Histórico

Obras que estuvieron en cartel y que ya forman parte de nuestra amplia base de datos

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LA NAO 8

La Barca Teatro presenta

PRAGA de Javier de Dios

PRAGA es una obra de Javier de Dios (el texto se encuentra publicado por Ediciones Antígona) que dirige el propio autor y protagonizan Julián López Montero, Juanma López y Susana García Burgos. La producción de La Barca Teatro se estrenó el 15 de marzo de 2013 en el Teatro Lagrada y en noviembre del mismo año se pudo ver en la Sala Tú. Una obra magnífica, publicada y con excelentes críticas que merece continuidad en la cartelera y una mayor atención de los programadores.

No se pierdan PRAGA , los sábados a las 22:30h. en La Nao 8.

SINOPSIS

Beni y Jaime son pareja desde hace veinte años. Y grandes amigos de Susana desde hace más aún. Esta noche han preparado una cena para ella: buen menú, buen vino, buena música… Y el verano madrileño como confidente de una velada que se prevé encantadora: los tres van a disfrutar en plena confianza del humor, la complicidad y los mejores recuerdos. Pero no cuentan con un plan oculto urdido entre Susana y Beni. Ni con los secretos, las sorpresas y los impulsos que afloran inesperadamente entre los tres y ponen a prueba el amor y la amistad. ¿Y si el pasado no fuera como lo recordamos? ¿Y si el futuro no cuadra con nuestra invención? ¿De qué nos escondemos ahora? Entre los equívocos y el vértigo, entre carcajadas y revelaciones, una sola cosa permanece nítida para Beni, Susana y Jaime: siempre hay un lugar al que deseas volver. Y ese lugar es Praga. Praga es una comedia para tres personajes que juega con las convenciones de la comedia de salón para abordar desde ellas y no sin ironía una temática habitualmente alejada de ese tipo de fórmula: el amor, la amistad y el paso del tiempo entre una pareja gay de larga duración y una amiga de juventud de los dos hombres. Praga trata sobre cómo crecer, cómo quedarnos con lo bueno que hemos vivido y mantener a raya el egoísmo y el desánimo, cómo ver a quien tenemos al lado, cómo apostar por el presente y, sobre todo, por el futuro. Aspectos comunes a cualquier pareja –a cualquier persona- independientemente de su orientación sexual. Praga es, en definitiva, un brindis vitalista por el presente y el futuro de una generación que conquistó libertades personales y sexuales en los años ochenta y que hoy por hoy, desde la madurez, no renuncia ni a seguir disfrutando de esas mismas libertades ni a defender el reconocimiento de su dignidad. Una dignidad que es la de todos.

FICHA

Coordinación técnica / ESTHER RAMOS Difusión / JORGE CACHERO Diseño gráfico y fotografía / JAVIER NAVAL Diseño de iluminación / DAVID J. DÍAZ Vestuario y espacio escénico / LA BARCA TEATRO Producción / LA BARCA TEATRO Ayudante de dirección / SAGRA G. VÁZQUEZ Dirección / JAVIER DE DIOS Reparto: JULIÁN L. MONTERO, JUANMA LÓPEZ y SUSANA G. BURGOS. Fechas y horarios: Ssábados a las 22:30h en LA NAO 8

rdE. Praga from CTRO. DE DOCUMENTACION TEATRAL on Vimeo. [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

NAVE 73

NACIENDO, LO ÚLTIMO DE ‘LAS PODEROSAS’ POR PRIMERA VEZ EN NAVE 73

Un ejemplo de superación, de dignidad y de lucha. Así son Las Poderosas, un colectivo de teatro guatemalteco conformado por un grupo de mujeres sobrevivientes de las más cruentas situaciones de violencia que un día encontraron en el teatro la herramienta perfecta para redimirse de su dolor. Rosa, Lesbia, Telma A., Adelma y Telma Sarceño, han recorrido ya más de medio mundo contando su historia con el apoyo de múltiples organismos internacionales que han querido dar voz a estas mujeres que lograron plantarle cara a la violencia de género gracias al teatro. El próximo 27 de octubre llegan por primera vez a Nave 73 para presentar su último trabajo: Naciendo. Un proyecto que nace de la investigación sobre la sexualidad, el origen y la guerra de la que han sido víctimas sus protagonistas. “Hablamos con nuestras madres, con nuestras hijas, con nuestras nietas y con mujeres sobrevivientes del conflicto armado, buscando las huellas de nuestra historia, de nuestro país, la historia de nuestros cuerpos”. Naciendo se adentra en la historia reciente de Guatemala, a través de las huellas que ésta ha dejado en la historia de Las Poderosas y sus familias. Su cuerpo, su identidad, su sexualidad y su historia, son mapas desde los que intentar entender e iluminar el complejo lugar que habitamos. “Tratar de entender las sombras y la luz, la violencia que seguía habitándonos, cantar o hablar sobre cómo hacemos el amor, fueron formas de mirar a los ojos ese camino tan ancho que cada una de nosotras guarda adentro. Mirarlo como si fuera un río. Es el lugar desde el que estamos Naciendo”.

SINOPSIS

Naciendo parte de nuestra sexualidad, nuestro origen (indígena negado) y la guerra en Guatemala. Una guerra que dejó 250.000 muertos pero que sigue golpeándonos. Hablamos con nuestras madres, con nuestras hijas, con nuestras abuelas buscando las huellas de nuestra historia, de nuestro país, la historia de nuestros cuerpos. Tratar de entender las sombras y la luz, la violencia que seguía habitándonos, cantar o hablar sobre cómo hacemos el amor, fueron formas de mirar a los ojos ese camino tan ancho que cada una de nosotras guarda adentro. Mirarlo como si fuera un río. Es el lugar desde el que estamos naciendo.

FICHA

Una creación escénica de Las Poderosas Teatro. Textos e interpretación: Telma Ajin, Adelma Cifuentes, Rosa García, Lesbia Téllez y Telma Sarceño. Creación musical: Domi Hunziker. Producción: Las Poderosas Teatro. Diseño de Iluminación: Marcela Flores Méndez y Marco Canale. Asesoría artística: Luisa Pardo y Gabino Rodríguez. Dramaturgia y dirección: Marco Canale. Fechas y horarios: Martes 27 de octubre a las 20:30h. en NAVE 73 [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/naciendo_e300248/"]COMPRAR ENTRADAS[/button]

Voilà Producciones presenta

A LA LUNA

De Cynthia Miranda y Daniel García

"IMAGINAD EL MUNDO EN EL QUE QUERÉIS VIVIR... Y VIVIRLO"

A LA LUNA es un sorprendente espectáculo que aúna teatro y cine de animación para dar forma a una mágica historia llena de ternura y fantasía.

Voilà Producciones presenta A LA LUNA , un espectáculo para público familiar de Daniel García Rodríguez y Cynhia Miranda que tuvo su estreno a principios de año en La RESAD, y donde obtuvo excelentes críticas. Desde entonces no ha parado de crecer. Con más de cien representaciones por toda la geografía española, A LA LUNA fue el primer espectáculo familiar que desembarca en El Pavón Teatro Kamikaze.

