FESTIVAL DOMINGO 2025 en La Casa Encendida

LA CASA ENCENDIDA

presenta

FESTIVAL DOMINGO 2025

12 al 16 mar — Domingo es el festival de artes performativas que reúne durante 5 días a destacadas figuras de la escena nacional e internacional.

 El Festival Domingo celebra su quinta edición con una programación que resume lo mejor de su andadura 

• Se inaugura el miércoles 12 de marzo y entre los estrenos que se presentan destacan Yo no tengo nombre, de El Conde de Torrefiel, adaptación de una obra solo antes presentada en entornos naturales, y la pieza HIPERSUEÑO, de Paz Rojo, un dispositivo escénico sobre la danza y lo desconocido. 

• La bailarina y performer Despina Sanida Crezia trae por primera vez a España Down to Under, una inmersión en la cultura de la Generación Z y las subculturas basadas en la música underground; la coreógrafa Luísa Saraiva investiga la voz y la performatividad del sonido en Claralinda, Claralinda, Claralinda; e Itziar Okariz indaga en el sentido de las palabras a través de la escritura sobre la piel en Las palabras me fallan. 

• Cierra el festival el domingo 16 la artista musical Eddi Circa, en un evento diseñado junto al colectivo Bosque Real en la Casa de Campo. 

• La Casa Encendida de Fundación Montemadrid, en su propósito de irradiar la actividad que desarrolla más allá de su espacio, expande su programación para esta edición de Domingo al Teatro del Barrio, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Réplika Teatro y la Casa de Campo. 

• Domingo 2025, que dirige artísticamente Fernando Gandasegui, se articula a través de la escucha de lo que está ocurriendo en la escena actual y ahonda en la confluencia y apertura de disciplinas, generaciones y geografías y la puesta en valor de lenguajes radicalmente experimentales. 

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 La Casa Encendida de Fundación Montemadrid celebra, del 12 al 16 de marzo, la quinta edición de Domingo, el festival de artes performativas que durante el último lustro ha reunido a la escena nacional e internacional, alentando los lenguajes experimentales. 

Domingo cumple su ciclo y se despide para dar paso a nuevos proyectos escénicos. Y lo hace con una programación que se expande al Teatro del Barrio, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo, Réplika Teatro y la Casa de Campo, siguiendo el propósito de La Casa Encendida de irradiar la actividad que desarrolla más allá de sus paredes generando relaciones bidireccionales con espacios y agentes del entorno. 

El festival, que dirige artísticamente Fernando Gandasegui, se articula como en ediciones anteriores a través de la escucha de lo que está ocurriendo en la escena actual, ahondando en los principales ejes de su programa estos años: la confluencia y apertura de disciplinas, generaciones y geografías, el protagonismo de la voz y la performatividad del sonido, el ejercicio de la alegría crítica en la práctica artística, la propuesta de alternativas para el encuentro y transmisión entre públicos y artistas y, sobre todo, la puesta en valor y circulación de lenguajes radicalmente experimentales. 

Domingo 2025 congrega a artistas que han formado parte del festival como El Conde de Torrefiel, Paz Rojo, Nilo Gallego, y nuevas vinculaciones como la compañía de teatro Las Nenas, la performer y artista visual Itziar Okariz, las coreógrafas internacionales Luísa Saraiva y Despina Sanida Crezia, y las bailarinas y coreógrafas residentes este año en La Casa Encendida Javier J Hedrosa y Paula Romero. Cierra el Festival Domingo la artista musical Eddi Circa en un evento diseñado junto al colectivo Bosque Real en la Casa de Campo. 

El Conde de Torrefiel inaugura el festival el miércoles 12 de marzo con Yo no tengo nombre, estreno en La Casa Encendida de la adaptación de una obra solo antes presentada en entornos naturales. En Yo no tengo nombre, que se activa al atardecer durante todos los días del festival, el paisaje se convierte en los elementos de una pieza teatral: es escenografía, es sonido y luz, es narrador y protagonista, en un monólogo que da voz a algo tan esencial y amenazador para nuestra vida como es la Naturaleza. Las Nenas Theatre, “divas desubicadas, artistas martirizadas y virtuosas a medias”, estrenan el mismo 12 en Madrid, en el Teatro del Barrio, el drill escénico Torcidxs donde interactúan con los mecanismos visibles de un teatro que es un cuerpo, delimitándolo como territorio de conflicto. 

