Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

 

TEATRO DE LA ABADÍA

 

Guindalera Teatro presenta EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO Del 16 al 27 de noviembre

 

El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma.

 
  • El 6 de mayo de 2015 se estrenó ‘El Año del Pensamiento Mágico’ en la Sala Margarita Xirgú del Teatro Español, obra basada en el best-seller de la autora norteamericana Joan Didion. La obra obtuvo excelentes críticas y en octubre se pudo ver en la Sala Guindalera.
  • La actriz Jeannine Mestre se enfrenta a este complejo texto, bajo la dirección de Juan Pastor, en una nueva producción de Guindalera Teatro
  • ‘El Año del Pensamiento Mágico’ es un texto conmovedor, sincero, irónico sobre una experiencia personal, que se convierte en universal
  • La obra podrá verse en el Teatro de La Abadía del 16 al 27 de noviembre de 2016.
  Tras su paso por la Sala Pequeña del Teatro Español, y la Sala Guindalera, El año del pensamiento mágico llega en noviembre de 2016 a La Abadía. Un lugar perfecto para este conmovedor y poético monólogo que Jeannine Mestre interpreta de manera sublime. Juan Pastor acudió a la representación en el National Theatre de Londres. De allí salió con la firme decisión de montarla en Madrid con la actriz Jeannine Mestre. Y solo hay que ver la obra para apreciar el acierto de esta decisión.   The Year of Magical Thinking de Joan Didion. Premio Nacional de Estados Unidos a la "mejor obra de no-ficción” de 2005. Se trata de un libro prodigioso por su sinceridad y pasión conmovedoras, escrito por una de las más emblemáticas escritoras norteamericanas. En 2007 la obra se estrenó en Broadway. Dirigida por David Hare, junto a la actriz Vanessa Redgrave y la propia Joan Didion, realizaron una dramaturgia de la obra, conservando el título que estrenaron en Nueva York, el National Theatre de Londres y, posteriormente en numerosas ciudades del mundo... En 2004 Joan Didion escribió: El Año del Pensamiento Mágico. Lo comenzó diez meses después de que su marido, John Gregory Dunne, cayese fulminado ante sus ojos por un ataque al corazón.   Didion es ensayista, novelista, guionista y periodista. Nació en California y estudió en la prestigiosa Universidad de Berkeley. Ha escrito numerosas obras, como Play it as it Lays, Democracy, Slouching Toward Bethlehem, The White Album, Salvador... Junto a su marido, John Gregory Dunne, también ha participado en destacados guiones de cine. Vive actualmente entre Nueva York y Los Ángeles, desde donde colabora con varios periódicos y revistas, como el The New York Review of Books. La pérdida de su marido, y posteriormente la de su hija, la empujó a escribir ‘El Año del Pensamiento Mágico’, con la que alcanzó reconocimiento internacional.     [caption id="attachment_19909" align="aligncenter" width="711"]EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO[/caption]    

NOTA DEL DIRECTOR

El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma. La protagonista nos relata los recuerdos más íntimos de su experiencia vital ante la pérdida de sus seres queridos, colocándonos un espejo encantado, como en un cuento de hadas, para que descubramos la verdad sobre nosotros mismos, lo que probablemente nos sucederá a lo largo de la vida. Y lo hace deslizándose suavemente sobre su pasado y presente, de forma conmovedora, sin sentimentalismos ni dramatismos, con ironía, humor mordaz y un extraordinario sentido musical en el uso de sus palabras, conformando una sonata rica en matices. Una experiencia intensamente personal que, no obstante, se convierte en algo universal. También provoca múltiples reacciones inesperadas, estableciendo una tensión entre lo que se dice y lo que no se dice, y por momentos lo que ocurre llega a ser gracioso, más gracioso de lo que podríamos esperar. Pero también llega a ser desconcertante, sobre todo si uno se pregunta por qué alguien tan obviamente inteligente aparece actuando de una forma tan estúpida.
Juan Pastor
    [author] [author_image timthumb='on']http://estaticos.elmundo.es/assets/multimedia/imagenes/2015/05/17/14318823653337.jpg[/author_image] [author_info]Jeannine Mestre,Trabajó para la televisión alemana durante dos años con Albert Boadella y José Luis Gómez. Con José Luis Gómez participó en Lysístrata, de Aristófanes (1972), Gaspar, dePeter Handke (1973) y Woyzeck, de Georg Buchner (1976). Posteriormente intervino, entre otros, en espectáculos como: Veraneantes, de Gorki (dir. Carlos Gandolfo, 1970); Antígona, de Jean Anouilh (dir. Miguel Narros, 1975); Sueño de una noche de verano, de Shakespeare (dir. David Perry, 1980); El mito de Edipo Rey, de Sófocles (dir. Stravros Doufexis, 1982); Don Álvaro o la fuerza del sino (dir. Francisco Nieva, 1984); Kabaret paratiempos de Krisis, de Karl Valentin (dir. Guillermo Heras, 1984); Savannah Bay, de Marguerite Duras (dir. Hermann Bonnín, 1986); Kvetch, de Steven Berkoff (dir. José Pascual, 1986); Motor, de Álvaro del Amo (dir. Guillermo Heras, 1988); Eclipse total, de Hampton (dir. Roberto Villanueva, 1988); Els gegants de la muntanya, de Luigi Pirandello (dir. Xicu Masó, Teatre Lliure, 1990); A la glorieta, de Jane Bowles (dir. Simone Benmussa, compañía de J. M. Flotats, 1992); Roberto Zucco, de B.‐M. Koltès (dir. Lluís Pasqual, Teatre Lliure, 1993); Lobas y zorras, de Francisco Nieva (dir. Juanjo Granda, 1998); Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, de García Lorca (dir. Cristina Magnet, 1998); Los misterios de la ópera, de Javier Tomeo (dir. Carles Alfaro, 2000); Por un sí, por un no, de Nathalie Sarraute (dir. Luis Olmos, 2001); Coriolano, de Shakespeare (dir. Helena Pimenta, 2005); Flor de otoño, de Rodríguez Méndez (dir. Ignacio García, 2005); Trenes que van al mar, de Luis Araujo (dir. Carlos Martín, 2006); Función Beckett: La última cinta de Krapp,Qué palabra, Nana, Fragmento de Teatro II (dir. María Ruiz, 2006); Delirio a dúo, de Eugène Ionesco (dir.Salva Bolta, 2008 CDN); Tórtolas, crepúsculo y telón, de Francisco Nieva (Teatro María Guerrero 2008 CDN); La maquina de abrazar,de José Sanchis Sinisterra (dir Juan Pastor, 2010); La loba, de Lillian Hellman (dir Gerardo Vera, 2011). [/author_info] [/author]    

FICHA

Autor: Joan Didion Traducción: Juan Pastor Iluminación: Sergio Balsera Espacio escénico: Juan Pastor Vestuario:   Teresa Valentín-Gamazo Ayudante de dirección: José Bustos Joyas:  Chelo Sastre Telón dibujo: Antonio Pastor, digitalizado por David Benito Fotografía: Alicia González y David Benito Comunicación: Raquel Berini y Manuel Benito Jeannine Mestre interpreta a Joan Didion Una producción de GUINDALERA TEATRO S.L. Fechas y horarios: Del 16 al 27 de noviembre De miércoles a sábado, 19:30h. Domingos, 18:30h en el TEATRO DE LA ABADÍA DESCARGAR DOSSIER  
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TEATROS LUCHANA

 

K Producciones presenta

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE

de Lorenzo Silva Con Adolfo Fernández y Susana Abaitua

Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30

 

 

K Producciones presenta La Flaqueza del Bolchevique. La adaptación teatral de David Álvarez de la novela homónima de Lorenzo Silva (finalista Premio Nadal 1997). En el 2003, Luis Tosar y María Valverde protagonizaron la adaptación cinematográfica de la misma.