A LA LUNA nació de la necesidad de hablar de un mundo adulto a través de la mirada de una niña. Nuestra protagonista lleva su mundo de fantasía hasta sus últimas consecuencias, enfrentada a los límites impuestos por los adultos.

Con música de Oscar Botello, escenografía de Elisa Cano Rodríguez y Yeray González, y con los dibujos que ellos mismos trabajaron junto con Eva de la Cruz, que aportó su sello a través del vibrante color de cada escena. Todo su trabajo, junto con el texto y animaciones, encajan a la perfección con la actriz Esther Díaz de Mera. Gracias a una coreografía que solo puede ser ejecutada con precisión milimétrica, Esther consigue que nos creamos cada movimiento, cada conversación, cada plano imposible de A LA LUNA.

LA OBRA

A LA LUNA nace de la idea de trabajar el teatro desde un punto de vista audiovisual, donde una simple pantalla sirve para transportar al espectador a diferentes mundos. Dibujos animados, escenarios que cobran vida, planos imposibles... y una actriz. Gracias a la integración de ésta en escena se consigue construir un relato lleno de fantasía donde todo es posible. Una técnica compleja de animación y mapping al servicio de una historia donde la imaginación es la mejor herramienta para construir la realidad. Todo para contar una pequeña gran historia, llena de color y diversión para los más pequeños, y a la vez espectacular y conmovedora para los adultos. La universalidad del relato –emocionante y cercano– mezclado con una sorprendente puesta en escena ha llevado a A la luna a recorrer el mundo. Aún inmersos en la gira nacional, en tan solo un año los gansos de Tara ya han viajado a lugares tan dispares como el festival Off de Avignon de 2016, a Buenos Aires en una producción encabezada por la actriz Florencia Torrente, o a París, donde puede verse en la Grande Comedie.

SINOPSIS

Durante los años 60, Tara pasa los veranos en la granja observando las estrellas y soñando con ser astronauta. Mientras el mundo está inmerso en la carrera espacial, ella vive fascinada con las historias que le cuenta su ingenioso abuelo. Hasta que la desaparición de éste, la lleva a embarcarse en la misión más importante de su vida: Salvar el destino de la luna con la ayuda de una peculiar bandada de gansos. A LA LUNA es un sorprendente espectáculo que aúna teatro y cine de animación para dar forma a una mágica historia llena de ternura y fantasía. Tara es una niña que vive fascinada por las estrellas y la ciencia. Pero lo más divertido son los amigos que la ayudan en su aventura espacial: una bandada de gansos dispuestos a viajar al espacio exterior. El personaje principal está interpretado por Esther Díaz de Mera que soporta todo el espectáculo acompañado de los demás personajes animados. Además hemos tenido colaboraciones especiales de Victor Manuel Coso (que pone voz al padre y al científico) y de Juan Pedro Schwartz (que pone voz al abuelo de Tara)

La Compañía

Voilà Produciones es el resultado de la convergencia de profesionales del medio teatral y audiovisual en búsqueda de la combinación de ambos entornos artísticos. Voilà Producciones es ejemplo de la cohesión de gente de la tradición teatral, con reconocidos técnicos y artistas del mundo audiovisual. Iluminadores, músicos, guionistas, realizadores, escenógrafos o video-creadores se reúnen para darle al teatro una nueva dimensión que pueda transportar al espectador más allá del escenario.

LA RESPIRACIÓN

Teatro de La Abadía y LAZONA presentan

LA RESPIRACIÓN

de Alfredo Sanzol

Del 7 de junio al 2 de julio de 2017

“Soy una náufraga en mi propia cama”

- Ganadora de dos Premios Max de las Artes Escénicas en su 20ª EDICIÓN (2017): Mejor actriz protagonista NURIA MENCÍA y Mejor autoría teatral ALFREDO SANZOL. -

Regresa LA RESPIRACIÓN la nueva joya de Alfredo Sanzol (Max Mejor Autor 2011 por 'Delicadas', Max Mejor Autor 2012 por 'Días Estupendos', Max Mejor Autor y Mejor Espectáculo 2013 por 'En la luna' y Max Mejor autor 2017 por 'La Respiración'). El reparto lo forman: José Ramón Iglesias, Nuria Mencía, Verónica Forqué, Pietro Olivera, Martiño Rivas y Camila Viyuela.

“Quiero volver a tener una familia”; con esta frase inequívoca de Nagore comienza la primera escena. Las peripecias de la obra, que se suceden con una aceleración propia de la comedia pero sin impedir que aflore la emoción, son el recorrido que Nagore necesita para coger aliento para poder abordar una nueva etapa vital y afectiva. Para explorar en sí misma y a su alrededor un mundo desconocido. No en balde una de las citas literarias que Sanzol toma como referencia para esta obra es esta: “Para venir a lo que no sabes, has de ir por donde no sabes.” (Juan de la Cruz Subida al Monte Carmelo)

La respiración habla de la facilidad, o no, de asumir cambios vitales; en este sentido algunos de los personajes parten de una actitud flexible, otros van aprendiendo. También habla del carácter excluyente y posesivo del amor frente a una energía más abierta, compartida. Y de la conexión entre mente y cuerpo, que se nutren y se reflejan el uno al otro; de ahí la importancia de cuidar de ambos. Sanzol ha desarrollado la obra en estrecho contacto con los actores. Previo al periodo de ensayos, todo el reparto y el equipo ha compartido dos talleres que han servido para que brotara la trama y el texto. Así, la trama que imaginó en un primer momento se ha ido transformando. Esta obra cuenta, en clave de comedia, las alegrías y penas de una mujer separada, Nagore, en trance de recuperar su autoestima y de rehacer su vida. Gracias a los consejos de su madre, que tiene una intensa vida amorosa, este proceso se convierte en una verdadera aventura. La respiración teje una red de relaciones familiares y afectivas, que ayudarán a Nagore a encontrar un nuevo equilibrio.

NOTA DEL AUTOR

La Respiración es un regalo para todos los que hayan visto el pabellón de su autoestima en lo más alto gracias al amor. Para todos los que hayan visto el pabellón de su autoestima en lo más bajo gracias al amor. Para todos los que hayan conseguido que la posición del pabellón de su autoestima no dependa de nadie. Para todos los que sienten y piensan que a pesar de lo que hagas con el pabellón de tu autoestima cuando te enamoras te la juegas. Para todos los que se la juegan. Para todos los que ganan. Para todos los que pierden. Para todos los que han conseguido aprender a empatar con la vida. Alfredo Sanzol

