Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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TEATRO KAMIKAZE

Buxman Producciones y Kamikaze Producciones presenta

LA CLAUSURA DEL AMOR

escrita y dirigida por Pascal Rambert con Bárbara Lennie e Israel Elejalde

Del 13 de enero al 3 de febrero de 2017

La clausura del amor es un empeño personal de los actores Israel Elejalde y Bárbara Lennie y del productor Jordi Buxó de llevarlo a escena. Una obra que no ha dejado indiferente a los espectadores que han abarrotado las salas desde su estreno y que ahora llega al Teatro Kamikaze.

LA CLAUSURA DEL AMOR de Pascal Rambert se estrenó del 23 al 26 de julio de 2015 en el Festival de Barcelona Grec 2015, en el Teatre Lliura Gràcia. En Madrid se pudo ver del 11 al 15 de noviembre en el Festival de Otoño de Madrid en los Teatros del Canal. El 13 de enero de 2017 llegan al Teatro Kamikaze. ¿Qué es lo que amamos cuando amamos? ¿De qué hablamos cuando hablamos de amor? El dramaturgo galo Pascal Rambert compone una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón entre Bárbara Lennie e Israel Elejalde. Escrita y dirigida por el dramaturgo y director de escena francés Pascal Rambert, La clausura del amor es una sinfonía del desamor, un ajuste de cuentas del corazón, una cuchillada en las entrañas que destroza aquello que una vez prometió ser eterno. En la obra, el público descubre una percepción tan hermosa como violenta del amor, una disertación sobre nuestra condición humana y los recovecos del sexo, la ternura y los recuerdos. El autor y director francés dirige por última vez, la primera en castellano, su pieza más representada. Es la crónica de una ruptura interpretada por una pareja real en su mejor momento profesional. El público del Festival de Aviñón se quedó sin aliento cuando, en 2011, asistió al estreno del entonces nuevo montaje del autor y director de escena Pascal Rambert. En el texto que firmaba y dirigía, sometía a una pareja a una ruptura sentimental, una conversación durísima en la que los protagonistas se intercambiaban monólogos que expresaban la violencia de un amor en proceso de defunción. Miedo y liberación se mezclan en la desgarradora charla de la pareja, un combate devastador y sin piedad entre un hombre y una mujer que mantiene la intensidad hasta las últimas frases. El propio Rambert ha dirigido representaciones del montaje en varios países, siempre pidiendo que sean parejas reales las que interpreten a los personajes. Esta vez se trata de Bárbara Lennie e Israel Elejalde, una pareja en su mejor momento profesional que destroza el amor a dentelladas. [caption id="attachment_40933" align="aligncenter" width="700"]

La clausura del amor en el Teatro Kamikaze

La clausura del amor © Josep Aznar[/caption]

En primera persona

Una pareja clausura su amor. Él rompe el hielo y expone sus argumentos, sus quejas, su dolor, su rabia, su amor durante casi una hora. Sin interrupciones. Con un lenguaje preciso, quirúrgico, torrencial, apenas hay pausas, las frases son largas, se encadenan entre sí, las palabras se reformulan, habla sin rodeos. “¿Quién habla así hoy en día? ¡Pues yo hablo así!”, dice. Rememora los momentos pasados juntos, no todo ha sido malo pero él se siente prisionero en esa relación, atrapado en una red. La relación se ha convertido en un mausoleo. Como en muchas parejas, el momento de la separación les transforma, las palabras se vuelven violentas y saben dónde hacer daño, pero es que “los seres humanos se hacen estas cosas”. No quiere nada material, solo una silla y un dibujo y por supuesto, a sus hijos, que no van a ser una mercancía porque, si ella es una loba, él es un lobo. Poco a poco, con sus palabras se va construyendo su barrera de protección, su cercado, su clotûre. Mientras, ella encaja los golpes sin decir ni una palabra, mirándole de frente. A veces no puede más y se derrumba y él le exige que se levante, que no muestre su debilidad. Debe escuchar todo lo que tiene que decirle, porque ella es fuerte. Adelante, es la guerra, una guerra cuerpo a cuerpo, como la de los soldados de Napoleón, una guerra de bayonetas.Pero cuando él termina de hablar y hace intención de irse, ella le detiene. Tras lo que acaba de escuchar debe de estar destrozada y no crees que pueda recuperarse pero sí, sí puede. Y no, no va a marcharse así como así, ahora le toca a ella rebatirle, criticarle, reprocharle, dispararle. No da crédito, no reconoce a la persona que tiene delante: “¿De dónde sacas esas expresiones? ¿Qué es ese nuevo lenguaje?”.Y le desmonta todos sus argumentos, le muestra su visión de la relación, más pasional y más tierna. Ella no quiere nada material, se queda solo con instantes vividos y palabras dichas. Y no va a entrar en su guerra porque en el fondo, siente pena por él porque su castigo será la soledad. Para Pascal Rambert, es una obra donde “lo más importante es el lenguaje, esencialmente es texto, la forma en cómo usamos el lenguaje en determinadas circunstancias es más efectiva que la tortura física. Las palabras dichas actúan sobre el cuerpo con dureza, y podemos ver cuál es el efecto del lenguaje, que sale de un cuerpo, atraviesa un espacio y llega al cuerpo del otro”. Es una ruptura pero nunca antes habíamos visto a una pareja romper así, no hay tópicos, el lenguaje es nuevo, él quiere “reparametrizar su relación”, “cambiar los códigos” ante la sorpresa de ella: “Noto tu cuerpo queriéndome arrancar la lengua con todas sus fuerzas, queriendo asesinar mis elementos de lenguaje”, dice él. Una pareja clausura su amor y te hechiza y absorbe.