El jueves 13 de marzo, programa doble en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo con Nilo Gallego y Luísa Saraiva. El artista sonoro y performer Nilo Gallego estrena una nueva versión de Orelles Voladores, un solo de percusión donde el tímpano (en inglés eardrum=tambor de oreja) es el único instrumento, y en el que Nilo es el batería y también la batería. Claralinda, Claralinda, Claralinda es un libro de canciones coreográficas en el que la coreógrafa portuguesa Luísa Saraiva comparte su práctica sobre la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza táctil del sonido a partir de canciones populares tradicionales del centro y norte de Portugal. 

Tras haber estrenado su anterior obra en la primera edición de Domingo, la artista, bailarina e investigadora Paz Rojo vuelve con el estreno absoluto de HIPERSUEÑO, el viernes 14 de marzo en Réplika Teatro. HIPERSUEÑO es un dispositivo escénico que plantea la relación entre la danza y lo desconocido, donde todo lo que se baila se hace de forma inmediata por entrelazamiento, como si se tratara de una reunión espontánea de “museos danzantes” dispersos. 

El sábado 15 de marzo, en La Casa Encendida, el festival acoge en programa doble matinal trabajos de Paz Rojo e Itziar Okariz. Paz Rojo presenta el libro Bailar en la era del no-futuro editado por la uÑa RoTa, en el que explora la danza experimental contemporánea en relación con el concepto de destitución, planteando la posibilidad de una danza desprendida del esquema neoliberal, danza que no necesita 

agotarse proyectándose hacia el futuro porque ya está ocurriendo. Itziar Okariz, performer y artista visual, estrena en Madrid su trabajo en curso Las palabras me fallan, una búsqueda de la posibilidad de perturbar la estructura que sostiene el sentido de las palabras cuando son integradas en frases, a partir de la acción de realizar una escritura sobre la piel, y de la reorganización que produce el ajuste a su superficie como soporte en el dibujo de las palabras y su lectura. Termina el sábado del festival en Réplika Teatro con el estreno en España de Down to Under, de la bailarina y performer griega Despina Sanida Crezia en colaboración con Eleni Roberts Kazouri. Down to Under explora la coreopolítica en el espacio urbano a través de la cultura de la Generación Z y las subculturas basadas en la música underground, obra en la que las artistas se adentran en formas de desobediencia social a través del movimiento y el sonido, y expresan su rabia derivada de la lucha social mientras que permiten que su esfuerzo físico se transforme en vulnerabilidad e intimidad. 

Del 12 al 14 de marzo, las bailarinas y coreógrafas Javier J Hedrosa y Paula Romero imparten en La Casa Encendida el laboratorio Escrituras no creativas, donde crean una serie de materiales copiados a partir de fragmentos de películas. 

El 16 de marzo se cierra el Festival Domingo con Bosque Real y Eddi Circa en la Casa de Campo. Como los festivales escénicos en sus orígenes, Domingo Real interrumpe el tiempo del trabajo con un bodegón al mediodía del colectivo Bosque Real, fugando hacia el atardecer con Eddi Circa para cerrar Domingo en el claro de un bosque. 

Artistas del Festival Domingo 2025: El Conde de Torrefiel, Las Nenas Theatre, Nilo Gallego, Luísa Saraiva, Paz Rojo, Itziar Okariz, Despina Sanida Crezia y Eleni Roberts Kazouri, Javier J Hedrosa y Paula Romero, Bosque Real y Eddi Circa. 

Domingo es un festival comisariado por: Fernando Gandasegui. 

Con la colaboración de: Teatro del Barrio, Mus
useo Centro de Arte Dos de Mayo, Réplika Teatro y Bosque Real. 

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PROGRAMA DOMINGO 2025 

Yo no tengo nombre, de El Conde de Torrefiel

Miércoles 12 – sábado 15 marzo La Casa Encendida 19 h | Terraza 5 € 

Estreno de la adaptación de una obra solo antes presentada en entornos naturales. La pieza se activa al atardecer durante todos los días del festival. 

