué significa morirse?

El autor, Ger Thijs, construye un texto de agilísimos diálogos, plenos de cinismo y humanidad, donde el humor se vuelve supervivencia, seducción y curiosidad por el otro. Dos desconocidos a los que la vida, siempre obscenamente viva, propone caminar juntos durante un trecho. Ella y él son invitados a mirarse, a apoyarse el uno en el otro. Pero ¿acaso sabemos nunca quién es el otro? ¿Un loco, un asesino, un ángel? Y aun así, el otro puede significar la salvación de un beso, de un oído atento, en cualquier caso siempre una referencia existencial y necesaria.

La propuesta se plantea feroz y delicada y la acción siempre marcha alrededor de ese hueco que el universo parece querer hacernos para que nosotros también existamos, como en una de las pinturas de Caspar David Friedrich y, sobre todo, con una extrema sinceridad emocional y vital que a todos nos incumbe. Un teatro desnudo donde se muestra lo excepcional dentro de lo cotidiano, las heridas que arrastramos y la esperanza de que, en el amor, siempre podemos volver a empezar.
Isabel Ordaz

SOBRE EL AUTOR

Fragmentos de una entrevista con el autor Ger Thijs

“Dos almas errantes que encuentran consuelo el uno en el otro. Como una conversación entre dos pasajeros en un avión. Entre estos dos desconocidos surge una confianza que en parte se establece precisamente porque saben que después no volverán a verse jamás.” Una conexión intensa, durante hora y cuarto. “Es lo mismo que experimenta el público. Al comienzo de la función el espectador no sabe más de los personajes que ellos saben el uno del otro; van conociéndose al mismo compás, y eso es bonito.” [...]

“El beso nació como un monólogo para una actriz que escribí para el Theater aan het Spui en La Haya [Un buzón que da al corazón, 2006], inspirado en el caso real de una amiga que aguardaba, con angustia, los resultados de su mamografía.” En El beso, el camino hacia el hospital se convierte en una especie de peregrinaje. “En Limburgo el catolicismo todavía está muy arraigado. De pronto, la mujer decide ir a pie.”

Pero Thijs no estaba satisfecho con este monólogo; faltaba otro personaje, un encuentro. “Pasé unos días en el complejo vacacional de Vaals para terminar un proyecto. Y un día, en la recepción vi a un hombre vestido de oso. Me dio la mano, como de broma, pero después se marchó corriendo. No sé por qué, a lo mejor me reconoció, quizás fuera un antiguo compañero de la Escuela de Arte Dramático de Maastricht, un actor fracasado.”

Así apareció en El beso la figura del humorista. Ese equilibrio es importante, ya que la carga emocional de los personajes podría hacer que la obra resultara muy sombría. “Y esa no es la intención. Lo que busco es una historia amable. El drama está en el personaje de la mujer, mientras que la ligereza la aporta el hombre, aunque por otra parte hay que tener cuidado para que él no resulte demasiado gracioso. Por eso es tan importante el equilibrio entre los dos.”

Sin dar más detalles, Thijs considera a El beso a la obra más “impúdicamente autobiográfica” que ha escrito. “Tengo 62 años [al estrenarse la obra, en 2011], he llegado a un punto de mi vida que hace esto posible. Aunque, atención: empecé con unos personajes muy alejados de mí, pero a través de los temas que tocan y las cosas que les suceden se me han ido acercando. Por cómo hablan de sus hijos o del pasado.”

En parte, Thijs, Crutzen y Stapel tienen un pasado común. “Somos tres exiliados en el desierto urbano.” Los tres nacieron y se criaron en Limburgo, y los tres se fueron a las grandes ciudades del Oeste de los Países Bajos para dedicarse de lleno a la vida artística. “Los tres todavía volvemos con frecuencia. Parece que conforme me hago mayor, mi vínculo con la provincia vuelve a hacerse más fuerte. A veces doy clases en Maastricht y visito a mis hermanas en Heerlen, una de las cuales sigue viviendo en la casa familiar. Con ellas hablo en dialecto. Por cierto, con Huub y Carine también. Hubo un momento en que pensé representar la obra en dialecto cuando actuáramos en Limburgo, pero no era viable en los pasajes más complejos. Los textos poéticos y humorísticos resultan difíciles de traducir.”

