Histórico

Teatro María Guerrero

País Clandestino, Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) e Institut Français

presentan

PAÍS CLANDESTINO

escrita por Jorge Eiro, Pedro Granato, Florencia Linder, Lucía Miranda y Mäelle Poésy y dirigida por Jorge Eiro y Mäelle Poésy

5 – 16 MAY 2021

Enmarcado como obra de teatro autodocumental, el proceso de este trabajo no se parece a ninguna de las creaciones que cada uno de nosotros ha llevado a cabo en su país. Partimos de trabajar con lo que tenemos, el tiempo y las herramientas que se nos dan: a veces juntos en procesos de residencias (Madrid y Buenos Aires), a veces en un solo lugar, a veces a través de Skype o por correo electrónico.

Hemos grabado nuestras conversaciones, nos hemos escrito cientos de emails, y nos hemos dejado mensajes de voz a través del whatsapp. Durante las residencias hemos llevado a cabo ejercicios y entrevistas que versan sobre nuestra familia, la herencia política, el viaje o las manifestaciones. Entrevistas que se han convertido en material dramatúrgico y escénico.  Hemos entrevistado a nuestras madres, hemos hablado con los hijos que algún día nos gustaría tener, hemos bailado y cantado y hemos recuperado vídeos y material de nuestra infancia y juventud para crear un puzzle que relaciona nuestra vida con la de nuestro país.

Hemos explorado la idea de testimonio, de memoria y de recuerdo, de su materialización  y su evolución en un mundo digital como en el que se mueve nuestra generación.

La propuesta es un viaje al espectador hacia un país clandestino, el de la sala de ensayo viéndonos trabajar en directo, dirigiéndonos y reescribiéndonos en cada función, en un tiempo particular, el que dura la representación, el aquí y ahora.

En 2014, en el Director´s Lab del Lincoln Center de Nueva York se conocen los autores y directores Mäelle Poésy (Francia), Jorge Eiro (Argentina), Lucía Miranda (España), Pedro Granato (Brasil) y Florencia Lindner (Uruguay). Aquella experiencia y la diversidad de sus puntos de vista (artísticos y políticos) les llevaron a continuar el intercambio durante más de dos años a través de citas por Skype, email y otros medios. Cada vez que se encontraban hablaban sobre sus prácticas teatrales, el contexto artístico y político en el que cada uno se movía en su país y fantaseaban con la idea de realizar un proyecto a cinco manos.

Durante el Festival de Avignon 2016, Mäelle Poésy y Federico Irazábal, director del FIBA, coincidieron. Irazábal que conoce la obra de Jorge Eiro les invita a ambos a crear un proyecto para el FIBA 2017. Una ​​creación “de frontera y pertenencia”, codirigida por Jorge Eiro y Mäelle Poésy donde los cinco artistas que se conocieron en Nueva York también serán autores e intérpretes.

Cuatro años después del primer encuentro, su primer proyecto País Clandestino, ha recorrido los festivales de Chile, Brasil, México, Argentina, Portugal, Uruguay y Francia.

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional y Check-in Producciones

presentan

SHOCK 2 (La Tormenta y la Guerra)

escrita por Albert Boronat, Juan Cavestany, Andrés Lima y Juan Mayorga y dirigida por Andrés Lima

27 ABR – 13 JUN 2021

Primero fue SHOCK 1 (El Cóndor y el Puma) ahora....

La expresión “doctrina del Shock” describe la táctica, sumamente brutal, de utilizar sistemáticamente la desorientación de la gente que trae consigo un shock colectivo -guerras, golpes de estado, ataques terroristas, desplomes del mercado o catástrofes naturales- para impulsar medidas radicales favorables a las grandes empresas, lo que suele denominarse “terapia de choque” (shock therapy, en inglés).”