En esta propuesta de El Conde de Torrefiel, el paisaje se convierte en todos los elementos de una pieza teatral: es escenografía, es sonido y luz, es narrador y protagonista, para dar voz a algo tan esencial y amenazador para nuestra vida como es la Naturaleza. 

Yo no tengo nombre consiste en un monólogo escrito y leído por el público al final del día que se desliza sobre una pantalla led colocada al aire libre. 

©Leonard Rossi 

Un texto que es subtítulo del paisaje que lo acoge. La pantalla traduce en palabras lo que la Naturaleza quiere decir a los humanos del presente. Un dispositivo poético que gira 180º el punto de vista, para imaginar cómo el ser humano es percibido por la Naturaleza. Un texto que pone en evidencia las contradicciones de esta relación de lo humano con su fuente primigenia, a través de un discurso cuyo tono oscila entre el oráculo y el sueño, entre la historia y la ficción, y que invita a recorrer las edades de nuestro mundo. 

La pieza tiene 40 minutos de duración y fue estrenada en 2023 dentro del proyecto Shared Landscapes (Seven pieces betweenn field and forest) de Caroline Bernaud & Stefan Kaegi y que se desarrolla durante siete horas a través de siete piezas que interrogan el entorno natural como espacio escénico. 

Tanya Beyeler (Lugano, 1980) y Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) forman la compañía El Conde de Torrefiel en Barcelona en 2010. Desde sus inicios, ha destacado por un enfoque interdisciplinario que combina coreografía, literatura y artes plásticas y sonoras. Sus espectáculos crean paisajes insólitos y narrativas visuales donde emergen las tensiones entre lo individual y lo colectivo, llevándolas a escena de manera sorprendente. Este enfoque innovador ha consolidado a la compañía como una referencia pionera del teatro contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional. 

Desde su fundación la compañía ha creado 13 espectáculos para sala, además de piezas site specific, video-creaciones, instalaciones y audio-guías teatralizadas para museos y espacios no convencionales. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke, Guerrilla, La Plaza o ULTRAFICCIÓN nr.1 / Fracciones de tiempo. 

La labor artística de Beyeler y Gisbert ha sido reconocida con múltiples galardones, incluyendo dos premios de la crítica de la ciudad de Barcelona: en 2018 por La Plaza y en 2022 por Una imagen interior. En 2021 Tanya Beyeler recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas de Suiza, su país de origen. 

Durante más de una década, El Conde de Torrefiel ha realizado giras por los teatros y festivales internacionales más prestigiosos de artes vivas, especialmente en Europa. Su trabajo ha sido presentado en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, La Biennale di Venezia, el Théâtre de Vidy-Lausanne, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival GREC de Barcelona, el Festival d’Automne de París y el Festival de Aviñón, entre otros. 

Torcidxs, de Las Nenas Theatre

Miércoles 12 marzo Teatro del Barrio 21 h 15 € 

Estreno en Madrid del drill escénico de Las Nenas Theatre, “divas desubicadas, artistas martirizadas y virtuosas a medias”. 

“Una cantante que canta con autotune y aún así canta mal. Se lleva ser graciosa, pero no positiva. Se lleva sacar un EP. Se lleva leer un montón de libros de teoría queer. Emprender tu propio proyecto. O sea… se lleva ser original. Hay que ser perfecta”. 

©José Delou 

Cuatro personas interactúan con los mecanismos visibles de un teatro que es un cuerpo, delimitándolo como territorio de conflicto. Las intérpretes corporeizan el deseo de ser una cosa diferente a una misma, provocando una vorágine de juicios e identidades que lo rompe todo y celebra el fallo. 

“Quiero ser una copia barata de otra persona, tengo un alma de plástico, qué más da”. 

Una conversación superficial y un discurso teórico interminable se superponen en capas que interactúan entre sí, dando lugar a una ilusión de pantalla dividida. 