TEATRO ESPAÑOL

presenta

SOMBRA Y REALIDAD

Texto de Ignacio del Moral y Verónica Fernández  

DEL 18 DE NOVIEMBRE AL 13 DE DICIEMBRE DE 2020

"Toda obra es una forma de autobiografía", decía Oscar Wilde. Con los años, cada vez me interesa más la persona que hay detrás de los versos o las pinceladas, y no falla: la afirmación de Wilde me resulta cada vez más verdadera.

Bucear en la vida de Benito Pérez Galdós me ha revelado que las monumentales obras de ficción realista y universal que nos dejó como herencia son también una plasmación de sus deseos, contradicciones, obsesiones y sentido del humor. A veces, su correspondencia casi literal con su biografía es asombrosa. Así, sus novelas se convierten en una conversación íntima entre el lector y Benito. Entre Benito y yo.

Como Concha Ruth, Teodosia, Emilia, Lorenza y tantas otras, también he caído rendida al encanto de su verbo, a su guasa (¡Benito me hace reír a carcajadas!), a sus observaciones de fina ironía (que tanto me revelan de los otros y de mí misma), a su enorme humanidad de desclasado socialista. Benito es, sin duda, sorprendente, genera confianza, ama la vida. Benito no quiere mentirse a sí mismo ni a nadie. Benito cree que puede haber un mundo mejor. ¿Quién no se enamoraría de él?

En el montaje queremos quitarle el blanco y negro que, por la fotografía de la época, marca nuestro imaginario de Galdós y su época, y transmitir lo que realmente fue: un periodo vibrante, lleno de esperanza y rabia, de rupturas y promesas, pero sobre todo, de amor libre, sin complejos y real. Si es que alguna vez alguien supo lo que es la realidad. Deberíamos preguntarle a Benito.
Pilar G. Almansa

• Galdós, del sueño a la realidad
• “Galdós: sombra y realidad” de Ignacio del Moral, Verónica Fernández y Pilar G. Almansa
• Crítica de «Galdós, sombra y realidad»: Galdós en su secreta intimidad ★★★★✩

GALDÓS EN EL ESPAÑOL

Centenario Benito Pérez Galdós

DEL 3 AL 26 DE NOVIEMBRE DE 2020

Las chicas Galdós”, se han organizado para rendirte homenaje y darte gracias por darles vida.

Algunas de tus chicas, como las de Almodóvar, “las chicas Galdós”, se han organizado para rendirte homenaje y darte gracias por darles vida. Isidora, trabajadora y voluntariosa. Electra, magnética y revolucionaria a su pesar. Laura de la Cerda, enferma y frágil, prudente y compasiva. Lucrecia con Nell y Dolly agarradas de su mano. Bárbara, con pose de estatua griega. Casandra, con la mirada perdida y Celia, curiosa y decidida. Siempre fuiste un “mujeriego”, criado por mujeres, enamoradizo y deseando siempre su compañía.

“Sin mujeres no hay arte; [...] Ellas son el encanto de la vida, el estímulo de las ambiciones grandes y pequeñas; origen son y manantial de donde proceden todas las virtudes. [...]. Obra de ellas son los más gloriosos triunfos del bien; obra nuestra las privadas desdichas y las públicas catástrofes. Es destino ineludible de ellas amar al hombre y este debe consagrarles toda su inteligencia y su amor entero.”

Las “chicas Galdós” han quedado para “gandulear” por el centro de Madrid, igual que solías hacer, y reunir un buen ramo de flores, flores exóticas, multirraciales, multiculturales, de colores brillantes y variados, con perfume a las Canarias de tu infancia, como una metáfora del actual Madrid. Han subido con paso alegre por la Cuesta de Moyano para dejar bajo tu estatua muchas, muchas flores frescas, las que te gustaban: “Cuando las rosas mueren, el mundo se pone serio.” Un ramo de flores frescas. Flores para Galdós

VOLUNTAD                                                 

3 – 5 noviembre
Dirección Carolina Román
Dramaturgia María Prado

ELECTRA                                                            

6 – 8 noviembre
Dirección Ester Bellver
Dramaturgia Irma Correa

ALMA Y VIDA                                               

10 - 12 noviembre
Dirección Pilar Massa
Dramaturgia Yolanda García Serrano

EL ABUELO                                                    

13 - 15 noviembre
Dirección Rosario Ruiz
Dramaturgia Sandra Ferrús

BÁRBARA                                                    

 17 - 19 noviembre
Dirección Maite Pérez Astorga
Dramaturgia Lucía Carballal

CASANDRA                                                 

20 - 22 noviembre

Dirección Aitana Galán
Dramaturgia Blanca Baltés

CELIA EN LOS INFIERNOS               

24 - 26 noviembre
Dirección Vanessa Martínez
Dramaturgia Eva Redondo

TEATRO ESPAÑOL

presenta

MUJERCITAS (EN PALABRAS DE JO…)