Naomi Klein

Shock 2 está siendo creada bajo otro gran shock: el impacto del coronavirus, y todavía estamos desorientados, presos del miedo y la incertidumbre, esto nos hace enormemente vulnerables. De nuestra reflexión conjunta, de nuestro coraje para enfrentarnos a esta enfermedad, de nuestro sentido de la fraternidad es de donde podremos sacar la fuerza y la inteligencia para salir de esta gran crisis con la esperanza de ser mejores. Pero de todo gran shock se puede sacar provecho en detrimento de otros, el poder del dinero lo sabe, las grandes corporaciones de todo el mundo lo saben y será extraño pensar que no aprovecharán la oportunidad para hacerlo. De eso trata este montaje, de nuestra historia reciente y de cómo el neoliberalismo ha sabido avanzar como una apisonadora hasta el día de hoy (Naomi Klein y su libro La doctrina del shock son nuestra inspiración). Shock 2 empieza donde acabó Shock 1 (El Cóndor y el Puma), que iniciaba con el auge de la doctrina monetarista de Milton Friedman y sus Chicago Boys (Universidad de Chicago), y que continúa avanzando a través de la 2ª mitad del siglo 20. Los primeros experimentos del shock económico y militar son el golpe de estado de Pinochet en Chile seguido de la Operación Cóndor en gran parte de América Latina, maridando economías neoliberales con regímenes dictatoriales impuestos por la violencia y la violación de los derechos humanos. Shock 2 comienza en los años 80, con la revolución conservadora capitaneada en Europa por Margaret Thatcher y en EEUU por Ronald Reagan y culmina en el primer gran shock del siglo XXI: la guerra de Irak, guerra en la que fuimos partícipes. Porque de eso trata Shock, de reflexionar sobre en qué medida somos partícipes de nuestra historia, de nuestros shocks, de nuestros golpes, de nuestra violencia.

El teatro es emoción, es ritmo, es armonía y esa es nuestra propuesta, nuestra manera de mirar, de hacernos preguntas. El periodismo es crítica, es documento, es reflexión, es otra forma de mirar, es también un espejo como lo es el teatro. La mezcla de los dos es Shock.

Intentaremos reflejar los hitos históricos que han marcado este “Final de la Historia” como lo llamó Fukuyama. Se equivocó, la historia sigue y como una buena historia teatral nos tiene en suspenso.

Wojtila, Yeltsin, Deng Xiao Ping, Mandela, la familia Bush, los Aznar, Rumsfeld, Cheney o Saddam, además de Margaret o Ronnie son algunos de los personajes de nuestra obra. También los miles de anónimos, auténticos protagonistas de Shock, el pueblo. El pueblo iraquí, el pueblo sirio, el pueblo americano, el pueblo español, el pueblo kurdo…

Moscú, Washington, Johannesburgo, Polonia, Irak, Afganistán, los campamentos de Sabra y Chatila en Libano, el Hotel Palestina en Bagdad o la plaza de Tiananmen en Pekín serán nuestros escenarios.

Beatriz San Juan, Jaume Manresa, Miquel Raió, Pedro Yagüe, Laura Ortega, Enrique Mingo y Joseba Gil son el equipo artístico y de producción. Y el CDN coproduce.

Antonio  Durán "Morris", Natalia Hernández, Juan Vinuesa, Paco Ochoa, María Morales y Guillermo Toledo recrean todos estos personajes en todos estos sitios con la maestría camaleónica que les caracteriza y su compromiso con el teatro y esta historia.

Juan Mayorga, Juan Cavestany, Albert Boronat y Andrés Lima, escribimos. Pero esta vez contamos con la colaboración de grandes periodistas como Olga Rodríguez y Robert Fisk, y de cineastas como Alba Sotorra. Documento y ficción. Verdad y teatro.

En el intento de comprender y de disfrutar con el público estamos empeñados. Y como Dorothy en El Mago de Oz, decimos: “Como en el teatro no se está en ningún sitio”.

Andrés Lima

• Andrés Lima reflexiona sobre la guerra en 'Shock 2'
• ‘Shock’: cuando sentirse muy incómodo merece la pena

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional, Sala Beckett, el Grec 2020 Festival de Barcelona y Teatre Principal de Palma de Mallorca

presentan

EL COMBATE DEL SIGLO

escrita y dirigida por Denise Duncan

Texto escrito en el marco del programa “Autor en residencia” de la Sala Beckett la temporada 2019/20

A principios del siglo XX, un boxeador norteamericano llega a Barcelona. Se llama Jack Johnson y ha sido el primer afroamericano que se ha proclamado campeón mundial de pesos pesados. Se enfrentó a Jim Jeffries en el llamado «Combate de siglo» y, contra todo pronóstico, lo ganó. Una victoria contra el racismo. Johnson tuvo que pagar un precio elevado por su triunfo: una sentencia injusta que le hizo abandonar su país natal. Y aunque en Barcelona encuentra unos aires diferentes, tal vez más libres, Jack Johnson se verá perseguido por los fantasmas de su pasado que, de la mano de tres cabareteras, le harán revisar su historia y el recuerdo de su rival, Jim Jeffries.