Las Nenas Theatre: Ane Sagüés Abad y Cristina Tomás Olaya 

Las Nenas practican una forma radical de intrusismo profesional. Realizan las más profundas fantasías de rendimiento contemporáneas. Pueden añadirse los adjetivos que se quieran a la descripción de su proyecto: artístico, transdisciplinar, performático, teatral, colectivo, inclusivo… 

También las definen un millón de sustantivos: son creadoras, intérpretes, actrices, performers, directoras, productoras, docentes, guías espirituales, monitoras de ocio y tiempo libre, licitadoras de arte, marchantes, relaciones públicas, reporteras. A veces se manchan las manos. Si lo deseas, técnicas de sonido y de luces, pero también contemplativas. Utilizan la palabra “activación” y “artefacto”, en lugar de “muestra” u “obra de teatro”. A la cabeza de la vanguardia escénica. Les gusta ser aplaudidas. Lo más importante es que no saben hacer nada. Aun así, el público espera todo de ellas. 

Taller ‘Escrituras no creativas’, con Javier J Hedrosa y Paula Romero

Miércoles 12 – viernes 14 marzo La Casa Encendida 19 h 15€ | Aulas de trabajo Inscripción previa 

Laboratorio escénico para crear una serie de materiales copiados a partir de fragmentos de películas. 

Escrituras no creativas es una pieza escénica, una serie de metodologías, una operación de escritura, una estrategia, un laboratorio u otras derivas. En este laboratorio se abordan las diferentes metodologías utilizadas durante la investigación y creación de la obra escénica Escrituras no creativas y que concluye en formato de laboratorio como parte del programa Artistas en residencia 2024 de La Casa Encendida. 

Estas operaciones se derivan del libro Escritura no creativa de Kenneth Goldsmith. En él, el artista plantea que el mundo ya está lleno de textos, por lo cual, no haría falta generar nuevos. En las diferentes sesiones se indaga en la imposibilidad de una escritura original a través de tácticas de variación, repetición, iteración, sustracción o decapado. Se usarán textos ajenos, concretamente fragmentos cinematográficos. 

Poniendo el cuerpo en el centro, se abordan los diferentes materiales a través de prácticas coreográficas, es decir, de escritura y de movimiento, con el objetivo de generar otras escrituras o partituras no originales. 

Javier J Hedrosa es coreógrafo y bailarín. Actualmente vive en València donde desarrolla su práctica artística en torno al archivo, la transmisión coreográfica, la agencia del espectador y las cuestiones locales. En su metodología se interesa por la apropiación de materiales ajenos y jugar con ellos generando otra cosa. 

Sus piezas se han mostrado en festivales como Camping (CND Paris), 10 Sentidos, ACT Bilbao o Dansa València. 

Paula Romero es bailarina y coreógrafa interesada en la práctica de la danza como potencia. Piensa el movimiento como generador de relaciones políticas y de comunidad. También le interesa la plástica del cuerpo y su posible relación con otros dispositivos. Colabora con diferentes artistas interesados en los dispositivos escénicos, plásticos y del movimiento del cuerpo, generando relaciones y aprendizajes de un conocimiento compartido. 

Orelles Voladores, de Nilo Gallego

Jueves 13 marzo Museo Centro de Arte Dos de Mayo 19 h Entrada gratuita 

Nilo Gallego vuelve al Festival Domingo con Orelles Voladores, un concierto de percusión en el que el artista nos propone que formemos una orquesta de percusión con nuestros tímpanos. Con la colaboración del percusionista Frankuu Carrascosa y de Un Coro Amateur. 

En Orelles voladores, Nilo Gallego se deja atravesar por su experiencia como percusionista y sonidista, a la vez que propone al público la búsqueda de un nuevo solfeo y un nuevo sentido de la afinación, desde la sencillez y la honestidad. Porque cada sonido que llega a nuestros oídos, rebotado y filtrado por todos los materiales que ha ido encontrando, nos cuenta una historia; una historia que vamos aprendiendo a ignorar a lo largo de los años y que esta pieza invita a recuperar. Orelles voladores es un concierto de percusión en el que el artista nos propone que formemos una orquesta de percusión con nuestros tímpanos, con la escucha como baqueta. Este concierto cambia cada vez que se ejecuta adaptándose a cada espacio y situación. 

©Antonio Vilar 

Para esta ocasión la performance tendrá la colaboración del percusionista Frankuu Carrascosa y de Un Coro Amateur, un proyecto abierto con base en el CA2M que lleva ya 8 años de funcionamiento y del que Nilo también forma parte. 