De Louisa May Alcott Versión Lola Blasco

DEL 15 DE OCTUBRE AL 8 DE NOVIEMBRE DE 2020

Reformulación de la inmortal novela de Louisa May Alcott, con la dirección de Pepa Gamboa y adaptación de Lola Blasco.

En palabras de Jo... Mujercitas narra el proceso de escritura de la célebre pieza de Louisa May Alcott y que tanto ha influido en diferentes mujeres de generaciones posteriores. Así, haciendo uso de otras piezas de la escritora (también sus dramas y sus novelas eróticas) y de sus firmes convicciones políticas y feministas, volvemos a revisitar la célebre Mujercitas, desde el presente, desde la ironía, desde el doble significado, leyendo “entre líneas”… desde lo que quizás… a la vista de la biografía de la autora… pensamos que quería decir. 

Lola Blasco

Cuando tenía cinco años mi madre me leyó Mujercitas, y antes de cumplir los diez me regaló un ejemplar para que fuera mío y lo leyera yo. Eso fue a principios de los 70, y aquel mundo de mujeres de la familia March me deslumbró. La imagen de Jo leyendo un libro en lo alto de un árbol se me quedó grabada para siempre. Con el paso del tiempo me di cuenta de que aquella experiencia era compartida. Casi todas las chicas que he conocido recuerdan algo especial asociado a su lectura. Y con los años esa lista no ha hecho más que crecer en el ámbito de la cultura: artistas como Gertrude Stein, Patti Smith, Simone de Beauvoir y Joyce Carol Oates le brindan un sincero elogio. Y lo hermoso es que bajo sus palabras se percibe el reconocimiento de una deuda para con esta obra, que de alguna manera marcó sus vidas. ¿Cómo pudo marcar positivamente la vida de tantas mujeres, incluida la autora de El segundo sexo? ¿Qué hay de especial en Mujercitas? Preguntas emocionantes sin duda, ante las cuales me lanzo a la aventura de dirigir esta nueva relectura de un clásico de la literatura femenina y mundial.

Pepa Gamboa

• Las «Mujercitas» se quitan el corsé
• 'En palabras de Jo... Mujercitas': un fascinante y complejo universo femenino
• 'En palabras de Jo… Mujercitas', el divertido y cálido feminismo inclusivo de Lola Blasco

TEATRO ESPAÑOL

 Teatro Español y La Radical Teatro

presentan

AMBIENTE FAMILIAR

(Mínimo 2 noches)

De  Aitana Galán y Jesús Gómez Gutiérrez

DEL 8 DE OCTUBRE AL 1 DE NOVIEMBRE DE 2020

Anita, una joven turista norteuropea, se hospeda unos días en la habitación de una casa particular que ha alquilado a través de una conocida plataforma de internet. El devenir de la vida de sus anfitriones se integra así en la alegre despreocupación de sus días de vacaciones. Éste es el punto de partida de Ambiente familiar (mínimo 2 noches), una comedia escrita en siete trancos que transcurre en el Madrid de hoy, donde el sol, las excursiones a lugares emblemáticos, el vino y la fiesta de un turismo masivo conviven con una población acuciada por la especulación inmobiliaria y los desahucios. 

Un personaje de Valle-Inclán, quizá el mejor de los madrileños nacidos en Galicia, afirma en La corte de los milagros que en Madrid no hay secretos; tampoco los hay en esta historia de causas dignas y hogares rotos en un país que tiene motivos extraordinarios para no perder el sentido del humor. 