SINOPSIS

La Respiración parte de un hecho dramático, la separación de una mujer que lleva 15 años con su pareja, y ve como un día de la noche a la mañana todo se termina. Nagore (Nuria Mencía) viene sufriendo la pérdida desde hace un año y siente que está en crisis, no se encuentra, no sabe qué hacer, sigue echando de menos mucho a su ex. Su madre (Verónica Forqué) aparece entonces en escena y le azota la conciencia con sus consejos, le sugiere que se deje llevar por una fantasía, que se adentre en otros mundos, que empiece a descubrir otras posibilidades para que no se quede aferrada a un solo recuerdo. La memoria tiene que servir para crear cosas nuevas, le dice, hay que vaciar el cuerpo y la mente como quien vacía un armario para que entren cosas nuevas. Nagore entonces hace caso a su madre y deja que entren en su vida un profesor de yoga (Pietro Olivera), su hermano fisioterapeuta (José Ramón Iglesias) y su hijo que es preparador físico (Martiño Rivas). A las clases de yoga también asiste la novia del hijo (Camila Viyuela). Los personajes masculinos representan el cuidado y la salud del cuerpo, mientas que las mujeres encarnan la parte más cerebral, todas ellas son juristas y abogadas. Ambos mundos se encuentran y conviven en esta historia que plantea una reflexión sobre qué es el amor, cómo amamos, cómo el amar a unos no significa necesariamente dejar de amar a otros. A lo mejor todo lo que vemos en el escenario transcurre en la cabeza de Nagore, es una fantasía y por eso no hay necesidad de recrear los espacios físicos. En ese mundo de imaginación todos se aman, todos se quieren y todos comparten cosas. El punto de partida es el miedo a la soledad de la protagonista. Y si es en efecto una fantasía, es la madre quien la ha preparado para que Nagore entienda que existen otras maneras de vincularse, para que salga de ese pozo en el que se encuentra a través del acercamiento a otras realidades y para que el viaje le ayude a ver y valorar por sí misma cómo se puede estar sola y estar bien, y cómo es un tránsito necesario para recuperar el bienestar. De ahí que el escenario esté inundado con las cosas de Nagore y con los personajes que pueblan su cada vez más animada vida imaginaria. Todo y todos una vez que aparecen permanecen allí arropándola, formando parte del libre fluir de su pensamiento.

FICHA

Texto y dirección de Alfredo Sanzol Música Fernando Velázquez Escenografía y vestuario Alejandro Andújar Diseño de iluminación Pedro Yagüe Diseño gráfico y fotografías Javier Naval Ayte. de dirección Laura Galán Ayte. de producción Sara Brogueras Producción ejecutiva Jair Souza-Ferreira Director técnico Alfonso Ramos Construcción decorado May Servicios Realización vestuario Ángel Domingo / María Calderón Dirección de Producción Nadia Corral / Miguel Cuerdo Reparto José Ramón Iglesias, Nuria Mencía, Verónica Forqué, Pietro Olivera, Martiño Rivas, Camila Viyuela Una producción del Teatro de La Abadía y LAZONA Fechas y horarios:Del 7 de junio al 2 de julio de 2017 De miércoles a viernes, 20:30h. Sábado, 18:30h y 21h. Domingos 11 y 18 de junio, a las 19:30h. Domingo 25 de junio, a las 18:30h DESCARGAR DOSSIER LA RESPIRACIÓN [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AO/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

EL PÚBLICO

Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya presentan

EL PÚBLICO

de Federico García Lorca Dirección: Àlex Rigola

Del 25 de noviembre al 18 de diciembre en el Teatro de La Abadía

Dirigido por Àlex Rigola, El público es un texto de enorme belleza poética sobre la honestidad, un texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre el irrefrenable deseo amoroso — “¿y si yo quiero enamorarme de un cocodrilo?”— y creativo —“¡hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”—.

El público vuelve a La Abadía. El año pasado gozó de una acogida extraordinaria, esa pieza del supuesto teatro irrepresentable de Lorca se desveló como “onírica pero perfectamente inteligible”, de una “enigmática belleza convulsa”, con “poderosas imágenes”, “poesía nocturna y turbulenta”. “El público de Rigola hace historia”, “El público es, como el amor, una obra desbordante”. Lorca escribió esta obra en 1930, 56 años antes de que pudiera verse representada. Ahora, La Abadía recupera, de la mano del director Àlex Rigola, este texto adelantado a su tiempo, que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Álex Rigola se atreve con esta compleja obra de Federico García Lorca y nos presenta su particular adaptación de una historia de lucha entre la vida exterior y la interior, la realidad y la alucinación, el amor homosexual y el deseo reprimido en la que posiblemente sea la obra más SURREALISTA del autor. En vísperas del 80º aniversario de la muerte del escritor andaluz, El público se desvela como piedra de toque de un teatro contemporáneo que interpela al espectador: dónde pone los límites, hasta dónde quiere llegar, en su vida afectiva, espiritual y profesional. Un juego de máscaras, ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis. Si 'Poeta en Nueva York' representa un punto de inflexión en la poesía de Federico García Lorca, 'El público' marca un cambio de rumbo en su escritura teatral. Aquí vemos a un Lorca innovador , muy diferente al tono de sus piezas más populares, que elige el disfraz del teatro para hablar de la homosexualidad, de la vida y, desde el profundo desgarro, de sí mismo. Nao Albet, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Rubén de Eguía, Óscar de la Fuente, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Alejandro Jato, Jaime Lorente, David Luque, Nacho Vera y Guillermo Weickert, darán vida a esta apasionada reflexión sobre el teatro y su capacidad de transformar al espectador que orbita sobre la homosexualidad y la cultura contemporánea. Coproducida entre el Teatro Nacional de Cataluña y el Teatro de La Abadía. Lorca quiere que el PÚBLICO se vea reflejado como en un espejo, y en cierto modo denuncia al público convencional, es decir, a “la burguesía frívola y materializada, que no quiere que se les haga pensar sobre ningún tema moral”. Y el concepto del PÚBLICO no se limitará al contexto del teatro, sino que, en un complejo e íntimo juego de significados, simboliza también aquel sector de la sociedad que reacciona violentamente ante “las verdades más inocentes”. EL PÚBLICO plantea una doble trama: una amoroso-íntima y otra artístico-social. Por un lado se sirve del amor homosexual —una FORMA más de amor—, para REIVINDICAR EL AMOR como suceso esencial que se manifiesta más allá de los márgenes de lo establecido, y que supera las barreras de identidad, género, voluntad humana o convencionalismos que lo constriñen. Por otro lado, expone la CONTRAPOSICIÓN ENTRE DOS TIPOS DE TEATRO: el que pone de manifiesto un drama auténtico, en el cual va implicada la intimidad del autor (teatro bajo la arena) y aquella representación convencional, del gusto de una determinada audiencia o taquilla que prefiere no enfrentarse con la verdad del escenario (teatro al aire libre).

SINOPSIS

Un texto de gran belleza poética sobre la honestidad en el plano personal y artístico “¡Hay que destruir el teatro o vivir en el teatro!”, exclama Lorca en esta obra, con la que aspiraba a iniciar un nuevo camino. Y de eso precisamente habla: del valor para romper con el pasado, con las inercias, la tradición, la represión —tanto en plano artístico como en el afectivo— y emprender aquello que uno realmente desea. El público, escrito en 1929-30, habla del teatro y habla del deseo, a través de un juego de máscaras, en el que se superponen ficción y realidad, en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis, persiguiendo sin cesar la Autenticidad, la Honestidad y la Libertad. Una ocasión para adentrarse, de la mano del director Àlex Rigola y un amplio reparto, en la indómita imaginación del poeta granadino.