Nilo Gallego (Ponferrada, León) es músico y artista que realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. En sus trabajos, que siempre tienen un componente lúdico, busca la interacción con el entorno y lo cotidiano. Forma parte del colectivo experimental de acción Orquestina de pigmeos (junto a Chus Domínguez) y colabora habitualmente con creadores como Silvia Zayas, Alex Reynolds o la compañía Societat Doctor Alonso. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza la creación musical y diseño de espacios sonoros para compañías de teatro y danza contemporánea. Sus trabajos se han podido presenciar en festivales de artes en vivo nacionales e internacionales. Diseña herramientas e imparte talleres educativos basados en la escucha y la creación sonora. 

Claralinda, Claralinda, Claralinda, de Luísa Saraiva

Jueves 13 marzo Museo Centro de Arte Dos de Mayo 20:15 h Entrada gratuita 

La coréografa Luísa Saraiva comparte su práctica artística que investiga la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza táctil del sonido. 

Claralinda, Claralinda, Claralinda es un libro de canciones coreográficas en el que Luísa Saraiva comparte su práctica y extensa investigación sobre la fisicalidad del canto, los límites de la voz femenina y la naturaleza háptica del sonido. 

©Daniel Antunes 

Al recorrer diferentes tipos de canciones e instrumentos, y viajar a través de extractos de sus obras, explora las posibilidades sonoras entre respiración, sonido y canto a través de una práctica del movimiento que expone visualmente el trabajo físico involucrado en el control de la respiración. Las canciones se añaden, transforman e improvisan según la investigación y el proceso en que Luísa esté involucrada. El universo musical se inspira en las canciones populares tradicionales del centro y norte de Portugal. 

Luísa Saraiva es una coreógrafa que vive entre Oporto y Berlín. Su práctica artística investiga el lenguaje del cuerpo y la voz y se sitúa en la intersección del movimiento y la composición musical. Su trabajo está fuertemente influenciado por la investigación sobre la fisicalidad de la voz y una perspectiva contemporánea y no esencialista del folclore y la tradición. Estudió Psicología en la Universidad de Oporto y Danza en la Universidad de Folkwang Arts de Essen en Alemania. Ha desarrollado diversas colaboraciones con artistas de distintas disciplinas, como Lea Letzel, Carlos Azeredo Mesquita y Senem Gökce Ogultekin. Ha recibido becas para diversos programas de investigación artística y en 2019 formó parte del programa danceWEB y fue coreógrafa residente en K3 | Tanzplan Hamburg. En 2022/2023 recibió la beca Tanzpraxis de la ciudad de Berlín. Desde 2020 trabaja como activista en el campo de la salud mental en las artes escénicas promoviendo talleres y charlas. 

HIPERSUEÑO, de Paz Rojo

Viernes 14 marzo Réplika Teatro 21 h Entradas próximamente a la venta 

La artista, bailarina e investigadora Paz Rojo vuelve al Festival Domingo con este estreno absoluto que plantea la relación entre la danza y lo desconocido. 

HIPERSUEÑO es una performance del tacto en la que las bailarinas Arantxa Martínez y Paz Rojo transmiten lo que está pasando, lo que ha pasado, lo que imaginan, lo que les llega, lo que está por venir, lo que intuyen, lo que hay, lo que queda. Cosas que encuentran, que resuenan, que persisten: sonidos de pájaros, los sonidos que oyen ahora mismo, un paisaje, el suelo que pisan, el peso de las piernas al rozar la superficie, un zapato, la sensación de la ropa que llevan puesta, átomos, un terremoto… «Transmitir» como ejercicio plenamente comunicativo no consiste en consolidar lo que ya saben, sino en relacionarse con lo desconocido. Con un estado de transición constante que favorece la visión migratoria de una historia no contada de 

Imagen cedida por la artista la danza, generada a partir de des/apariciones. De entrelazamientos subcutáneos. De 

La producción de cuerpos casi alucinados es también la característica del paisaje sonoro creado por la artista sonora y performer Luz Prado, quien plantea una relación de escucha en directo entre la ingeniería de sonido y la acción en escena. 