Coto Adánez Traductora y adaptadora de la obra

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Bárbara Lennie e Israel Elejalde en La clausura del amor. © Josep Aznar[/caption]

FICHA

Dramaturgia y dirección: Pascal Rambert Traducción y versión: Coto Adánez (36caracteres) con la colaboración de Miguel del Arco. Escenografía: Eduardo Moreno Iluminación: Pau Fullana Vestuario: Sandra Espinosa Tocados: Clara Gortázar Ayudante de dirección: Fernando Sánchez-Cabezudo Ayudante de producción: Pablo Ramos Dirección de producción: Jordi Buxó y Aitor Tejada Mánager de la gira: Léa Béguin Fotografía: Fede Serra Alta Reparto: Israel Elejalde, Bárbara Lennie Una producción de Buxman Producciones y Kamikaze Producciones En coproducción con el Grec 2015 Festival de Barcelona y el XXXIII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Fechas y horarios: Del 13 de enero al 3 de febrero de 2017 en el TEATRO KAMIKAZE Viernes 13 y 27 de enero, 22 horas Sábados 14 y 28 de enero, 21 horas Domingos 15 y 29 de enero, 20 horas Miércoles 18 de enero, 20 horas Jueves 19 de enero, 22 horas Miércoles 1, jueves 2 y viernes 3 de febrero, 20 horas [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroKamikaze/Productions/0006/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

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https://www.youtube.com/watch?v=tuLjFWXUfxo&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

TEATRO MARQUINA

Del 20 de enero al 21 de febrero

El Teatro Marquina acoge la segunda temporada de esta genial comedia durante cinco únicas semanas.

“Los españoles no seremos felices, hasta que no acabemos de una vez para siempre con Los Caciques.”

Vuelven LOS CACIQUES de Carlos Arniches en el 150 aniversario del nacimiento del autor, y vuelve Ángel Fernández Montesinos a dirigir la obra, tras el gran éxito que tuvo su montaje en 2001. Y tras poner el cartel de "No hay localidades" en el Teatro María Guerrero este verano. La versión actualizada por Juanjo Seoane y Ángel Fernández Montesinos de la obra de Arniches se podrá ver en el Teatro Marquina a partir del 20 de enero de 2016. Para el decano de la dirección escénica de nuestro país esta versión: “Conserva su esencia y su actualidad es indudable, desgraciadamente. Nos encontramos en una ciudad de provincias con un ayuntamiento que lleva 20 años gestionando los presupuestos de una forma alegre y quizá corrupta. De pronto reciben la noticia de que va a venir un inspector de la capital. Vemos el terror que se apodera de ese alcalde y asistimos al enredo maravillosamente urdido por Arniches. Este enredo demuestra que el humor es un arma muy eficaz para retratar los problemas de la sociedad”. Al público le va a sorprender la actualidad de algunas escenas: “Va a creer que se han escrito ahora mismo y están escritas en el año 1920”. Todo ello subraya la vigencia de un autor que el tiempo ha puesto en su lugar. Todo un clásico, imperecedero como tal que ha vuelto a conectar con el público que ha llenado el emblemático Teatro María Guerrero de Madrid poniendo el cartel de "No hay localidades". Producida por GRUPO MARQUINA para SIEMPRE TEATRO. Con dirección de Ángel F. Montesinos y un reparto formado por Víctor Anciones, Marisol Ayuso, Juan Calot, Fernando Conde, Óscar Hernández, Alejandro Navamuel, Elena Román, Raúl Sanz, Juan Jesús Valverde. Los caciques de Carlos Arniches, fue estrenada en el Teatro de la Comedia el 13 de febrero de 1920. Ha sido representada en numerosas ocasiones, incluido en el mítico Estudio 1 en 1976.

NOTA DEL DIRECTOR

Entre la colección de sainetes, farsas y comedias creadas por Don Carlos Arniches, (Alicante, 11 de octubre de 1866- Madrid 16 abril de 1943) siempre me interesaron, entre toda su producción, dos títulos que alcanzaron centenares de representaciones en su época y que contienen una profunda crítica social: La señorita de Trevélez y Los Caciques, esta última, estrenada en el Teatro de la comedia de Madrid en 1920. ¿Porqué vuelven ahora a los escenarios Los Caciques? La respuesta es bien sencilla, por su rabiosa actualidad. En la misma raíz de la obra, en su temática reside su actualización. Es una comedia de enredo pero con una soterrada crítica social y política, donde se demuestra, una vez más, que el humor es un poderoso instrumento para combatir los defectos de una sociedad. Cuando escribe Carlos Arniches la comedia, en su reparto figuraban 23 personajes. En aquellos años los dueños de los teatros, que a la vez eran empresarios de compañía, solicitaban a los autores obras destinadas para las compañías numerosas llamadas: Compañía Titular. Eran otros tiempos…. Yo, años más tarde tuve el privilegio de dirigir en el 2001, una versión tradicional de esta comedia, subrayada con los trajes y escenografía de Antonio Mingote. Pero los tiempos cambian. ¿Cómo hacer que Los Caciques puedan volver a la escena, con su humor, sus personajes y su sátira feroz? Escribiendo una nueva versión respetando el espíritu del autor, conservando los mejores diálogos, sus principales personajes y eliminando otros pero no sus parlamentos. Siguiendo, en fin, su trama, siendo totalmente fieles a la obra de Arniches para demostrar, una vez más, que el humor es un instrumento tan válido como otros para elaborar una profunda crítica social desde el escenario. Imaginen una ciudad de España, una cualquiera, en la que un Ayuntamiento administra el dinero de los contribuyentes de una manera digamos “ligera” y evidentemente “corrupta” y sigamos imaginando que un buen día, anuncian la llegada de un Inspector enviado por el Gobierno para revisar las cuentas… Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia… Los caciques divierten dejando una reflexión, como dice el protagonista al final de la obra: “Los españoles no seremos felices, hasta que no acabemos de una vez para siempre con Los Caciques.”