Un hombre negro de más de un metro noventa de estatura camina por Las Ramblas, Barcelona. Estamos en 1915. Viste de traje entero blanco, impoluto. Una lujosa piel y un sombrero bombín, blancos también, completan el atuendo. Se lleva las manos, llenas de anillos de oro, a la cara. Ríe y muestra dos dientes de oro. Una prostituta lo saluda, son amigos. Se trata de Jack Johnson, campeón mundial de pesos pesados… el primer negro en conseguirlo. A lo lejos una mujer, blanca, lo llama. Se dan la mano y avanzan por las calles de la ciudad. Una ciudad cosmopolita, sórdida, llena de vida. Una ciudad que, a diferencia de su EEUU natal, le permite vivir, gozar, beber, luchar. Johnson huye de una condena hecha sobre mentiras, pero encuentra en Barcelona un refugio fulgurante.

La historia de Jack Johnson es apasionante, no solo por las circunstancias históricas que lo rodean sino porque se trataba de un hombre sumamente contradictorio: sonreía mientras combatía, hacía juegos de palabras, amaba a su madre por sobre todas las cosas… pero también apostaba el dinero que ganaba, caía en la ruina y volvía a levantarse. Hablamos de un boxeador negro que, contra todo pronóstico, gana el campeonato del mundo de pesos pesados contra un blanco. Johnson derrota a un Jim Jeffries apodado “La Gran Esperanza Blanca” llamado a devolver el título a los blancos. La esperanza se diluye… gana el negro que tantos blancos deseaban ver vencido. Una oleada feroz de revueltas y linchamientos raciales se desata en Estados Unidos, el aparato estatal se pone en marcha para derrotarlo… y lo conseguirá unos años más tarde.

Johnson es la personificación del límite: todo en él era excesivo, extremo. El dinero, los lujos, su estatura, su estilo de vida, sus provocaciones, las mujeres blancas con que salía… Un hombre al límite que vive coqueteando con la leve línea entre la vida y la muerte. No en vano se enamora de una Barcelona que, también, parecería mecerse al borde de lo sórdido y abyecto. El encanto de la decadencia. Pasará entonces casi tres años en la ciudad condal, donde prueba cada cabaret de El Paral·lel, boxea, prueba con una agencia de publicidad, pelea con Arthur Cravan (poeta dadaísta, sobrino de Oscar Wilde).

El combate del siglo es un ejercicio de ficción. De alter-ficción, donde nos alejamos del biopic para entrar en una ficcionalización del personaje. Como el mismo Johnson, que cambiaba pasajes de su vida cada vez que los relataba, aquí imaginamos los momentos que más nos interesan.

El relato está mediatizado por la presencia de tres mujeres, ninfas, moiras, parcas, cantantes y cabareteras que son la excusa para recordar su pasado, reinventarlo, revivirlo. Pero también las catalizadoras de su presente y las que anuncian su futuro. Con ellas vemos esas luchas que ganó Johnson en el ring y las que perdió, con todas las mujeres de su vida.

Así, construimos un retrato subjetivo de Jack, en sus complejidades y contradicciones, en su absoluta imperfección, admirable y detestable… como todos los grandes héroes/antihéroes contemporáneos.

El combate del siglo es una historia que habla de boxeo, ese deporte marginal y limítrofe, que nos recuerda que los seres humanos tenemos el germen de la violencia, incluso la colectiva, que reclama su espacio. Como bien explica Joyce Carol Oates en su libro Del boxeo, el ring es una especie de altar a nuestros impulsos más primarios, uno de los sitios donde mejor se recrea una sensación “de juicio final e incontestable” y en sus puntos más álgidos, es capaz de evocar “el sangriento quinto acto de las tragedias clásicas, cuando ese misterioso elemento que llamamos «trama» alcanza su apoteosis”.