Paz Rojo es artista, bailarina e investigadora. Tras estudiar danza en el Movement Research de Nueva York, se licenció en coreografía en la Universidad de las Artes de Ámsterdam (1996-2000). Es doctora en Prácticas Performativas con especialización en coreografía por la Universidad de las Artes de Estocolmo (Suecia), donde realizó el proyecto de tesis de investigación artística The decline of choreography and its movement: a body’s (path)way (2010-2020). Una investigación realizada en soportes coreográficos, performativos, escénicos, textuales, audiovisuales y curatoriales que, a lo largo de una década, ha dado lugar a una gran variedad de artefactos artísticos. 

En los últimos cinco años, tras realizar la obra site-specific Invisible labor (2020), crea, produce e interpreta el solo Lo que baila (2021) e inicia el marco de investigación artística Morir bien, en el que lleva a cabo actividades de comisariado, mediación, dirección artística y creación, como el probatorio de práctica escénica y seminario Ha sido aún no, todavía, dentro del ciclo Apuntes para un tiempo y aparte del Museo Reina Sofía (Madrid, 2023) y la creación escénica Hipersueño (2025). Es autora del libro To Dance in the Age of No-Future (Bailar en la Era del No-Futuro, Circadian, Berlín, 2019), próximamente publicado en castellano por la editorial La Uña Rota. Autoedita y escribe el libro ¿De qué hablamos cuando hablamos de danzar en un plano de percepción destituyente? (Madrid, 2018). Y coedita el libro-laboratorio Vocabulaboratories (Amsterdam-Viena, 2008). 

Bailar en la era del no-futuro, con Paz Rojo y La uÑa RoTa

Sábado 15 marzo La Casa Encendida 11.30 h | Laboratorio Entrada gratuita 

Paz Rojo presenta por primera vez su libro Bailar en la era del no-futuro, editado por La uÑa RoTa, acompañada por las artistas y bailarinas Oihana Altube, Arantxa Martínez y Ricardo Santana. 

Bailar en la era del no-futuro explora la danza experimental contemporánea en relación con el concepto de destitución. Situada en los acontecimientos surgidos al calor de mayo del 68 y de mayo de 2011, y mediante un intenso diálogo con los estudios de danza, la filosofía política y diversas referencias audiovisuales y literarias, la coreógrafa e investigadora Paz Rojo plantea la posibilidad de una danza desprendida del esquema neoliberal según el cual rigen la autoperfomance, el emprendimiento y la producción de subjetividad. Una danza que no necesita agotarse proyectándose hacia el futuro, porque ya está ocurriendo. Al impugnar el régimen performativo, la autora rastrea las condiciones necesarias para que este movimiento pueda encarnar una nueva relación con la contemporaneidad: «Quizá haya llegado el momento de que la danza se atreva a rendir cuentas de 

©Emilio Tomé 

resonancias y bifurcaciones. De responsabilidades y de respuesta-habilidades. nuestro tiempo, fijando la mirada en ambos: el tiempo, la danza. Ahora. Lo que (nos) baila». (Paz Rojo, 2025). 

Las palabras me fallan, Itziar Okariz

15 marzo La Casa Encendida 13:00 h | Patio 5 € 

La reconocida performer y artista visual Itziar Okariz estrena en Madrid su trabajo en curso Las palabras me fallan, que indaga en el sentido de las palabras a través de la escritura sobre la piel. 

Las palabras me fallan es una acción de escritura sobre la propia piel, una búsqueda de la posibilidad de perturbar la estructura que sostiene el sentido de las palabras cuando son integradas en frases. 

Imagen cedida por la artista 

El texto que se reproduce corresponde a un fragmento de una conversación sobre el condicional como forma verbal de sugerencia, hipótesis o probabilidad: es un hablar en potencial. En la acción, las palabras de la conversación se escriben sobre la piel disponible entre la ropa, las mangas, la camiseta, el pantalón. Se utiliza el cuerpo como soporte del dibujo de las palabras y este ajuste a la superficie corporal produce una reorganización de la frase. El pliego/cuerpo obliga a una negociación de la tinta con una superficie que dista mucho de la organización de una página y sus pautas estipuladas. La piel disponible para la escritura es una topografía viva y que condiciona su visibilidad. Las palabras se muestran y esconden para ser escritas, dibujadas y leídas, y al enunciarse en condicional requieren de la imaginación de la audiencia. 