Ángel Fernández Montesinos

SINOPSIS

Érase una vez, en una pequeña ciudad de España, un partido político y su alcalde llevan más de treinta años ejerciendo el caciquismo y la corrupción. Se les notifica la llegada de un inspector del gobierno, que debe analizar sus cuentas. El alcalde siguiendo su tendencia natural, se propone comprar la voluntad del inspector con todo tipo de agasajos, homenajes, regalos y dinero. Sin embargo, aparecen en la ciudad un sobrino y su tío, con intención de solicitar la mano de la sobrina del alcalde. Éstos son confundidos por el inspector del gobierno, provocando todo tipo de divertidos malentendidos. [caption id="attachment_21446" align="aligncenter" width="701"]

LOS CACIQUES ©marcosGpunto[/caption]

FICHA

Dirección: Ángel F. Montesinos Versión: Juanjo Seoane / Ángel F. Montesinos Escenografía y vestuario: Alfonso Barajas Diseño de luces: Juan Gómez Cornejo Diseño Gráfico: Pedro Pareja Videoescena: Álvaro Luna Iluminación: Carlos Alzueta Cartel: Isidro Ferrer Fotos: marcosGpunto Distribución: Iraya Producciones Reparto: Víctor Anciones, Marisol Ayuso, Juan Calot, Fernando Conde, Óscar Hernández, Alejandro Navamuel, Elena Román, Raúl Sanz, Juan Jesús Valverde. Producida por GRUPO MARQUINA para SIEMPRE TEATRO Fechas y horarios: Del 20 de enero al 21 de febrero de martes a jueves 20:00 horas, viernes y sábado 19:00 y 21:15 hrs, y domingo 18:30 horas en el TEATRO MARQUINA

‘Los caciques’ reivindica la vigencia de Carlos Arniches - El País

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GRAN TEATRO PRÍNCIPE PIO

NANO CABARET

27 de enero a las 19h. y 25 de marzo a las 18:30h.

Creado e interpretado por Natalia Calderon y Maxi Mendia. Dirigido por David Ottone (Yllana)

David Ottone de Yllana dirige este Cabaret alocado y musical, que gira entorno al mundo de la mujer y sus tribulaciones. Espectáculo con canciones, humor y mucho sentimiento.

Nano Cabaret está estructurado en forma de sketches . Cuenta con una docena de temas musicales cantados en directo, que van desde el jazz, la copla, el rap, el pop y el musical más clásico, salpicados de ingeniosos monólogos y situaciones delirantes, y con hueco hasta para la parodia de artistas de antaño. En Nano Cabaret se hace un divertido repaso a la situación de la mujer en nuestra sociedad a través del ingenio de la palabra y de la emoción que provoca la música.

Dirigido por David Ottone, miembro de la compañía Yllana, e interpretado por Natalia Calderon, actriz, compositora y cantante de jazz. Creadora de proyectos musicales tan sólidos como Natalia Calderón Quartet y Groove Box y Maxi Mendia, actor y cantante, destacando su trabajo en el coro Gospel Funk Inside Voices (dirigido por la emblemática cantante Sheilah Cuffy).

Juntos han puesto en pie un espectáculo con un ritmo trepidante, lleno de humor y buena música, hecho con la idea en entretener, emocionar y divertir.

Máximo Mendía San Juan

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Máximo Mendía San Juan[/caption]

Asturiano de nacimiento y madrileño de adopción. Este actor, cantante y cómico tiene tras de sí una larga carrera profesional en la que ha cautivado a todo tipo de público en los más diversos proyectos.

Ha formado parte de importantes grupos vocales, destacando su trabajo en el coro Gospel Funk Inside Voices (dirigido por la emblemática cantante Sheilah Cuffy). Durante varias temporadas ha sido cantante solista en varias Orquestas tan relevantes como Avalancha o Alcatraz.

Ha formado parte del elenco de importantes musicales en España como We Will Rock You (en el papel de elenco y cover de Kashogi) y Hoy no me puedo levantar (como papel de Churchi).

En teatro destacar su participación en la obra El ojo en el bosque de Juan Mayorga, proyecto de teatro experimental (narrador - bufón) , Edipo Rey de Sófocles representado en el Festival de Teatro de Mérida y dirigido por Jorge Lavelli (coreuta). Ha grabado colaboraciones para publicidad (Movistar 11822, voz masculina cadena dial, etc) y televisión.

En su formación académica destacar el curso de performance con Marceli Antúnez (Fura dels Baus) y Cuco Suárez.

"Entusiasta y entregado a esta profesión tan ingrata a la que tanto tengo que agradecer".

Natalia Calderón

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Natalia Calderón[/caption]

Cantante, compositora y actriz madrileña. Grado Superior en Jazz - Especialidad Voz, en el Centro Superior de Música del País Vasco. Creadora de proyectos musicales tan sólidos como Natalia Calderón Quartet y Groove Box, con los que ha viajado a diversos escenarios de Europa, Asia y América Latina.

Cursa estudios en técnica Chekhov junto a Graham Dixon en Londres (Michael Chekhov Studio London) y continúa su formación hasta el momento presente asistiendo a los diversos talleres impartidos en españa, también en calidad de traductora.

Realiza entrenamiento ante la cámara junto a Eduardo Chapero-Jackson (Máster El Actor Frente a la Cámara) y Javier Luna.

Desde 2013 realiza el Curso anual de Laboratorio Teatral sobre la obra de Shakespeare bajo la dirección de Borja Cortés. También ha estudiado junto a Pablo Paz (Técnica Actoral para Cantantes), Alberto Quirós (Clown), Borja Cortés (Improvisación), Agustín Arrazola (Comedia dell’arte), Jasone Alba (Consciencia corporal y reconducción postural) y Yolanda Monreal (interpretación), entre otros.