Memoria, olvido, tiempo. El hilo de Ariadna se teje en los términos expresados por Antonio Machado: «ni el pasado ha muerto, ni está el mañana -ni el ayer- escrito», y así nació la obra que les presentamos, entre la Plaza Mayor de Madrid y la Plaza Mayor de Toledo, aferrada a leyendas y a hechos difícilmente discutibles. Para un turista, sus calles son lugares de diversión con fondos perfectos para hacerse fotos: llegan, pasean y se van, quizá notando la placa que en tal o cual fachada mencionaba el nombre de un autor, una batalla, un libro. Cuesta no verlas; los siglos han escrito mucho. Y abajo, donde la arquitectura se  transforma en carne, quizá no vieran los cuerpos del ejército de desahuciados y excluidos que tienen por hogar esas mismas calles. Evidentemente, no nacieron allí. Algunos crecieron y vivieron en esos mismos edificios, reconvertidos en hostales, hoteles y, en la mayoría de los casos, huecos vacíos que tienen que estarlo porque, si no lo estuvieran, la oferta superaría a la demanda y hundiría los precios. De eso trata nuestra historia, que está lejos de haber terminado.
Aitana Galán y Jesús Gómez Gutiérrez

• El Madrid de pisos turísticos, precariedad y olvido saca risas improbables

TEATRO DE LA ABADÍA

Teatro Real y Teatro de la Abadia 

presentan

MARIE

Libreto: Lola Blasco . Música: Germán Alonso

Del 9 al 17 de enero, 2021. 

Inspirado en el icónico personaje de Woyzeck, Marie es una tragedia contemporánea a partir del libreto de Lola Blasco, que fue Premio de Literatura Dramática 2016; la música del internacionalizado Germán Alonso, en cuyas composiciones está muy presente la música electrónica; y bajo la dirección de Rafael Villalobos, una de las figuras emergentes de la ópera española, Premio Europeo de Dirección 2013.

Marie ahonda en las dificultades de una madre soltera frente a su libertad sexual que acaba siendo lapidada por la sociedad y asesinada por su amante. 

Si la obra de Georg Büchner y su homóloga Wozzeck de Alban Berg están consideradas la tragedia del hombre contemporáneo, Marie plantea la tragedia de la mujer contemporánea. A través de catorce estaciones asistiremos al ViaCrucis de Marie. Como si de un juicio se tratase, conoceremos a nuestra protagonista tanto a partir de los testimonios que se ofrecen de ella como de la creación ficcional que su autora hace de un personaje que es silenciado antes de tiempo, en una obra donde la superposición de planos hace que la realidad se diluya.

Marie supone a su vez una deconstrucción de la composición de Berg, paradigma de la música del siglo XX, así como una vuelta a los orígenes de la ópera como género intrínsecamente ligado a la tragedia griega entendida como una amalgama de expresiones artísticas con vocación.

TEATRO DE LA ABADÍA

Inés Gutiérrez ( Impulsarts)

presenta

RONEM RAM

de Jesús Nieto

Del 16 al 30 de diciembre, 2020. 

R O N E M R A M Ficción especulativa sobre un planeta dañado es una evocación dolorosamente bella de una realidad desaparecida, contada en retales y paisajes de naturaleza y envuelta en una brisa cálida de melancolía. Es una mirada sobre el futuro desde un presente cambiante, veloz e incierto, construida a través de la investigación científica, tecnológica y artística para proponer una reflexión sobre la crisis climática a partir del actual colapso medioambiental del Mar Menor, en el campo de Cartagena (Murcia).

Este espectáculo-instalación de Jesús Nieto/Onírica Mecánica, es un complejo dispositivo escénico de ciencia y ficción que combina artes plásticas, arte sonoro y diversos recursos tecnológicos desde una mirada narrativa y teatral. Cada espectador/visitante recorrerá, siguiendo el sonido de sus auriculares, diferentes piezas plásticas interactivas y alguna presencia humana en un extraño viaje a un ecosistema especulativo de futuro.

Además de una obra física, R O N E M R A M Ficción especulativa sobre un planeta dañado es una pieza expandida en el ámbito virtual. Es una emisión en directo desde el propio espacio o festival en horario distinto al de las representaciones. Así, expandimos la propuesta a otros lugares y colectivos que no tienen la posibilidad de acudir al teatro. Esta adaptación a un nuevo formato (zoom), forma parte de un proyecto de investigación y creación de Jesús Nieto/Onírica Mecánica sobre el proceso de adaptación de cualquier ser vivo a sus condiciones medioambientales como metáfora de la creación escénica actual en profunda transformación y cambio. Asistimos al nacimiento de este y otros organismos escénicos híbridos que conforman mecanismos de adaptación y supervivencia para las artes vivas.