Es también una historia que, paradójicamente, habla de la fragilidad humana. De cómo las pulsiones de Eros y Thanatos conviven con nuestros actos más cotidianos. Ahí donde está la exageración está la falta… y Jack, que parecía comerse el mundo a bocados, en realidad no hizo más que buscar el amor, el reconocimiento, huir del miedo y de la muerte: la de sus seres queridos, la de su madre mientras era un fugitivo, la de una de sus exesposas que se pega un tiro y la suya propia: porque desde muy pequeño Jack decía que haría cosas grandes y que sería inmortal.

Denise Duncan

• Un boxeador shakespeariano

Teatro María Guerrero

Centro Dramático Nacional coproducción con ANTZERKIZ (Teatro Arriaga de Bilbao, Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz y Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián)

presentan

LOS PAPELES DE SÍSIFO

escrita por Harkaitz Cano y dirigida por Fernando Bernués

09 ABR – 02 MAY 2021

¿qué pasa cuando el interrogado es el periodista?

Tal y como afirma uno de los personajes de la obra, un periódico “es como Guerra y paz en pequeñito”. Una novela interminable que caduca cada día. El caos del mundo apretado en cuatro columnas. No es de extrañar que su vocación les guíe: la de los periodistas es una misión imposible: mientras en la redacción del diario combaten la precariedad y el desengaño y luchan contra el reloj por la precisión y la veracidad, el poder mueve los hilos para intentar controlar la información. Es labor del periodista indagar y preguntar, pero ¿qué sucedería si cambiasen las tornas y el interrogado fuese el periodista?

Esta obra, inspirada libremente en el “caso Egunkaria”, es un homenaje al periodismo, así como a todos aquellos medios que han sido clausurados injustamente.

• El cierre de Egunkaria, 10 años después
• 15 años sin 'Egunkaria', el diario cerrado por Aznar al calor del “Todo es ETA”
• ‘Egunkaria’, la muerte de un periódico que era inocente
• El cierre de 'Egunkaria' llega al teatro con una obra que rinde homenaje al periodismo

Teatro Valle Inclán

Centro Dramático Nacional y Proyecto 43-2

presentan

Y LLEGAR HASTA LA LUNA

escrita y dirigida por María San Miguel

07 – 11 ABR 2021

Maria San Miguel , responsable de magníficas producciones con PROYECTO43-2, nos acerca al supuesto mundo tabú del sexo.

¿con la luz apagada o encendida?

Un proyecto de investigación y creación dentro de la convocatoria «¡Enrédate!» del festival «Una mirada diferente. Reto 2019» del CDN realizado con el apoyo del programa de ayudas a la creación y la movilidad del Ayuntamiento de Madrid.

¿El sexo continúa siendo un tabú? ¿Cómo son las relaciones sexuales contemporáneas?
¿Nos preguntamos por el disfrute del Otro? ¿Se prioriza una forma de relacionarse, de estructurar el deseo? ¿Somos capaces de superar los patrones que ha establecido el patriarcado en cuanto al sexo? ¿Lo practicamos realmente con libertad? ¿Experimentamos deseo, amor, consumo? ¿Qué relación tiene el sexo con la violencia? ¿Cómo de acostumbradas estamos a sufrir sexo no consentido o deseado y que esto forme parte de la cotidianidad de las relaciones sexuales? Y el porno, ¿qué lugar ocupa en nuestros deseos, fantasías y relaciones?
¿Hablamos y compartimos libremente y del mismo modo los hombres y las mujeres nuestra relación íntima con el sexo y con todo lo que le rodea? ¿Cómo afecta una diversidad funcional física o intelectual a la relación con la sexualidad y al desarrollo de la misma? ¿Qué ocurre con los cuerpos diversos que desplazamos a los márgenes?
Y llegar hasta la Luna es un proceso de investigación documental que parte de las propias experiencias, el peso de la palabra y las relaciones del cuerpo con el espacio, desde lo íntimo hasta lo público.
Un estudio de cómo aceptamos comportamientos y cómo a su vez nos modifican.
Un experimento basado en la belleza y en la libertad.