FICHA

Creado e interpretado: Natalia Calderón y Maxi Mendia Dirigido: David Ottone (Yllana) Producción Musical: Willy López (Lateral ideas), José Mora y Bulbul Fotografía: Loren Martín-Trepidarte Diseño Gráfico: RoMa Gonzalesáenz Fechas y horarios: 27 de enero a las 19h. y 25 de marzo a las 18:30h. GRAN TEATRO PRINCIPE PIO

Maxi Mendía y Natalia Calderón en un magnífico “Nano Cabaret” - Horacio Otheguy Riveira

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TEATRO LARA

Papá es Peter Pán y lo tengo que matar de Ramón Paso y con Eloy Arenas

LUNES EN EL TEATRO LARA

Risa inteligente en el siglo del materialismo.

Papá es Peter Pán y lo tengo que matar, llega en agosto al Teatro Lara. Eloy Arenas (que continú en su cuarto año en BURUNDANGA) interpreta este monólogo cómico, ácido y feroz de Ramón Paso; descubriendo qué es lo importante, por qué vale la pena luchar y qué cosas da igual que te robe una prostituta o no. Buscando un montaje sencillo, basado en el humor, el texto y un solo actor en el escenario, Papá es Peter Pan y lo tengo que matar busca la efectividad por encima del efectismo y la sinceridad antes que los artificios. Utilizando como base la trayectoria y el estilo de Eloy Arenas - alma y corazón de este monólogo -, y su gusto por la provocación inteligente, presentan un montaje como una conversación íntima entre él mismo, como actor - el personaje, en realidad -, y el público. El público, más en su papel de voyeur que nunca, observa a César, el personaje, desde el agujero de una imaginaria cerradura, mientras él se debate entre las acusaciones de las mujeres de su vida.

SINOPSIS

César se despierta una mañana y comprueba que una prostituta, a la que él mismo tuvo la insensatez de meter en su casa, le ha desvalijado, llevándose todos los objetos que le definían como ser humano. El robo actúa como detonante de una serie de conversaciones en las que César ve redefinidas sus relaciones con su mujer, su amante y su hija adolescente. Eloy Arenas interpreta este monólogo cómico, ácido y feroz, descubriendo qué es lo importante, por qué vale la pena luchar y qué cosas da igual que te robe una prostituta o no. Risa inteligente en el siglo del materialismo.

César es un triunfador, adicto a sí mismo, convencido de que su éxito social le aleja del fracaso que padeció su padre – un pobre desgraciado que condujo un taxi toda la vida – y que cifra las expectativas de su vida en lo que ha podido comprar con dinero. César es un infeliz que no se ha enterado de nada de lo que es importante en la vida. Un hombre que presume de filósofo urbano y que, en el fondo, no es nada más que un infeliz que no logra quererse a sí mismo.

FICHA

Autor y Dirección: Ramón Paso Ayudante de dirección: Blanca Azorín Iluminación: Pilar Velasco Vestuario: Peter Blade Fotografía: Sergio Almarcha Producción: Esperanza Jiménez Reparto: Eloy Arenas Fechas y horarios: Estreno: 31 de agosto. Lunes a las 20:00h en el TEATRO LARA

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TEATRO ALFIL

Del 22 de agosto al 25 de octubre

El 22 de Agosto regresa CERDA una obra escrita y dirigida por Juan Mairena e interpretada por Dolly, Carolina Herrera, David Aramburu, Soledad Rosales y María Velesar. El 4 de julio se estrenaba en La casa de la portera CERDA de Juan Mairena. Y desde entonces periodistas y amantes del teatro no han dejado de hablar de ella. Julio Castro, Miguel Pérez Valiente o las publiadas en los blogs “Mi BUTAQUITA” y “En un entreacto“ son algunos de los ejemplos. Culminado por la Unión de Actores con el PREMIO a Mejor Actriz Secundaria de Teatro a Inma CUEVAS por su papel de Sor CICILIA en 'CERDA'. Uno de los éxitos del teatro Off. Del 22 de agosto al 25 de octubre en el Teatro Alfil. La obra llega a representarse simultáneamente en Madrid y Buenos Aires y es considerada la obra más longeva del teatro Off madrileño. Actualmente se prepara su adaptación cinematográfica. › Texto editado por Ediciones Antígona.

Una obra totalmente irrespetuosa que juega con el absurdo, lo poético y la crónica social más escabrosa.

¿Qué ocurre cuando te lo han robado todo?

SINOPSIS

La crisis ha llegado a la Orden de las Siervas del Santo Membrillo, un convento de clausura dirigido por Sor Leona, una autoritaria y dominante madre superiora, dispuesta a cualquier cosa para sacar adelante la congregación. Todo cambia cuando llega el convento Sabrina, una nueva aspirante que, poco a poco, irá descubriendo los secretos, fragilidades y obsesiones de cada uno de sus habitantes. Cerda es una obra rara, extraña, diferente, absurda, distorsionada, surrealista e improbable en la que todo o... casi todo... es posible. Milagros, delitos y faltas en un convento perdido en medio de ninguna parte. Un viaje delirante a través de la vida de unos seres perdidos y solos, atrapados en una selva de piedra y movidos por un único sentimiento: el deseo de llegar hasta el mar.

“No hay ni una sola línea del texto ni un solo detalle de la puesta en escena que tenga desperdicio. Desde los momentos musicales coreografiados hasta los más poéticos, las referencias a los grandes clásicos del cine o a la cultura pop” Miguel Gabaldón.

FICHA

Autor: Juan Mairena Dirección: Juan Mairena Ayudante de Dirección: Pablo Martínez Bravo Escenografía: Blanca Moltó Iluminación: Rodrigo Alonso García Vestuario: Íñigo Sádaba Coreografía: Pablo Martínez Bravo Producción: La caja negra teatro Intérpretes: Dolly, Carolina Herrera, David Aramburu, Soledad Rosales y María Velesar Fechas y horarios: DOMINGO 20:30 en el TEATRO ALFIL

CERDA · Teaser · from Pedro J. Canela on Vimeo.