La versión teatral que llega a los Teatros Luchana tras su paso por el Teatro Lara la pasada temporada está protagonizada por Adolfo Fernández ('Ejecución hipotecaria' Premio Max Mejor Autor Revelación) y Susana Abaitua.  

NOTAS DE DIRECCIÓN

¿El mal humor es humor? Si nos atenemos al malhumorado protagonista de La flaqueza del bolchevique, definitivamente sí. Poco importa que la versión teatral de la novela homónima tenga vocación de drama romántico frustrado. Que su condición “transgénero” le conduzca a la tragedia, para superarla. Que discurra cómodamente por terrenos cercanos a la sátira, la farsa y hasta el manifiesto sociopolítico. Al final, el humor puede con todo; el adjetivo “cómico” se adhiere con naturalidad a cualquier nombre previo. Uno de los caldos de cultivo más favorables para el humor es la hostilidad. El narrador de esta historia, de la que él mismo es parte activa, es un misántropo empedernido. Sus soflamas encendidas contra prácticamente todo, desde el deporte a la religión, pasando por la organización del trabajo, la autoridad o la industria automovilística, generan humor del bueno. Destilado en el alambique de la frustración y el desamparo. No siempre provoca risa. Son esas invectivas, además, una demanda desesperada de compañía, de comprensión y de amor. Cuando el amor aparece, con todos sus rasgos bien reconocibles, se esfuma al instante; en una pirueta trágica. O en una comparecencia del humor más negro. El grito se ahoga, pero sigue siendo grito. Y ese grito estaba pidiendo a gritos gritar en algún foro: un estrado, un púlpito o una esquina de Hyde Park. Nosotros hemos decidido darle el mejor de los espacios imaginables: un escenario. Adolfo Fernández y David Álvarez  

SINOPSIS

El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Aunque no tiene ninguna fijación con las jovencitas, conserva un retrato de las hijas del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la duquesa Olga y a menudo se pregunta qué debió sentir el bolchevique encargado de matarla. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista.    

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE en el Teatro Lara

 

FICHA

Reparto: Adolfo Fernández y Susana Abaitua
Autor: Lorenzo Silva
Adaptación: David Álvarez
Dirección: Adolfo Fernández y David Álvarez
Diseño de escenografía: José Ibarrola
Iluminación: Pedro Yagüe
Sonido y música original: Mariano Marín
Servicios técnicos: TARIMA Logística de Espectáculo
Fotografía: Sergio Parra
Diseño gráfico: Minim Comunicación
Prensa y comunicación: María Díaz Producción ejecutiva: Cristina Elso Distrubución: Emilia Yagüe Producciones
Fechas y horarios: Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30 en los TEATROS LUCHANA DESCARGAR DOSSIER   [button link="http://bit.ly/2irYALR" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]   [learn_more caption="PRENSA" state="open"] [/learn_more]  
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Cervantina Ron LaLá en el Teatro de la Comedia

CNTC y Ron Lalá

presentan

CERVANTINA

Basado en textos de Miguel de Cervantes Versión: Ron Lalá

TEATRO SALÓN CERVANTES

"¿Quién pondrá rienda a los deseos?" Cervantes (Novelas ejemplares)

Aliados de nuevo con La Compañía Nacional de Teatro Clásico, Ron Lalá continúa homenajeando a Cervantes con CERVANTINA.

SINOPSIS

Cervantina es una nueva aproximación de Ron Lalá al universo del mayor autor de nuestras letras.

Una fiesta de piezas breves que reúne sobre el escenario las adaptaciones “ronlaleras” de diversas Novelas ejemplares, entrelazadas con las escenas más hilarantes de los Entremeses, fragmentos de las novelas ejemplares incluidas en el Quijote, además de piezas menos conocidas como el Persiles, la Galatea, el Viaje del Parnaso...

Una celebración del mejor Cervantes, eterno y cercano, con sabor al inconfundible sello de Ron Lalá.

Después del rotundo éxito internacional de En un lugar del Quijote, la compañía da un pso más en su exploración del mundo literario cervantino a través de las herramientas de su lenguaje escénico: el humor, la poesía, el ritmo desenfrenado, la música en directo... Un diálogo abierto y sin complejos para contagiar a los espectadores la risa inteligente, sensible y honda de Miguel de Cervantes.

NOTA DEL DIRECTOR

Es tiempo de Cervantes. Su defensa de la libertad de acción y pensamiento, su ironía permanente y su lucidez casi premonitoria, tan necesarias en cualquier edad y época, dan fondo a sus mejores páginas, que parecen escritas hoy. Casi mañana. Cervantina propone una inmersión en esas páginas para redescubrir junto al espectador todos sus tesoros de gracia y hondura. Nuestro desafío es transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de una escritura inagotable. Mujeres libertarias, viejos celosos, pícaros caballerescos, perros que hablan, y hasta un licenciado que cree ser de vidrio. Cambios de nombre, de género, de estamento, de vida. Personajes que evolucionan y revolucionan. Todo muta en este mundo que parece de agua y aire. El agua que se arremolina, confunde, se desenreda y discurre en las múltiples tramas. El aire que fluye sobre nuestras cabezas y nos regala personajes que flotan en el tiempo, y que encontramos hoy en cualquier rincón habitado por hombres y mujeres, viejos o jóvenes. El desafío de Ron Lalá consiste en transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de la amplia literatura cervantina. Compartir con los espectadores, a través del permanente juego del teatro, la alegría amarga, la sonrisa aguda, la belleza del idioma desencadenado y sobre todo, la resistencia del pensamiento libre, a pesar de los prejuicios sociales de un país al borde de la(s) ruina(s). A lo largo de sus años y de los siglos, Cervantes, nuestro más profundo y esencial humanista, resiste y persiste en el discurso de la mejor virtud civil: el justo ejercicio del libre albedrío. Es tiempo de Cervantes.
Yayo Cáceres
[caption id="attachment_21133" align="aligncenter" width="600"] Íñigo Echevarría, Miguel Magdalena, Juan Cañas, Daniel Rovalher, Yayo Cáceres y Álvaro Tato Íñigo Echevarría, Miguel Magdalena, Juan Cañas, Daniel Rovalher, Yayo Cáceres y Álvaro Tato[/caption]  

LA PUERTA ESTRECHA

 

Viernes a las 21h.