El sexo se continúa viendo desde una perspectiva profundamente patriarcal y falocéntrica. Por una parte, es un tabú que no forma parte de la programación educativa en prevención y educación sexual y, por otra, el negocio de la pornografía impregna las relaciones sexuales y favorece la perpetuación de la idea patriarcal donde el hombre mantiene el poder y lidera la cotidianeidad de las relaciones sexuales. Estos patrones de comportamiento se extienden y repiten más allá de las relaciones binarias.
Todo esto genera comportamientos violentos a los que estamos profundamente familiarizadas. Forman parte de nuestras vivencias.
¿Cómo afecta todo esto cuando además tienes un cuerpo diverso o una diversidad funcional?
Y llegar hasta la Luna parte de un trabajo de investigación basado en juegos físicos para encontrar nuevas relaciones corporales a partir de la búsqueda de la belleza de los cuerpos diversos, de la presencia escénica, la relación con los otros cuerpos, con el espacio.

María San Miguel

La_Compañía exlímite

presenta

Domingos de diciembre

⭐️⭐️⭐️⭐️

presenta

Texto y dirección Alfredo Sanzol

2ª temporada del 15-sep al 17-oct

Centro Dramático Nacional

presenta

ATRACO, PALIZA Y MUERTE EN AGBANÄSPACH

El regreso de Nao Albet y Marcel Borràs tras la magnífica MAMMON

05 FEB – 21 MAR 2021

Dos jóvenes dramaturgos de suburbio reciben su primer gran encargo: estrenar un espectáculo en el Centro Dramático Nacional de Boris Kaczynski. El único requisito que el magnate les impone es el de escribir una obra sobre un atraco a un banco.

Convencidos de haber encontrado un buen argumento, los autores dedican todos sus esfuerzos a escribir una buena función, pero hay algo en la pieza que les resulta postizo.

Todo cambia cuando deciden mandarle el texto a Maria Kapravof, la estandarte de un novedoso movimiento artístico llamado (re)productivismo, que fascinada por la historia que han escrito, les anima a representarla siguiendo sus preceptos, olvidándose del escenario del Kaczynski Theatre y llevando la función a otro terreno.

En 2013 nos dieron una beca (cama y comida) para pasar un par de meses en la ciudad de Nueva York. Nos alojamos en la McGuiness Avenue de Greenpoint, el barrio polaco al norte de Brooklyn. Allí teníamos un pequeño apartamento con vistas al río Newtown Creek y a una sucursal bancaria que había al otro lado de la calle. Esto fue lo que vimos: primero uno, luego dos, más tarde tres y hasta cuatro coches de policía llegar derrapando frente a la sucursal, como en las pelis, pero era real. Al menos quince policías apuntando hacia la sucursal, mucha expectación en la calle y desde nuestro apartamento una vista privilegiada. Se oyeron disparos en el interior del banco. Estábamos los dos, pegados a la ventana del apartamento, a salvo, pero muertos de miedo. Acojonados. Luego todo fue muy rápido. Finalmente se abrieron las puertas del banco y empezó a salir gente, corriendo. Habían muerto tres personas.

Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach es una recreación de esos hechos, como lo que hace Milo Rau, pero sin síndromes de down.

-¿Qué pasa, man? Primero de todo, lo de la beca me ha gustado, muy fino, pero ya puestos, yo no iría de humilde y diría que fue una beca de la hostia. Además aprovecharía  para colar que el motor de nuestro viaje a Nueva York fue reflexionar sobre la dicotomía entre las formas artísticas clásicas y las modernas, entre lo viejo y lo nuevo. Y así ligamos la idea del atraco en el banco con la tesis de la obra. Podríamos decir que estábamos trabajando  en una versión teatral de la «Querelle des Anciens et des Modernes», que paseábamos por Central Park preguntándonos todo el puto día sobre cómo debía ser nuestro teatro, ¿entretenimiento o política? ¿Todo a la vez o nada de eso? Y un día, ¡pam!, la visión de la violencia del capital en forma de atraco. Lo de Google Imágenes también funciona, pero quizás podemos encontrar una que parezca hecha desde un apartamento y no a pie de calle. Lo del pie de foto lo he pillado, cabrón, muy fino también, 2013 solo tuvo 28 días. Lo de Milo Rau quítalo; te has pasado. Me voy a ver una peli con Blanca. Besos.