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LA PUERTA ESTRECHA

19 y 20 de septiembre a las 20:30h. en LA PUERTA ESTRECHA

"Anónimas" es una coproducción del Nordisk Teater Laboratorium y Jeito Producciones, con dirección de Julia Varley e interpretación de Amaranta Osorio y Teresa García Herranz.

SINOPSIS

Tres hermanas- una actriz, una guitarrista y una muñeca- en una habitación con suelo de ajedrez, se cuentan las historias de sus abuelas y de sus madres, mujeres queridas pero “anónimas”. Sus sonrisas son ingenuas y peligrosas. Se rien de Barbazul y dedican música, cantos y danzas a Susana Chávez, periodista mexicana que acuñó la frase “ni una muerta más” para rescatar el derecho a la vida de otras mujeres que se han vuelto sólo estadísticas. Las historias recuerdan tiempos de guerra y de paz, amores y astucias para mantener a la familia junta. Las tres hermanas recorren un camino de piedras hecho con la historia silenciosa de muchas mujeres en busca de sus nombres. El espectáculo combina música y teatro en un espacio en blanco y negro. Las imágenes transportan al espectador, incitándolo a redescubrir su propia historia y a recordar a las mujeres “anónimas” que han forjado su existencia.

FICHA

Escrito por Amaranta Osorio basándose en historias reales. Se dicen también los poemas: “María” de Susana Chavez, “Piedras” de Eugenia Mendez y un extracto del Diario íntimo de Gabriela Mistral Dirección y dramaturgia: JULIA VARLEY Asistente de dirección: PAULA ISIEGAS Texto e interpretación: AMARANTA OSORIO Guitarra e interpretación: TERESA GARCÍA HERRANZ Iluminación: MIGUEL ANGEL CAMACHO Escenografía y vestuario: GEMA RABASCO Realización de vestuario: ALEJANDRO CORREA, CARMEN BELOSO Diseño de sonido: ARNE BOCK Voz en off: JAVIER ORTIZ AND MON CEBALLOS Poster: DORTHE KÆRGAARD Fotos: FRANCESCO GALLI Diseño Gráﬁco: IRENE OSORIO Corproducción: NORDISK TEATERLABORATORIUM AND JEITO PRODUCCIONES. Con el apoyo de: la OEI, Guitarras Juan Alvarez, Nuevo Teatro Fronterizo y Residui Teatro. Fechas y horarios: 19 y 20 de septiembre a las 20:30h. en LA PUERTA ESTRECHA

Anónimas Teaser from Ramiro Osorio Cepeda on Vimeo.

TEATRO DE LA ABADÍA

DEL 11 AL 19 DE SEPTIEMBRE

"Sólo temblad, no habléis., pero el fuego os arde por dentro. Sin palabras, solo las pensáis... No hay mayor dolor que el amor... "

“No hay mayor dolor que el amor”. Dice Medea, dice Séneca. Si esto es así... ¿qué hacer? ¿Acaso no hemos sentido esto alguna vez? Medea es atrevimiento, Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores o, mejor dicho, a nuestros dolores o, mejor dicho, si el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embargo no puedo dejar de mirar. Andrés Lima

'Medea', a juicio de Andrés Lima, es una musa de la destrucción, es sinónimo del mundo en que vivimos, “un lugar maravilloso y a la vez un espacio de destrucción”. Y sobre esa contradicción hizo trabajar conjuntamente a Aitana Sánchez Gijón y a Joana Gomila, que se dejaron llevar por la posesión de Medea: “Qué significa Medea para nosotros (se preguntaba Andrés Lima), significa el amor y la guerra. Por amor llega a la devastación, a la muerte. 'Medea' es la destrucción hasta el último momento desde el amor, simboliza la catástrofe natural que puede acabar con el mundo. Esa metáfora de destrucción desde el ser humano, que puede acabar con el mundo, que lo arrasa todo”

"Mi único sosiego será ver el mundo entero sepultado entre mis escombros: que todo desaparezca conmigo. Cuando pereces, te agrada arrastrar a otro"

SINOPSIS "Todavía no sabes lo que es llorar, espera a que seas viejo" Una mujer en plena madurez de su fuerza, inteligencia y belleza que ha hecho lo inenarrable por el amor de un hombre, desgarra su alma para encontrar las palabras que den forma a los hechos que ejecutará para vengarse de ese hombre que ahora le niega su amor. Aitana Sánchez-Gijón rodeada de un coro de niños a los que su pathos le arroga a asesinar. «"No hay mayor dolor que el amor". Dice Medea, dice Séneca. Si esto es así... ¿qué hacer? ¿Acaso no hemos sentido esto alguna vez? Medea es atrevimiento, Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores, o mejor dicho a nuestros dolores, o mejor dicho: si el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embargo no puedo dejar de mirar. Medea, tan contraria a la idea de virtud de Séneca y sin embargo tan atractiva para el autor»

Andrés Lima

FICHA Texto Séneca Dirección y versión Andrés Lima Música Jaume Manresa interpretada por el Coro de Jóvenes de Madrid, Joana Gomila, Joan Roca y Jaume Manresa Diseño de escenografía Eduardo Moreno, Alejandro Andújar y Beatriz San Juan Diseño de vestuario Beatriz San Juan Diseño de iluminación Valentín Álvarez Videocreación Miguel Àngel Raió Diseño de sonido Sandra Vicente y Enrique Mingo Director del Coro de Jóvenes de Madrid Juan Pablo de Juan Gerencia y coordinación del Coro Rennier Piñero Ayudante de dirección Laura Ortega Ayudante de escenografía y vestuario Almudena Bautista Equipo técnico Javier Almela (sonido), Francisco Manuel Ruiz (iluminación) y Juanma Pérez (maquinaria) Diseño de producción Joseba Gil Producción ejecutiva Elisa Fernández Asistente de producción Gonzalo Bernal Coordinación técnica Eduardo Moreno y Pau Fullana Construcción de escenografía Scenik, Cledin, Sfumato, Mekitron, Stonex/ETC Promoción y comunicación elNorte Comunicación y Cultura Y los equipos técnico y de gestión del Teatro de La Abadía Producción: Teatro de la Ciudad en coproducción con Teatro de La Abadía Reparto: Aitana Sánchez-Gijón, Andrés Lima, Laura Galán, Joana Gomila Fechas y horarios: Del 11 al 19 de Septiembre en el TEATRO DE LA ABADÍA

Teatro de la Ciudad. #3 Taller de Medea con Andrés Lima from La Buena Estrella on Vimeo. Teatro de la Ciudad - Taller la Voz de Medea con Aitana Sánchez-Gijón y Andrés Lima from La Buena Estrella on Vimeo.