¿Cómo sería tu vida si desde que naces supieras cuando vas a morir?

“En la mitología griega, ANANKE era la personificación de la inevitabilidad, la necesidad, la compulsión y la ineludibilidad. Ananké estuvo entrelazada con su compañero, la personificación del tiempo Chronos. Juntos dividieron la material sólida en sus partes constituyentes (tierra, cielo y mar), provocando así la creación del universo ordenado.

Ananké y Chronos permanecieron eternamente entrelazados como las fuerzas del destino y el tiempo que rodean el universo, guiando la rotación de los cielos y el interminable paso del tiempo”

   

El sábado 24 de octubre de 2015 se estrena en Madrid la obra de ficción ANANKE. La nueva producción de Think Twice se podrá ver en el Teatro La Puerta Estrecha desde el 24 de octubre.

ANANKE es una producción propia de Think Twice, supone su debut teatral en Madrid y una continuación a un cortometraje realizado y producido en Londres con el mismo título y temática. Había tanto material para desarrollar en este mundo tan especial al que nos traslada la historia de ANANKE, que con tan interesante premisa decidieron extenderlo y llevarlo a las tablas. Eva Nieto y Bea Poey son Think Twice.  Se conocieron hace cuatro años en Londres.  Desde ese momento, juntas han dejado volar su imaginación en distintos proyectos creando universos únicos no sólo con sus guiones, sino también a nivel visual en sus historias. Siempre trabajando en la búsqueda de nuevos retos y sobre todo, con la firme vocación de conseguir un buen espectáculo. Sin dificultad, se mueven entre diversas disciplinas artísticas explorando las posibilidades del videoarte, la performance, el cortometraje, la publicidad y, más recientemente, el teatro. Eva y Bea vuelven a su ciudad natal para contribuir, en este caso, con un pequeño grano de arena al teatro madrileño. El reparto lo forman Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja.  

SINOPSIS

Nos transportamos a un hipotético futuro en el cual en el momento que nacemos también sabemos la fecha exacta de nuestra muerte. Es ciencia ficción, un género poco común en el teatro y por ello mismo, una oportunidad nueva y diferente de experiencia teatral. ANANKE nos habla de un mundo diferente, donde sus habitantes aprenden a vivir conociendo la fecha exacta de su muerte. A través de sus personajes conoceremos este fascinante mundo en el cual la muerte y la vida se afrontan de una manera completamente diferente a la que nosotros conocemos. Una mezcla entre realidad y ficción que no deja indiferente. Un argumento sobre el destino y lo inevitable.     [caption id="attachment_24162" align="aligncenter" width="697"]Ananke en La Puerta Estrecha Ananke[/caption]  

FICHA

Dirección y dramaturgia: Bea Poey y Eva Nieto Ayudante de dirección: Fernando N. Vengut Escenografía: Sofía Lastra Coreógrafo: Aleix Mañe Sáez Asesoramiento Sonido: Jesús Espada Zaragoza Asesoramiento iluminación: CMarcos G. Núñez Reparto:  Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja. Una producción de Think Twice Fechas y horarios: Desde el 24 de octubre de 2015 Viernes a las 21h. en LA PUERTA ESTRECHA   [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/ananke_e303757/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]  
 

TEATRO KAMIKAZE

 

Kamikaze Producciones y MamaFloriana presenta

JUICIO A UNA ZORRA

Texto y Dirección:  Miguel del Arco Con Carmen Machi

 Del 19 al 29 Julio 2018 

 

Juicio a una zorra es el mónologo de Helena de Troya, la Bella Helena, escrito y dirigido por Miguel del Arco e interpretado por Carmen Machi.

    Juicio a una zorra, de Miguel del Arco. Estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, JUICIO A UNA ZORRA regresa a Madrid con el Premio Valle-Inclán de Teatro y el Premio Ercilla, entre otros, bajo el brazo. Y lo hace en el Teatro Kamikaze, donde se podrá ver  Del 19 al 29 Julio 2018.   Miguel del Arco reescribe el mito clásico en un monólogo apasionado e intenso que nos presenta a una Helena ansiosa por reivindicar su dignidad.   › Juicio a una zorra. Texto publicado por Ediciones Antígona.   Un monólogo apasionado, deslenguado e intenso donde Helena de Troya, “la mujer más vilipendiada de la historia”, reivindica su dignidad y nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya apelando a la verdadera causa de su delito: “Yo solo tomé una decisión: amar a un hombre por encima de todo”.  

NOTA DEL DIRECTOR

Helena de Troya es, posiblemente, una de las mujeres más vilipendiadas de la historia. Lleva sobre sus hombros el peso de haber desencadenado la guerra más famosa de la antigüedad. Helena es un personaje sobradamente conocido. Sabemos que fue prometida a París a cambio de que él declarara que Afrodita era la más hermosa de las tres diosas en litigio, nos han contado el irresistible furor que produjo que huyera con Paris, es mítica su belleza divina… Pero en todos los episodios aparece como un personaje secundario. Un personaje que desencadena acciones de las que nunca es protagonista. Los poetas de la antigüedad la utilizaron para ensalzar el valor o la virtud de los héroes enloquecidos bajo el influjo de su peligrosa belleza, o para contrastar la situación de las mujeres a las que la lujuria y avaricia de Helena convirtió en víctimas. Si alguna vez algún poeta le dio voz, fue para ampliar los motivos para maldecirla. Fue maldecida por griegos y troyanos convencidos de haber sido arrastrados por su culpa a una guerra interminable. Por griegas y troyanas por ser la causa de la muerte de sus maridos y sus hijos. Y a partir de entonces, maldecida por la historia como representación de la mujer interesada e infiel. Helena se nos aparece desde “este limbo imperecedero en el que la coloca la imaginación de los hombres”. Un lugar al que ha sido condenada por la historia… por cómo ha sido contada la historia. Condenada también por ser la hija de Zeus, su única hija con una mortal, y por su insolente acercamiento a la belleza divina. Y así como Sísifo fuera condenado a subir eternamente una roca por la ladera de una montaña, Helena, lo fue al eterno deterioro: “una eternidad de fealdad para expiar sus culpas”. Pero ella se revuelve contra dios. Y se somete al juicio de los hombres con el único objetivo de “dejar de ser”. Un juicio en el que sabe que ha sido condenada de antemano. Pero la acumulación de dolor… y la cantidad de tiempo libre que deja la eternidad… la llevan a abordar su propio proceso. Pero esta vez quiere contar la historia con sus propias palabras. Esta vez será Helena quien elija las palabras que den forma a los hechos. Helena reivindica la necesidad de revisar quién escribe la historia. La suya, es la historia de una mujer enamorada que tomó una sola decisión en su vida: la de seguir al hombre que amaba. Se presenta ante nosotros, aquí y ahora, una Helena trasnochada, lenguaraz, borracha como una cuba por la necesidad de beber permanentemente la droga mezclada con el vino que ofreciera a Telémaco para aplacar su dolor. Una Helena sin miedo. Con ese valor que da el estar de vuelta de casi todo y no tener nada que perder. Una Helena convertida en una “ruina del tiempo”. Una Helena que desafía a los hombres y desafía a Dios. Una Helena que reclama el olvido. Las fuentes han sido muchas: La Ilíada, La Odisea, Las Troyanas, Helena de Eurípides… pero una vez asumidas dejé que la voz de Helena se hiciera fuerte con Carmen Machi en mi imaginación. La Machi es capaz de todo. Tiene todos los registros conocidos e incluso algunos de su única y exclusiva propiedad. Su registro cómico lo ha hecho sobradamente conocido la televisión pero, tal vez, no todos conozcan su registro trágico, ese capaz de hacer volar las palabras para hacer que el alma experimente una pasión propia con motivo de la felicidad y la adversidad en asuntos y personas ajenas.
Miguel del Arco
  JUICIO A UNA ZORRA ©Sergio Parra  