Nao Albet y Marcel Borràs

Centro Dramático Nacional

presenta

HEROES EN DICIEMBRE

Premio de Teatro para Autores Noveles «Calderón de la Barca» 2019

03 FEB – 14 MAR 2021

Simon Critchley dice en Apuntes sobre el suicidio que quizá, lo más cerca que podamos estar de la muerte es escribiendo, en el sentido de que escribir es ausentarse de la vida, un abandono provisional del mundo y de nuestras nimias tribulaciones para intentar ver las cosas con mayor claridad. Tal vez por ello, cuando los suicidas acceden a un programa de repoblación rural a modo de terapia grupal, las rutinas y actividades programadas hacen ver a Berta que sobrevivir no puede devolverle las ganas de vivir. El suicidio silenciado de Khalid dentro del periodo del programa, la rebelión de Berta y la llegada de la última trabajadora social, con intereses ocultos, ponen en cuestionamiento los pilares sobre los que se sustenta el proyecto y cada uno de sus habitantes.

Escribo Héroes en diciembre sabiendo que son muchos los materiales que deposito en sus cimientos, pero, citando a Antonio Rojano en el prólogo de la obra: “¿Es que hay alguna separación real entre lo que comemos, las carreras universitarias, la vida en pareja, el éxito laboral, el terrorismo o el precio de los alquileres?”

La pieza surge de la misma necesidad que experimenta Berta, la protagonista, de conseguir que se le ponga la piel de gallina. Esto no es una obra sobre el suicidio pero sí un intento de entablar diálogo con los suicidas, sin encubrir y sin imponer eufemismos a quienes han experimentado ese salto hacia el otro lado. Héroes en diciembre es el último intento de quien ha intentado quitarse la vida por recuperar la vida con mayúsculas, y no un sucedáneo de la misma.

Eva Mir

presenta

Del 11 septiembre al 2 octubre. Sábados.13h

Primera obra teatral sobre la matanza de los abogados de Atocha de 1977

presenta su

Matadero Madrid, Plazade Legazpi, 8. 28045

3 de diciembre al 9 de enero

TEATRO REAL

Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente del Salzburger Festpiele

presenta

DON GIOVANNI

18 DIC. 20 FECHA ESTRENO al 10 ENE. 21 ÚLTIMA FUNCIÓN. 15 FUNCIONES

Director musical: Ivor Bolton | Director de escena: Claus Guth | Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

La leyenda de Don Juan, el libertino castigado desde el más allá por sus excesos, constituye uno de los mitos hispanos más internacionales, suscrito por autores tan diversos como Molière, Mozart, Byron, Baudelaire, Kierkegaard o Ingmar Bergman. Don Giovanni, estrenado en Praga en 1787, fue por ello la ópera mozartiana más celebrada durante el siglo del Romanticismo, aunque para ello debiera neutralizarse su carácter buffo. Disfrutado mil y una veces como un simpático fantoche, Don Giovanni no ha dejado de plantear en tiempos recientes nuevas preguntas en torno a su trágico final y a la compleja posición que ocupan realmente sus conquistas femeninas, bien sea como cómplices, víctimas o redentoras.

La producción dirigida por Claus Guth estrenada en el Festival de Salzburgo en 2008 profundiza en todas estas cuestiones, ubicando la acción en un oscuro bosque donde la acción dramática fluye como en un sombrío sueño e infligiendo al protagonista una herida con lejanas reminiscencias tristanescas que le emplazará desde el principio de la obra a un cara a cara con la muerte.

Dramma giocoso en dos actos

Música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

Libreto de Lorenzo Da Ponte, basado en El burlador de Sevilla (1616) de Tirso de Molina y en el libreto de Giovanni Bertati para la ópera Don Giovanni Tenorio o sia il convitato di pietra (1787)

Estrenada en el Teatro Nacional de Praga el 29 de octubre de 1787
Estrenada en el Teatro Real el 20 de abril de 1864

Producción de la Staatsoper de Berlín, procedente del Salzburger Festpiele