LA PENSIÓN DE LAS PULGAS

Regresa PALABRAS ENCADENADAS de Jordi Galcerán en La PENSIÓN de las PULGAS

Estreno Miércoles 8 de Junio. Miércoles 22h

La compañía de Teatro La Ruta presenta PALABRAS ENCADENADAS de Jordi Galcerán. Con dirección de Juan Pedro Campoy ("La vida resuelta") y con Cristina Alcázar y Francisco Boira. (METjor Actor de 2015) Tras su paso por el Teatro Lara, Palabras Encadenadas llega el 8 de junio a La PENSIÓN de las PULGAS, donde podrá verse los miércoles a las 22h. Palabras Encadenadas, un sorprendente thriller de Jordi Galcerán, que cuenta la historia de Ramón (Francisco Boira) y Laura (Cristina Alcázar) adentrándose en la psicología. Los que una vez fueron un matrimonio tendrán que resolver cuentas pendientes y conocer la verdad de lo que ocurrió. ¿Pero quién es verdaderamente la víctima? ¿Él o ella? Aquí todo es posible. En 1995, con "Palabras encadenadas", Jordi Galcerán gana el XX Premio Born de Teatre y en 1996 el Premio de la crítica Serra d’Or. Estrenada en 1997 en Barcelona, la primera versión llegó a Madrid en el 2000 producida por Pentación. Palabras Encadenadas fue el primer éxito de Jordi Galcerán al que siguieron otros como "Dakota", "El método Grönholm", "Burundanga" o "El crédito". Ha sido puesta en escena por múltiples compañías y en esta ocasión es La Ruta - Compañía de teatro quien se atreve con este thriller llena de giros e intriga, que ya pudimos ver en el Nuevo Teatro Alcalá en 2011. En junio, los miércoles La PENSIÓN de las PULGAS se transformará en el sótano de PALABRAS ENCADENADAS.

'Palabras encadenadas' en el Off del Lara

Curiosidades sobre la obra:

- Escrita en 1995 por Jordi Galcerán. fue galardona con el Premio Born de Teatre - En 2003, Goya Toledo y Darío Grandinetti protagonizaron la versión cinematográfica - Carlos Sobera y Àngels Gonyalons protagonizaron la obra en Madrid en su estreno.

SINOPSIS

Encerrada en un oscuro sótano, Laura, una psiquiatra, contempla aterrorizada un vídeo en el que un hombre confiesa ante la cámara ser unasesino en serie. Es Ramón, un tipo aparentemente normal e inofensivo. Amordazada y atada en una silla, Laura reconoce en él al que fue su marido durante dos años. Ramón le propone jugar a las palabras encadenadas. Si él gana, le dejará marcharse; si pierde, le sacará un ojo. Presa del pánico, Laura acepta. Así empieza esta historia de persecución, donde las reglas del juego cambian constantemente y no se sabe quién persigue y quién es perseguido. La historia de dos personas que buscan la verdad; pero la verdad aparece mezclada con mentiras y recuerdos de unos hechos crueles de dos personajes dispuestos a jugar hasta el límite.

FICHA

Dramaturgia: Jordi Galcerán Dirección: Juan Pedro Campoy Elenco: Cristina Alcázar y Francisco Boira Producción: Cía. La Ruta. Fechas y horarios: Estreno Miércoles 8 de Junio. Miércoles 22h en La PENSIÓN de las PULGAS Reservas: Teléfono: 638752812 (de 11h a 14h y de 17h a 20h) [learn_more caption="CRÍTICAS" state="open"]

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SALA TU

QUE NADA NI NADIE TE ROBE TUS SUEÑOS

Grandes éxitos del Cómico Joxean Orbegozo como protagonista, se estrenó en el Teatro El Montacargas de Madrid el 1 de Noviembre de 2014, prorrogado durante 4 meses en el mismo teatro, ha girado por provincias durante todo este año 2015, cosechando desde entonces buena crítica y afluencia de público. A partir del 11 de Septiembre se presenta con su Segunda Temporada en la Sala TÚ de Madrid, todos los Viernes a las 23:50h. Se trata de una comedia, monólogo teatral, con música en directo a piano y voz, en la que el cómico vasco exprime toda su versatilidad en escena. El espectáculo ofrece un viaje emocional y cómico, combinando música e interpretación, cabaret y clown, pasional. Altamente recomendable. Joxean Orbegozo es un Cómico, un Cómico de verdad, de los de antes. Como Carmela y Paulino, con su vida a cuestas recorriendo lugares de España en la mítica Ay Carmela. Como él dice: "Vivimos una situación de falta de respeto, miedo, dolor, se hace muy difícil encontrar algo de verdad alrededor, falta ilusión, desaparecen referentes y no quiero participar en un circo en donde todo está pactado de principio a fin. Es tiempo de cumplir ilusiones los que nunca pudieron tenerlas, de que no pierdan los mismos, tiempo de reír de una vez, de ser felices ostia!"

“Delicadamente bello monólogo teatral y musical. Una aparente comedia que guarda muchas sorpresas en su interior. Un actor en estado de gracia, que derrocha carisma y presencia, encantador. Una comedia que navega a la altura de la tripa, donde transcurren todas las emociones.”