SINOPSIS

Juicio a una zorra Ante una larga mesa ceremonial repleta de botellas de vino y copas de cristal aparece una mujer de cabellera rubia, vestido rojo y tacones de vértigo. Es Helena de Troya, también conocida como Helena de Esparta, Helena la argiva, Helena la aquea o Helena la zorra. Porque quien ha pasado a la historia como la mujer más hermosa que ha pisado la Tierra, cuya inalcanzable belleza desencadenó la más célebre guerra de la Antigüedad, es también una de las mujeres más vilipendiadas que recuerdan las crónicas, la adúltera reina de Esparta. Al menos esa es la versión oficial. Pero ha llegado el momento de que la mirada femenina reescriba su propia versión del mito. “Yo solo tomé una decisión, posiblemente la única que tomé en mi vida. La de amar a un hombre por encima de todas las cosas. Los hechos que le siguieron fueron decisiones de hombres poderosos obsesionados con la posteridad y la riqueza”. Carmen Machi asalta el escenario para reclamar el derecho a elegir las palabras que conformen la historia de Helena y comparecer ante el público en busca de justicia. La mujer fatal que otros inventaron se convierte aquí en una reina marcada por el tiempo, el alcohol y el dolor que nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya, ajusta cuentas con Teseo y Menelao, reprocha sus actos a Agamenón, Ulises y Aquiles, y desafía al mismísimo Zeus, de quien ya no teme ni sus rayos. Y siempre con Paris, su único amor, en el recuerdo. “Esta noche voy a someterme voluntariamente a vuestro juicio a pesar de haber sido condenada de antemano. Pero esta noche las palabras que den forma a los hechos serán las mías”, explica Helena. Y levanta su copa de vino como si lanzara un brindis al cielo.   [gallery ids="67784,40783,20482"]  

FICHA

Texto y dirección Miguel del Arco Música Arnau Vilà Iluminación Juanjo Llorens Sonido Sandra Vicente (Studio 340) Peluquería Sara Álvarez Fotografías Sergio Parra Producción Aitor Tejada Con Carmen Machi Una producción de Kamikaze Producciones y MamaFloriana Fechas y horarios: Del 19 al 29 Julio 2018 en el  TEATRO KAMIKAZE  

Es un delito perderse esta función, donde CARMEN MACHI (por si alguien lo dudaba) obliga que a partir de ahora a que su nombre sea escrito en mayúsculas.

   

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TEATRO DE LA ZARZUELA

 

GALANTEOS EN VENECIA

DEL 10 AL 30 DE OCTUBRE

Zarzuela en tres actos de LUIS OLONA Música de FRANCISCO ASENJO BARBIERI Dirección musical CRISTÓBAL SOLER/JOSÉ SANCHÍS Dirección de escena PACO MIR

 

La historia transcurre en la Venecia del siglo XVI entre personajes disfrazados, conspiraciones y engaños. Se trata de una obra que mezcla escenas de intenso drama romántico con chispeantes situaciones de sainete y con el trasfondo político, siempre en un segundo plano, de las guerras rutinarias de la época entre venecianos y turcos.

Galanteos en Venecia se estrenó en el Teatro del Circo de Madrid en las Navidades de 1853. Entonces la música de Barbieri fue muy apreciada, por lo que se representó durante cerca de veinte años, incluso en Hispanoamérica. Esta será pues su primera recuperación desde aquellos años. Francisco Asenjo Barbieri, el compositor, ya dijo en su día lo mucho que le había gustado su resultado final. Su ambientación veneciana le ayudó a enriquecer su estilo, potenciando los elementos italianos. Muestra un gran empeño en adaptar la música a la letra, logrando una elegante estructura en las frases musicales y su partitura deja clara, una vez más, la calidad de su orquestación. Toda la prensa alabó la labor de Barbieri. En una curiosa mezcla, se había producido el encuentro de la nueva tradición lírica española con el mundo italiano. En definitiva, este desconocidísimo Barbieri tendrá aquí una segunda oportunidad de la mano de Cristóbal Soler y de Paco Mir, convertido en un «trepidante espectáculo del siglo XXI».  