FICHA

Reparto: Nao Albet Caballo Blanco 1 / Estudiante 2 / Pastor Bobo Jesús Barranco Hombre 2 / Dama 1 David Boceta Hombre 1 (Gonzalo) / Desnudo Rojo Juan Codina Director de Escena (Enrique) Rubén de Eguia Hombre 3 / Dama 2 Oscar de la Fuente Caballo Negro / Prestidigitador Laia Duran Caballo Blanco 3 / Pastor Bobo / Dama 4 Irene Escolar Julieta / Estudiante 3 / Señora (Madre de Gonzalo) María Herranz Elena / Dama 5 Alejandro Jato Figura de Cascabeles (Enrique) / Traje Blanco de Arlequín / Estudiante 1 Jaime Lorente Figura de Pámpanos (Gonzalo) / Traje de Bailarina / Estudiante 4 David Luque Centurión / Enfermero Nacho Vera Criado Guillermo Weickert Caballo Blanco 2 / Dama 3 José Luis Torrijo Voz del Emperador Dirección Àlex Rigola Espacio escénico Max Glaenzel Iluminación Carlos Marquerie Vestuario Silvia Delagneau Música Nao Albet Colaboración dramatúrgica Eleonora Herder Ayudante de dirección Carlota Ferrer Iluminación Carlos Marquerie Escenografía Scenik y equipo de La Abadía Realización de vestuario Ángeles Marín y equipo de La Abadía Foto del cartel: David Ruano Producción: Teatro de La Abadía y Teatre Nacional de Catalunya Fechas y horarios: Del 25 de noviembre al 18 de diciembre De miércoles a viernes, 20:30h. Sábado, 18:30h. Domingo, 19:30h. en el TEATRO DE LA ABADÍA [button link="https://es.patronbase.com/_TeatroAbadia/Productions/16AD/Performances" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

Álex Rigola estrena una imprescindible puesta en escena de El público - Miguel Gabaldón
Tiritando bajo el polvo - Marcos Ordóñez
"El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto
Cuando la doctrina desata su cabellera - El País
Irena Escolar y Alex Rigola en Cultura en 24h.
Atención obras - Alex Rigola se atreve con "El público"
"El público": ¿Para qué estamos aquí, amor? Para vivir - Antonio Hernández Nieto ( Huffington Post)

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TEATROS DEL CANAL

El Príncipe de Maquiavelo Protagonizado por Fernando Cayo

Del 16 de octubre al 8 de noviembre en la Sala Negra de Los Teatros del Canal

FERNANDO CAYO protagonizará EL PRÍNCIPE de Maquiavelo. Con dirección de JUAN CARLOS RUBIO y producida por TALYCUAL PRODUCCIONES.

A partir de textos de las obras más conocidas de Maquiavelo

El príncipe de Maquiavelo funde textos de las obras más conocidas del autor italiano, dándole voz a un fascinante personaje para demostrarnos que el poder, de cualquier ideología y época, obedece siempre a las mismas reglas, sea cual sea el fin, sean cuales sean los medios. 500 años después, El príncipe sigue siendo objeto de debate. ¿Es un manual escrito para que los gobernantes sepan cómo manejar al pueblo o es un aviso al pueblo acerca de cómo somos manejados por los gobernantes? La ambigüedad es una constante en la obra y vida de Maquiavelo y no habría que diferenciar la una de la otra. Tras su paso este verano por los mejores festivales de teatro clásico de este país, donde ha cosechado tanto el éxito de la crítica teatral como las ovaciones del público que ha agotado todas las localidades, llega El Príncipe de Maquiavelo, la primera adaptación al teatro de este ensayo filosófico que firma el prestigioso y reconocido dramaturgo Juan Carlos Rubio, quien además de convertir el texto político en una dramaturgia teatral se ha encargado de la dirección escénica del espectáculo. Nicolás Maquiavelo, el escritor del texto originario y el protagonista de la función, es encarnado por uno de los mejores y más completos actores del panorama nacional, Fernando Cayo, quien da vida a este personaje a través de un monólogo que condensa en 70 minutos fragmentos de la obras de El Príncipe, Discursos sobre la primera década de Tito Livio, El arte de la guerra, La Mandrágora y correspondencia personal de Nicolás Maquiavelo.

SINOPSIS

Maquiavelo escribe El Principe en 1513 mientras se encuentra encarcelado. Su objetivo es mostrar como los príncipes deben gobernar, según las distintas circunstancias, y cómo pueden mantenerse exitosamente en su poder, a costa de cualquier acción. La conservación del estado obliga a obrar “contra la fe, contra la caridad, contra la humanidad y contra la religión”. Para ello se requiere dejar de idealizar gobiernos inexistentes y aceptar que el ejercicio real de la política contradice con frecuencia la moral y que jamás puede guiarse por ella. Cinco siglos después… ¿No es aterrador pensar que, pase el tiempo que pase, las reglas del poder son siempre las mismas…? En estos momentos de convulsión política, de mentiras, de corrupción, de abusos, echar una mirada al pasado nos puede ayudar a comprender mejor el presente. [caption id="attachment_14199" align="aligncenter" width="582"]

EL PRíNCIPE . Fotografía: Sergio Parra[/caption] TALYCUAL PRODUCCIONES ha producido tres obras de Juan Carlos Rubio. Todas ellas, con gran éxito. RAZAS de David Mamet (2010), EL PEZ GORDO (2009), montaje con el que recibió diversos premios, como los tres que la Hispanic Organization of Latin Actors (H.O.L.A.) le concedió tras su paso por Nueva York y Miami. Así mismo recibió la nominación a Mejor Dirección en los premios ACE NEW YORK (Asociación Cronistas New York) . Y LAS HERIDAS DEL VIENTO (2013). Por su parte, a Fernando Cayo le hemos visto recientemente en 'De ratones y hombres', 'Los hijos de Kennedy' y 'Rinoceronte'. Tras su paso por el Festival de Teatro Clásico de Alcalá de Henares, EL PRÍNCIPE realizará una gira antes de recalar en los Teatros del Canal el 16 de Octubre.

FICHA

Autor: Nicolás Maquiavelo Versión y Dirección: Juan Carlos Rubio Actor: Fernando Cayo Espacio escénico: Eduardo Moreno Iluminación: José Manuel Guerra Vestuario : Derby 1951 Espacio sonoro: Sandra Vicente Asesor de voz: Vicente Fuentes Productor : Bernabé Rico Ayudante de dirección: Chus Martínez Fotografía y Diseño cartel: Sergio Parra Distribución: SEDA (Servicios Especializados en Distribución Artística) Producción: TALYCUAL Producciones Fechas y horarios: Del 16 de octubre al 8 de noviembre en la Sala Negra de Los TEATROS DEL CANAL Facebook: elprincipelaobra DESCARGAR DOSSIER

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EL PRÍNCIPE DE MAQUIAVELO_Clip_1 from TALYCUAL on Vimeo.