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GRANDES ÉXITOS - Joxean Orbegozo[/caption] Grandes éxitos es la ilusión de un hombre por ser y hacer feliz, un show en el que se cuentan canciones y se cantan historias. Un espectáculo donde el espectador participa desde el principio, con una sucesión de anécdotas y personajes dentro de la vida del protagonista que no te dejará indiferente. La vida misma contada por su protagonista en una obra de teatro. Es ser aquello que todos queremos. Nace del querer ser verdad y revolucionario, como dijo alguien: “no hay nada más revolucionario que ser verdad”. El formato intimista y personal es fiel al autor y equipo que lo forman, siguiendo la línea del artesano que pule sus propias piezas y las muestra. La obra tiene humor, aunque también hay momentos que no lo tiene, pero sobre todo no esconde nada, tampoco lo pretende. Muestra un personaje descubriendo que uno es lo que es. Estamos hablando de verdad, estamos hablando de Grandes éxitos.

FICHA

Actor: Joxean Orbegozo. Dirección: Joxean Orbegozo. Diseño de escenografía e iluminación: Izaskun Sainz. Música original, adaptada y escrita: Joxean Orbegozo. Fotografía, vídeo y diseño: Eduardo Sanz Vestuario: Nekane Olano. Producción: Sara Menozzi-Marta Malumbres-Izaskun Sainz Producción y distribución: Pitxin Antzerkia. Técnico Iluminación: Izaskun Sainz. Fechas y horarios: Viernes a las 23:50h. en la SALA TÚ Twitter: JoxeanOrbegozo Web: joxeanorbegozo

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Grandes éxitos Sala Tú, Madrid. Segunda Temporada from Joxean Orbegozo on Vimeo. Grandes éxitos "Sala Tú", Madrid. Aeropuerto. Segunda temporada trailer from Joxean Orbegozo on Vimeo.

TEATRO LARA

Doble Sentido Producciones presenta

LAS HERMANAS RIVAS

de Adriana Roffi y Mariano Rochman

Del 18 de abril al 30 de mayo

“El amor es un acto extremadamente violento. Amor no significa amar a todos, a todo. Amor significa, selecciono algo y es la estructura del desequilibrio. Aun cuando eso sea sólo un pequeño detalle, una frágil persona individual. Yo digo: “te amo más que a cualquier cosa”. En este preciso sentido formal, el amor es el mal.”

Regresa LAS HERMANAS RIVAS, de Adriana Roffi y Mariano Rochman al Teatro Lara. Con dirección de Adriana Roffi y un reparto formado por Regina Ferrando, Luciana Drago y Mariano Rochman. LAS HERMANAS RIVAS es una producción de Doble Sentido Producciones, un proyecto artístico puesto en marcha en 2007 con la intención puesta en la creación y producción de espectáculos teatrales.

El origen de este proyecto está inspirado en un cuento de Jorge Luís Borges "La Intrusa".

SINOPSIS

Las hermanas Dolores y Angustias Rivas están muy unidas, viven solas en su pueblo en una vieja casa heredada de sus padres. Son muy celosas de su intimidad. Las hermanas Dolores y Angustias Rivas lo comparten todo, se consultan todo y nada hacen sin el consentimiento de la otra. Después de una noche de excesos Dolores conoce a un hombre, El Potro Estrella, un boxeador venido a menos. Sin consultar a Angustias lo trae a vivir a la casa. Él pasa a formar rápidamente parte de sus vidas. Para El Potro Estrella, su única obsesión es entrenar para la pelea que lo llevara al triunfo definitivo. Poco a poco Angustias comienza a sentirse atraída por El Potro. Ella no puede controlar los deseos hacia el hombre de su hermana. Dolores dándose cuenta de la situación, y preservando el amor por su hermana decide darle vía libre a Angustias con El Potro Estrella. Desde esa momento, comparten el mismo hombre. Esta situación al ser insostenible por la pasión y el deseo que las atraviesan, deciden buscar una solución; El Potro Estrella, después de su “gran pelea”, deberá elegir a una de ellas. Las consecuencias serán impredecibles. [caption id="attachment_15225" align="aligncenter" width="404"]

LAS HERMANAS RIVAS[/caption]

FICHA

REPARTO Angustias: Regina Ferrando Dolores: Luciana Drago El Potro Estrella: Mariano Rochman Dirección: Adriana Roffi Vestuario: Lucía López y Yolanda Leal Producción: Doble Sentido Producciones Operación Técnica: Sergio Guivernau y Raquel Rodríguez Iluminación: Martín Egeido Fotografía: Life Triumph Video: Joppe de Bernardi Diseño gráfico y plataformas online: Verónica Troconis, Paula Vega y Virginia Ramírez Herrero Asesor de boxeo: Quique Gómez Carrillo Distribución: Mara Bonilla Distribución Compañía: Doble Sentido Producciones Fechas y horarios: Del 18 de abril al 30 de mayo Martes a las 20:15h. en el TEATRO LARA [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-entradas-las-hermanas-rivas-teatro-lara/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

Fogosas, divertidas y feroces “Hermanas Rivas” - Horacio Otheguy Riveira
Crítica de LAS HERMANAS RIVAS - Jordi San Ildefonso

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TEATRO DE LA ABADÍA

Ciclo TEATRO DE LA CIUDAD

La unión de tres de las figuras más importantes de la escena actual como son Alfredo Sanzol, Andrés Lima y Miguel del Arco junto a los productores Joseba Gil, Gonzalo Salazar-Simpson y Aitor Tejada ha generado una gran expectación. Y no es para menos. Iniciativas como el Teatro de la Ciudad en los tiempos que corren funcionan primero como ejemplo, porque ya no es cuestión de resistir si no de moverse. Porque aun sabiendo que tendrán que asumir un importante déficit presupuestario gracias al cariño que tiene nuestro gobierno a la cultura, lo hacen. Y eso es para quitarse el sombrero. Ya resuenan unas voces a lo lejos... Do you hear the people sing?