ARGUMENTO

ACTO PRIMERO La ciudad de Venecia celebra una nueva victoria naval, y en medio de las fiestas se produce un confuso enredo por las excesivas galanterías de los soldados. El Conde Grimani, general veneciano, corteja a la joven Laura, haciéndose pasar por un conspirador necesitado de ayuda. Su esposa disfrazada (la Condesa Grimani) pretende sorprenderle en sus galanteos para lo que se aprovecha de don Juan, un capitán español que persigue a la misteriosa dama. La joven Laura cuida de su padre ciego, Marco, con la ayuda del alocado Pablo que ejerce como lazarillo del antiguo marino. Andrés, su prometido, regresa victorioso de las regatas y Laura le demuestra su fidelidad enseñándole la cruz de su madre que le dejó al partir. Cae la noche y tras el paso de la ronda, el Conde Grimani y don Juan comienzan a cantar simultáneamente bajo el balcón de Laura; sorprendidos se retiran sin reconocerse. Laura acude a su cita para ayudar al Conde,  pero se desmaya al descubrir que el embozado es don Juan. El capitán español pide a Genaro, el criado  del Conde, que le ayude a llevársela, pero este decide ser fiel a su señor y se la lleva al palacio. ACTO SEGUNDO Se celebra una fiesta en el palacio del Conde Grimani. La Condesa consigue entrar disfrazada gracias a la ayuda de Pablo, quien aprovecha las bromas de los cortesanos para emborracharse. Todos buscan a la misteriosa dama sin encontrarla. Don Juan se encuentra con la Condesa y piensa que es la desaparecida Laura, pero cuando aparece el Conde desvela su identidad ante la sorpresa de su marido y el desconcierto del capitán español que la presentaba como su conquista. Genaro entrega al Conde la cruz que perdió Laura cuando fue raptada, quien arrepentido promete liberarla. Su novio Andrés llega al palacio acompañado de Marco para solicitar al Conde el ascenso prometido. Al descubrir la cruz estalla enrabietado rechazando a su novia y ofendiendo al Conde, ante el desconcierto general. Don Juan defiende a Laura intentando así vengarse del Conde. En medio de la pelea aparece inesperadamente la Condesa que deja a Laura que se escape con don Juan. ACTO TERCERO Cubierta de la nave de don Juan, anclada en mar abierto junto a Venecia, donde el capitán español ha escondido a Laura y Andrés, huidos de la persecución del Conde. También han capturado a la Condesa con Pablo, acusados de espionaje. Laura llora porque su novio está dispuesto a volver a la guerra despechado para alejarse de ella. La Condesa aclara a don Juan su confusión, desvelando que es la esposa de su galanteador rival. Cuando llega el Conde dispuesto a asaltar la nave, don Juan intercede y todo termina felizmente, con la reconciliación de los jóvenes novios y la noble pareja. Don Juan se despide regresando a España, mientras se aleja en su barco.  

FICHA

Dirección musical: Cristóbal Soler / José Sanchís
Dirección de escena: Paco Mir
Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso
Vestuario: Ana María Güell
Iluminación: Nicolás Fischtel
Coreografía: Fuensanta Morales
Ayudante de dirección: Carmen Rosa
Ayudante de vestuario: Nuria Cardoner
Ayudante de iluminación: Tito Sainz de la Maza
Orquesta de la Comunidad de Madrid Titular del Teatro de La Zarzuela Coro del Teatro de La Zarzuela Director: Antonio Fauró
Reparto: José Antonio López, Juan Manuel Padrón, Carlos Cosías, Cristina Faus, Sonia de Munck, Fernando Latorre, Antonio Torres, Santiago Nogués, Jacobo Muñoz, Adolfo Pastor, Pepín Tre. Fechas y horarios: Días 10, 11, 13, 14, 17, 18, 21, 22, 24, 25, 27, 28 y 30 de octubre de 2015 20:00 horas (domingos a las 18:00 horas) en el TEATRO DE LA ZARZUELA [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=7&idEspectaculo=520"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

TEATRO ESPAÑOL

 
Del 15 de octubre al 6 de diciembre
  La actriz Carme Elias se atreve con su primer monólogo al reencarnar a Diana Vreeland, la famosa editora de moda en Harper’s Bazaar y Vogue. Al Galope es una traducción realizada por Jordi Sellent del texto original, Full Galop, de Mark Hampton y Mary Louise Wilson. La dirección corre a cargo de Guido Torlonia. Teatre Akadèmia se atreve con este proyecto gracias al apoyo y a la financiación de Elsa Peretti Foundation. La modelo y diseñadora Elsa Peretti, su presidenta, pudo conocer en persona a Diana Vreeland. Fue iniciativa suya el llevar a escena esta obra. Al Galope es una obra de teatro basada en la vida de Diana Vreeland, editora de las publicaciones Harper’s Bazaar y Vogue. El texto, en formato de monólogo, es el retrato de Vreeland en un punto de inflexión de su vida, cuando vuelve a Nueva York después de cuatro meses de viaje por Europa. Al Galope es una brillante y corrosiva obra escrita por Mark Hampton y Mary Louise Wilson sobre la vida de la famosa, excéntrica y poderosa periodista de moda que, desde la mitad de los años treinta estuvo en el centro de la vida neoyorkina e internacional. La versión original de Al Galope, titulada Full Gallop, se estrenó en el off Brodway en 1995, con una de sus autoras, Mary Louise Wilson, en el papel de Diana Vreeland. Entre 1995 y 1996 también se estrenó en Londres y París. El año 1997 se estrenó la versión italiana en el Teatro Goldoni de Florencia, dirigida por Guido Torlonia e interpretada por Adriana Asti. No se estrenó más fuera de los Estados Unidos hasta esta nueva versión catalana, que vuelve a Europa después de 15 años, en motivo del éxito del documental sobre Diana Vreeland The eye has to travel, de Lisa Immordino.  

SINOPSIS

AL GALOPE es un retrato de esta singular mujer en forma de monólogo. Nos situamos en agosto de 1971, en el apartamento de Vreeland en Park Avenue. Ella acaba de llegar de un viaje por Europa, que inicia después de ser despedida de Vogue. Decide organizar una cena improvisada deseando que uno de sus invitados la financie una revista propia.     [caption id="attachment_20407" align="aligncenter" width="706"]AL GALOPE AL GALOPE[/caption]  

FICHA

Dramaturgia: Mark Hampton y Mary Louise Wilson. Dirección Guido Torlonia Traducción Joan Sellent Diseño de escenografía Ramon B. Ivars Diseño de vestuario Andrés Andreu Diseño de iluminación David Bofarull Caracterización Eva Fernández Voz de Yvonne: Elsa Peretti. Interpretación: Carme Elias. Una producción de Teatre Akadèmia Patrocinado por Nando Peretti Foundation / Elsa Peretti Foundation. Con la colaboración del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. Fechas y horarios: Del 15 de octubre al 6 de diciembre de 2015 De martes a domingo 20.30h. Domingos 19.30h. en la Sala Margarita Xirgu del TEATRO ESPAÑOL   [button link="https://www.ticketea.com/entradas-teatro-espanol-al-galope/?a_aid=AFFPAP-madridesteatro&a_bid=d191752a"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