TEATRO MARQUINA

Teatro Maipo presenta

LA CELIA

de Santiago Castelo Dirección de escena: Emilio Sagi Con Ivanna Rossi

¡¡¡ 8 ÚNICAS REPRESENTACIONES !!! Del 16 de enero al 7 de febrero de 2017

Vuelve el exitoso musical homenaje a la vedette Celia Gámez

LA CELIA debutó en Madrid en el mes de octubre con éxito de público: todas las localidades para las funciones realizadas en los Teatros del Canal se agotaron. El 16 de enero LA CELIA regresa a Madrid.

Producida por el Teatro Maipo de Buenos Aires con mucho éxito durante dos temporadas: cosechó tres premios ACE, tres premios Hugo, dos premios Trinidad Guevara y un premio Florencio Sánchez. El 15 de octubre se estrenaba en la Sala Verde de los Teatros del Canal LA CELIA, un espectáculo musical escrito por Santiago Castelo, dirigido por Emilio Sagi y protagonizado por la cantante, actriz y bailarina argentina Ivanna Rossi. La actriz estará acompañada en escena por tres músicos y cuatro bailarinas. El espectáculo cuenta con los decorados de Daniel Bianco, la coreografía de Sibila y el vestuario de Renata Schussheim. Jordi López se ha encargado de los arreglos musicales. En una excepcional recreación de Celia Gámez, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos con 14 de sus canciones más emblemáticas, entre las que se cuentan Los nardos, La novia de España, Copacabana, El Pichi, El beso y Luna de España. La joven vedette argentina Celia Gámez llegó a Madrid en 1925 con apenas 21 años y merced a un hecho fortuito se convirtió de la noche a la mañana en “La Celia”, estrella absoluta de la revista que reinó en los escenarios de España durante más de 50 años. En una excepcional recreación de ese personaje, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos con 14 de sus canciones más emblemáticas. Ivanna Rossi es una conocida cantante, actriz y bailarina argentina que lleva subida a los escenarios desde los 4 años. Comenzó en un popular programa infantil que fue cantera de muchas estrellas y ahora es protagonista de musicales como Los miserables, Peter Pan, todos podemos volar, El hombre de La Mancha o Mina… che cosa sei?…

Sobre Celia Gámez

Escrito por Santiago Castelo, este musical cuenta la vida de Celia Gámez, que con apenas 20 años y después de una corta temporada como cantante en el teatro Maipo de Buenos Aires, partió en 1925 hacia España acompañando a su padre a cobrar una herencia. Viajando en tren hacia Madrid, mientras cantaba tangos para divertir a los pasajeros, alguien que estaba organizando una gran fiesta benéfica la escuchó y, prendado de su voz y su simpatía, la contrató inmediatamente. A esa fiesta acudió nada menos que Alfonso XIII, el rey de España, quien cautivado por esa jovencita tan particular le facilitó el camino a una fama casi instantánea. Fama que perduró más de 50 años, durante los cuales fue la reina indiscutida del teatro, la revista y la zarzuela españolas, que apenas interrumpió un fugaz regreso a Buenos Aires, donde se refugió, huyendo de la Guerra Civil Española, hasta 1938, año en que regresó a España para continuar con sus triunfos. En 1984, ya retirada, regresó a su Buenos Aires natal, donde muy poca gente la conocía y donde después de actuar en un par de espectáculos, falleció en 1992 a la edad de 87 años, víctima del Alzheimer. [caption id="attachment_20528" align="aligncenter" width="699"]

La Celia / Ivanna Rossi[/caption]

FICHA

Dirección de escena: Emilio Sagi Texto: Santiago Castelo Idea y producción artística: Lino Patalano Arreglos y dirección musical: Jordi López Diseño de espacio escénico: Daniel Bianco Diseño de vestuario e imagen: Renata Schussheim Diseño de iluminación: Juanjo Llorens Diseño coreográfico: Sibila Reparto: Jimena González, Virginia Kaufman, Virginia Módica, Pilar Rodriguez Rey. Voz: Ivanna Rossi Fechas y horarios: Del 16 de enero al 7 de febrero de 2017 Lunes y martes a las 19h. en el TEATRO MARQUINA [button link="http://bit.ly/2jdvwsg" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button]

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TEATRO DE LA ABADÍA

Guindalera Teatro presenta EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO Del 16 al 27 de noviembre

El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma.

El 6 de mayo de 2015 se estrenó ‘El Año del Pensamiento Mágico’ en la Sala Margarita Xirgú del Teatro Español, obra basada en el best-seller de la autora norteamericana Joan Didion. La obra obtuvo excelentes críticas y en octubre se pudo ver en la Sala Guindalera.
La actriz Jeannine Mestre se enfrenta a este complejo texto, bajo la dirección de Juan Pastor, en una nueva producción de Guindalera Teatro
‘El Año del Pensamiento Mágico’ es un texto conmovedor, sincero, irónico sobre una experiencia personal, que se convierte en universal
La obra podrá verse en el Teatro de La Abadía del 16 al 27 de noviembre de 2016.

Tras su paso por la Sala Pequeña del Teatro Español, y la Sala Guindalera, El año del pensamiento mágico llega en noviembre de 2016 a La Abadía. Un lugar perfecto para este conmovedor y poético monólogo que Jeannine Mestre interpreta de manera sublime. Juan Pastor acudió a la representación en el National Theatre de Londres. De allí salió con la firme decisión de montarla en Madrid con la actriz Jeannine Mestre. Y solo hay que ver la obra para apreciar el acierto de esta decisión. The Year of Magical Thinking de Joan Didion. Premio Nacional de Estados Unidos a la "mejor obra de no-ficción” de 2005. Se trata de un libro prodigioso por su sinceridad y pasión conmovedoras, escrito por una de las más emblemáticas escritoras norteamericanas. En 2007 la obra se estrenó en Broadway. Dirigida por David Hare, junto a la actriz Vanessa Redgrave y la propia Joan Didion, realizaron una dramaturgia de la obra, conservando el título que estrenaron en Nueva York, el National Theatre de Londres y, posteriormente en numerosas ciudades del mundo... En 2004 Joan Didion escribió: El Año del Pensamiento Mágico. Lo comenzó diez meses después de que su marido, John Gregory Dunne, cayese fulminado ante sus ojos por un ataque al corazón. Didion es ensayista, novelista, guionista y periodista. Nació en California y estudió en la prestigiosa Universidad de Berkeley. Ha escrito numerosas obras, como Play it as it Lays, Democracy, Slouching Toward Bethlehem, The White Album, Salvador... Junto a su marido, John Gregory Dunne, también ha participado en destacados guiones de cine. Vive actualmente entre Nueva York y Los Ángeles, desde donde colabora con varios periódicos y revistas, como el The New York Review of Books. La pérdida de su marido, y posteriormente la de su hija, la empujó a escribir ‘El Año del Pensamiento Mágico’, con la que alcanzó reconocimiento internacional. [caption id="attachment_19909" align="aligncenter" width="711"]

EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO[/caption]

NOTA DEL DIRECTOR

El Año del Pensamiento Mágico es una historia real de amor y pérdida que la autora Joan Didion vivió, y con la que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, la memoria, la precariedad de la cordura y la vida misma. La protagonista nos relata los recuerdos más íntimos de su experiencia vital ante la pérdida de sus seres queridos, colocándonos un espejo encantado, como en un cuento de hadas, para que descubramos la verdad sobre nosotros mismos, lo que probablemente nos sucederá a lo largo de la vida. Y lo hace deslizándose suavemente sobre su pasado y presente, de forma conmovedora, sin sentimentalismos ni dramatismos, con ironía, humor mordaz y un extraordinario sentido musical en el uso de sus palabras, conformando una sonata rica en matices. Una experiencia intensamente personal que, no obstante, se convierte en algo universal. También provoca múltiples reacciones inesperadas, estableciendo una tensión entre lo que se dice y lo que no se dice, y por momentos lo que ocurre llega a ser gracioso, más gracioso de lo que podríamos esperar. Pero también llega a ser desconcertante, sobre todo si uno se pregunta por qué alguien tan obviamente inteligente aparece actuando de una forma tan estúpida.