Al igual que en Variations sur le même t’aime (1991) o Costuras de 9 y 7,5 cm de pelo humano sobre la piel (1993), Las palabras me fallan es otra vez una pregunta hacia el cuerpo como artefacto cultural y social en el que se inscriben distintos códigos susceptibles de alterarse. 

La acción tiene una duración variable entre quince minutos y media hora. 

Itziar Okariz. Trabaja en el marco de la acción y la performance. Su obra –performances vocales, acciones, vídeos, instalaciones y piezas de texto– examina los vínculos entre arquitectura, territorio, cuerpo, ritual, sexualidad y semiótica. A menudo está asociada con las prácticas feministas, el punk-rock y la crítica queer de las construcciones normativas de género. En los últimos años, su práctica ha estado ligada a las formas de transmisión y pedagogías del arte. 

Ha participado en numerosas exposiciones internacionales como Dream Time, UCCA Center for Contemporary Art Beijing, Ho paura che Roma sia esistita!, MAXXI Museo Nazioale delle arti del XXI secolo. Roma (2024), Diario de Sueños, Museo Macba, Buenos Aires (2023), XXIII Bienal de arte Paiz Ciudad de Guatemala (2023), Processi 150, Real Academia de España, Roma (2023), Playbill, Torpedo Theater, Amsterdam (2022), Urak Dakar, Bizkaia Aretoa, Bilbao (2022), Rodeo, Musac, Leon. 

(2022); Unquiet Objects, Disjecta, Portland, La Noche de las Ideas, Museo Nacional de 

Down to under, de Despina Sanida Crezia

Sábado 15 marzo Réplika Teatro 21 h De 7 € a 25 € 

Estreno es España. La bailarina y performer griega, en colaboración con Eleni Roberts Kazouri, explora la coreopolítica en el espacio urbano a través de la cultura de la Generación Z y las subculturas basadas en la música underground. 

Down to Under se sumerge en la cultura de la Generación Z y las subculturas basadas en la música underground, como hip-hop/rap, emo, noise, hardcore y punk. Las artistas se adentran en formas de desobediencia social a través del movimiento y el sonido, y expresan su rabia derivada de la lucha social mientras que permiten que su esfuerzo físico se transforme en vulnerabilidad e intimidad. 

©Giorgos Athanasiou 

Despina Sanida Crezia (1998) es intérprete, bailarina y creadora afincada en Atenas. Se graduó en la State School of Dance (Atenas) y en el Departamento de Historia y Arqueología de NKUA. Como intérprete ha colaborado con artistas visuales y de danza como Cyril Baldy, Ioannis Mandafounis, Moriah Evans, Christos Papadopoulos, Nikos Navridis y otros. 

Su práctica artística se centra en el esfuerzo y el trabajo, la cultura de internet, la urbanidad, el sonido y la música, así como en la fenomenología del aprendizaje. En 2021 presentó su primera pieza de investigación However en TAVROS, mientras que en 2023 presentó una forma desarrollada de la misma en KEIV Athens. También en 2023 estrenó su obra Down to Under en el marco del Festival MIR de Atenas. Posteriormente en 2024, se presentó en el festival (Pas si) fragile!, en Bruselas y en el festival PERFORMISSIMA, París. Ha sido artista residente en el Duncan Dance Research Center (Atenas, 2021), en P.A.R.T.S. (Bruselas, 2023) y en Neue Muzik Zentrale (Essen, 2024). Es miembro del dúo artístico VIGIL a través del cual han colaborado con PCAI (2022) y Flux Laboratory (2022-2023), mientras que desde 2024 son Onassis AiR Fellows. Actualmente estudia en Dutch Art Institute (2024-2026). 

Domingo Real, un domingo con Bosque Real y Eddi Circa

Domingo 16 marzo Casa de Campo 14 h Reducida: 5 €. General: 10 € 

Cierre del Festival Domingo en la Casa de Campo, junto con el colectivo Bosque Real y la artista musical Eddi Circa 

Arte Reina Sofía, Madrid (2021), Moving Words, Rimi Scenekunst Stavanger, Noruega 

(2021), Bodies of Water, 13th Shanghai Bienale, Shanghai (2020). Ha representado a 

España en la 58 Bienal de Venecia, junto a Sergio Prego (2019). 