Callao City Lights

GOYO JIMÉNEZ - EN VERDAD OS DIGO. MONÓLOGO en MADRID

Viernes y sábados hasta el 29 de abril en el Callao City Lights de Madrid

EN VERDAD OS DIGO es el 4º show de stand-up comedy escrito y dirigido por Goyo Jiménez. Estrenado hace años en La Chocita del Loro de Gran Vía. Se puede ver los viernes y sábados a las 23:30h. en Callao City Lights. Un espectáculo que gustará a mujeres y hombres, de todo género y condición, jóvenes, mayores, de media edad, altos o bajos, gordos o flacos, honestos o presuntos, con más o menos pelo. Ríete de las relaciones de pareja con uno de los humoristas más reconocidos del momento. Como autor y director de teatro, ha escrito y/o dirigido doce producciones, de las que ha se han realizado más de novecientas representaciones. A estas hay que unir sus cinco espectáculos de stand-up comedy, titulados: Aiguantulivinamerica, Pasado Imperfecto,  Al Fin Solo, En Verdad os digo y Evoluzión. Goyo Jiménez regresa con su espectáculo, inédito en televisión, y titulado En verdad os digo. El considerado por público y crítica como mejor monologuista cómico del país, deleitará al público con su sorprendente, mordaz y desternillante visión de la realidad y de cómo nos engañan constantemente, sin nocturnidad ni alevosía. En palabras del autor: ¿Estás harto de que te mientan constantemente? ¿Cansado de que te sueltan patrañas cada dos por tres? ¿Hastiado de que te engañen como a un chino, cuando además todos sabemos que esa expresión es incierta, pues a los chinos no se les engaña con facilidad, a no ser que seas otro chino, el chino que manda en China, quiero decir, ése que los tiene a todos engañados? Si la respuesta es afirmativa, éste es tu espectáculo, porque gracias a En verdad os digo aprenderás no sólo a darte cuenta de cuándo te la están dando con queso, sino a escaquearte de las consecuencias de la mentira. ¡Incluso aprenderás a vengarte del cabroncete que te la quería colar, soltándole tú una bola aún más gorda! ¡No lo dudes! Ven a ver En verdad os digo y notarás como tu vida mejora sustancialmente, y como, además, te vuelves más guapo, más saludable y sales DEFINITIVAMENTE de la crisis. Y, si no es así, ¡juro que te devolveré el dinero!* *(LÉASE RÁPIDO Y CON VOZ DE ANUNCIO DE MEDICAMENTOS) Esta publicidad es subjetiva y no debe ser interpretada al pie de la letra. Puede que no salgas más guapo, ni más saludable, ni salgas definitivamente de la crisis. Lo único definitivo es que no de devuelve el dinero. Gracias. Fechas y horarios: Viernes y sábados a las 23:30h. Callao City Lights

TEATRO GALILEO

 

Del 20 de septiembre de 2015 al 3 de enero de 2016

Cantatoo y los rescatadores de la música. Un fantástico musical familiar lleno de emoción y divertidas canciones, en que los niños, junto a los protagonistas, vivirán aventuras y sorpresas que les entusiasmarán. ¡Aprender y disfrutar entre risas y música!

Cantatoo y los rescatadores de la música es una idea original y música de Juan Manuel Alonso, dirección y texto del gran Alberto Frías que también ejerce de actor principal junto a Beatriz Fernández y Pablo Gallego. Coreografía de Javier Caraballo. Cantatoo está realizado por un nutrido grupo de creadores, psicólogos, logopedas y educadores, pensando en la Educación Infantil y en la música como herramienta para el aprendizaje.  

SINOPSIS

Los rescatadores de la música no paran de viajar en busca de nuevas canciones. De México a Buenos Aires, de Tokio a Beijing…. Todo para encontrar las canciones de siempre, las que más les gustan a los niños. ¡Menudas aventuras las que pasan! En uno de sus viajes, mientras seguían el rastro de una melodía, se encontraron con Cantatoo. ¡Qué susto se dieron! ¡Cantatoo es enorme y lleno de colores! En unos minutos, después de pasar el primer susto, descubrieron que era muy divertido Además, ¡Le encanta bailar y cantar!  

Cantatoo

Cantatoo es un proyecto de entretenimiento y educación orientado hacia los más pequeños y el entorno familiar. La idea fundamental es simple: aprovechar la capacidad de la música para educar. Con música podemos aprender sobre nosotros mismos, sobre nuestros sentimientos, sobre las cosas que nos rodean, a trabajar en equipo, a sercreativos, a ganar confianza en nostros mismos. Además, la práctica de la música mejora la atención, la capacidad de reconocer sonidos, de hablar y muchas más cosas.   Fechas y Horarios: Desde el 20 de septiembre de 2015 hasta el 3 de enero de 2016. Domingos a las 12:30 h. en el TEATRO GALILEO  
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TEATRO VALLE INCLÁN

 

TITERESCENA 2015/2016

Del 26 septiembre 2015 al 12 de junio 2016

 

El Centro Dramático Nacional en colaboración con el Centro Internacional de Títeres de Tolosa presenta, por segunda vez consecutiva, una cuidada programación dedicada a la exhibición y realización de actividades relacionadas con el mundo del títere y la marioneta. En los últimos años, el Centro Dramático Nacional ha incluido en su programación espectáculos de títeres, realizados por compañías de distintos países y de una calidad excepcional, con gran éxito de crítica y público. Topic es, un referente en el desarrollo, la promoción y el perfeccionamiento del arte del títere en España.