Juan Pastor

[author] [author_image timthumb='on']http://estaticos.elmundo.es/assets/multimedia/imagenes/2015/05/17/14318823653337.jpg[/author_image] [author_info]Jeannine Mestre,Trabajó para la televisión alemana durante dos años con Albert Boadella y José Luis Gómez. Con José Luis Gómez participó en Lysístrata, de Aristófanes (1972), Gaspar, dePeter Handke (1973) y Woyzeck, de Georg Buchner (1976). Posteriormente intervino, entre otros, en espectáculos como: Veraneantes, de Gorki (dir. Carlos Gandolfo, 1970); Antígona, de Jean Anouilh (dir. Miguel Narros, 1975); Sueño de una noche de verano, de Shakespeare (dir. David Perry, 1980); El mito de Edipo Rey, de Sófocles (dir. Stravros Doufexis, 1982); Don Álvaro o la fuerza del sino (dir. Francisco Nieva, 1984); Kabaret paratiempos de Krisis, de Karl Valentin (dir. Guillermo Heras, 1984); Savannah Bay, de Marguerite Duras (dir. Hermann Bonnín, 1986); Kvetch, de Steven Berkoff (dir. José Pascual, 1986); Motor, de Álvaro del Amo (dir. Guillermo Heras, 1988); Eclipse total, de Hampton (dir. Roberto Villanueva, 1988); Els gegants de la muntanya, de Luigi Pirandello (dir. Xicu Masó, Teatre Lliure, 1990); A la glorieta, de Jane Bowles (dir. Simone Benmussa, compañía de J. M. Flotats, 1992); Roberto Zucco, de B.‐M. Koltès (dir. Lluís Pasqual, Teatre Lliure, 1993); Lobas y zorras, de Francisco Nieva (dir. Juanjo Granda, 1998); Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, de García Lorca (dir. Cristina Magnet, 1998); Los misterios de la ópera, de Javier Tomeo (dir. Carles Alfaro, 2000); Por un sí, por un no, de Nathalie Sarraute (dir. Luis Olmos, 2001); Coriolano, de Shakespeare (dir. Helena Pimenta, 2005); Flor de otoño, de Rodríguez Méndez (dir. Ignacio García, 2005); Trenes que van al mar, de Luis Araujo (dir. Carlos Martín, 2006); Función Beckett: La última cinta de Krapp,Qué palabra, Nana, Fragmento de Teatro II (dir. María Ruiz, 2006); Delirio a dúo, de Eugène Ionesco (dir.Salva Bolta, 2008 CDN); Tórtolas, crepúsculo y telón, de Francisco Nieva (Teatro María Guerrero 2008 CDN); La maquina de abrazar,de José Sanchis Sinisterra (dir Juan Pastor, 2010); La loba, de Lillian Hellman (dir Gerardo Vera, 2011). [/author_info] [/author]

FICHA

Autor: Joan Didion Traducción: Juan Pastor Iluminación: Sergio Balsera Espacio escénico: Juan Pastor Vestuario: Teresa Valentín-Gamazo Ayudante de dirección: José Bustos Joyas: Chelo Sastre Telón dibujo: Antonio Pastor, digitalizado por David Benito Fotografía: Alicia González y David Benito Comunicación: Raquel Berini y Manuel Benito Jeannine Mestre interpreta a Joan Didion Una producción de GUINDALERA TEATRO S.L. Fechas y horarios: Del 16 al 27 de noviembre De miércoles a sábado, 19:30h. Domingos, 18:30h en el TEATRO DE LA ABADÍA DESCARGAR DOSSIER

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TEATROS LUCHANA

K Producciones presenta

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE

de Lorenzo Silva Con Adolfo Fernández y Susana Abaitua

Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30

K Producciones presenta La Flaqueza del Bolchevique. La adaptación teatral de David Álvarez de la novela homónima de Lorenzo Silva (finalista Premio Nadal 1997). En el 2003, Luis Tosar y María Valverde protagonizaron la adaptación cinematográfica de la misma.

La versión teatral que llega a los Teatros Luchana tras su paso por el Teatro Lara la pasada temporada está protagonizada por Adolfo Fernández ('Ejecución hipotecaria' Premio Max Mejor Autor Revelación) y Susana Abaitua.

NOTAS DE DIRECCIÓN

¿El mal humor es humor? Si nos atenemos al malhumorado protagonista de La flaqueza del bolchevique, definitivamente sí. Poco importa que la versión teatral de la novela homónima tenga vocación de drama romántico frustrado. Que su condición “transgénero” le conduzca a la tragedia, para superarla. Que discurra cómodamente por terrenos cercanos a la sátira, la farsa y hasta el manifiesto sociopolítico. Al final, el humor puede con todo; el adjetivo “cómico” se adhiere con naturalidad a cualquier nombre previo. Uno de los caldos de cultivo más favorables para el humor es la hostilidad. El narrador de esta historia, de la que él mismo es parte activa, es un misántropo empedernido. Sus soflamas encendidas contra prácticamente todo, desde el deporte a la religión, pasando por la organización del trabajo, la autoridad o la industria automovilística, generan humor del bueno. Destilado en el alambique de la frustración y el desamparo. No siempre provoca risa. Son esas invectivas, además, una demanda desesperada de compañía, de comprensión y de amor. Cuando el amor aparece, con todos sus rasgos bien reconocibles, se esfuma al instante; en una pirueta trágica. O en una comparecencia del humor más negro. El grito se ahoga, pero sigue siendo grito. Y ese grito estaba pidiendo a gritos gritar en algún foro: un estrado, un púlpito o una esquina de Hyde Park. Nosotros hemos decidido darle el mejor de los espacios imaginables: un escenario. Adolfo Fernández y David Álvarez

SINOPSIS

El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Aunque no tiene ninguna fijación con las jovencitas, conserva un retrato de las hijas del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la duquesa Olga y a menudo se pregunta qué debió sentir el bolchevique encargado de matarla. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista.