Celebramos cinco años del Festival Domingo el domingo de su última edición con Bosque Real y Eddi Circa en la Casa de Campo. Como los festivales escénicos en sus orígenes, Domingo Real interrumpe el tiempo del trabajo con un bodegón al mediodía de Bosque Real, fugando hacia el atardecer con Eddi Circa en el claro de un bosque. 

©Bego Solís 

Bosque Real es un colectivo que desde 2019 diseña programas y piezas en lugares como la Casa de Campo, los Jardines del Buen Retiro, la Escuela de Arte de Toledo, Matadero Madrid y el CA2M, gracias a invitaciones de dichas instituciones y en colaboración con otras como INJUVE, el Museo Reina Sofía, el Ayuntamiento de Madrid, la Real Academia de España en Roma, La Casa Encendida, el Ministerio de Cultura o AC/E. En su núcleo están Jacobo Cayetano (Zuloark) y a Javi Cruz. 

Han trabajado con artistas como David Bestué, Patricia Esquivias, Sofía Montenegro, Miriam Martín, BRBR films, Julio Linares, la Orquesta Sinfónica de Vallecas, bwelke, Maral Kekejian, Adriana Reyes, Alejandra Pombo Su, VAHO, el Institute for Postnatural Studies, Real No Real, Claudia Claremi, Mónica Valenciano, Greta Alfaro, Los Bravú, Miguel de Torres, Julia de Castro, Irene de Andrés, Anto Rodríguez, Lorenzo García-Andrade, Nadabien y Cris Blanco. 

Eddi Circa es compositora, productora y guitarrista. Nació en Madrid en 1996. Su formación académica es la Física, pero convive afortunadamente con su fuerte inclinación hacia la literatura y la filosofía. Desde sus inicios en la música pertenece al tejido contracultural e independiente español. En 2020 publicó de manera independiente su primer EP, Pasar x el duty free, con ocho canciones que presentan un aprendizaje al estilo proustiano sobre temas como el amor, la amistad, la ideología y la ciencia. En septiembre de 2023, al tiempo que finalizaba su tesis doctoral en Física por la Universidad de Alcalá, publicó su primer LP, En el bosque un claro, un disco lleno de juego, júbilo y filosofía sobre sonidos delicados y frescos, que fue compuesto bajo la influencia de la filosofía de María Zambrano y de toda una genealogía filosófica y literaria de lesbianas y mujeres que Eddi se afana en dibujar. En marzo de 2024 la editorial Vizca publicó un cancionero con todas las letras de las canciones de Eddi Circa y de su hermana raxet1: Cierva imperio perreo, que es un canto a las utopías queer. 

Eddi Circa presentó En el bosque un claro por primera vez en el ciclo de Palabra del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, y recorrió muchas ciudades de la península después, Madrid (Sala NAZCA, Sala Copérnico, 2024), Barcelona (La NAU, Salamandra), Bilbao (Sala BBK, Sala Bira, Sala Shake), Oviedo (La Lata de Zinc), Granada (Auditorio La Chumbera). Ha tocado también en Berlín (Silver Future) y en Ciudad de México (Centro Cultural de España en México, Sala Caradura, La Cañita). Además de la música, Eddi ha participado en festivales y encuentro donde la música entra en diálogo con el cine, la literatura o la danza. Ejemplos de ello son el Feministaldia (Tabakalera, Donosti), la Colisión Colectiva II (Condeduque, Madrid), el Zinegoak (Teatro Arriaga, Bilbao), el Coro Amateur (CA2M, Madrid), o el festival de Butoh Sueño y Deseo (Círculo de Bellas Artes, Madrid). Festival Domingo 2025  12 a 16 de marzo  Artistas: El Conde de Torrefiel, Las Nenas Theatre, Nilo Gallego, Luísa Saraiva, Paz Rojo, Itziar Okariz, Despina Sanida Crezia y Eleni Roberts Kazouri, Javier J Hedrosa y Paula Romero, Bosque Real y Eddi Circa.  Dirección artística: Fernando Gandasegui.  Prensa de La Casa Encendida  Alejandra Mareque  T. 91 368 59 34  comunicacionlce@montemadrid.es  amareque@montemadrid.es