El programa propuesto por Topic y el Centro Dramático Nacional es una selección de espectáculos de alta calidad, con la participación de compañías internacionales y españolas. Diversos talleres para público adulto e infantil formarán también parte de las actividades previstas entre septiembre de 2015 y junio de 2016.   El Retablo (Madrid) 17 y 18 de octubre en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo) EDAD RECOMENDADA: Público familiar   Un anciano titiritero y sus dos ayudantes relatan y dramatizan con muñecos y otros objetos algunas aventuras de Don Quijote. En un momento de la representación, el viejo Maese comenzará a desvariar, a confundir el teatro con la realidad, a tomar los muñecos de cartón y madera por personas de carne y hueso. Sus ayudantes, sin salir de su asombro, intentarán que el anciano recupere su cordura. Esto provocará diversas situaciones entre los actores-titiriteros que sucederán paralelamente a la propia escenificación, con marionetas, de las peregrinas andanzas de Don Quijote de la Mancha.   Los episodios que se narran en el espectáculo son: Don Quijote es armado Caballero. Rocinante. Sancho Panza y su burro. El yelmo de Mambrino. Los Molinos de viento. El bálsamo de Fierabrás. Las ovejas. La bella y sin par Dulcinea. El sultán y su enfurecido león. Ginés de Pasamonte. Los Brujos. Maese Pedro y el Retablo de la libertad de Melisendra. El Caballero de la Blanca Luna y, por último, Estos y otros disparatados y descomunales.  
  Konstellasjonen (Noruega) 21 y 22 de noviembre en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo) EDAD RECOMENDADA: a partir de 4 años   Los Kronkelmonks viven en el interior de un gran monte. La vida en ese monte está llena de sorpresas ocultas, vamos a entrar en ese mundo lleno de ritmo, juegos y a disfrutar los beneficios de la vida. Ellos viven juntos en una plácida dicha y comparten todo lo que el monte les ofrece. Pero de repente un día sucede algo inesperado y su amistad se pone a prueba. ¿Quién es el propietario de qué y que pertenece a quién? ¿Puede compartirse todo, y compartirlo en igualdad?  
  Markeliñe (País Vasco) 19 y 20 diciembre en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo) EDAD RECOMENDADA: a partir de 5 años   ¿Cuánta magia cabe en el mundo? Y ¿en un viaje? ¿Nos cabrían todas esas sorpresas en 80 cajas? Julio Verne nos ofreció un viaje de aventuras en La vuelta al mundo en 80 días. Su novela nos despierta la ilusión de conocer lo lejano y desconocido. Nos propone un viaje imaginario a través del mundo. Tomando esta referencia literaria, nos preguntamos cómo trasladar a teatro este espíritu de viajar a través de la imaginación, lleno de sorpresas y gratas sugerencias. Así surge La vuelta al mundo en 80 cajas. La vuelta al mundo en 80 cajas reivindica la creatividad como una actitud en todos los tiempos de la vida, sin importar la edad. Premio Max a Mejor Espectáculo Infantil en 2000  
  Escena Creativa (Madrid) 23 y 24 de enero en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo EDAD RECOMENDADA: a partir de 4 años   Faboo, el encanto de la imaginación es un espectáculo visual caracterizado por su simplicidad y expresividad que estimula la imaginación y creatividad de niños y adultos. Es un espectáculo visual para todas las edades. A través del cuerpo y la voz, dos actrices interpretan al personaje y dan vida a los objetos con los que él se relaciona. La temática de la obra plantea el descubrimiento vital de distintos objetos en las diferentes etapas de crecimiento del personaje. Conociéndole, observamos las múltiples posibilidades que tiene un cuerpo a la hora de expresar y comunicarse. Se rompe con lo establecido dando foco a otras partes del cuerpo no habituales en la expresión cotidiana.
  Periferia (Murcia) 27 y 28 de febrero en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo) EDAD RECOMENDADA: a partir de 5 años   Vuela Pluma nos cuenta la historia de un pájaro que vivía “feliz” en su jaula, hasta que un día tuvo un sueño. La jaula se abrió y la ilusión por fin movió sus alas... Vuela pluma, es un cuento sobre la libertad y el respeto a la verdadera naturaleza de los seres vivos. Le damos a nuestro pájaro protagonista la posibilidad de vivir su sueño y a los espectadores la oportunidad de acompañarlo en su vuelo. A veces, las personas somos capaces de encerrar a lo que amamos en una jaula, para que no se escape y se quede a nuestro lado... "Si le hubiera cortado las alas habría sido mío, no habría escapado. Pero así, habría dejado de ser pájaro. Y yo... yo lo que amaba era el pájaro."  
  Theatre Motus (Canadá) 12 y 13 de marzo en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado) y 11:00 y 13:00 horas (domingo) EDAD RECOMENDADA: a partir de 5 años   En esta región de África, donde se sufre una sequía desde hace mucho tiempo, se erige un baobab milenario. Hasta que un día, de este baobab nace un huevo y, de ese huevo, un niño pequeño. Los habitantes del pueblo descubren que él es el único capaz de liberar el manantial de agua. Así empieza una gran búsqueda donde sólo el valor de un niño puede cambiar la historia del Mundo. En este universo lleno de sol, donde la sombra es reconfortante, las percusiones africanas se transforman en animales y las máscaras y títeres se vuelven genios o hechiceros. Déjese guiar por el gran grito a través de esta fabulosa historia inspirada en los cuentos africanos   Excerpts BAOBAB 2' from MF Bruyère on Vimeo.  
  Etcetera (Cataluña) 9 y 10 de abril en la sala El Mirlo Blanco 13:00 y 17:00 horas (sábado), y 11:00 y 13:00 horas (domingo)   Yanisbel, una especialista y defensora de los títeres, entra en escena para hablar sobre tradiciones amenazadas, maestros sin discípulos, coleccionistas, sobre las diferentes formas de construir los títeres, y de transmitir a los más jóvenes el oficio, según las distintas culturas. Comienza haciendo referencia a Don Cristóbal, el héroe popular español, títere de guante prácticamente desaparecido. Y recuerda aquella función histórica llamada Títeres de cachiporra, que hicieron Manuel de Falla, Federico García Lorca y Hermenegildo Lanz en Granada, el 6 de enero de 1923. Para ayudar a Yanisbel en estos menesteres, un miembro de la compañía, JFJ, es el encargado de poner las imágenes de vídeo. Pero este personaje, que es un titiritero de “raza” quiere más. Él no se contenta con “darle al botón”, sino que quiere actuar, jugar en directo...   Intentando ayudar a Yanisbel, JFJ comienza poco a poco a intervenir -tocando el violín, mostrando títeres de diferentes técnicas. Pero ella prefiere que él permanezca quieto tras la pantalla y que el público preste más atención a los vídeos que se van proyectando; por eso reprime los gestos de su colega. Sin embargo JFJ consigue salirse con la suya -actuar en directo- saca un teatrito y hace una escena de guante, protagonizada por el inmortal Pulcinella. De la pantalla van surgiendo también títeres de diferentes lugares del mundo: un calao, marotte de la tradición maliense, llega de pronto a las manos de Yanisbel, un hada vietnamita que baila sobre el agua se coloca en el centro de la escena, y se crea una rica confabulación entre unos planos de realidad y otros. Paisajes, climas, vegetación, regímenes políticos, religiones, comidas, colores, vestimentas, ambientes, ritmos… Todo esto y más configuran al ser humano, lo hace diferente a la vez que parecido, único en la variedad, similar en el conjunto. La relación con los objetos no es ajena a esta evidencia. Desde los más cotidianos, hasta las formas de navegación y transporte, las herramientas, los instrumentos musicales…  
  Markeliñe (País Vasco) 14 y 15 de mayo de 2016 en la Plaza de Lavapiés sábado y domingo, 12:00 y 18:00 horas EDAD RECOMENDADA: Todos los públicos
Espectáculo de calle gratuito
  Los sonidos de una caracola nos sugieren un mágico viaje por el mundo animal. En Zoozoom creamos una historia y jugamos con la curiosidad y las ganas de participación de los niños y niñas quienes construirán y manipularán animales creados con materiales sencillos. De manera, fácil, rápida e imaginativa, se transformarán en jirafas, flamencos, elefantes, peces, cangrejos, dinosaurios… Zoozoom es un espectáculo familiar, diurno, sonoro, con elementos de gran formato en el que todos los participantes crearán juntos un parque zoológico.  
  Teatro del Drago Famiglia d’Arte Monticelli (Italia) 11 y 12 de junio de 2016 en la Plaza de Lavapiés sábado y domingo, 12:00 y 18:00 horas EDAD RECOMENDADA: Todos los públicos
Espectáculo de calle gratuito
  Gran desfile de calle con música popular, danzarines, comediantes, cómicos y marionetas. De repente, por las calles de la ciudad, aparece un grupo de cómicos errantes, alegres y ruidosos: la Compañía de San Ganassa. El alegre desfile, siguiendo el carro del teatro ambulante del titiritero marcado por el ritmo del organillo, marcará el comienzo del último espectáculo de Titerescena de la temporada 2015/16. Los personajes son siete, Doctor Balanzone, Pantalón de Bisognosi, la Bella Colombina y el pobrecillo de Arlechín Batocio, y además, la muerte, el diablo, Pulcinella... y, finalmente, el desafortunado capitán Fracaso. Un desfile festivo con sabor antiguo, un elogio a las máscaras de la Comedia del Arte, que transportará al público, a la audiencia a la atmósfera de un teatro popular del pasado.   [button link="http://www.entradasinaem.es/ListaEventos.aspx?id=9&idEspectaculo=48&idEvento=21611"]COMPRAR ENTRADAS[/button]  