FICHA

Reparto: Adolfo Fernández y Susana Abaitua

Autor: Lorenzo Silva

Adaptación: David Álvarez

Dirección: Adolfo Fernández y David Álvarez

Diseño de escenografía: José Ibarrola

Iluminación: Pedro Yagüe

Sonido y música original: Mariano Marín

Servicios técnicos: TARIMA Logística de Espectáculo

Fotografía: Sergio Parra

Diseño gráfico: Minim Comunicación

Prensa y comunicación: María Díaz Producción ejecutiva: Cristina Elso Distrubución: Emilia Yagüe Producciones

Fechas y horarios: Viernes y sábado – 20:00 | Domingos: 19:30 en los TEATROS LUCHANA DESCARGAR DOSSIER [button link="http://bit.ly/2irYALR" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADAS[/button] [learn_more caption="PRENSA" state="open"]

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https://www.youtube.com/watch?v=SNqTwigUtDY&w=640&h=360 [/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section]

Cervantina Ron LaLá en el Teatro de la Comedia

CNTC y Ron Lalá

presentan

CERVANTINA

Basado en textos de Miguel de Cervantes Versión: Ron Lalá

TEATRO SALÓN CERVANTES

"¿Quién pondrá rienda a los deseos?" Cervantes (Novelas ejemplares)

Aliados de nuevo con La Compañía Nacional de Teatro Clásico, Ron Lalá continúa homenajeando a Cervantes con CERVANTINA.

SINOPSIS

Cervantina es una nueva aproximación de Ron Lalá al universo del mayor autor de nuestras letras.

Una fiesta de piezas breves que reúne sobre el escenario las adaptaciones “ronlaleras” de diversas Novelas ejemplares, entrelazadas con las escenas más hilarantes de los Entremeses, fragmentos de las novelas ejemplares incluidas en el Quijote, además de piezas menos conocidas como el Persiles, la Galatea, el Viaje del Parnaso...

Una celebración del mejor Cervantes, eterno y cercano, con sabor al inconfundible sello de Ron Lalá.

Después del rotundo éxito internacional de En un lugar del Quijote, la compañía da un pso más en su exploración del mundo literario cervantino a través de las herramientas de su lenguaje escénico: el humor, la poesía, el ritmo desenfrenado, la música en directo... Un diálogo abierto y sin complejos para contagiar a los espectadores la risa inteligente, sensible y honda de Miguel de Cervantes.

NOTA DEL DIRECTOR

Es tiempo de Cervantes. Su defensa de la libertad de acción y pensamiento, su ironía permanente y su lucidez casi premonitoria, tan necesarias en cualquier edad y época, dan fondo a sus mejores páginas, que parecen escritas hoy. Casi mañana. Cervantina propone una inmersión en esas páginas para redescubrir junto al espectador todos sus tesoros de gracia y hondura. Nuestro desafío es transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de una escritura inagotable. Mujeres libertarias, viejos celosos, pícaros caballerescos, perros que hablan, y hasta un licenciado que cree ser de vidrio. Cambios de nombre, de género, de estamento, de vida. Personajes que evolucionan y revolucionan. Todo muta en este mundo que parece de agua y aire. El agua que se arremolina, confunde, se desenreda y discurre en las múltiples tramas. El aire que fluye sobre nuestras cabezas y nos regala personajes que flotan en el tiempo, y que encontramos hoy en cualquier rincón habitado por hombres y mujeres, viejos o jóvenes. El desafío de Ron Lalá consiste en transformar en piezas breves, escenas, monólogos y canciones la flor y nata de la amplia literatura cervantina. Compartir con los espectadores, a través del permanente juego del teatro, la alegría amarga, la sonrisa aguda, la belleza del idioma desencadenado y sobre todo, la resistencia del pensamiento libre, a pesar de los prejuicios sociales de un país al borde de la(s) ruina(s). A lo largo de sus años y de los siglos, Cervantes, nuestro más profundo y esencial humanista, resiste y persiste en el discurso de la mejor virtud civil: el justo ejercicio del libre albedrío. Es tiempo de Cervantes.

Yayo Cáceres

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Íñigo Echevarría, Miguel Magdalena, Juan Cañas, Daniel Rovalher, Yayo Cáceres y Álvaro Tato[/caption]

LA PUERTA ESTRECHA

Viernes a las 21h.

¿Cómo sería tu vida si desde que naces supieras cuando vas a morir?

“En la mitología griega, ANANKE era la personificación de la inevitabilidad, la necesidad, la compulsión y la ineludibilidad. Ananké estuvo entrelazada con su compañero, la personificación del tiempo Chronos. Juntos dividieron la material sólida en sus partes constituyentes (tierra, cielo y mar), provocando así la creación del universo ordenado.

Ananké y Chronos permanecieron eternamente entrelazados como las fuerzas del destino y el tiempo que rodean el universo, guiando la rotación de los cielos y el interminable paso del tiempo”

El sábado 24 de octubre de 2015 se estrena en Madrid la obra de ficción ANANKE. La nueva producción de Think Twice se podrá ver en el Teatro La Puerta Estrecha desde el 24 de octubre.

ANANKE es una producción propia de Think Twice, supone su debut teatral en Madrid y una continuación a un cortometraje realizado y producido en Londres con el mismo título y temática. Había tanto material para desarrollar en este mundo tan especial al que nos traslada la historia de ANANKE, que con tan interesante premisa decidieron extenderlo y llevarlo a las tablas. Eva Nieto y Bea Poey son Think Twice. Se conocieron hace cuatro años en Londres. Desde ese momento, juntas han dejado volar su imaginación en distintos proyectos creando universos únicos no sólo con sus guiones, sino también a nivel visual en sus historias. Siempre trabajando en la búsqueda de nuevos retos y sobre todo, con la firme vocación de conseguir un buen espectáculo. Sin dificultad, se mueven entre diversas disciplinas artísticas explorando las posibilidades del videoarte, la performance, el cortometraje, la publicidad y, más recientemente, el teatro. Eva y Bea vuelven a su ciudad natal para contribuir, en este caso, con un pequeño grano de arena al teatro madrileño. El reparto lo forman Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja.

SINOPSIS

Nos transportamos a un hipotético futuro en el cual en el momento que nacemos también sabemos la fecha exacta de nuestra muerte. Es ciencia ficción, un género poco común en el teatro y por ello mismo, una oportunidad nueva y diferente de experiencia teatral. ANANKE nos habla de un mundo diferente, donde sus habitantes aprenden a vivir conociendo la fecha exacta de su muerte. A través de sus personajes conoceremos este fascinante mundo en el cual la muerte y la vida se afrontan de una manera completamente diferente a la que nosotros conocemos. Una mezcla entre realidad y ficción que no deja indiferente. Un argumento sobre el destino y lo inevitable. [caption id="attachment_24162" align="aligncenter" width="697"]

Ananke[/caption]

FICHA

Dirección y dramaturgia: Bea Poey y Eva Nieto Ayudante de dirección: Fernando N. Vengut Escenografía: Sofía Lastra Coreógrafo: Aleix Mañe Sáez Asesoramiento Sonido: Jesús Espada Zaragoza Asesoramiento iluminación: CMarcos G. Núñez Reparto: Enrique Alcides, Begoña Mencía, Rodrigo H., Chus Pereiro, Susana Cerro y David Pareja. Una producción de Think Twice Fechas y horarios: Desde el 24 de octubre de 2015 Viernes a las 21h. en LA PUERTA ESTRECHA [button link="http://www.atrapalo.com/tracking/A2-11428809-3-ficha/entradas/ananke_e303757/" newwindow="yes"]COMPRAR ENTRADA[/button]

TEATRO KAMIKAZE

Kamikaze Producciones y MamaFloriana presenta

JUICIO A UNA ZORRA

Texto y Dirección: Miguel del Arco Con Carmen Machi

Del 19 al 29 Julio 2018

Juicio a una zorra es el mónologo de Helena de Troya, la Bella Helena, escrito y dirigido por Miguel del Arco e interpretado por Carmen Machi.