EDIPO REY

Teatro de la Ciudad (TdlC) supone la unión en un mismo espacio de Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol, concebido como una apuesta por la investigación, reflexión, producción y exhibición del teatro contemporáneo. El planteamiento artístico centra su búsqueda en la mirada contemporánea del lenguaje de la tragedia griega. Nuevos conceptos para volver a las raíces... El 16 de septiembre regresa al Teatro de La Abadía EDIPO REY de Sófocles bajo la dirección de Alfredo Sanzol. Teatro de la Ciudad. En 1999 Alfredo Sanzol dirige su primera obra 'Como los griegos' de Steven Berkoff. Una obra basada en el mito de Edipo Rey (nominado a Mejor Espectáculo Revelación en los Premios Max 2000). Sanzol afirmaba en la magnífica conferencia 'Poética y Teatro' organizada por la Fundación Juan March, que el encontrarse en esos momentos preparando la versión de Edipo Rey con el mismo equipo que en su primera obra sentía que estaba cerrando un circulo.

Tiresias: "¡Ay! Qué terrible es saber, cuando el saber no sirve de nada a quien lo posee. Yo no lo ignoraba, pero lo he olvidado"

Para Alfredo Sanzol Edipo representa la quintaesencia del sufrimiento humano. Incesto, asesinato, peste, ceguera… En Edipo, los personajes caminan hacia la verdad, como si el destino estuviera tirando de los personajes como un tren: "Porque al final Edipo es una obra sobre la verdad escondida. La liberación de Edipo coincide con su propia destrucción" [caption id="attachment_10007" align="aligncenter" width="600"]

EDIPO REY - Alfredo Sanzol. ©elNorte Comunicación

"Naturalezas como la tuya hacen que tú seas tu peor enemigo" Creonte (a Edipo)

SINOPSIS

"Que mi destino siga su curso, vaya donde vaya"

La necesidad de saber la verdad, el imposible control absoluto del destino, y la búsqueda de su propio origen, arman la historia de un hombre que al investigar un crimen, descubre que él es el asesino de su padre y el amante de su madre, poniendo en cuestión los límites y las posibilidades del entendimiento humano. «Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz»

Alfredo Sanzol

FICHA

Dirección y versión Alfredo Sanzol Música Fernando Velázquez Diseño Escenografía y Vestuario Alejandro Andújar Diseño Iluminación Pedro Yagüe Diseño Sonido Sandra Vicente y Enrique Mingo Ayudante Dirección Pietro Olivera Producción Nadia Corral Producción Ejecutiva Elisa Fernández Coordinación técnica Eduardo Moreno y Pau Fullana Promoción/Comunicación/Fotografías El Norte S. L. Producción: Teatro de la Ciudad en coproducción con Teatro de La Abadía Reparto: Natalia Hernández, Elena González, Eva Trancón, Juan Antonio Lumbreras, Paco Déniz, Pablo Vázquez. Fechas y horarios: Del 16 al 26 de septiembre en el TEATRO DE LA ABADÍA

11 al 19 de septiembre: MEDEA

Teatro de la Ciudad - Taller Mito y Razón - Cuarta Jornada from La Buena Estrella on Vimeo. Teatro de la Ciudad. Ultimo taller Edipo con Alfredo Sanzol. from La Buena Estrella on Vimeo.

TEATRO LARA

A partir del 10 de septiembre EN LA AZOTEA de Marta Aledo

Una historia de amor, de amigos y de pérdida de amigos

EN LA AZOTEA una partida que se alarga hasta el 17 de diciembre tras la gran acogida del público.

Los ex y las ex duelen, pero ¿y cuándo son ex amigos? ¿Nos está permitido llorar la pérdida de una amistad con igual intensidad?

El 10 de septiembre llega al Teatro Lara EN LA AZOTEA, primera obra como dramaturga de Marta Aledo, quién además se encarga de la dirección. El reparto lo forman Iñaki Ardanaz, Antonio Galeano y Nacho Redondo. La obra podrá verse los Jueves a las 22:15 en la Sala Off del TEATRO LARA.

PALABRAS DE LA AUTORA

Son personajes confusos por un presente laboral muy duro, con una edad en la que ya se espera de uno que esté “colocado”. Un momento muy caprichoso, muy pesimista. Personajes atados a unas relaciones que no les acaban de dejar ser uno mismo. Ni volar. Ni ser. Siempre he sentido que las rupturas de pareja son igual de duras que las rupturas de amistades. Pero el dolor está menos habilitado socialmente. Se habla menos de él. Provocan también dolor, confusión, culpa, rabia… Es mi primera función larga como dramaturga. Soy actriz y directora y me gano la vida como actriz, pero en ocasiones me gusta llevar el timón y dirijo, escribo y soy cortometrajista. Va a ser una función de mucha verdad, de cercanía con el público, de juegos, de tomar partido. Muy textual en muchos momentos y muy física en otros. Alegre, viva, dura y triste. Es una historia de amor, de amigos y de pérdida de amigos.

Marta Aledo

SINOPSIS

Xavi, Jon y Nacho son tres amigos de toda la vida les y se juntan para jugar a todo tipo de juegos de mesa y pasar el rato. A lo largo de los años y de los juegos les iremos conociendo a ellos y a sus secretos, trabajos, deseos, frustraciones y traiciones. [caption id="attachment_15588" align="aligncenter" width="636"]

EN LA AZOTEA[/caption]

FICHA

Dramaturgia y dirección: Marta Aledo Iluminación: Manuel Fuster Ayte. de dirección: Ursula Gutiérrez Música: Antonio Galeano Elenco: Iñaki Ardanaz, Antonio Galeano y Nacho Redondo Compañía EL ARTISTA INVITADO Fechas y horarios: Jueves a las 22:15 en la Sala Off del TEATRO LARA

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EN LA AZOTEA (trailer) from Antonio Galeano on Vimeo.

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