TEATROS LUCHANA

Coart+e y Dos Palmas Producciones.

presenta

PÁNICO

Del 28 de febrero al 28 de marzo de 2021

Regresa PÁNICO, del autor finlandés Mika Myllyaho ,  con versión de Fernando J. López, dirección de Quino Falero y un reparto formado por Mon Ceballos, Guillermo Ortega y Felipe Andrés. Una coproducción de Coart+e y Dos Palmas Producciones.

SINOPSIS

Leo llega de madrugada y borracho al piso de Max. Ambos son amigos de la infancia, de cuando estaban en los boy-scouts… Leo le pide pasar la noche en su casa y es a la mañana siguiente cuando comienza esta historia. Avergonzado y desesperado le pide un favor a su amigo: que sea su terapeuta durante una semana, justo el tiempo que le ha dado su pareja para encontrar una respuesta a su presunta crisis. Pero Leo al mismo tiempo no entiende que Max está atravesando un crisis existencial enorme: hace relativamente poco se separó de su mujer y tuvo que ir a terapias para superarlo… No funcionó y ahora está en la fase del equilibrio espiritual, de los ejercicios de meditación y del silencio… La llegada de Leo trastoca sus planes y provoca enfrentamientos entre los dos. Y además hay un tercero en discordia: Joni, hermano de Max y amigo también de Leo, es presentador de un programa televisivo, un talk show de mucho éxito, aunque padece un enorme problema de concentración y egoísmo. Ninguno quiere darse cuenta de sus verdaderos problemas, ninguno sabe cómo ayudarse entre sí, ninguno quiero afrontar sus miserias, por eso los tres desde la convivencia forzada y torpe, llegarán a situaciones inverosímiles y cómicas para poder sacar adelante sus caóticas vidas. No es la crisis de los treinta o de los cuarenta lo que provoca el estrés en un hombre, son sus propias circunstancias y su entorno diario, que hace que no vean lo que para muchos está claro: no quieren afrontar sus problemas.

NOTA DEL DIRECTOR

"Pánico es una comedia que basa su reflexión en las dos emociones más potentes que existen, el amor y el miedo. Se trata de tres personajes masculinos que, por diversas circunstancias, se ven forzados a crecer interiormente, la vida les ha obligado a detenerse y reflexionar, a mirarse un poquito por dentro y a dar un paso renovador. El miedo surge de ese vértigo que produce cualquier situación de cambio o de ruptura. En la función ese miedo se va contagiando de un personaje a otro, por eso el miedo se transforma en pánico. El detonante del conflicto es el amor, cada uno de los personajes se desenvuelve de un modo diferente en los asuntos amorosos, pero todos tienen en común una enorme crisis afectiva. Si a esta crisis le sumamos la crisis de la edad, la existencial, la de identidad, la económica, etc. tenemos una comedia que es como una olla a presión que va cogiendo ritmo, aliento, crítica y sustancia social a medida que la situación se va calentando y termina liberando su propio vapor a base de salpicar las desgracias de sus tres protagonistas. En esta comedia el humor nace de la inestabilidad emocional de los personajes, que van exhibiendo sus neurosis a medida que se suceden las disparatadas situaciones que plantea la trama. Es una comedia que va adquiriendo tientes oscuros conforme va avanzando, de esas comedias que van de lo superficial a lo profundo, de esas comedias con las que te ríes y reflexionas."
Quino Falero
Twitter: Panico_comedia

PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA

 

Del 4 de octubre al 20 de diciembre

Un espectáculo de humor y rock en directo, con Cristina Medina y Los Gusanitos de Teruel.

“Dejen su cerebro a un lado, abran la puerta al corazón y súbanse a este tsunami de sensaciones”

  A Grito Pelao es un viaje creativo al mundo imaginario de Cristina Medina (Pez en Raya), una de las actrices con más carisma y vis cómica del panorama nacional. El humor, la música en directo, el baile, la poesía y la ilustración se juntan para que esta magnífica actriz nos emocione y nos agite de la butaca del teatro disparándonos con autenticidad al centro de nuestro corazón.   En esta travesía, Cristina Medina no grita sola. Autora de todos los temas junto a Jesús Chávez, se acompaña de los punzantes poemas de Remedios Crespo, los delirantes músicos Jesús Chávez, Nani Conde y David López y la escenografía ilustrada por la sensibilidad de la dibujante Coco Dávez.  

A GRITO PELAO

“Dejen su cerebro a un lado, abran la puerta al corazón y súbanse a este tsunami de sensaciones”. Así es como entramos en las entrañas de “A grito pelao”; un viaje creativo al mundo imaginario de Cristina Medina, Un tsunami de sensaciones donde el amor, la pérdida y el miedo crean un fino y sensible hilo conductor. El humor, la música , el baile, la poesía y la ilustración se juntan para que Cristina Medina –alma mater de este espectáculo- nos emocione y nos agite en la butaca del teatro disparándonos con su autenticidad al centro de nuestro corazón. Una Blancanieves desencantada de la vida y su banda de rock, , son los encargados de ayudarnos a sacar “al enanito que llevamos dentro” y expresarnos a Chillido limpio, “A Grito pelao”.  

FICHA

Creado por: Cristina Medina y Joan Estrader Texto: Cristina Medina Poemas y letras: Remedios Crespo y Cristina Medina Dirección: Joan Estrader Dirección musical: Jesús Chávez Actriz y cantante: Cristina Medina Bajo: Nani Conde Batería: David López Guitarra y teclado: Jesús Chávez Coach vocal: Natalia Calderón Diseño vestuario: Alejandra Hernández Realización vestuario: Elvira Fuentes Ilustraciones: Coco Dávez Audiovisuales: Belén Herrera Diseño de iluminación: Pez en Raya Espacio escénico: Pez en Raya Producción ejecutiva: Lola Alonso Estudios de grabación: El Pelícano Fechas y Horarios: Del 4 de octubre al 20 de diciembre de 2015. Domingos a las 20:30 h. en el PEQUEÑO TEATRO GRAN VÍA
  • Blancanieves y los gusanitos de Teruel, crítica de A GRITO PELAO - Jordi San Ildefonso (culturón)
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A GRITO PELAO RESUMEN from pezenraya on Vimeo.