Juicio a una zorra, de Miguel del Arco. Estrenada en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, JUICIO A UNA ZORRA regresa a Madrid con el Premio Valle-Inclán de Teatro y el Premio Ercilla, entre otros, bajo el brazo. Y lo hace en el Teatro Kamikaze, donde se podrá ver Del 19 al 29 Julio 2018. Miguel del Arco reescribe el mito clásico en un monólogo apasionado e intenso que nos presenta a una Helena ansiosa por reivindicar su dignidad. › Juicio a una zorra. Texto publicado por Ediciones Antígona. Un monólogo apasionado, deslenguado e intenso donde Helena de Troya, “la mujer más vilipendiada de la historia”, reivindica su dignidad y nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya apelando a la verdadera causa de su delito: “Yo solo tomé una decisión: amar a un hombre por encima de todo”.

NOTA DEL DIRECTOR

Helena de Troya es, posiblemente, una de las mujeres más vilipendiadas de la historia. Lleva sobre sus hombros el peso de haber desencadenado la guerra más famosa de la antigüedad. Helena es un personaje sobradamente conocido. Sabemos que fue prometida a París a cambio de que él declarara que Afrodita era la más hermosa de las tres diosas en litigio, nos han contado el irresistible furor que produjo que huyera con Paris, es mítica su belleza divina… Pero en todos los episodios aparece como un personaje secundario. Un personaje que desencadena acciones de las que nunca es protagonista. Los poetas de la antigüedad la utilizaron para ensalzar el valor o la virtud de los héroes enloquecidos bajo el influjo de su peligrosa belleza, o para contrastar la situación de las mujeres a las que la lujuria y avaricia de Helena convirtió en víctimas. Si alguna vez algún poeta le dio voz, fue para ampliar los motivos para maldecirla. Fue maldecida por griegos y troyanos convencidos de haber sido arrastrados por su culpa a una guerra interminable. Por griegas y troyanas por ser la causa de la muerte de sus maridos y sus hijos. Y a partir de entonces, maldecida por la historia como representación de la mujer interesada e infiel. Helena se nos aparece desde “este limbo imperecedero en el que la coloca la imaginación de los hombres”. Un lugar al que ha sido condenada por la historia… por cómo ha sido contada la historia. Condenada también por ser la hija de Zeus, su única hija con una mortal, y por su insolente acercamiento a la belleza divina. Y así como Sísifo fuera condenado a subir eternamente una roca por la ladera de una montaña, Helena, lo fue al eterno deterioro: “una eternidad de fealdad para expiar sus culpas”. Pero ella se revuelve contra dios. Y se somete al juicio de los hombres con el único objetivo de “dejar de ser”. Un juicio en el que sabe que ha sido condenada de antemano. Pero la acumulación de dolor… y la cantidad de tiempo libre que deja la eternidad… la llevan a abordar su propio proceso. Pero esta vez quiere contar la historia con sus propias palabras. Esta vez será Helena quien elija las palabras que den forma a los hechos. Helena reivindica la necesidad de revisar quién escribe la historia. La suya, es la historia de una mujer enamorada que tomó una sola decisión en su vida: la de seguir al hombre que amaba. Se presenta ante nosotros, aquí y ahora, una Helena trasnochada, lenguaraz, borracha como una cuba por la necesidad de beber permanentemente la droga mezclada con el vino que ofreciera a Telémaco para aplacar su dolor. Una Helena sin miedo. Con ese valor que da el estar de vuelta de casi todo y no tener nada que perder. Una Helena convertida en una “ruina del tiempo”. Una Helena que desafía a los hombres y desafía a Dios. Una Helena que reclama el olvido. Las fuentes han sido muchas: La Ilíada, La Odisea, Las Troyanas, Helena de Eurípides… pero una vez asumidas dejé que la voz de Helena se hiciera fuerte con Carmen Machi en mi imaginación. La Machi es capaz de todo. Tiene todos los registros conocidos e incluso algunos de su única y exclusiva propiedad. Su registro cómico lo ha hecho sobradamente conocido la televisión pero, tal vez, no todos conozcan su registro trágico, ese capaz de hacer volar las palabras para hacer que el alma experimente una pasión propia con motivo de la felicidad y la adversidad en asuntos y personas ajenas.

Miguel del Arco

SINOPSIS

Juicio a una zorra Ante una larga mesa ceremonial repleta de botellas de vino y copas de cristal aparece una mujer de cabellera rubia, vestido rojo y tacones de vértigo. Es Helena de Troya, también conocida como Helena de Esparta, Helena la argiva, Helena la aquea o Helena la zorra. Porque quien ha pasado a la historia como la mujer más hermosa que ha pisado la Tierra, cuya inalcanzable belleza desencadenó la más célebre guerra de la Antigüedad, es también una de las mujeres más vilipendiadas que recuerdan las crónicas, la adúltera reina de Esparta. Al menos esa es la versión oficial. Pero ha llegado el momento de que la mirada femenina reescriba su propia versión del mito. “Yo solo tomé una decisión, posiblemente la única que tomé en mi vida. La de amar a un hombre por encima de todas las cosas. Los hechos que le siguieron fueron decisiones de hombres poderosos obsesionados con la posteridad y la riqueza”. Carmen Machi asalta el escenario para reclamar el derecho a elegir las palabras que conformen la historia de Helena y comparecer ante el público en busca de justicia. La mujer fatal que otros inventaron se convierte aquí en una reina marcada por el tiempo, el alcohol y el dolor que nos cuenta los acontecimientos que desencadenaron la Guerra de Troya, ajusta cuentas con Teseo y Menelao, reprocha sus actos a Agamenón, Ulises y Aquiles, y desafía al mismísimo Zeus, de quien ya no teme ni sus rayos. Y siempre con Paris, su único amor, en el recuerdo. “Esta noche voy a someterme voluntariamente a vuestro juicio a pesar de haber sido condenada de antemano. Pero esta noche las palabras que den forma a los hechos serán las mías”, explica Helena. Y levanta su copa de vino como si lanzara un brindis al cielo. [gallery ids="67784,40783,20482"]

FICHA

Texto y dirección Miguel del Arco Música Arnau Vilà Iluminación Juanjo Llorens Sonido Sandra Vicente (Studio 340) Peluquería Sara Álvarez Fotografías Sergio Parra Producción Aitor Tejada Con Carmen Machi Una producción de Kamikaze Producciones y MamaFloriana Fechas y horarios: Del 19 al 29 Julio 2018 en el TEATRO KAMIKAZE

Es un delito perderse esta función, donde CARMEN MACHI (por si alguien lo dudaba) obliga que a partir de ahora a que su nombre sea escrito en mayúsculas.

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